FRANCIS BACON

Francis Bacon and Lucien Freud in Soho, 1974

Francis Bacon (1909-1992), posiblemente el pintor británico por excelencia del siglo XX, también fue durante cuarenta años el más controvertido. El arte de Bacon aparece a menudo deliberadamente inquietante. Su tema fue la forma humana. Bacon reinterpretó la construcción física del cuerpo con una intensidad nueva e inquietante. Para él era algo para ser desmontado por la penetrante mirada del artista y luego poner de nuevo juntos de nuevo a la vista. Nos obliga a ver, tal vez por primera vez, las figuras por separado y subraya lo escondido en la figura humana familiar.

El tratamiento de Bacon de la cara puede ser especialmente difícil. En sus retratos, en general, de personas que el artista conocía bien, a veces se muestran gritando. Incluso en reposo las facciones cambian ante nuestros ojos, sin embargo, nunca llegan a ser irreconocibles a pesar de los remolinos de pintura.

A menudo se le denomina como expresionista, o incluso se habla de un Bacon surrealista, pero el rechazó enérgicamente ambas etiquetas. Insistió en que a su manera, su trabajo estaba cerca del mundo que vemos todos los días, se mantuvo fiel a lo que él llamó "la brutalidad de los hechos."

No es raro escuchar como las pinturas de Francis Bacon se describen como expresionistas. Sin embargo, esa etiqueta resultaba muy molesta al pintor británico, le desagrada más que otras caracterizaciones y le parecía muy poco favorecedor para su trabajo. La mayoría de los artistas asociados con el expresionismo buscaba proyectar sus emociones en el mundo, deformar o distorsionar las apariencias hacia ese fin expresivo. Este arte puede, por tanto, considerarse idealista, los rasgos faciales exagerados, por ejemplo, pueden hacer alarde de la distancia del sujeto de un ideal imaginado.


Las obras de Bacon tienen en común con algunas formas del expresionismo en el arte moderno, la violencia del gesto pictórico y el efecto inmediato de shock, pero podría ser considerado expresionista sólo en un sentido muy general. El propio artista resumió su trabajo como un intento de captar, a través de la imagen pintada del cuerpo, las sensaciones que la realidad física que se agita en su interior. Para Bacon, el arte abstracto resultaba poco atractivo, la figura humana era la fundamental, y casi el único tema,. La figura está sujeta a una distorsión en la obra de Bacon, por razones diferentes a las de los expresionistas: lo que busca es burlarse de la rutina, y de la manera superficial que por lo general nos vemos a nosotros mismos y al mundo. Trata de anular la habitual percepción cotidiana con el fin de llevar al espectador a acercarse a la realidad cruda de la vida corporal. El objetivo es molestar la estabilidad del punto de vista ordinario, romper las barreras de protección que nos separa de la inmediatez de la experiencia.


Tal vez el término que mejor describe la obra de Bacon es "realismo", una clasificación que se emplea a menudo "para cosas flojas", pero que aquí se entiende en un sentido especial.
En este caso, el realismo no significa una representación directa, sencilla, algo que Bacon descartaba como mera "ilustración", y de lo que se sentía tan lejos como de la pintura abstracta. El pretendía la fidelidad a la experiencia vital de la vida dentro del cuerpo, que para él era un tema fundamental del arte. Al igual que los realistas del siglo XIX, Bacon reflejaba minuciosamente la realidad móvil, el desplazamiento de la forma humana con los medios que la pintura ponía a su disposición. La diferencia es que en los tiempos de Bacon, ahora un siglo más tarde, el arsenal de recursos para la pintura es mucho mayor, los criterios de imitacion naturalistas ya no son suficientes. El realismo de Bacon es, por tanto, radicalmente moderno, y su punto de partida, como el libremente admitía, fue la obra de Pablo Picasso de finales de la década de 1920, lo que se considera a veces surrealista, aunque de un tipo inusualmente obstinado.


El drama en la pintura de Bacon surge del hecho de que, inevitablemente, el espectador no puede dejar de identificarse, en cierta medida con lo que muestra una imagen. La distorsión de la apariencia normal del cuerpo en una pintura nos puede hacer temblar con la molesta sensación, de cómo la carne humana y los huesos están constituidos. Con Bacon, la figura aparece con frecuencia en el borde de la disolución, justo antes de volverse irreconocible. El pintor concentra toda la violencia de la pincelada en la forma humana, el uso del material pictórico agitado para encarnar las convulsiones de la carne. Para conseguir este efecto, Bacon, a veces arroja puñados de pintura contra el lienzo, trabajando posteriormente con las manos, el pincel, u otros medios directos. De esta manera, afirma lo que quiere reflejar "la brutalidad de los hechos."



En contraste, el espacio que rodea las figuras es rigurosamente ortodoxo: los espacios que las rodean o las curvas de flexión son extensiones del propio espacio del espectador. Los críticos a menudo han tratado de ver estos espacios como una metáfora existencialista de lugares anónimos, desolados, como salas de sórdidos hoteles baratos, o celdas de la cárcel, sin embargo, la pintura de Bacon se resiste a cualquier interpretación simbólica. En cambio, los espacios que crea encerrar al espectador junto con la figura, proyectan al espectador en el papel de voyeur, mirando en un ritual privado oscuro. Los ajustes están pintados con colores planos y brillantes contra las piezas como los muebles y los objetos banales, una bombilla, un interruptor, se colocan como los objetos reales en un collage cubista. Para Bacon, estos elementos son las "certezas": son fáciles de reconocer fragmentos de la realidad familiar que, con su presencia corrobora la vida real, del horror de las figuras contorsionadas.

La forma en que el espacio pictórico atrae al espectador se acentúa en los trípticos, un formato prácticamente reinventado por Bacon para el arte moderno. A diferencia de los trípticos tradicionales, donde la secuencia de paneles con frecuencia nos cuenta una historia, Bacon hizo de ellos un espacio de participación que se extiende alrededor del espectador, que nos obliga a contacto íntimo con las figuras, empujando hacia nosotros sus cajas al descubierto.

"Imaginación real ... es la forma de revivir un evento. Es en la búsqueda de la técnica para atrapar un objeto en un momento dado." Así, Bacon, resume su estrategia pictórica, que renuncia a cualquier tipo de simbolismo. Sus lienzos no significan ideas abstractas, no genera iconos ni símbolos, interpretar las imágenes, en el sentido estricto de la palabra, no es apropiado. Nos topamos con ellas como un accidente. Su impacto es abrumador, como algún fragmento obsceno de la existencia ante el que es imposible mantenerse al margen y distante.

Aunque nació en Dublín y pasó la mayor parte de su infancia en Irlanda, Francis Bacon debe ser considerado un pintor Inglés porque este era el origen de su familia. Su padre era entrenador de caballos de carreras en Dublín hasta que entró en la oficina de la guerra y se mudó con su familia a Londres en el estallido de la Primera Guerra Mundial. Hasta 1925 la familia de Bacon se mudó con frecuencia entre Inglaterra e Irlanda. Los movimientos continuos, junto con el hecho de que sufría de asma, impidió que el joven Bacon asistiera a la escuela regularmente, y recibió una educación en su mayoría de sus tutores.



En 1925, Bacon abandonó su familia y se instaló en Londres. Tras una breve estancia en Berlín, pasó dos años en Francia, una parte del tiempo cerca de Chantilly. Allí visitaba con frecuencia el Musee Conde y vio el cuadro de Nicolas Poussin masacre de los Inocentes (1630-31). La figura de la madre llorando cuando le arrancan de los brazos a su hijo dejó a Bacon muy impresionado hasta el punto de convertirse en una imagen recurrente en sus primeras pinturas. Lo mismo le ocurrió con otro grito famoso, el de la enfermera herida con anteojos destrozados en la escena en la escalinata de Odessa de El acorazado Potemkin (1925), la famosa película de Sergei Eisenstein.



La exposición de Picasso en la galería de Paul Rosenberg en París en 1927 decidió su vocación por una carrera en la pintura. La obra del artista mayor le reveló que dentro de la forma humana, había un mundo nuevo, inexplorado, cuyo drama del interior podría ser llevado a la superficie. Esto se convertiría en el mundo pictórico de Bacon.

Decidió quedarse definitivamente en Londres en 1928 y pronto se ganó cierta reputación como decorador de interiores y diseñador de muebles. Comenzó a pintar de forma autodidacta y poco a poco fue dándole más importancia hasta que se convirtió en su única actividad. Poco se sabe de sus obras a partir de la década de 1930, ya que el propio Bacon destruyó la mayor parte de ellas. En 1936 se presentó una obra en la "Exposición Internacional del Surrealismo", pero fue rechazado, tal vez una premonición de que su trabajo no pertenecía al mundo de los sueños y fantasías, sino a la experiencia del mundo material. En 1945 expuso Tres estudios para figuras en la base de una Crucifixión, con formato de tríptico, y "Figura en un paisaje". Se le asoció en ese momento con otros pintores contemporáneos figurativos Ingleses, como Graham Sutherland y Matthew Smith, así como con el escultor Henry Moore, y mostró con ellos en varias exposiciones. Sin embargo, su individualidad incorregible ya era evidente introduciendo en los lienzos sus inquietudes características. El primer grito que descubrió en la obra de Nicolas Poussin y una escena de Eisenstein dio lugar a obras como Head VI y el retrato de Velázquez del Papa Inocencio X, "estudio para un retrato". Estas fueron algunas de las composiciones más destacadas producidas en la década de 1950.

Bacon comenzó a utilizar radiografías en su trabajo para dar un sentido de realismo de carne y sangre a sus retratos y cuadros de figuras. Como parte de su cuasi-científicas búsqueda de la realidad del cuerpo, también hizo uso de los estudios fotográficos de figuras de animales en movimiento realizados por EAD-weard Muybridge a finales del siglo XIX. Estas fuentes se convirtieron en puntos de partida para muchos de los cuadros de Bacon. Otra preocupación importante es la relación entre la figura y el espacio pictórico, que se convirtió en una relación más definida, aparecieron cubos lineales, figuras aisladas de su entorno como jaulas transparentes.

La carrera internacional de Bacon se lanzó con su primera exposición individual en Nueva York en 1953 y su elección el año siguiente, junto con Ben Nicholson y Lucian Freud, para la Bienal de Venecia. En la década de 1960, Bacon llegó a un nuevo nivel de logro artístico. Volviendo al formato del tríptico, creó Tres estudios para una Crucifixión en 1962 , la transformación de uno de los temas centrales de su carrera artística.

Además, el impacto de su pintura fue inmediato, como se puede ver en sus retratos. Bacon, pintó personas de su círculo de amigos: sus rostros y nombres son familiares para todos los devotos de la pintura del artista, y que incluyen a Isabel Rawsthorne, Moraes Henrietta, Lucian Freud, y George Dyer. Bacon dijo que nunca pintó retratos de nadie, excepto de aquellos cercanos a él, ya que "si ellos no eran mis amigos, yo no les podía causar ese tipo de violencia ". Dyer fue el modelo más frecuente en los lienzos de la década de 1960, y su muerte en 1971 pesaría como una losa sobre el artista.

El sorprendente efecto de las pinturas de Bacon y las connotaciones sexuales en muchas de ellas extendió su fama en este período más allá de los círculos estrictamente artísticos. Las numerosas exposiciones en todo el mundo dedicadas a la obra de Bacon consolidó su reputación, en especial las retrospectivas en la Tate Gallery de Londres, en 1962 (una segunda exposición se celebró allí en 1985), y en el Guggenheim Museum, Nueva York, en 1963.

Francis Bacon fue uno de los pintores figurativos más poderosos de este siglo. Su logro es muy importante porque que salió de un entorno artístico que fue, durante los años 1940 y 1950, dominado por el arte abstracto. Aunque el arte británico de posguerra produjo una serie de importantes creadores-Graham Sutherland, Lucian Freud, RB Kitaj, David Hockney, la independencia implacable de la obra de Bacon se resiste a todas las clasificaciones académicas. Como ocurre con otros grandes pintores figurativos de su tiempo-el Balthus francés, el López español Antonio, o el amigo de Bacon, Lucien Freud-el suyo fue un camino solitario, difícil de seguir para los imitadores , que conduce a una visión única del espíritu de la época. Francis Bacon se mantuvo activo hasta el último año de su vida. Murió durante una visita a Madrid en 1992.

Ref- HISTORY OF ART