Adolph von Menzel

 



Adolph von Menzel nació en Breslau en 1815, hijo de un maestro de escuela que más tarde fundaría una imprenta de litografías, en la cual trabajó Adolph a los catorce años.  La familia se mudó a Berlin en 1830 y él tuvo que responsabilizarse de la famila debido a la muerte de su padre. En 1833-34 asistió a la Royal Academy of Art, donde conoció a un fabricante de papeles pintados- Carl Heinrich Arnold- que se convertiría en amigo y jefe.

Su éxito como artista empezó cuando Louis Sachse, marchante y editor, le encargó una serie de litografías para una obra de Goethe "Künstlers Erdenwallen".  En 1834 entró en la asociación de artistas jovenes. EEn esta época ya estaba trabajando con óleo. En 1838 fue admitido en la asociación de artistas adultos.  Un año despues le encargaron  las ilustraciones para la "Historia de Federico el Grande" de Franz Kugler.

En 1839 conoció la obra de Constable. En 1849 Menzel se embarcó en un ciclo de pinturas que trataban de la vida y obra de Federico el Grande. En 1850 completó una de sus obras mas conocidas  del monarca de la ilustración "Federico el Grande con amigos en una mesa"

Menzel entró en la Royal Academy of Art  y fue nombrado profesor en 1875.  En 1855 fue por primera vez a París para ver la Exposición Universal y vio el "Pavillon du Réalisme" de Courbet. Volvió a la capital francesa frecuentemente.
 
En 1867 fue condecorado con "la legión de honor" por su obra "Frederick and His Troops at  the Battle of Hochikirch". En 1675 acabó "Steel Rolling-Mill". Su primera exposición antológica se realizó en 1884, y a continuacion se  hicieron otras muchas tanto en Alemania como en el extranjero. Menzel fue un artista que recibió honores en su país y fuera durante su vida: cuando cumplio  70 años recibio un doctorado honorario en el universidad de Berlin. Fue nombrado ciudadano honorario de la ciudad de Breslau y miembro honorario de la Academia de St Petersburgo.  Más tarde fue nombrado ciudadano honorario de la ciudad de Berlin con el título  de "excelencia" y lo hicieron miembro de las Academias de París y Londres 

La carrera de este magnífico pintor fue coronada con la condecoración de "Caballero de la Orden Negra" y elevado a noble. Murió en Berlin en  1905

Ref. Art directory




 Menzel tenía la cabeza grande y era muy bajito, medía 1 metro 37 centímetros. Es considerado el mas importante exponente del realismo pictórico del siglo XIX en Alemania.

Degas admiró su obra- se refería a él como "el mayor maestro vivo"

Menzel escribió en su testamento: "No sólo he permanecido soltero, a lo largo de toda mi vida he renunciado a las relaciones en el otro sexo...En resumen, hay una falta de cualquier clase de unión entre el mundo exterior y yo"

Ferdinand Hodler

Berna, 1853-Ginebra, 1918            
Considerado uno de los principales pintores del simbolismo centroeuropeo de finales del siglo XIX, el arte del suizo Ferdinand Hodler estuvo determinado por una concepción del mundo personal dominada por los principios de simetría y ritmo. De origen humilde y huérfano desde temprana edad, comenzó su formación en 1868 de la mano del pintor de vistas de su país natal, Ferdinand Sommer. En 1871 se trasladó a Ginebra para estudiar en la École des Beaux-Arts, donde comenzó a exponer obras en las que predominaban las representaciones de la clase trabajadora
En. 1878 viajó a Madrid y estudió a los grandes maestros del Museo del Prado. Tras su regreso a Suiza, conoció las tendencias simbolistas de la pintura francesa gracias al poeta Louis Duchosal. Sus obras a partir de entonces reforzaron este aspecto y se centraron en representar estados mentales y las principales preocupaciones filosóficas del ser humano. Producto de esta evolución es Noche, de 1890 (Berna, Kunstmuseum Bern), relacionada con la idea de la muerte y del sueño, que fue expuesta con éxito en el Salon de la Rose+Croix de París de 1892. Una posterior serie de veintisiete personajes de la historia suiza en tamaño mayor al natural fueron el comienzo de su carrera como pintor del imaginario nacional suizo así como del gran aprecio de que aún goza en su país natal.
En 1900 participó en la Secession berlinesa, en 1903 en la Secession de Múnich y un año más tarde expuso sus obras junto a las de Edvard Munch y Axel Gallén en la Secession de Viena. En los últimos años de su vida terminó por convertirse en uno de los más innovadores muralistas de la época con trabajos como los que realizó para la Universidad de Jena en 1907 o el Ayuntamiento de Hannover en 1911Murió. en Ginebra en 1918
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Museo Thyssen-Bornemisza

Louis Moilliet

(1880-1962). Pintor suizo. Desde 1911 estuvo íntimamente relacionado con el grupo Der Blaue Reiter en el que presentó a Paul Klee, y en 1914 acompañó a Klee y a Macke a Túnez en un viaje cuyas repercusiones en el desarrollo de la abstracción expresiva se han hecho famosas en el arte del siglo xx. Pasó los años de la guerra en Suiza, y en 1919 empezó una serie de largos viajes tras los cuales vivió recluido en La Tour de Peiltz, junto al lago Leman. Moilliet destaca sobre todo como acuarelista por la brillante transparencia de color en sus paisajes. También diseñó vidrieras para iglesias. Rf. diccionario  enciclopedico de arte y arquitectura

John Seward Johnson II

J. Seward Johnson Jr, nació en New Jersey en 1930. Estudió en la escuela Foreman para dislexicos y en la Universidad de Maine, pero no se graduó. Estuvo en el Ejército durante  4 años en la Guerra de Corea.

Fue desheredado por su familia, su abuelo era dueño de la compañía Johnson and Johnson. Comenzó su carrera como pintor pero en 1968 comenzó a hacer esculturas. A partir de esa fecha más de 200 obras de este artista figuran en colecciones privadas en Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, así como en plazas públicas en Nueva York y en Canadá.

En 1974 fundó un estudio sin ánimo de lucro para formar y ayudar a escultores.

Sus esculturas, hechas a tamaño real y representando a gente en situaciones cotidianas, se pueden encontrar en calles, en parques, tan reales que la gente se queda asombrada por su realismo

En trabajos recientes se recrea en pinturas de artistas muy conocidos del siglo XIX, por ejemplo dasayuno sobre la hierba de Eduard Manet

    
 The awakening, su obra más grande y dramática,  es una escultura gigante, medio sumergida en la tierra, luchando por liberarse, está en el el National Harbor en Maryland

En 1984 un catedrático y crítico de arte de la universidad de Princeton calificó su obra como "kitsch" y el crítico de arte del New York Times y otros críticos calificaron su obra como "no arte".  La controversia se basa en la utilización de patrones informáticos que Johnson presenta como originales. El software como por el ejemplo el Maya puede producir diseños y aumentarlos, los puede cortar en plástico y otros materiales. Su exposición de 2003 en la galería Corcoran "Beyond the Frame: Impressionism Revisited" en la que presentó estatuas imitando pinturas impresionistas, fue un éxito de pùblico aunque una vez más fue muy criticada por expertos en arte

Johnson y su mujer viven ahora en Princeton. Aun trabaja en el arte, preside su fundación, publica una revista de ciencia, es presidente de una institución de investigación oceanografica en Florida y es el fundador del off-broadway theater en Nueva York


Links:
http://www.sewardjohnson.com/overview/overViewIntro.html
http://www.nationmaster.com/encyclopedia/J.-Seward-Johnson,-Jr
http://www.groundsforsculpture.org/c_jjohn.htm

Louise Bourgeois

El arte es una garantía de cordura. Eso es lo más importante que he dicho.

Para defenderse, se identifica con el pene, trata de tomar la misma arma del agresor. Este es un problema que parte de la infancia y de la falta de una educación razonable y comprensiva. Cuando yo era chica, se hablaba del sexo como de algo peligroso. Es importante mostrar a las chicas. 

De niña, me daba mucho miedo cuando en la mesa del comedor mi padre no dejaba de alardear, se jactaba una y otra vez de sus logros. Y cuanto más grande pretendía volver su figura, más insignificantes nos sentíamos sus hijos. Mi fantasía era: lo agarrábamos con mis hermanos, lo poníamos sobre la mesa, lo troceábamos y lo devorábamos...

Mi obra perturba a la gente y nadie quiere ser perturbado. La gente no es plenamente consciente del efecto que mi trabajo tiene sobre ellos, pero ellos saben que es perturbador.

                      No soy lo que soy, soy lo que hago con mis manos.

"El rojo es sangre, dolor, violencia, peligro, venganza, celos, resentimiento, culpa. Son sentimientos cotidianos."

"Es un gran privilegio ser capaz de trabajar con mis sentimientos (y también fuera de ellos) a través de la escultura." 

Veo en la entrada anterior sobre Louise Bourgeois  un comentario sobre "que el texto estaba copiado de wikipedia"- Quiero aclarar que en este blog no se trata de impartir historia del arte. No soy ninguna experta y no lo intento. Las biografías las saco de internet o de algún libro de arte.  Yo soy solo una persona a la que le gusta el arte e intento difundirlo, si a mi me gusta algo quiero que los demás lo conozcan. No obtengo ningún beneficio con este blog- solo trabajo- horas de trabajo, eso si que puedo asegurarlo. El arte se vive, se siente, si hace falta que te lo expliquen malo, malo...

Un cariñoso saludo a todos los que me siguen...

Y dicho esto, vamos a Louise Bourgeois

LOUISE BOUGEOIS (1911-2010)

Nació en París. Sus padres tenían una galería y un taller de restauración de tapices.  Louise estudió en  el Lycée Fénelon en Paris, pero sus estudios fueron interrumpidos para acompañar a su madre que se puso enferma. Mas tarde recibiría su licenciatura en Matemáticas en la Sorbona

Su madre muere en  1932 y ella comienza su aprendizaje artístico en varias academias en Paris, con Fernand Léger  entre otros-"Fue precisamente mi maestro Fernand Léger quien me dijo al ver mis dibujos que yo quería ser escultora"

En 1938 se hace cargo de una sección en la tienda de su padre para vender libros ilustrados, grabados y pinturas, allí conoce a Robert Goldwater, se casan y se marchan a Nueva York.

En  1939 adoptan a su hijo Michel y al año siguiente nace su hijo Jean-Louis y en 1941 nace Alain.  En Nueva York hacen dos exposiciones de pintura antes de que ella  empiece con la escultura. Durante esta época hace unas series de personajes de madera

El Padre de Louise fallece en  1951 y ella cae en una profunda depresión que la alejará del arte durante un período de diez años.

En 1964 comienza a exponer con más frecuencia

En  1973 fallece su marido Robert Goldwater

En 1982 se realiza una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York con gran afluencia de público y entre  2007 y 2009 se hacen otras retrospectivas en la Tate Modern de Londres, en el Centre Pompidou de París, en  el Museo Guggenheim de Nueva York, en el Museo de Arte contemporaneo  de Los Angeles y el Museo Hirshhorn de Washington.

El New York Times dice en su obituario:

La artista americano- francesa  Louise Bourgeois que consiguió fama solo al final de su larga carrera, con sus esculturas abstractas cargadas de psicología, dibujos y grabados tuvieron un efecto galvanizante en el trabajo de los artistas mas jóvenes, especialmente en las mujeres, murió el lunes en Manhattan, donde vivía, a los 98 años de edad

Käthe Kollwitz

Una fuerte presencia de la condición femenina durante la guerra, niñas, niños, y la muerte, son los tres temas constantes en el legado de Käthe Kollwitz (1867-1945), artista gráfica alemana, quien a través de su trabajo reveló al mundo los rostros, tragedias, y horror que vivieron principalmente las madres como botín de guerra del régimen nazi.

La entrada del Museo Käthe Kollwitz en Berlín está precedida por una estatua de bronce de la artista alemana que dedicó su trabajo a ser una protesta social y una denuncia pública del régimen nazi. Tras la muerte de su hijo menor durante la Primera Guerra Mundial, el trabajo de la artista se tornó aún más sombrío.

En sus dibujos, pinturas y esculturas la muerte, nacimiento y maternidad se asocian dejando al descubierto la condición vulnerable de la población femenina en la guerra y el terror del régimen nazi.

Eran las madres quienes se encargaban de suministrar la comida, el cariño y el cuidado a sobrevivientes de la guerra, a hijas e hijos, además de ser ellas también quienes aparecen como principal personaje en toda la obra de la artista para comunicar y transmitir el horror del hambre, tragedia y muerte.

Kollwitz nació un 8 de julio como hoy, pero en 1867 en Königsberg, antes de la unificación alemana, en 1867, Königsberg, era la antigua capital de Prusia (actual Kaliningrado, Rusia).

Tuvo que vivir recluida desde 1933 hasta su muerte en 1945 pues su trabajo fue denunciado por el régimen nazi que además persiguió a quien Käthe por ceder su trabajo y así convertirse en una de las principales creadoras de denuncia pública en las marchas y manifestaciones de la época.

Sus trazos sencillos imprimieron personalidad a pósters, carteles, manifiestos y pancartas en las protestas, y sus creaciones dieron voz a la condición femenina, ante todo a las madres de hijos que morían combatiendo en guerra, o asesinados.

De esta forma la artista alemana con su trabajo artístico realizó una llamada doble de protección de las madres hacia sus hijos. Esposa, madre, y artista Kollwitz conoció los agitados días de la República de Weimar, el ascenso del nazismo, su llegada al poder, las imposiciones de dicho régimen, el estallido y el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.

Dedicó gran parte de su trabajo a realizar autorretratos, hizo más de 50, en los cuales es posible apreciar el avance del tiempo en su cuerpo, en sus creaciones y crecimiento artístico. La artista nunca le tuvo miedo a la muerte, ni a la vejez.

Vivió valiente, sin prejuicios. Se dibuja avejentada, con el pelo blanco y la mirada profunda en todo momento en el museo de Berlín que dedica cuatro pisos enteros a la artista, donde es posible observarla en todas sus facetas, como madre, joven esposa, sensible y siempre en protesta.

Los rostros de sus personajes aparecen sombríos, con los ojos cerrados o sin ellos en gran mayoría. La muerte inunda las casas, en la mesa donde sobrevive una familia con migajas de comida, una calavera se lleva a los hijos que se atan desesperados a las faldas de su madre.

De esta y muchas formas más Kollwitz denunció la miseria y la explotación que sufren las personas pobres también, reflexionó sobre la muerte que nos acecha o a la que miramos con esperanza si la vida se nos hace demasiado difícil.

Actualmente ha sido recordada, pues al iniciarse la invasión de Irak, algunos de los testimonios gráficos de la guerra recuerdan obras de Käthe, como si fuese esa guerra, la de Irak, la que las hubiese inspirado.

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, fue testigo de su éxito en vida. Además de perder a su hijo menor, también vio morir a uno de sus nietos, vivió el avance de las tropas aliadas sobre Alemania, y los bombardeos que destruyeron el país, incluida su casa-taller.

Murió el día 22 de abril de 1945, sólo unos días antes del suicidio de Hitler y la caída de Berlín.

Georges d’Espagnat

Nació en Seine-et-Marne en 1870 y murió en Paris en 1950. Pintor, ilustrador y diseñador francés

Estudió en la Académie Colarossi en París con Claude-Etienne courtois y Jean- André Rixens pero fue sobre todo autodidacta. En 1881 expuso en el Salón de los rechazados y al año siguiente en el Salon de independientes.

Sus primeras obras, como "el metro" (París, Museo  d´Orsay) tenía una fuerte influencia impresionista. Fue amigo de Renoir, Paul Signac, Henri Edmond Cross, Louis Valtat y más adelante conoció a Maurice Denis, Bonnard y Vuillard

 En  1898 visitó Marruecos y despues de su regreso a Francia se concentró en el estudio de la naturaleza, pinturas de mujeres, niños y flores

En 1904 expuso en el Salon d´Automne.  Entre 1905 y 1910 hizo varios viajes con Valtat para visitar a Renoir en la Costa Azul y visitó España, Italia, Portugal, Gran Bretaña, Alemania y otros lugares. En 1906 ilustró el libro de Remy de Gourmont- Sixtine, publicado en París.  A principios de la década de 1910 pintó una serie de retratos, incluyendo varios amigos músicos como Albert Roussel- en esta época su obra se habia simplificado, era más íntima y fluida. En 1914 hizo la decoración para una producción de Alfred de Musset- FANTASIO- en el teatro de Batignolies en París

Despues de trabajar en una unidad de camuflaje en la Primera Guerra Mundial, en 1920 compró una casa de campo  en la región de Quercy y en la siguiente década pintó muchos paisajes e interiores.

En la década de 1930 ilustró L´Immortel de Alphonse Daudet y tambien hizo diseños para el teatro- En 1936 decoró el Mairie en Vincennes, en 1938 el Palacio de Justicia de Toulouse y en 1939 el techo de la sala Victor Hugo del Palacio de Luxemburgo en París

Desde 1936 hasta 1940 fue profesor de la Escuela de Bellas Artes en París. Despues de la interrupción por la Segunda Guerra Mundial, continuó pintando hasta su muerte y con su alumna Suzanne Humbert, ilustró Clairies dans le ciel de Francis Jammes