Wolfgang Tillmans

En la fotografía de Tillmans cabe absolutamente todo. Cualquier cosa que esté en su mano para demostrar que en todas partes hay belleza. Hasta en la imagen de unas ratas escabulléndose por las alcantarillas. Tillmans ha sido el fotógrafo de moda de los noventa, en el sentido más amplio de la palabra. Nacido en Alemania en 1968, se trasladó a Londres a finales de los ochenta y comenzó a trabajar como fotógrafo en revistas relacionadas con la cultura juvenil como "The Face".

Pronto empezó a forjarse una gran reputación y retrató a un gran número de figuras populares como Kate Moss o Moby. Su estilo espontáneo y claramente impremeditado le otorgó un éxito sin precedentes. En 2000, Tillmans recibió el Turner Prize, máximo galardón concedido a un artista plástico en el Reino Unido. Las bases del Turner Prize son claras. Británicos menores de 50 años pueden optar al galardón. Como pudo Tillmans ganar tan prestigioso premio habiendo nacido en Alemania? La obra de Tillmans se caracteriza por su inmediatez y frescura

Sus exposiciones son un gigantesco inventario de todo lo que nos rodea. Tillmans es un artista netamente visual. No existen densas cargas conceptuales a su alrededor. Recorren un amplio espectro que va desde lo conmovedor hasta lo banal. Sus imágenes cuelgan de chinchetas en vez de ser enmarcadas para así subvertir la tradicional idea de objeto artístico y se conforman en enormes grupos de fotografías para hacer hincapié en su capacidad netamente visual.

Wolfgang Tillmans ( 16 de agosto de 1968) es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín. Su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.¹ Ha sido el primer artista no británico en recibir el premio Turner.

Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó a Bournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres. En 1994 se trasladó a Nueva York donde estuvo viviendo un año.

La muerte de su compañero Jochen Klein en 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su «última comida o la ventana del hospital». En 1998 estuvo como profesor en la escuela de bellas artes de Hamburgo y en 2003 comenzó a ejercer como profesor en la academia de bellas artes de Frankfort.

En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.⁴ En 2002 grabó un documental titulado Ligth para el grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

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Jeffrey Isaac

Jeffrey Isaac nació en 1956 en Nueva York, pintor y creador de videos.

Nacido en Estados Unidos, pasó su infancia en Suiza. Estudió pintura en Rhode Island School of Design en Estados Unidos y en Camberwell School of Art en Londres. Desde 1976 Jeffrey Isaac ha hecho muchas exposiciones en Los Estados Unidos, Suiza, Italia y Alemania. En Nueva York empezó a publicar lo que se llamó "la revista más pequeña del mucho de este tipo", llamada “Public Illumination Magazine.” En 1986 se trasladó a Umbria cerca de Spoleto. Allí conoció al artista americano Sol LeWitt que se convirtió en un buen amigo suyo. Durante el periodo de 1999 a 2006, se dedicó casi exclusivamente al vídeo. En 2004, le rodeó un pequeño escándalo, pintó una pancarta de invitación para la procesión anual de la ciudad de Foligno y mostró a su patrón San Feliciano, practicamente desnudo, montado a caballo. En 2007 diseño la animacion para la performance de IL CORVO de LaMama Experimental Theater Company en la 38 Biennale en el Teatro de Venecia. En 2009, una selección de sus pinturas fueron exhibidas en la " exhibition DETOURNEMENT VENISE" un evento colateral en la 53 Venice Biennale.

References

• 38. Biennale Teatro
• Website Detournement Venise
• Kunstverein Schwetzingen

Elizabeth Barsham

Vivo en Tasmania, que es el lugar mas lejano donde puedas vivir, y paso el más tiempo posible en la selva que es un buen sitio para el alma El paisaje aqui es viejo y duro, con un montón de montañas y valles misteriosos. Tanto el paisaje como la historia se describen como góticos normalmente aqui, así que es lo que yo pinto. Gótico Tasmanio. Nacida en Tasmania, Elizabeth Barsham creció en Hobart y estudió arte en Melbourne. Sus pinturas han ganado muchos premios y han sido adquiridas por la Universidad de Monash y coleccionistas privados de todo el mundo. Expone con regularidad y ha sido profesora de dibujo y pintura durante muchos años, en primer lugar en Melbourne, luego en Hobart desde que regresó en 1997. Pintura imaginativa única y los dibujos son una expresión emocional de su relación ancestral con el paisaje y su gente. Descendiente de colonos convictos ha escrito varios libros y artículos sobre la historia familiar de Tasmania y fue la primera en Tasmania en publicar un libro sobre un antepasado convicto. "El arte es mi vida! es lo que hago. Es muy importante para mí tambien la transmisión de los conocimientos que he acumulado a lo largo de toda una vida en la pintura. Después de unas cuantas lecciones y un montón de práctica, cualquiera puede aprender a pintar lo suficientemente bien como para disfrutar de un pasatiempo absorbente.

James Casebere

Nacido en 1953 en Lansing / Michigan, USA, vive y trabaja en Nueva York

"...Miro la creación artística como un proceso de diálogo social. Ahora estoy tratando de reducir la imágenes a vacíos esenciales. El interior de las habitaciones no solo son reflejo de mi estudio sino tambien un reflejo de los mecanismos de la fotografía. La célula es una pequeña caja, como la cámara, y la ventana es una apertura que permite entrar la luz. La habitación es la camara oscura"

La obra de James Casebere se inserta en la corriente de la fotografía arquitectónica. Casebere realiza maquetas de arquitecturas, de exteriores e interiores, del tamaño del tablero de una mesa. Tras un concienzudo proceso de iluminación fotografía la maqueta obteniendo un resultado que no permite distinguir entre realidad y ficción. Con una trayectoria muy consolidada (más de setenta exposiciones individuales y unas doscientas colectivas) la exposición que le dedica el Cleveland Museum of Modern Art, titulada "Picture Show", forma parte de una itinerancia que parte del Southeastern Center for Contemporary Art de Carolina del Norte. La arquitectura se ha convertido en un subgénero de la fotografía y las arquitecturas irreales tienen un gran número de seguidores en el circuito internacional como por ejemplo Giacomo Costa o Thomas Demand

La obra de Casebere tiene matices que la acercan a lo cinematográfico. Como buen amante del cine que es, Casebere realiza maquetas a modo de decorados. Los espacios que construye son vacíos, jamás introduce a la figura humana (tradicionalmente, la figura humana es la gran ausente en la fotografía de arquitecturas). Casebere crea espacios que después no tienen ninguna utilidad. Reproduce un espacio que, a su vez, es reproducido por la cámara. Son espacios por lo general vacíos, donde la iluminación adquiere una importancia vital. Es la luz la que da forma a muchos de los espacios del artista. En las imágenes de la serie "Asylum" que se exhibió en Santiago el yeso y la luz se hermanan para crear escenarios de marcado carácter aséptico y sumamente misteriosos.

LEE BONTECOU

"Lo que los estudiant4es no entienden que es tener un master- NO SIGNIFICA NADA. LO QUE TIENES QUE HACER, ES HACER DE TI MISMO UN ARTISTA... TIEN4ES QUE PERMANECER EN EL TIEMPO"

"Necesitamos tener plantas. Si no las ves, tenderemos que recordar como eran, este tipo de flor está hecha de una de plástico"




Nacida en 1931.
Vive y trabaja en Orbisonia, Pennsylvania

En 1959, la joven escultora Lee Bontecou había desarrollado un lenguaje único, inspirado en igual medida por formas orgánicas y estructuras mecánicas. Oscilando entre la abstracción y la figuración, sus lienzos, relieves de alambre y esculturas de la década de 1960 expresa poderosamente el asombro y el terror de lo inexplicable, ya sean naturales o provocados por el hombre. Una científica de lo invisible, ofrece detalles a observar cuidadosamente como evidencia de fines mucho más grandes. "Mi pensamiento más persistentemente recurrente es trabajar en un ámbito de tan largo alcance como sea posible", escribió a principios de su carrera ", para expresar un sentimiento de libertad en todas sus ramificaciones, respeto, belleza, magnitud, horror y vileza . "A pesar de que continuó haciendo esculturas y dibujos a lo largo de la década de 1970, 80 y 90, Bontecou optó por no mostrar su trabajo públicamente, prefiriendo trabajar en relativo aislamiento en su estudio de Pennsylvania occidental. En los últimos años, ha empezado a exponer una vez más. Sus trabajos más recientes son de alambre y esculturas de cerámica que se asemejan a los sistemas macrocósmicos, tales como constelaciones o microcosmos, como los insectos. Aunque son distintos a los trabajos anteriores, siguen la fusión de lo empírico con lo trascendental, lo científico con lo espiritual.

Selected Bibliography:

Hadler, Mona. "Lee Bontecou's 'Warnings.'" Art Journal 53 (Winter 1994): 56–61.

Judd, Donald. "Lee Bontecou." Arts Magazine 39 (April 1965): 16–21.

Smith, Elizabeth A. T., ed. Lee Bontecou: A Retrospective. Exhibition catalogue. Chicago: Museum of Contemporary Art; Los Angeles: UCLA Hammer Museum, in association with Harry N. Abrams, 2003. Essays by Donna De Salvo, Mona Hadler, Smith, and Robert Storr.

Solomon, Alan. New York: The New Art Scene. New York: Holt, Rinehart, Winston, 1967.

Sussman, Elizabeth. "Lee Bontecou: UCLA Hammer Museum." Artforum 42, no. 5 (January 2004): 48–49.

James Siena

"Yo no hago marcas, hago movimientos "-. James Siena

"Cuando hago un cuadro, responde a un conjunto de parámetros, como un algoritmo visual. Estos dispositivos están sujetos a la estructuración de la falibilidad de mi mano, y a la capacidad de mi mente para completar el trabajo según lo previsto "-. James Siena

• Nacido en Nueva York en 1957- Estudió en Cornell University, Ithaca, N.Y.

James Siena es más conocido por las abstracciones geométricas complejas que crea a mano alzada, imponiendose a sí mismo un conjunto de "reglas" que el llama "algoritmos visuales." A partir de una unidad básica, una forma o un conjunto de líneas permite que estos algoritmos , que son esencialmente permutaciones determinadas, guien la progresión de cada obra. El dibujo o la pintura resultante es un modelo que no sólo es visualmente complejo, sino también lógico. "Son procedimientos", dice Siena de las normas que rigen sus pinturas. "Cada pintura tiene que ver con la realización de un procedimiento, no importa lo simple. Es la tarea de hacer lo físico ".

La práctica de Siena de algoritmos visuales hace que su proceso sea de alguna manera mecánico, sin embargo, a pesar de la lógica imperante y el método meticuloso, sus obras mantienen una expresividad que resuena en las imperfecciones de sus patrones y la vacilación leve de sus líneas. Aunque rigurosamente ejecutadas y de procedimiento muy preciso, las composiciones abstractas de Siena trascienden la geometría, produciendo de algún modo, efectos psicológicos e incluso efectos espirituales y meditativos el arte islámico no figurativo. Su enfoque mecánico como resultado de la mano falible del artista da como resultado dibujos que celebran las capacidades y las limitaciones de la lógica humana.

Colecciones permanentes

Metropolian Museum of Art, Nueva York. Nueva York

Museo de Arte Moderno, Nueva York, NY

Museo de Bellas Artes, Boston, MA

UCLA Hammer Museum, Los Angeles, CA

Whitney Museum of American Art, Nueva York, NY

San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA

Sarah Morris

Sarah Morris es una artista internacionalmente conocida por sus abstracciones complejas, que juegan con la arquitectura, el diseño y la psicología de los entornos urbanos. Morris ve sus pinturas como en paralelo a sus películas - ambas de topología urbana, social y burocrática. En estos dos medios de comunicación, explora la psicología de la ciudad contemporánea y su política de arquitectura codificada. Nacido en 1967, Sarah Morris vive en Londres y Nueva York. Exposiciones individuales incluyen el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, el Palais de Tokio de París, Kestner Gesellschaft Hannover y Hirshhorn Museum de Washington DC

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