Albert Tucker

Albert Tucker  (1914-1999) es uno de los artistas australianos más importantes de las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, responsable de revitalizar y volver a mitificar el paisaje australiano. 

 Trabajó como ilustrador comercial en Melbourne a principios de la década de 1930. Comenzó a asistir a clases nocturnas en la Victorian Artists Society en 1933 y se inscribió en un curso en la escuela de arte de George Bell. Junto con Bell, Sidney Nolan y John Reed, jugó un papel decisivo en la fundación de la Sociedad de Arte Contemporáneo, participando en la exposición inaugural en la Galería Nacional de Victoria en 1938.

A fines de la década de 1930 Tucker estudió el trabajo de los artistas alemanes Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) George Grosz y Max Beckmann y se inspiró en su asociación con los artistas Yosl Bergner y Danila Vassilieff, inmigrantes que proporcionaron un contacto nuevo con tendencias internacionales como el surrealismo realismo y expresionismo. El surrealismo, en particular, tuvo un impacto significativo en Tucker después de ver la exposición del Herald de 1939 del arte contemporáneo francés y británico , que incluía obras de Picasso, Dali, Ernst y de Chirico. Su compromiso con el arte socialmente crítico también fue influenciado por los escritos de TS Eliot y George Orwell y las dificultades de la Depresión.

Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó en el Cuerpo Médico del Ejército australiano como  artista de guerra oficial adjunto al hospital de Heidelberg. Esta experiencia y la presencia militar estadounidense en Melbourne desde 1942 culminaron en una poderosa serie de obras conocidas como Imágenes del mal moderno , que presentaba visiones impactantes de miedo, violencia y libertinaje. La serie lo estableció como un creador de imágenes altamente expresivas.

Tucker expuso en la exposición antifascista en 1942 en la Sociedad de Arte Contemporáneo, convirtiéndose en el presidente de la Sociedad desde 1943 hasta 1947. Contribuyó a Angry Penguins , una revista modernista con una tendencia artística y literaria vanguardista. Salió de Australia en 1947, visitando Japón donde vio la devastación de Hiroshima y Nagasaki. En París descubrió el trabajo de Jean Dubuffet, y en Roma conoció a Alberto Burri. Intrigado por la calidad de textura inherente en el acetato de polivinilo (utilizado por Burri para crear sus superficies ), Tucker adoptó la dureza flexible y curtida de este nuevo material en su trabajo.

Mientras estaba en Roma se volvió a conectar con Nolan, quien le trajo fotografías de la sequía de 1952 en Queensland. La vista de cadáveres desecados de animales esparcidos por un terreno reseco dejó una impresión perdurable en Tucker. El caballo apocalíptico de 1956 fue pintado en reacción a estas fotografías, con la apropiación de pintura acrílica de Tucker utilizada con gran efecto para evocar los paisajes con cráteres, las formas duras y la textura escarpada del interior australiano.

Tucker regresó a Melbourne en 1960 para alcanzar el éxito financiero y crítico, y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur adquirió su oscura y devastada cabeza antípoda II 1959, la primera compra de su obra en una galería pública en Australia. A partir de entonces, el paisaje australiano le brindó cada vez más poderosos temas.

Retrospectivas de su trabajo se llevaron a cabo en la Galería Nacional de Victoria en 1989 y en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en 2007.

Danila Vassilieff

 
 

(1897-1958), pintor y escultor, nació el 16 de diciembre de 1897 en Kagalnitskaya, cerca de Rostov-na-Donu, Rusia .Educado en una escuela técnica en Novocherkassk y en una academia militar en San Petersburgo, Danila se especializó en ingeniería mecánica. Desde mediados de 1917 estuvo  en el Frente Oriental con un regimiento de caballería  cosaca. Después de ser capturado por los Rojos en Bakú en abril de 1920, escapó y se dirigió a través de Persia e India hacia China.
 
 Llegó a Australia a principios de la década de 1920. Fue empleado en la construcción de ferrocarriles en Mataranka. Adquirió la nacionalidad  en 1929  y  dejó Australia ese año. Estudió arte con Dimitri Ismailovitch en Brasil  y expuso en las Indias Occidentales, América del Sur  y en Inglaterra, España y Portugal. Viviendo en Inglaterra, se mezcló con círculos  de Rusos, se hizo amigo de Vladimir Polunin y comenzó a tener una relación entre el movimiento modernista y el arte decorativo ruso.
 
 Regresó a Australia en  1935 y se instaló en Sydney. Combinando un estilo icónico, pintó escenas de calles turbulentas de áreas del centro de la ciudad. También produjo bodegones, retratos poco favorecedores y paisajes animados de la zona de Woronora azotada por el viento. Expuso dos veces en las Galerías Macquarie.  Las entusiastas críticas de sus pinturas, a menudo de niños jugando en las calles de Collingwood, Fitzroy y East Melbourne, le  dieron fama.
 
 Recibido en los círculos artísticos de la ciudad,  se unió a la Sociedad de Arte Contemporáneo.  En 1939  se convirtió en maestro de arte  en la escuela experimental Koornong de Clive y Janet Nield, Warrandyte.
 
  En mayo de 1954 obtuvo un puesto en el Departamento de Educación como maestro de arte en Mildura High School. Pintó retratos del personal de la escuela, expresó su reacción ante la sociedad provincial en una serie de pinturas "psicológicas" y pescó en el río Murray. Traslado a la escuela secundaria Swan Hill en 1955, talló algunas piezas pequeñas y pintó acuarelas ligeramente satíricas de la población local. Expuso en la Galería de Arte Contemporáneo de  Melbourne, en 1956 sin éxito. Una exposición retrospectiva de su escultura en la misma galería en 1957 fue criticada por los críticos. El Departamento de Educación lo envió a Eltham High School ese año y luego lo despidió por motivos de desempeño insatisfactorio.
 
Pasó sus últimos meses en una choza cerca de las acuarelas de pintura de Mildura que sugieren la fragmentación y lo absurdo de la vida. Murió de una oclusión coronaria el 22 de marzo de 1958 en Heide. Una exposición conmemorativa de su obra se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno de Australia, Melbourne, en 1959. Su obra está representada en las principales galerías de Australia

Sidney Nolan

Nacido en Melbourne, Australia, creció en una sociedad conservadora y colonial en las garras de una depresión salvaje. Su familia encontró un trabajo estable en la compañía de tranvías de Melbourne, pero aun así tuvo que complementar sus ingresos con apuestas ilegales. Viviendo en las calles y playas alrededor de Melbourne, Nolan podría haber caído en la delincuencia sin embargo   se convirtió en uno de los artistas modernos más famosos e influyentes de su generación.

 Quiza decidió   hacerse  artista para liberarse de las restricciones físicas e intelectuales de su educación. Como no podía satisfacer su deseo de viajar a Europa  leía todo lo que encontraba en la Biblioteca Estatal de Victoria y así  tuvo  acceso a revistas de arte moderno y logró un empleo en  la fábrica de sombreros,  en el departamento de diseño publicitario . Durante este período cayó bajo el hechizo del poeta simbolista francés Arthur Rimbaud. Al rechazar el naturalismo y el realismo, creía que el propósito del arte no era representar la realidad sino acceder a verdades mayores mediante el "trastorno sistemático de los sentidos". Las ideas encapsuladas en la poesía de Rimbaud demostraron ser algunas de las influencias más duraderas y formativas de Nolan.

 Sus primeras pinturas reflejan su estudio de artistas como Pablo Picasso, Joan Miró, Wassily Kandinsky, Max Ernst y Paul Klee. También se sintió atraído por el arte ingenuo del refugiado ruso Danila Vassilieff.

 Entre 1946 y 1947 pintó su primera serie de obras que comentaban la vida del bandido australiano Ned Kelly. Nolan, de origen irlandés, escuchaba las historias que la familia le contaba sobre el legendario bandido Ned Kelly, también de Irlanda, y estas  marcaron poderosamente su juventud y en los años cuarenta ya lanzó su particular visión del personaje a través de una serie de obras que recreaban distintos momentos de su lucha contra la policía.
Este fue el primer capítulo de un poema épico para Nolan que continuó absorbiéndolo hasta su última pintura en 1992.  En todas las pinturas de Kelly los ojos sirven como el reflejo del ser interior, su ausencia en su famoso Kelly montado de 1946 sugiere su asociación subliminal "despreocupada" con su propio paisaje.

 Otra célebre serie que realizó Nolan se centró en otro personaje de la corta historia australiana, Eliza Fraser. La mujer, inglesa de origen, que  naufragó en las costas de Queensland, al este de Australia, cuando viajaba para instalarse en el país con su marido, y fue rescatada por unos aborígenes en una  isla que acabó llamándose Fraser Island en recuerdo del hecho.  
 
Esclavizada durante años, fue finalmente devuelta a Inglaterra tras una misión comandada por soldados voluntarios y convictos, lo que dio lugar a grandes titulares en la prensa de la época, en 1836.

 Nolan se mudó a Inglaterra en 1955, pero continuó pintando sus paisajes australianos nativos, entre otros temas. Permaneció involucrado en el teatro, diseñando escenografías para la producción del ballet de Igor Stravinsky The Rite of Spring en Londres en 1962 y para la ópera Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns, también en Londres, en 1981. El trabajo de Nolan ha sido exhibido internacionalmente. y muchas de sus pinturas y grabados se encuentran en las colecciones permanentes de la Tate Gallery en Londres y del Museum of Modern Art en la ciudad de Nueva York. Fue nombrado caballero en 1981 y se convirtió en miembro de la Orden del Mérito en 1983.
Murió en Londres en 1992 

Carl Larsson

Carl Larsson (Estocolmo, 28 de mayo de 1853- Falun, 22 de enero de 1919) fue un pintor y diseñador. Aclamado artista sueco. Creció en una familia pobre en Estocolmo, pero se abrió camino hasta la cima entre los artistas suecos. Definitivamente es uno de los pintores más queridos de Suecia, y reproducciones de su arte se encuentran en muchos miles de hogares, en Suecia y en otros lugares. No tenía recursos, pero tenía talento, y con algo de ayuda se abrió paso en la Academia de Artes de Estocolmo. 

Viajó a París y comenzó como ilustrador de diferentes revistas y libros. Pero su carrera no tuvo éxito. Su momento crucial fue cuando conoció a su futura esposa Karin en la colonia de artistas suecos en Gerz, en las afueras de París. Juntos formaron una asociación. Regresaron a Suecia y finalmente se establecieron en Sundborn, cerca de Falun en la provincia de Dalarna. El pintaba  y ella diseñaba muebles. Tuvieon ocho hijos y gran parte de su arte describe a la familia y la vida en Sundborn. Hoy su hogar, Carl Larssongården, es un museo, y en 1997 una gran exposición suya en el Victoria & Albert Museum de Londres tuvo un gran éxito. La última obra monumental de Carl Larsson, "Midvinterblot"  se exhibe en el Nationalmuseum en Estocolmo.

Yosl Bergner

Yosl Bergner nació en Viena en 1920 y creció en Varsovia.

Con el antisemitismo desenfrenado en Europa, la Liga de Freeland para la Colonización Territorial Judía se formó en julio de 1935, para buscar una potencial patria judía. Poco después, una empresa pastoral ofreció a la Liga c16,500 ks cuadrados en los Kimberleys, que se extendía desde el norte de Australia Occidental hasta el Territorio del Norte. Como mostró la historia, los planes no llegaron a ningún lado. Pero por un tiempo, la idea australiana al menos valía la pena considerarla. El padre de Bergner, Melech Ravitch, se involucró en una investigación seria de los Kimberleys.

Por lo tanto, la familia Bergner se mudó a Australia. Yosl emigró a Australia en 1937 y estudió en la National Gallery Art School hasta el estallido de la segunda guerra mundial. Sirvió durante cuatro años y medio en el ejército australiano, y luego continuó sus estudios en la Escuela de Arte.En Melbourne de 1937 a 1948, Bergner se hizo amigo de muchos de los artistas locales que ahora personifican el arte australiano moderno: Sidney Nolan, Albert Tucker, John Perceval y Arthur Boyd. Adrian Lawlor se mudó con su esposa a una cabaña en Warrandyte donde vivieron durante 30 años. Bergner era un visitante frecuente en esta casa de Warrandyte. Bergner  alentó a los otros artistas  a ir más allá de su estilo de paisaje tradicional e introdujo una preocupación más radical por las familias trabajadoras, lo que tuvo un impacto importante en el arte australiano.

Bergner  sentía una fuerte conexión entre el sufrimiento de la gente en todas partes, ya fueran los judíos que él recordaba de Europa, los negros sin tierra en el corazón de Australia o los niños hambrientos en el interior urbano de Melbourne.
 
Salió de Australia en 1948 y después de dos años de viajar y exhibir en París, Montreal y Nueva York, se instaló en Israel. Vivió en Safed hasta que se mudó a Tel Aviv en 1957. Murió en 2017.

John Piper

1903, Epsom, Reino Unido -1992, Fawley Bottom, Reino Unido

Se formó artísticamente en el Royal College of Art en Londres.

En 1940 fue nombrado pintor de guerra durante la II Guerra Mundial, puesto que ocupó hasta 1942. Pintó una serie de cuadros que representan calles y casas destruidas por los bombardeos, con técnica fauve, colores oscuros y tono dramático. Entre 1945 y 1953, continuó evolucionando hacia tendencias cercanas al expresionismo abstracto inglés. También se destacó por su actividad como escenógrafo, haciendo los diseños de obras como Façade, The Quest o Edipo Rey. En su libro titulado Buildings and Prospects (1949) estudió el folclore urbano a través de las vidrieras de los pubs victorianos.

Pasó por varias etapas de abstracción, escritor y cronista de arquitectura, diseñador industrial de tejidos y objetos, su amplia labor ha sido glosada como de las más importantes y que mayor influencia han dejado sobre las artes decorativas en Inglaterra, y esto quedó patente en la amplia retrospectiva que le dedicó la Tate Gallery en 1983. Especialmente conmovedor fue el redescubrimiento de sus dibujos de 1940 donde con gran dramatismo interprertaba la devastación de los bombardeos sobre Londres y Bristol.

Victor Arnautoff

Victor Arnautoff fue un prolífico artista de murales públicos durante el New Deal, muchos de los cuales todavía están en su lugar.

 Nacido en Rusia en 1896, Arnautoff fue  oficial de caballería en la Primera Guerra Mundial y más tarde en el ejército de  Siberia durante la Guerra Civil Rusa. Escapándose al noreste de China, se casó y su suegro le pagó para asistir a la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco. Su primer mural público, en 1929, se puede ver en la Catedral Vieja de la Santísima Virgen de la ciudad.

 Arnautoff y su familia se mudaron a Méjico, donde trabajó como asistente del famoso muralista Diego Rivera. Al regresar a San Francisco en 1931,  llamó la atención al pintar un gran mural al fresco en la pared de su estudio. Luego hizo varios paneles de frescos en la Clínica de Palo Alto.

 Con el New Deal en 1933, se dispusieron fondos federales  para el arte público. En San Francisco, el Proyecto de Obras Públicas de Arte contrató a 25 artistas para crear murales en Coit Tower. Arnautoff, con gran experiencia en la técnica del fresco, fue designado coordinador técnico del proyecto. Su mural, City Life, completado en 1934, presenta un vívido caleidoscopio del centro de San Francisco en un momento de agitación económica y social.

 El siguiente encargo del New Deal  fue un gran mural en la capilla protestante en el Presidio de San Francisco.  Sus puntos de vista políticos  se movieron hacia la izquierda a mediados de la década de 1930, y algunas veces incorporó la crítica social a su arte. Su  mayor encargo del New Deal fueron trece paneles de frescos sobre la vida de George Washington, pintados en 1936 para la  Escuela Secundaria George Washington en San Francisco. 

Expuso en la Exposición Internacional Golden Gate de 1939, en la Exposición California Pacific de 1935 y en la Feria Mundial de Nueva York de 1940. Murió en  Leningrado, Unión Soviética, el 22 de marzo de 1979

Richard Diebenkorn

Nacido en Portland en 1922, pintor clave en el movimiento expresionista abstracto. Con su pasión por el color y líneas estructurales fuertes, Richard Diebenkorn dejó atrás un legado al arte moderno.

 Aunque  nació en Portland, Oregon, su familia se mudó a California cuando Diebenkorn era muy joven. Asistió a la Universidad de Stanford, trabajó con los artistas Victor Arnautoff y Daniel Mendelowitz.  Diebenkorn sirvió en el Cuerpo de Marines de los EE. UU. Durante este tiempo, continuó pintando, desarrollando su propio estilo único. En 1946 regresó a San Francisco y estudió en la Escuela de Bellas Artes de California.

 Al regresar del servicio, se inspiró en una serie de fuentes, incluida su estancia en la comunidad artística de Woodstock, Nueva York. Esto despertó su interés en el trabajo abstracto. Después de mudarse a Nuevo México en 1950,  presentó una serie de piezas coloridas y abstractas. Pinturas como Albuquerque No. 9 muestran su capacidad evolutiva como artista de vanguardia. Diebenkorn fue un artista que creció y cambió a lo largo de toda su carrera. Cuando él y su familia se mudaron a Urbana, Illinois,  comenzó a incorporar influencias caligráficas en su trabajo. Urbana No. 6 mostró esta paleta más sofisticada y líneas estructurales. Después de una temporada en Nueva York, Diebenkorn regresó a Berkeley, trabajó audazmente con el color y las formas. Una de sus pinturas más conocidas de esta época es Berkeley N ° 57. Aunque su trabajo abstracto  había llamado la atención, fue su cambio al arte representacional lo que realmente estableció a Diebenkorn como artista. Mujer en perfil y Chica con planta demostraron que Diebenkorn podía combinar líneas fuertes y elecciones de color con sujetos representativos. Diebenkorn seguiría siendo un artista activo hasta el final de su vida. Algunas de sus pinturas más conocidas de la década de 1960 incluyen paisajes geométricos, como Cityscape I.

Allen Jones

 

Nacido en Southampton. Estudió en el Hornsey College of Art  y en el Royal College of Art, donde se asoció con el grupo de estudiantes de Peter Blake y RBKitaj: David Hockney, Peter Phillips y Derek Boshier. Reacciona contra la pintura abstracta y encuentra inspiración en la cultura popular, revistas, publicidad y música. La lectura de Jung y Nietzsche  en ese momento le sugirió la fusión de hombre y mujer vista en su cuadro "Hermafrodita", y combinaría estas ideas con la colección de publicaciones ilustradas sexualmente estadounidenses de los años 40 y 50 que el mismo descubrió en su estadía en Nueva York, 1964-65.  

A su vez, darían lugar a sus esculturas de muebles fetichistas de figuras femeninas, pinturas de mujeres con  tacones exageradamente altos, y su tema lo llevaría a explorar nuevas técnicas de grabado en relieve a finales de los años 60. Estas obras encontrarían controversia en el creciente movimiento feminista  y provocarían acusaciones erróneas de misoginia.

 
En la década de 1970 sus temas se volvieron más pintorescos y lúdicos,  con la introducción de un estilo cuasi cubista de fragmentar contornos y aristas, de modo que las esculturas también podían desarrollarse a partir de hojas intersecantes de formas recortadas que ofrecían un cambio intrigante de perspectiva, mientras el espectador se movía alrededor del trabajo. Ya no se trata de esculturas en bronce monocromático, las esculturas y relieves recortados de Jones exhibían los colores vivos y la aplicación pictórica de la era del Pop Art. Creados primero como maquetas, desde finales de los 80 en adelante, algunos se han convertido en versiones monumentales para atrios, galerías y espacios públicos al aire libre.
Además de ocupar varios puestos docentes como invitado en las universidades de California, Florida, Banff (Canadá) y Berlín, ha realizado   innumerables exposiciones individuales en museos y galerías de Europa, Estados Unidos, Japón, Australia y América Latina. Se han realizado retrospectivas notables en el Instituto de Arte Contemporáneo (1978, dibujos y gráficos),  Galería de Arte Walker, Liverpool (1979),  Galería de Arte Barbican (1995, gráficos), salas dedicadas en Tate Britain y la Real Academia de Arte (2007), y luego una retrospectiva completa en la Royal Academy (2014).