Rudolf Schlichter

Rudolf Schlichter (6 de diciembre de 1890 – 3 de mayo de 1955) fue un artista alemán considerado uno de los más importantes representantes del movimiento Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).

Schlichter nació en Calw. Después de aprender como pintor de esmaltes en una fábrica de Pforzheim acudió a la escuela de artes y oficios de Stuttgart. Posteriormente estudió con Hans Thoma y Wilhelm Trübner en la Academia de Karlsruhe. Llamado al servicio militar durante la Primera guerra mundial, llevó a cabo una huelga de hambre para asegurar una pronta liberación, y en 1919 se trasladó a Berlín donde se unió al Partido Comunista de Alemania y el grupo «Noviembre».  Intervino en una feria dadá en 1920 y también trabajó como ilustrador para varios periódicos.
 

Una obra principal de este período es su Estudio de tejado dadá, una acuarela que mostraba una serie de figuras en lo alto de un tejado de ciudad. Alrededor de una mesa se sientan una mujer con dos hombres que llevan sombreros de copa. Uno de los hombres tiene una prótesis en lugar de una mano y el otro, al que también le falta una mano, parece cuando se lo mira detalladamente, un maniquí. Otras dos figuras con máscaras de gas pueden también ser maniquíes. Un niño sostiene un cubo y una mujer que lleva altos zapatos (parece que Schlichter desarrolló un marcado fetichismo por los zapatos)) permanece sobre un pedestal, haciendo gestos inexplicables.
   

En 1925 Schlichter participó en la exposición «Neue Sachlichkeit» en la Kunsthalle de Mannheim. Su obra de este período es realista, un buen ejemplo de ello es su Retrato de Margot (1924) hoy en el Museo Märkisches de Berlín. Representa a una prostituta que a menudo posó para Schlichter, de pie en una calle abandonada y sosteniendo un cigarrillo.
   

Cuando Hitler subió al poder, acabando así con la República de Weimar, sus actividades quedaron seriamente limitadas. En 1935 regresó a Stuttgart, y cuatro años más tarde a Múnich. En 1937 sus obras fueron calificadas de arte degenerado, y en 1939 las autoridades nazis le prohibieron exponer. Su taller fue destruido por bombas aliadas en 1942.
Al final de la guerra, Schlichter volvió a emprender la exposición de su cuadros, que ahora tenían un estilo surrealista. Murió en Múnich en 1955.

 

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Nicolás de Lekuona

El destino de Nicolás de Lekuona (Ordizia, Guipúzcoa, 1913- Frúniz, Vizcaya, 1937) estaba escrito en una mano marcada con experiencias raramente vividas para una persona tan joven como él, que ocurrieron durante uno de los periodos quizá más fascinantes de la reciente historia española, definida por algunos como "El mejor y el peor de los tiempos", parafraseando a Charles Dickens en su Historia de dos Ciudades.

Nicolás de Lekuona, primogénito de siete hermanos, nació en el seno de una familia acomodada de talante liberal, en la atmósfera rural del pueblo vasco de Villafranca de Ordizia, a escasos 42 km de la sofisticada y cosmopolita ciudad de San Sebastián. Lekuona, de naturaleza amable, abierta y bondadosa, era un lector voraz con una enorme curiosidad por todos los aspectos que concernían los movimientos culturales de la época. Desde muy temprana edad siempre le acompañó su cuaderno de notas, costumbre que guardó durante su joven y breve vida.

Interesado por la fotografía y el dibujo desde muy joven, después de terminar sus estudios de bachillerato en su pueblo, ingresó en 1929 en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián para prepararse para entrar en la Escuela de Aparejadores de Madrid. La proximidad de Francia hacía de San Sebastián un lugar privilegiado donde llegaban las noticias de las vanguardias artísticas, tales como el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, etc., que se expandían libremente por los círculos artísticos de la ciudad, donde se disfrutaba del espíritu innovador que iluminó los inicios de la Segunda República.

Los estudios en la Escuela le sirvieron para consolidar sus ambiciones artísticas, poniéndole en contacto directo con multitud de nuevas formas artísticas, incluyendo las enseñanzas de la afamada Escuela de la Bauhaus. Lekuona confraternizó rápidamente con otros jóvenes artistas vascos con los cuales frecuentó numerosas exposiciones, películas y conferencias que le familiarizaron con el trabajo de Picasso, Braque, y Buñuel, entre otros. Eran frecuentes las tertulias que se desarrollaban en los estudios de los artistas, estos encuentros ayudaron al joven Lekuona a entrar en contacto con ideas que influyeron esencialmente en el curso de su vida.

En 1932, antes de su salida para Madrid participó en su primera exposición colectiva en Ordizia, con José Sarriegui y otros artistas vascos.
En la obra de Lekuona, concepto y forma se muestran con gran diversidad: representaciones arquitectónicas, dibujos, pinturas, carteles, fotografías y fotomontajes, fotocalquídeas, incluso poesía, esta producción está influida por la información recibida de países como Francia, Alemania, la Unión Soviética y Argentina, por medio de publicaciones, conferencias, exposiciones y películas.
Nicolás de Lekuona se desenvuelve con soltura trabajando en múltiples disciplinas como el óleo, gouache, lápiz, tinta, fotografía, collage, etc. Su actividad se centra sobre temas de su entorno: retratos de la familia, el paisaje vasco, formas de identidad imaginarias y amorfas, y la propia naturaleza. 

Sus fotomontajes muestran un concepto elegante y singular de la técnica y ofrecen una variedad de soluciones, incorporando sus propios dibujos y fotografías con otros materiales gráficos, combinando a veces la manipulación final de la obra con temas que van desde las referencias líricas de la forma femenina hasta ambientes de trabajo y otros que aluden a la muerte.
Los tres años que pasó en Madrid en la Escuela de Aparejadores fueron testigos del incremento de su círculo de amigos, que incluía a otros jóvenes artistas vascos como Jorge Oteiza, Narciso Balenciaga, Joaquín Gurruchaga y el mencionado José Sarriegui, continuando la práctica ya iniciada en San Sebastián, pero en una mayor dimensión, dada la febril actividad cultural del Madrid de la República, donde las tertulias en estudios y cafés se multiplicaban, siendo la famosa tertulia del Pombo, liderada por el escritor Ramón Gómez de la Serna, una de las preferidas por Nicolás de Lekuona.

Una vez terminados sus estudios como aparejador en 1935, pasó a trabajar en San Sebastián con el arquitecto Florentino Morocoa, alternando esta actividad con su obra personal en el estudio de la casa familiar de Ordizia. El estallido de la Guerra Civil el 18 de Julio de 1936 destruyó su modo de vida y de trabajo. La resistencia republicana en el País Vasco cedió ante el empuje del ejército de Franco y Lekuona hubo de incorporarse a servir en el Ejército Nacional. El 11 de Junio de 1937, seis meses antes de cumplir los veinticuatro años, la vida del artista fue truncada por las bombas nacionales que cayeron por error cerca del pueblo de Frúniz, no muy lejos de las ruinas todavía humeantes de lo que fue el pueblo de Guernica. La brutalidad de la Guerra Civil arrancó de cuajo la breve pero prolífica vida de Nicolás de Lekuona.

 

EL ESCULTOR HIPERREALISTA Duane Hanson

(nacido el 17 de enero 1925, Alexandria, Minnesota, Estados Unidos murió el 06 de enero 1996, Boca Raton, Fla.), escultor figurativo americano cuyas figuras de fibra de vidrio y resina de poliéster fundido y vestidos con ropa de calle a menudo engañan al público haciéndoles creer que estan viendo  gente real. A causa de su fidelidad a la realidad, el trabajo de Hanson es catalogado muchas veces con el de los pintores foto-realistas pintores de la misma época, que basaban sus pinturas en  imágenes fotográficas. A diferencia de los cuadros de dos dimensiones, sin embargo, en los objetos en tres dimensiones de Hanson, de tamaño natural y realista hasta con vello de los brazos,  extrañas  pero al mismo tiempo familiares en su aspecto.

 

Hanson se licenció en Arte en Macalester College en St. Paul, Minnesota, en 1946. Continuó sus estudios en la Universidad de Minnesota y en 1951 completó una master en escultura en la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan Hanson dio clases durante varios años en Alemania, donde conoció al artista alemán George Grygo, cuyo trabajo en resina de poliéster fibra de vidrio tuvo una gran influencia en sus esculturas. Hanson regresó a Estados Unidos y se estableció en Atlanta y en 1963 comenzó sus propios experimentos con el material. En 1967 realizó  su primera obra de tamaño natural.

 
Al igual que George Segal , un escultor estadounidense que Hanson admiraba mucho, sacaba sus figuras de la vida.  (Sus primeros trabajos mostraban figuras en midmotion, pero  prefirió el efecto  con poses estáticas.) Hanson entonces pintaba las figuas, añadiendo detalles tan precisos como las picaduras de mosquitos o venas varicosas. Por último, vestçia sus esculturas, añadiendo los accesorios  que fueran necesarios. A menudo creaba cuadros verdaderos o instalaciones con mini-figuras situadas en contextos reales con cosas reales.

 
Sus temas de la década de 1960 eran políticos, incluyendo la guerra, las víctimas de pandillas, y los sin techo. Más tarde moderó su mensaje político pero continuó en gran parte tratando   el papel ingrato de la clase obrera, amas de casa, mecánicos, limpiadores de oficinas, guardias de museo, y conserjes, cuya cabeza gacha y miradas vacías revelan aburrimiento y  cansancio.

Ref 

Britannica Online Encyclopedia

KRISTIAN T MUMFORD

 KRISTIAN T MUMFORD nació en 1980 país en el sur de Australia, Mumford es la tercera generación de artistas visuales australianos  e hijo de Jenni Mumford, galardonado pintor impresionista. En 2005 fue nombrado coordinador de la Fundación del Patrimonio Natural del Gobierno de Australia. En 2008, la galería Agora  de Nueva York le invita a exponer en grupo .

Sus colecciones realizadas al óleo  ofrecen  una manera de expresarse poéticamente .Finalista en 2011 del  prestigioso premio Fleurieu Art Vista Prize,Mumford es un excelente paisajista australiano contemporáneo y artista figurativo. Sus obras están representadas en colecciones públicas y privadas a nivel nacional e internacional.

Ana Mendieta

Mi arte se basa en la creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas [...]. Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo. No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen

Ana Mendieta, Maroya (La Luna), La Habana, Esculturas rupestres, 1981

Ana Mendieta, Glass on Body, 1972

Ana Mendieta, Maroya (La Luna), La Habana, Esculturas rupestres, 1981

 "Anima, Silueta de Cohetes"

La muerte prematura de Ana Mendieta y el carácter efímero de sus creaciones han contribuido a que su obra, poética y crítica al mismo tiempo, se conozca de un modo insuficiente en la actualidad. Nacida en La Habana en 1948, en una familia acomodada, fue enviada a Estados Unidos a los doce años junto con su hermana Raquelín, y se crió en distintos orfelinatos americanos.

Las condiciones en que creció -el exilio, la pérdida y la marginación, como mujer y como hispana- conformarían su producción artística posterior, aunque sin caer nunca en actitudes panfletarias o particularismos autobiográficos. Mendieta asume un compromiso con su cultura de adopción, y a través de su obra articula una crítica de la sociedad que la rodea, con un fuerte contenido político feminista y en defensa de la identidad de las minorías.

 

Las primeras performances de esta artista se gestan durante su etapa de formación universitaria en Iowa, hacia la segunda mitad de la década de los setenta. En aquel momento se preconiza una obra de arte menos objetual, más interactiva con el paisaje natural y urbano, más experimental y mucho menos exigente con la permanencia física. De ahí la falta de interés de Mendieta por la resolución estética frente a su compromiso con los materiales y el proceso.

Desde los inicios de su actividad artística, el cuerpo tiene una presencia destacada en la obra de Ana Mendieta: constituye su tema y su obsesión. La artista se siente atraída en particular por el cuerpo de la mujer, que para ella es el sujeto pasivo de la violencia, el erotismo y la muerte, y a la vez es el instrumento y el material para la producción de arte. De acuerdo con esta premisa, su propio cuerpo se convierte en eje de sus performances, acciones que parten de la misma idea del cuerpo femenino como víctima del crimen y la violación, pero también como lugar sagrado.

 En este sentido, las performances de Ana Mendieta son auténticos rituales de purificación, donde la sangre, con sus connotaciones mágicas y sus claras alusiones al sacrificio, asume un protagonismo inquietante. En Death of a Chicken (Iowa, 1972), la artista, completamente desnuda, decapita un pollo y lo deja desangrarse a la altura de su pubis. Sin duda, la fascinación de Mendieta por la leyendas y prácticas religiosas afrocubanas que conociera en la infancia se refleja en esta faceta de su obra. En cambio, Rape Scene recrea el escenario de una violación y un crimen.

 

Más adelante, las performances de Mendieta derivan hacia una serie de obras que tituló Siluetas. En estas nuevas manifestaciones, la artista traslada su ámbito de trabajo a la naturaleza, eliminándose ella misma como objeto material de su arte. A partir de ese momento ya no le interesa tanto su propio cuerpo como la huella que deja ese cuerpo. Inicia así un período de intensa relación con los cuatro elementos básicos de la existencia orgánica: la tierra, el fuego, el aire y el agua. Mediante las Siluetas, la artista juega con la dialéctica presencia-ausencia. La pisada, los contornos de un cuerpo realizados con ceniza, velas, flores, nieve o tierra aluden constantemente a las relaciones entre la muerte y la resurrección. Se trata de un retorno de la artista a la tierra, de metáforas que explican el regreso al útero (la madre que se quedó en Cuba), de un enterrarse en la tumba (muerte), de la regeneración de la vida (la silueta del cuerpo dibujada con flores), y en definitiva, de la libertad.

 CAT ENG

Se casó con el escultor minimalista Carl Andre en enero de 1985. Llevaban una vida muy intensa y ambos eran artistas de éxito. Pasaron su luna de miel en el Nilo. Viajaron a distintos lugares y vivieron en la Ciudad Eterna, donde tuvieron exposiciones y donde ella residió por temporadas desde 1983 hasta 1985, después de haber recibido una beca de la prestigiada Academia de Roma.

El 8 de septiembre de 1985 la vida de Ana terminó trágicamente. Después de haber tenido una acalorada discusión con su marido, Ana cayó al vacío desde el piso 34 del edificio en el que vivía en Nueva York. Tenía 36 años de edad. Carl fue el único testigo de su muerte y dijo que Mendieta se tiró por la ventana, aunque aún la gente se pregunta qué pasó en realidad. El día del fallecimiento de la artista, su marido tenía arañazos frescos en la nariz y la frente y sus declaraciones a la policía contradijeron las que él mismo había dicho a la operadora cuando llamó al 911 en el momento del desgraciado suceso. No hubo otros testigos y sólo una persona en la calle oyó a una mujer gritar “no, no, no, no” y el golpe seco de la caída del cuerpo de Ana.

Carl Andre defendió su inocencia durante tres años y compareció en varias ocasiones ante los tribunales. Consiguió que su amigo y compañero Frank Stella pagara la fianza de 250 mil dólares y, finalmente, fue declarado inocente. Sin embargo, aún se están escribiendo artículos y libros que tratan de esclarecer este caso y que, a la vez, analizan la obra de Ana Mendieta.

Analizando ahora su obra me produce escalofríos, da la impresión como si todo girara alrededor de  UN PRESENTIMIENTO

POP ART

Al principio el POP ART fue un asunto anglo-americano que prosperó en sitios como Londres, Nueva York y Los Angeles, principales capitales de la sociedad de consumo que se desarrollaron en occidente despues de la Segunda Guerra Mundial. Originalmente el pop se refería a tu cultura popular, no a un estilo determinado de arte. 

El  término fue utilizado por primera vez en este sentido a principios de la decada de 1950 por el INDEPENDET GROUP de Londres, un grupo de jóvenes artistas, arquitectos y críticos ( Lawrende Alloway, Reyner Banham, Toni del Renzio, Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi, Alison y Peter Smithson y William Turnbull), que exploraron las implicaciones de la cultura popular como un movimiento disidente dentro del  INSTITUTE OF CONTEMPORARY ARTS, enfocado  en los legados  de los modernismos de antes de la guerra. 

 A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 el POP  empezó a significar un estilo de arte que procedía de la imaginería popular de los comics, anuncios y moda. Se aplicó en este sentido específico, al principio por artistas del grupo independiente como Hamilton y Paolozzi y despues por la siguiente generación de artistas britanicos que estudiaban, principalmente, en el ROYAL COLLEGE OF ART ( Peter Blake, Derek Boshier, Pauline Boty, Patrick Caulfield, David Hockeney, Alen Jones, R.B.Kitaj, Richard Smith y Joe Tilson) y por los artistas, residentes, en su mayoría, en Nueva York (Allan D´Arcangelo, Jim Dine, Robert Indiana, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Mel Ramos, James Rosenquist, Andy Warhol, John Wesley y Tom Wesselmann). Otras figuras, a veces asociadas con este estilo, surgieron en esta época en Francia (Arman, Alain Jacquet, Martial Raysse, Daniel Spoerri) y más tarde en Los Angeles (Billy Al Bengston, Joe Goode, Ed Ruscha), en Alemania (Gerhard Richter, Sigmar Polke)

Sin embargo, estos artistas disentían a menudo de las dos primeras olas de artistas POP, especialmente de su postura bis a bis con la sociedad de consumo.

El contexto de POP ART fue bastante diferente en los USA y en el Reino Unido. A principios de la década de 1950 Gran Bretaña permanecía en un estado de austeridad ecónomica  que hacía el mundo del  descarado  consumismo  americano parecer seductor y exótico y los artistas del grupo independiente trataron sus imágenes en consecuencia, incluso con culto. Para los artistas americanos que aparecieron diez años despues, este panorama de consumismo habia pasado casi a segundo plano y  a menudo lo trataban desapasionadamente ("la muerte del efecto" es un tópico importante en el POP ART).  Esta diferencia de perspectiva llevó a otras.  Los británicos estaban atraidos por otras innovaciones, como las hamburguesas  del futuro, mientras que los americanos a veces representaban  productos que estaban ligeramente caducos, ya tocados por la nostalgia. 

 Y mientras los dos grupos estaban preparandose en escuelas de arte, varios americanos trabajaban como artistas comerciales: Warhol era un ilustrador famoso, Rosenquist pintor de anuncios, Ruscha diseñador gráfico, etc.- y parecían transferir tales técnicas a su arte. Como podía esperarse, entonces, Warhol y compañía ofrecieron alguna resistencia de un mundo del arte dedicado a los elevados principios del expresionismo abstracto pero la oposicion encontrada en el INDEPENDENT GROUP fue todavía  más profunda.

 Para los britanicos el POP era un frente, una guerra entre las culturas del nuevo mundo, mientras que para los americanos el POP ya era algo de casa, es decir, una visión comercial, cuando no un  restrictivo discurso del arte mundial.  Sin embargo, lo que une las diferentes corrientes del arte pop se puede encontrar aquí. Reconocimiento común de que el consumismo ha cambiado la apariencia del mundo,   tal vez incluso la naturaleza de la apariencia, y que  en consecuencia el arte debe basarse en nuevos contenidos y desarrollar nuevas formas. (Ironicamente esta premisa se hizo publica cuando  el arte abstracto había alcanzado por primera vez, reconocimiento y aceptación mundial  - otro punto de resentimiento de algunos artistas y críticos opuestos al POP)

¿QUE ES EL POP ART?

 Gerard Laing

"El POP es para todo el mundo"- dijo Andy Warhol en 1967.  Enseguida se celebró como el momento de su aparición como el fenómeno cultural más efímero e insignificante- Pero el POP nunca ha desaparecido, esta es la paradoja. Cincuenta años más tarde, el supuestamente espectáculo volatil permanece omnipresente y de dimensión global. Los artistas del POP  han entrado en una popularidad que  trasciende el público tradicional del arte, el cine o la música. En nuestros días los museos, los críticos y los historiadores ya no pueden ser simplemente unos enojosos guardianes de una élite cultural, fundada para proteger el status quo de las depravaciones de lo kitsch,  de lo vérnaculo y de lo popular, sino  constituirse ellos mismos en parte de la industria cultural.  Ahora podemos reconocer que el período clásico del POP de 1956 a 1968 es la culminación, la apoteosis del periodo moderno que Manet y Baudelaire ocuparon en el siglo XIX en el París de los bares, café conciertos y en la vida de las calles, fueron los primeros en identificarlos y representarlos.
 
 Andy Warhol


El POP no fue un movimiento de un solo grupo de artistas, o un estilo; no está confinado a un momento histórico, aunque floreció en ciertas circunstancias históricas y sociales.  En una primera definición, en una carta de Richard Hamilton en 1957, en realidad lo describe como un arte que no reproduciría el nombre POP,  sino para resaltar  las características  de una cultura popular moderna, anuncios, comics, cine y objetos que resultaban fascinantes para los artistas. El POP tiene una temática- lo épico y lo cotidiano, lo real y lo surreal- y tiene una actitud hacia esta materia,  un arte de prestar atención al mundo que nos rodea, en particular hacia lo aparentemente trivial o insignificante.  Se trata de una manera relativamente sin inflexión de modo que el trabajo resultante sea capaz de sostener complejas lecturas incluso contradictorias.   Podrías definirlo, haciendo una defición "simple" algo así como que los artistas aprendiesen de los anuncios.

 
 White Bread de James Rosenquist 


En el arte los antecedentes del POP fueron en mayor parte europeos.  Siguiendo la exploración  del moderno urbanismo y la vida suburbana  de Manet y Degas, las fotografías  de escaparates de  Eugéne Atgel, las calles meláncolicas  que fueron tan importantes para los dadaistas y los surrealistas y para el fotógrafo americano Walker Evans, los readymades de Marcel Duchamp las banalidades suburbanas de  René Magritte y las extravagantes  y meticulosas pinturas de Salvador Dali de sexualidad reprimida  que habían causado un fuerte impacto en la América de post-guerra.  De forma diferente, los gráficos de  El Lissitzky y los collages  de John Heartfield y de Schwitters fueron un importante antecedente de la estética "pinboard" utilizada por Nigel Henderson, Bruce Conner, Richard Hamilton, y mas tarde  en el Atlas de Gerhard Richter.  Los comics como  Krazy Kat de George Herriman, y los posteriores Marvel comics de Jack Kirby y Stan Lee  fueron recibidos  como culto por el público. 

 lichtenstien-vandal


  Estilistas del automovil como Harley  Earl, y creadores como Ed "Big Daddy" Roth fueron reconocidos creadores de gusto  en un sentido en el que el "gusto" era,  principalmente, sinónimo de clase.  Los dibujos animados de Walt Disney, Chuck Jones y otros  fueron admirados por los artistas por su ingenio. Hollywood fue una fuente inagotable  de belleza y glamour, comedia,  y exceso babilónico.  El ilicito hibrido  de  Elvis Presley  de musica country blanca, ritmo negro y blues,  creado en los estudios de  Sam Philip-  Sun studios en Memphis-  desde 1954, formó un mito de los origenes del rock, aunque la edición  de 1952  de  Harry Smith  habia constituido una epopeya de efecto formativo para músicos  como  Robert Frank, Bob Dylan y muchos otros de la década de 1950.  El propio Dylan  cita a Robert Johnson, Woody Guthrie, los poemas de  Rimbaud y el Pirata Jenny de Brecht como revelaciones claves  de sus primeros años, y  es quizas  esta combinacion lo que da a ambos la riqueza cultural del pop, la riqueza y la resolución de sus fuentes creativas americanas y europeas. 

Alfonso M. Burguillo "Berlin"

El pinboard o collage era una técnica del POP,  técnica  común al arte, cine y música y  a los artistas habilitados para abarcar sentimientos de nostalgia o distanciamiento irónico que distinguieron el Pop de los primeros collages del Dada  y de los surrealistas.  Tambien  común al POP es el reconocimiento a lo epifánico, donde la banalidad es una fuente comun de ejemplo vital, y la más sublime, como se representa en el EPIPHANY de 1964 de Richard Hamilton, donde   en una pequeña placa se puede leer "Slip it to me",  presentada  en Pacific Ocean Park (POP), se agranda para convertirse en un monumento de forma heráldica  que todavía tiene restos de canciones de los  Drifters o de los Beach Boys. No hay nada fuerte en la profundidad del POP

Just what is it that Make's Today's Home so different so appealing?, 1956 Richard Hamilton.

El arte POP fue estrechamente vinculado a otros campos y cada uno de ellos  se alimentaba de la vitalidad del otro.  El INDEPENDENT GROUP  reunió a artistas, arquitectos y críticos, cuando Andy Warhol era un ilustrador de moda, pintor, escultor, cineasta, velvet underground, editor, filosofo, historiador, modelo, fotografo...La fotografía y el cine eran esenciales para  muchos artistas, en dentro del mismo cine, uno podía considerar cuatro géneros como variantes del POP, incluso si al mismo tiempo fueran más que eso. Los productores de Hollywood crearon estrellas como Marilyn Monroe, que se convirtió sin duda en el mayor icono del POP- 
 
 Kitaj

Las peliculas europeas "new wave" de  Godard, Antonioni, Cammel y  Roeg, Pasolini y otros, trataron la vida urbana moderna al estilo de los artistas. Documentales como D.A. PENNEBAKER´S DON´T LOOK BACK y MONTEREY POP minaron las barreras tradicionales entre los intérpretes y el público y son valiosos como registros de eventos de otra manera mal documentados  ( la crucial pero efímera  Gesamtkunstwerk  que fue la "inevitable explosión del plastico" con VELVET UNDERGROUND de 1966, de las que sobreviven solo unas pocas fotos de Billy Name y una pequeña película de Ronald Nameth).  Finalmente, las películas experimentales de Warhol, Anger, Conner y otros, utilizado o desechado técnicas de montaje y edición  en formas que eran fundamentales para el POP, y mucho más tarde  para la música y tambien para la televisión-

Roy Lichtenstein

Para reexaminar el POP con una distancia de  50 años está claro que ciertas imágenes y temas se generalizan durante este período: coches,  películas, autopistas y moteles, anuncios de neón y tatuajes, los espacios sociales en las ciudades y los espacios abiertos en las carreteras, todo recurre obsesivamente, y conectan con el arte en las tradiciones mas amplias. El POP no fue monolítico.
El misterio, extrañeza y la inocencia en la escritura de Jack Kerouac y las primeras fotografías de Robert Frank se sustituyen  por el humor corrosivo y la violencia en  WEEKEND  de Godard en el que un viaje por carretera termina en destrucción. Pero  Un  periodo tan productivo y provocativo  puede ser definido solo parcialmente. ..

 
 Thinking about women- Allen Jones


De países como España, Brasil, Japón, de muchos sitios, surgió POP ART, muchas figuras están inevitablemente unidas a ese término...

Las películas y pinturas de Andy Warhol, creadas con la simple idea de BELLEZA;   Richard Hamilton, cuyas imagenes visionarias fueron fundamentales... La lírica y la poesía trágica de esta generación, todavía condenada, tantos años despues, por  "encantar" autopistas y moteles de un mundo como si fueran la figura central de su propia odisea 

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