LEOPOLDO NÓVOA

Nacido en Salcedo, Pontevedra, en 1919, e hijo de un diplomático, viajó por primera vez a América con siete años, donde comenzó a pintar, dibujar y modelar. De vuelta en Galicia en 1929, desarrolló su faceta artística hasta que regresó con su familia de nuevo a Uruguay, donde residiría hasta 1947.
En 1965, el artista se traslada a París, donde trabaja intensamente durante los siguientes años, aunque simultaneando esta residencia con largas temporadas en Armenteira (Meis, Pontevedra), donde también disponía de un estudio.
Internacionalmente reconocido, expuso en galerías de Buenos Aires, Nueva York, Punta del Este, Montevideo, Dublín, Madrid, Italia, Bélgica, París, Lima, Bogotá y Quito, entre otras, así como en varias ciudades gallegas. En la capital francesa entraría en contacto con intelectuales como Julio Cortázar.

Junto con Seoane y Colmeiro, entre otros, Leopoldo Nóvoa está considerado uno de los representantes de la pintura gallega de la emigración.

Información EL MUNDO

viernes 24/02/2012 

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El artista pontevedrés Leopoldo Nóvoa ha fallecido este jueves en París, donde simultaneaba residencia junto con Galicia, a los 91 años de edad.

Esteban Vicente

Esteban Vicente nació en 1903 en Turégano, Segovia. A los dieciocho años ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando con el propósito de formarse como escultor, pero pronto decidió dedicarse a la pintura.

En Madrid, entra en contacto con miembros de la Generación del 27, Buñuel, García Lorca Rafael Alberti o Juan Ramón Jiménez, con cuya poética su pintura intimista presenta similitudes.
En 1929 marcha a París, allí conoce a Picasso, Dufy y Max Ernst y trabaja pintando los decorados del famoso Folies Bergère. Después regresa a España, se casa con una joven norteamericana y tras el estallido de la Guerra Civil, emigra a Estados Unidos.

En 1940 consiguió la nacionalidad estadounidense. Se instala en Nueva York y entabla amistad con los pintores Willem de Kooning, Jackson Pollock, Marc Rothko, Barnett Newman y Franz Kline, junto con los que forma la Escuela de Nueva York. A partir de ese momento comienza su inclinación por el expresionismo abstracto americano.

Conjugó el postcubismo de su periodo parisino con el expresionismo abstracto. Sus lienzos destacan por la luminosidad. Busca el orden a través del color y de composiciones sencillas y equilibradas. Evita al máximo las formas, incluso las líneas, obvia el dibujo para concentrarse en la pintura. Su paleta es reducida y combina los colores cálidos con los fríos, pero siempre opacos y luminosos. Son personales composiciones cromáticas sobre estructuras vagamente geométricas que el mismo llamó "Paisajes Interiores".

En Bodegón con "Le Crapouillot", de 1925, vemos ya la delicadeza y la suavidad en la aplicación de los pigmentos. La obra remite a Cézanne por la preocupación por la estructura y la construcción de las formas.


De 1925 es el Retrato de su hermana Sagrario, compuesto atendiendo a la volumetría general de la figura y con una maravillosa entonación verde botella que contrasta suavemente con el gris del fondo.

Durante su estancia en París realiza Paisaje con sombrilla roja, con una entonación verdosa, que hace resaltar el negro de una de las figuras que está en primer plano y la intensa pincelada de rojo que conforma la sombrilla. Este toque vibrante de color anima toda la composición.
A partir de 1950 tiene lugar la verdadera trasformación de Esteban Vicente, sus composiciones se vuelven más abstractas y se muestran intensamente decoradas, pero al mismo tiempo poseen una profunda espiritualidad.

Sin título, de 1953, es uno de los cuadros ejecutados en Nueva York. Puede apreciarse la coincidencia con obras de De Kooning. Se estructura en base a un entramado aparentemente caótico, que ha sido creado por trazos y manchas negras multidireccionales, que contrastan con colores cálidos muy empastados. El color adquiere la máxima importancia, interesándose por su aspecto material y táctil.

En Harmony, de 1976, rinde homenaje al recuerdo a Alison Peters, hija de la que fue su esposa desde 1961, Harriet Godfrey Peters. Presenta gran sobriedad cromática.
A partir de los ochenta el color se multiplica, se hace más variado. Las tonalidades esenciales de Vicente se mantienen, aunque se enriquecen con otras que terminarán convirtiendo estos lienzos en una verdadera sinfonía de malvas, verdes, amarillos, naranjas y azules.

Destacan Escena desde el estudio, Cimiento o Desde el estudio, composiciones relajantes donde apenas se adivinan formas, que insinúan y sugieren árboles, follaje o flores. Los amarillos, los verdes y el blanco del lienzo, se combinan en armonía, formando un conjunto deslumbrante.
Sensaciones más fuertes transmiten Tormenta, Sabiduría o Fragancia, con intensos lilas, grises, naranjas y ocres, distribuidos en grandes zonas horizontales que alteran nuestro interior.

En Soledad, de 1991, presenta cuatro manchas rojas que resaltan sobre el verde del fondo. Crea una atmósfera imprecisa, acuosa y misteriosa, que predispone a la contemplación y la meditación.

Aquí, de 1993, también hace referencia al mundo espiritual. La mitad inferior posee una riquísima gama de colores mientras que la mitad superior, sólo presenta una pequeña forma roja.

Junto a su actividad pictórica, Esteban Vicente desarrolló una importante labor docente como profesor de pintura en la Universidad de Puerto Rico, en la Universidad de Berkeley, California y en la Universidad de Nueva York. Su obra fue casi desconocida en nuestro país hasta 1987, fecha en la que el Banco Exterior realiza una muestra antológica.

En 1998, se inauguró el Museo de Arte Contemporáneo que lleva su nombre en Segovia y El 11 de enero de 2001, poco antes de cumplir 98 años, falleció en su casa de Bridgehampton (Long Island).

Arte España

William Baziotes

Nació en 1912 en Pittsburgh y murió en Nueva York en 1963

Sus padres eran de origen griego. Se crió en Reading, Pennsylvania, donde trabajó  en antigüedades de cristal y haciendo recados en la compañía Case Glass desde 1931 hasta 1933.  Al mismo tiempo asistía a clases nocturnos de dibujo y conoció al poeta Byron Vazakas, que se convirtió en su amigo para toda la vida. Bazakas lo introdujo en la obra de Charles Baudelaire y los poetas simbolistas. En 1931 Baziotes vio una exposición de Henri Matisse en  Museo de Arte Moderno de Nueva York y en 1933 se trasladó a esa ciudad para estudiar pintura. Entre  1933 y 1936 asistió a la National Academy of Design

En 1936 expuso por primera vez en una exposición colectiva en la Municipal Art Gallery de Nueva York y fue contratado por la Woks Progress Administration (WPA). Como profesor para un proyecto de Arte Federal en el Queens Museum of Art. Baziotes trabajó en el WPA  easel desde 1938 hasta 1941. Conoció a los inmigrantes surrealistas que llegaron a Nueva York a finales de la década de 1930 y principios de 1940, entre ellos se encontraban Jimmy Ernst, Matta y Gordon Onslow-Ford.  Empezó a experimentar con el automatismo en esta época. En 1941 Matta le presentó a Robert Motherwell, un gran amigo suyo. André Masson  le invitó a participar con  Moterwell, David Hare y otros en dos exposiciones del grupo       "First Papers of Surrealism" en  1942 en  Whitelaw Reid Mansion en Nueva York.

 En 1943, tomó parte en dos exposiciones  en Peggy Guggenheim´s Gallery Museum Art of This Century en Nueva York, donde realizó una exposición individual al año siguiente. Con Hare, Motherwell y Mark Rothko fundó The Subjects of the Artist School en Nueva  York en 1948. Durante la década siguiente desempeñó varios cargos como profesor en Nueva York: en  el Brooklyn Museum Art School, en la Universidad de Nueva York, People´s Art Center, MoMa y en Hunter College.

  Durante su vida, su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas que ayudaron a dar a conocer su arte junto al de otros pintores abstractos con sede en Nueva York, como en el Art Institute of Chicgo, Metropolitan Museum of art, MoMA, Sao Paulo Biennal, Tate Gallery de Londres, Documenta Kassel en Alemania, Walker Art Center de Minneapolis y Guggenheim Museum-  Baziotes murió en Nueva York el 6 de Junio de 1963 y se le hizo una gran retrospectiva en el Guggenheim Museum en 1965

Información Guggenheim Museum

lars henkel

Lars Henkel nació en Roma en  1973  y se crió en Bonn, Alemania. Estudió ilustración en la Universidad de Artes Aplicadas, Aachen u en la Academy of Media Arts en Colonia, donde vive y trabaja.

Su obra aparece en revistas, libros, CDs y en páginas web- Ha recibido premios de ADC Alemania, Society of Ilustrators, American Ilustration y Communication Arts and 3x3

Ha trabajado pra la revista GEO, Universal Records, Ride Snowboards, Meret Becker, búchergilde guttenberg. Die Getalten Verlag y para otros clientes nacionales e internacionales

David C. Driskell

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David C. Driskell nació en Eatonton, Georgia, en 1931. Se educó en las escuelas públicas de Carolina del Norte y se licenció en arte en la universidad de Howard obteniendo posteriormente un master en Bellas Artes por la Universidad Católica de America, ambas en Washington D.D. Cursó estudios de postgrado en Historia del Arte en Holanda, en el Instituto de Historia del Arte de la Haya. Ha estudiado en cuatro continentes temas de culturas africanas y afro-americanas. Ha recibido doce doctorados Honoris Causa en arte

Driskell recibió muchas becas, entre ellas, tres de la Fundación Rockefeller, una de la fundación Danforth y otra de la fundación Harmon. En 1995 fue nombrado profesor de arte distinguido de la Universidad de Maryland, del College Park, que ahora ostenta como emérito. Es miembro de la National Academy

Comenzó su carrera docente en Talladega College en  1955. Ha sido profesor en las universidades de Howard y Fisk. Se unió al Departamento de Arte de la Universidad de Maryland en  1977 y desempeño el cargo de presidente desde  1978-hasta 1983. Despues de abandonas la presidencia ha mantenido una carrera activa en el arte, como maestro, comisario, administrador y consultor de arte. Se retiró de su puesto en la universidad de Maryland en 1998

Altamente considerado como artista, estudioso del arte,  y comisario, es citado como una de las principales autoridades del mundo sobre el tema del arte afroamericano.  Ha sido galardonado con el  premio Alumni, distinguido en arte por la universidad de Howard en 1981 y por la universidad catolica de América en 1996. Es autor de cinco libros sobre el arte afroamericano, otros cuatro de co-autoría y ha publicado mas de cuarente catálogos de exposiciones de arte que ha comisariado. Sus artículos y publicaciones dobre temas de arte afroamericano han aparecido en mas de una veintena de las principales publicaciones en todo el mundo.  Sobre su pintura se ha escrito  en publicaciones como Art News, Art in America, The New York times y en el Washington Post.

Entre los más importantes encargos que le han hecho estan las  65 vidrieras pra la capilla DeForest en el campus de Talladege College en Alabama y tambien son famosas "The singing Windows" , las ventanas cristianas afrocentricas en Peoples Congregational United Chuch of Crist en Washington DC

Desde  1977 ha servido como consejero cultural para Camile y Bill Cosby y comisario  de la Collection of Fine Arts. En 1995 fue llamado por el presidente Clinton para seleccionar una obra de arte de un artista afroamericano para la exposición permanente en la Casa Blanca.  Un cuadro de  Henry O. Tanner fue seleccionado "Sand Dunes at Sunset:Atlantic City". 

En 1998, la Universidad de Maryland fundó el Centro David C. Driskell para el estudio de la diáspora africana y para rendir un homenaje a Driskell por su carrera de  44 años  como artista, educador, filántropo, coleccionista e historiador del Arte.

Driskell recibió la medalla nacional de humanidades del Presidente Bill Clinton el 20 de diciembre de 2000 en una ceremonia en la Casa Blanca. Parte del discurso de Clinton fue " El Presidente de los Estados Unidos de America premia con la Medalla Nacional a la Humanidades a David C Driskell por abrir nuestros ojos a la belleza, intensidad y poder el arte afroamericano. Como artista, comisario, erudito y educador, que ha centrado su atencion en los artistas negros, despertando el interés en todo el mundo, entre los amantes del arte, críticos e historiadores, y enriqueciendo el patrimonio cultural y la historia de nuestra nacion"



Biographical Narrative provided by David C. Driskell

Adolph Gottlieb

1903-1974

Adolf Gottlieb, miembro destacado de la vanguardia estadounidense, nacio en Nueva York en 1903. Despues de abandonar la escuela secundaria en 1919, asistió brevemente a la Art Students League. En  1921 viajó a Euroa, visitando Viena, Berlin, Dresde y Munich. En París recibió clases de dibujo. Despues de su regreso en  1922 volvió a la Art Students League y se hizo amigo de Barnett Newman, Mark Rothko y John Graham

En una carta que Gottlieb y Rothko escribieron al New York Times en junio de 1943 establecieron las bases teóricas del expresionismo abstracto

 
En un viaje a Arizona (1937-38),  vio unos murales arcaicos indios  y empezó a pensar en ese arte. El tenía pasión por las culturas  prehistóricas y esta fascinación la llevó a su pintura. Comenzó  a utilizar imágenes primitivas   intemporales en los pictogramas iniciados en 1941. Había descubierto que uno de los signos actuales tenia un precedente en un pasado cultural y lo incluyó en su pintura.  Gottieb confiaba  en llamar la atencion sobre las propiedades fundamentales del lenguaje, quería implicar a los espectadores en una experiencia universal

A principios de la década de 1950 sus pictogramas fueron reemplazados por una serie de paisajes imaginarios. Series que presentaban unas imágenes radicalmente simplificadas.

Grace Hartigan

  Hartigan, amiga y discipula de Jackson Pollock y Willem de Kooning, adscrita al expresionismo abstracto  pero como  Kooning ella nunca rompió totalmente con la tradición figurativa. Decidida a replantear su estilo artístico, se abrió desde el mundo interior santificado por los expresionistas abstractos y abrazó el torbellino visual de la vida contemporánea americana

Nació en Newark en 1922 y se crió en la zona  rural de New Jersey, la mayor de cuatro hermanos.  No pudo ir a la universidad, se casó muy joven y en una decisión romántica, ella y su marido, Bob Jackens, decidieron irse a Alaska para vivir como pioneros. No llegaron más allá de California, donde, con la ayuda de su marido, decidió dedicarse a la pintura.
"Yo no elegí pintar" -declararía en una entrevista más adelante-" La pintura me eligió a mi. Yo no tenía ningún talento, solo tenía genio"

A mediados de la década de 1940 abandonó a su marido, dejó a su hijo Jefrey al cuidado de sus padres y volvió a Newark, donde  estudió dibujo y pintura con Isaac Lane Muse.  Despues de trasladarse a Manhattan en  1945,  formó parte de la escena artística  del Nueva York de posguerra, uniendose a los pintores expresionistas abstractos. 

Hartigan  pronto se hizo famosa. En  1950, el crítico Clemente Greenberg y el historiador de arte Meyer Schapiro la incluyenron  en una exposición de nuevos talentos en la galería Kootz,  y en otra en la Nagy Gallery.  El cuadro Persian Jacket fue comprado para el Museo de Arte Contemporaneo  por Alfred Barr

Barr y la comisaria del Museo de Arte Moderno Dorothy Miller, la incluyeron en dos importantes exposiciones "12 americanos" en 1954 y "The New American Painting", una exposición que recorrió Europa en 1958-59 que introdujo en expresionismo abstracto en el extranjero. En 1958, la revisa Life la denominó "la más célebre de las jovenes artistas americanas"
Despues de comenzar como una artista completamente abstracta, poco a poco introdujo  imagenes. Fue el  culto a la poesía de O´Hara lo que la influenció

En 1949 se casó con el artista Harry Jackson, "no fue uno de mis menos serios matrimonios"- diría. El matrimonio fue anulado un año despues. En 1959 se casó con Robert Keen, dueño de una galería, de quien se divorció al año siguiente.  En 1960 se casó con Winston Price, un epidemiólogo de la Universidad Johns Hopkins, un coleccionista de arte moderno y había comprado uno de sus cuadros.  Despues de inyectarse una vacuna experimental contra la encefalitis en 1969 contrajo meningitis espinal lo que le causó trastornos físicos y mentales que le llevaron a la muerte en  1981

Su  hijo Jefrey Jackens murió en 2006. 

Su decisión de mudarse a Baltimore coincidió con un cambio drástico en el mundo artístico, el Pop Art y el Minismalismo eclipsaron al expresionismo abstracto. Hartigan se involucró en lo que ella denominaría "una solitaria vida creativa".   Durante décadas  pintó en un loft , en un departamento de unos grandes almacenes y daba clases en Maryland Institute College of Art. La universidad creó un posgrado- the Hoffberger School of Painting, de la cual se convirtió en directora en 1965 y dio clases hasta un año antes de su muerte. 

Era conocida por una obra intensamente colorista y por imágnes que incorporaba influida por el cine,  y la publicidad por lo que se considera pionera del Pop, el movimiento que fundaría Andy Warhol

Cuando los historiadores y comisarios revisan la historia del arte de posguerra la catalogan como "un pop pintado a mano", por una exposición en el Whitney Museum de 1993- a pesar de su odio por ese movimiento artístico

"El Pop art no es pintura porque la pintura debe tener contenido y emoción" - había declarado ella en  la década de 1960- Por otro lado, reflexionó, durante la exposición en  el Whitney Museum- " Prefiero ser una pionera de un movimiento que odio que ser la segunda generación de un estilo que me encante"

Su obra se expuso en el Jewish Museum de Nueva York en la exposición "Action Abstraction: Pollock, de Kooning and American Art, 1940-1976"
En una trayectoria artística de giros y vueltas, de experimentación incansable, siempre mantuvo un fuerte compromiso con el arte moderno y con la creencia que el arte tiene poderes casi magicos.  

The New York Times