Pierre Tal-Coat

 Pierre Tal-Coat (1905–1985) 

artista francés considerado como uno de los fundadores del tachismo.

Hijo de un pescador, en la aldea de Clohars-Carnoët, Finistère. Asistió a la escuela primaria y en 1915, durante la Primera Guerra Mundial, su padre murió en combate en el frente de Argonne. Aprendiz de herrero en 1918, comenzó a diseñar y esculpir y fue recompensado con una beca nacional e ingresó a la escuela primaria superior en Quimperlé. Comenzó su vida laboral como secretario de notario en 1923 en Arzano. En 1924, encontró trabajo como decorador en la fábrica de porcelana Keraluc en Quimper, creando personajes y paisajes de la campiña de Bretaña.

Al llegar a París  conoció al pintor Émile Compard. En 1925 y 1926 cumplió su servicio militar en París en los coraceros. Conoció a Auguste Fabre y Henri Bénézit y expuso en su galería bajo el nombre de Tal-Coat, nombre que utilizó toda su vida para evitar la homonimia con el poeta Max Jacob. De vuelta en París en 1930, después de una estancia en su casa en Bretaña de 1927 a 1929, se mezcló con personajes tan notables como Francis Gruber, André Marchand, Gertrude Stein, Francis Picabia, Ernest Hemingway, Giacometti, Balthus, Artaud, Tzara y Paul-Émile. Víctor. Desde 1932 fue miembro de las "Forces Nouvelles". En 1936, protestó contra la Guerra Civil Española con su serie "Masacres".

 Fue reclutado para el ejército en 1939 en Saint-Germain-en-Laye y más tarde en Ermenonville y se desmovilizó en 1940 en Montauban. Instalado en Aix-en-Provence, que se había convertido en el refugio de muchos artistas, incluidos André Marchand, Charles Albert Cingria y Cendrars, participó en la exposición "Veinte jóvenes pintores de la tradición francesa" organizada por Jean Bazaine en 1941,  posteriormente expuesto en la Galerie de France en 1943. Al volver a París en 1945, participó en la primera exposición del Salon de Mai. Regresó al año siguiente a Aix, donde se alojó en el Chateau Noir, donde Cézanne se alojó pintando en Tholonet y conoció a André Masson, el filósofo Henri Maldiney y el poeta André du Bouchet, que se hicieron sus amigos íntimos. Sus pinturas ahora se habían vuelto no figurativas.

 Junto con los artistas de la nueva Escuela de París, la Galerie de France (de 1943 a 1965), la Galerie Maeght (de 1954 a 1974), Benador (de 1970 a 1980), la galería HM, la galería Clivage y el Berthet La galería -Aittouarès exhibieron regularmente sus pinturas. En 1956, seis de sus pinturas se exhibieron en la Bienal de Venecia con las de Jacques Villon y Bernard Buffet. En 1963 colaboró junto a Joan Miró y Ubac en la creación de la fundación Maeght. Diseñó un mosaico de pared para la entrada en 1968 y recibió el Grand Prix National des Arts. Una gran exposición retrospectiva dedicada a su trabajo, se celebró en el Grand Palais de París en 1976.

Raoul UBAC

(1910 - 1985)

 Fotógrafo, pintor, grabador y escultor. Saltó a la fama después de la Segunda Guerra Mundial, al principio bajo el seudónimo de Raoul Michelet. En 1929, cuando su familia alemana se estableció en Bélgica, encontró y leyó el Manifiesto del Surrealismo. En 1930, cuando llegó a París, se puso en contacto con los miembros del grupo y con la pintora Camille Bryen, con quien publicó una colección de poemas en 1934, acompañada de fotografías. 

 

 Continuó su formación en arte en la escuela de artes aplicadas en Colonia, donde durante un año estudió dibujo y fotografía. A su regreso a París, conoció a Hans Bellmer, Victor Brauner y Raoul Hasmann. Sus primeras fotografías fueron publicadas en 1937 en la revista Minotaure. Durante la Segunda Guerra Mundial Ubac se exilió en Carcasona, donde conoció a Magritte. Después de la guerra, vivió parcialmente en París y parcialmente en Bruselas; conoció al poeta Andre Frénau, los dos trabajaron intensamente juntos en su arte. En 1947, Ubac volvió a la pintura, en emulsión, haciendo uso de los huevos y evitando trabajar con óleo.  

 

Aimé Maeght lo presentó por primera vez cuatro años después. Raoul Ubac exploró el proceso en el cual el espíritu y la visión chocaban constantemente con la realidad, explicando en 1942: "Simultáneamente con la conquista del mundo, la conquista del espacio continúa. El hombre impregna el espacio de las zonas que están más o menos expandidas según el grado de penetración de su conciencia. Es posible, y creo que es una hipótesis que es en sí misma impredecible, que existe la posibilidad de recrear el espacio tal como es posible por nuestro deseo de crear una imagen del mundo que lo reemplaza ". 

 

 En la pintura de los años cincuenta muestra una arquitectura antropomórfica, como un esqueleto de figuración que articula con el trasfondo de la obra a través de efectos de transparencia y superposición. El último estado del objeto pintado en el lienzo que exhibe es la transformación del motivo, antes de que cambie a la representación formal más simple. Pero Raoul Ubac también está interesado en minerales. En la década de 1960 dirigió sus atenciones y esfuerzos a la pizarra, que también integró en la pintura, a la que le dio una forma más, incidiendo una serie de signos con un clavo, para que compongan relieves animados, ondas efímeras que inicialmente hizo en  arena

Bram van Velde

  

 
On Waiting - Bram van Velde from Pat van Boeckel on Vimeo.

Cuando Samuel Beckett y el pintor  Bram Van Velde se conocieron en París en la década de 1930, ambos vivían en una extrema pobreza y ninguno de ellos podría haber anticipado que, despues de la Segunda Guerra Mundial y la brutal ocupación de Francia por los Nazis, ambos se convertirían  en figuras importantes en sus respectivos medios:  Beckett ganando el Premio Nobel de literatura y Van Velde exponiendo su obra por todo el mundo.

El holandés Bram van Velde (1895-1981) El primer desengaño del pintor holandés se produce cuando, siendo niño, su padre lo abandona, dejándolo en una indigencia espantosa.

Su obra, calificada de “abstracción lírica”, constituye una de las referencias del arte europeo posterior a la II Guerra Mundial.

 Su pintura original  estaba rodeada por los procesos neoprimitivistas y expresionistas de NKVM y Blue Rider. En los primeros comienzos figurativos de la década de 1920, propuso empresas simplificadas, particularmente figuras humanas que son vistas a través del prisma de la escultura africana y la yuxtaposición de secciones construidas de color puro separadas por una rejilla blanca, a veces rodeadas de negro.

 Entre 1936 y 1941, después de una estancia de cuatro años en Mallorca y un regreso a París, la figura había desaparecido o estaba oculta.

 En 1938 conoció a Samuel Beckett, quien cuatro años más tarde lo ayudó en los terribles años de la guerra. Entre 1941 y 1945, Bram van Velde no pintó y vivió en la indigencia.  Cuando la miseria apabullante había llegado al límite extremo de lo que un artista puede soportar  Samuel Beckett, cuyo primer ensayo en francés después de la II Guerra Mundial -incluido en su libro Disjecta- estuvo dedicado a la pintura de Van Velde.

  Considerado por sus amigos Samuel Beckett, Jacques Putman, Georges Duthuit como el pintor de la desesperación, Bram Van Velde trata de reproducir el movimiento inestable del mundo, la angustia de la condición humana, la atomización del tiempo y del espacio, la disolution de la conciencia.

Pierre Loeb lo presentó en 1945, y Aimé Maeght expuso sus obras desde 1947 en adelante. Su colaboración comenzó con un contrato de cinco años que permitió al artista recuperarse después de la destrucción de la guerra.  

Bram van Velde representa al artista que persigue una verdad, que entiende la pintura como una necesidad interior. Tras Bram van Velde hay un itinerario de dolor, una experiencia vital dramática que da sentido a su arte. La pintura es entonces una suerte de salvavidas, terapia, autodescubrimiento o iluminación. Pero también es el resultado de un desprenderse del mundo, de una situación límite que, como en todo proceso iniciático, hace posible la luz, la vida nueva. La pintura es duda, dificultad, inseguridad, extrema fragilidad, límite…

Jean-Pierre RUEL

Jean-Pierre RUEL nació en Saint-Etienne en 1970. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lyon y París. Representó a Francia en la bienal de Roma de 1999. Expone regularmente en París y en el extranjero. Su obra es parcialmente abstracta pero con elementos concretos, suficientemente precisos para entender lo que quiere representar.

Vladimir Veličković

El pintor yugoslavo Vladimir Velickovic nació el 11 de agosto de 1935 en Belgrado. Diplomado por la  Escuela de Arquitectura de Belgrado en 1960, Velickovic recurrió a la pintura y consiguió  su primera exposición individual en 1963.

En 1965, ganó el premio en la Bienal de París, donde se mudó al año siguiente. Fue conocido en 1967 por una exposición en la Galería del Dragón e inmediatamente apareció como uno de los artistas más importantes del movimiento neorrealista.
Vladimir Velickovic realiza numerosas exposiciones individuales en toda Europa y recibe prestigiosos premios de dibujo, pintura y grabado. Es elegido miembro de  la Escuela Nacional de Bellas Artes de París de 1983 a 2000  y en  2005  de la Academia de Bellas Artes de París. Caballero de la Legión de Honor, comandante de las Artes y las Letras  y  en la 52ª edición de la Bienal de Venecia de 2007, Comisario del Pabellón de Serbia.

Las pinturas de este pintor de fama internacional es preocupante: paisajes desolados, horizontes bloqueados,  visiones de la guerra,  derramamiento de sangre, horca,  ganchos, ratas, aves rapaces, perros músculos vendados forman un mundo macabro y agresivo, donde las representaciones del mundo y del cuerpo humano son  ilustraciones del posible sufrimiento.

Velickovic pinta hombres o animales cuyos cuerpos se enfrentan a situaciones dramáticas y aterradoras. Denuncia la crueldad del hombre dedicado  a carreras agotadoras sin esperanza.La pintura de Vladimir Velickovic resucita la violencia extrema de los crímenes nazis en su país cuando era niño. Rojo, blanco, negro y gris son los colores dominantes de sus obras.

Luciano Castelli

Luciano Castelli (nacido el 28 de septiembre de 1951 en Lucerna) (Suiza). Sus principales campos de actividad artística son la pintura, la escultura, la fotografía, la música y el cine / video.
El trabajo de Luciano Castelli es multifacético, cada uno centrado en ciudades, encuentros y nuevos medios artísticos.

 Estudió con Max von Moos en la Escuela de Artes Aplicadas. Luego aprendió a escribir a máquina y se convirtió a principios de la década de 1970 en la figura clave de la Bohemia de Lucerna. Castelli y su comunidad residencial se convirtieron en parte de la historia del arte a través de instantáneas que el artista Franz Gertsch transformó en monumentales pinturas fotorrealistas.  

Además de "Luciano Castelli I", "En Luciano's House" y "Marina inventando a Luciano", fue principalmente "Medici", un retrato grupal de "los fanáticos del pelo largo alrededor del pintor chillón Luciano Castelli" que se convirtió en 
 " foto de portada de la documenta 5 de Harald Szeemann. Castelli, que mostró en 1971 
Shiloum ", una pipa de humo utilizada para el hachís se convirtió en una estrella del mundo del arte.

 Mucho le debe a Jean-Christophe Ammann, el ex asistente de Szeemann y director del Museo de Arte de Lucerna, que lo había puesto en contacto con Gertsch y lo había incluido en la Documenta. En 1974 Ammann mostró en su exposición seminal "Transformer - Aspects of Travesty" fotos andróginas de Castelli.

 En 1978 Castelli fue a Berlín y se convirtió en parte del círculo  de la Galerie am Moritzplatz, al que se adaptó con su pintura rápida y expresiva. Los pintores que demarcaron el intelectualismo y la severidad de la vanguardia de los años 70 se convirtieron en parte de la historia del arte como Neue Wilde. Castelli pintó obras junto con Salomé y con Rainer Fetting. Junto con Salomé fundó la banda de punk de vanguardia Geile Tiere (Horny Animals), donde cantó y tocó el bajo.

 En 1989 se estableció en París y se casó dos años después con Alexandra, que pintó una y otra vez. Experimentó con una cámara oscura hecha en casa y desarrolló sus pinturas giratorias.

 Actualmente  es testigo de un creciente interés por su trabajo. Sus autorretratos fotográficos han sido publicados en un libro de la renombrada editorial artística Patrick Frey y se muestran en una amplia exposición general en París. En 2015, el Museo Nacional de Arte de China en Beijing presentó una gran exposición  de sus pinturas que luego se destinaron al Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai. Para China, Castelli desarrolló motores que rotan lentamente las Pinturas Giratorias en 360 °.

Jean-Charles Blais

Jean-Charles Blais nació en Nantes en 1956. Vive y trabaja en Paris.Blais estudia en la Escuela de Bellas Artes de Rennes (1974-79).

En 1981 participa a una exposición organizada por Bernard Lamarche-Vadel  (“ Acabar triunfalmente”) que será el acta de naciminento del movimiento de la Figuración libre. Las pinturas, los grabados y dibujos de Jean-Charles Blais hoy en día estan conocidos a nivel internacional.

 Su primera exposición personal se organiza en 1982 y sus obras se exponen sucesivamente en Francia (Burdeos, Paris…) y en el extranjero (Roma, Amsterdam, Londres, Basilea, Nueva York…)A principios de los años 80, el artista pinta las más veces en el envés de carteles recuperados en la calle o el metro ; sus lienzos están poblados con personajes agrandados hasta lo gigantesco. 

 La pintura de Blais no disimula la filiación ni las tradiciones en la cual se inscribe. Muy pronto Blais cambia de estilo : los personajes se esfuminan, misteriosos, meras siluetas de espalda, sombras extrañas y sensuales, rostros que son sombras negras, de las cuales nunca se sabrá quienes son. “ Pinto figuras que ya no son personajes sino objetos” declara Jean-Charles Blais. Responde a encargos de entidades públicas con el lenguaje del espacio público, en la estación de metro Asamblea Nacional.

 Aborda la escultura en los años 90 y paralelamente retoma la pintura sobre carteles. Blais multiplica los experimentos. A principios de los años 2000 realiza cuadros numéricos.

Información- Taller del Prado

Emilio Longoni

Emilio Longoni [1859-1932] fue un pintor italiano. Nació en Barlassina el 9 de julio de 1859, cuarto de doce hijos. Desde que era un niño sintió una gran pasión por la pintura. Después de terminar la escuela primaria, fue enviado a Milán para trabajar. De 1875 a 1878 asistió a la Academia de Brera, donde recibió muchos premios.

En 1882 conoció a Giovanni Segantini,  compañero de clase en Brera, y le presentó a los hermanos Alberto y Vittore Grubicy, propietarios de una galería de arte que promocionaba activamente a jóvenes artistas. En 1886 logró alquilar un estudio en via della Stella, ahora vía Corridoni 45. Empezó a pintar retratos y bodegones para la aristocracia y la clase media de Milán. 

 En 1891 participó en la primera Trienal de Brera con obras que lo dieron a conocer al público y a la crítica. Desarrolló un estilo de pintura divisionista.

Entre 1900-1932 participó en las más importantes exposiciones italianas e internacionales. Desarrolló una conexión creciente con la naturaleza y se acercó al budismo, pasando largos períodos pintando en las montañas, principalmente en la Cordillera de Bernina.

Después de la primera guerra mundial se encerró, su edad le prohibibía ir a las altas montañas y su pintura se volvía cada vez más inmaterial. Se alejó de las exposiciones y trabajaba  para pocas personas con las que tuvo contacto directo. En 1928 se casó con su compañera Fiorenza de Gaspari. Murió en su estudio el 29 de noviembre de 1932.

Thomas Dewing

Thomas Dewing nació el 4 de mayo de 1851, en Newton Lower Falls, Massachusetts. De niño, estaba interesado tanto en dibujar como en tocar el violín; este temprano interés por la música reaparecería más tarde en los temas de muchas de sus pinturas. En 1872, después de un período de aprendizaje en una tienda de litografía, ya había elegido su profesión como "artista". Estudió pinturas en la colección del Museo de Bellas Artes de Boston, especialmente las obras de Jean Baptiste Siméon Chardin . Asistió a clases  organizadas por estudiantes en el Boston Art Club y pudo haber estado presente en las conferencias sobre anatomía impartidas en Boston por el artista William Rimmer  en 1874-1875. Trabajó brevemente en Albany, Nueva York, durante 1875-1876 y en julio de 1876 fue a Europa. Dewing entró en la Académie Julian, donde  siguió un curso con Gustave Boulanger  y Jules-Joseph Lefebvre,  centrándose en el dibujo anatómico y el modelado. Mientras estaba en París conoció al pintor estadounidense William Merritt Chase y, como Chase, desarrolló un interés particular en la pintura española.

Regresó a América a principios de 1878, se detuvo primero en Nueva York y luego se fue a Boston, donde se convirtió en asistente de la recién fundada Escuela del Museo de Bellas Artes. A finales de la década de 1870 participó en varias exposiciones de Boston, donde se exhibieron pinturas que recordaban  obras académicas de moda de artistas franceses. Decidiendo que Nueva York brindaba mayores oportunidades para un artista aspirante, Dewing se mudó allí en 1880. Pronto entró en contacto con muchos de los jóvenes artistas que habían formado la Sociedad de Artistas Estadounidenses debido a la insatisfacción con la Academia Nacional. Dewing fue elegido miembro de la Sociedad en 1880 y en 1881 comenzó a enseñar en la Art Students League, donde renovó su amistad con Chase. En 1881 se casó con la artista Maria Oakey, a través de la cual había sido introducido a un círculo cultural activo, incluidos los pintores Abbott  y John La Farge. 

A fines de la década de 1880, Dewing había formado su estilo básico y temático: mujeres elegantes y refinadas retratadas con una gama extremadamente limitada de colores y ubicadas en interiores  o al aire libre en campos verdes y suaves. Se inspiró en las pinturas del artista holandés Vermeer  y en la estética de James A. M. Whistler  y del artista inglés Albert Moore. Su pincelada se volvió cada vez más suave y borrosa.

En diciembre de 1897, Dewing renunció a la Sociedad de Artistas Estadounidenses y se unió a un grupo de pintores de Boston y Nueva York para formar The Ten. La mayoría de los Diez trabajó en estilos impresionistas que tenían poco en común con la técnica más tenue de Dewing. Continuó pintando activamente en los primeros años del siglo XX, recibiendo varios premios y disfrutando del patrocinio de coleccionistas tan notables como Charles L. Freer y John Gellatly. Hizo poco trabajo durante la última década de su vida, y murió a la edad de ochenta y siete años en Nueva York el 5 de noviembre de 1938.