miércoles, 30 de abril de 2008

Wassily Kandinsky (1866 - 1944)





Improvisation



Composition


"Composition"

Negro y violeta (1924) de Kandinsky




Vasíli Kandinsky

(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

CARTAS A THEO


CARTAS A THEO
Vincent Van Gogh

A través de una selección epistolar de la correspondencia personal mantenida entre Vincent van Gogh y su hermano Theo, descubrimos aspectos ocultos de su vida y de su obra. Se trata de una autobiografía espiritual y artística de un genio de la pintura que siempre vivió en precario, entra la locura y la miseria.

CAMINOS A LO ABSOLUTO.



Kandinsky, uno de los padres de la abtracción.


CAMINOS A LO ABSOLUTO. MONDRIAN, MALEVICH, KANDINSKY, POLLOCK, NEWMAN, ROTHKO Y STILL
John Golding

El crítico y pintor John Golding presenta la historia de la 'abstracción'. Reconstruye el viaje que emprendieron Mondrian, Melévich, Kandinsky, Pollock, Newman, Rothko hacia la abstracción. A pesar de la diversidad en técnicas y planteamientos de cada uno de ellos, todos compartieron la sensación de encontrase en el camino hacia la verdad pictórica, hacia el absoluto visual.

FRIDA KAHLO. LA GRAN OCULTADORA.



FRIDA KAHLO. LA GRAN OCULTADORA.
Margaret Hooks

Una selección de relatos de Frida Kahlo que reúne la obra de algunos de los fotógrafos más destacados del siglo XX. Incluye fotografías de maestros del modernismo como Edward Weston, Imogen Cunningham y Martin Munkacsi. Además también aparecen algunos de los mejores periodistas gráficos como Gisèle Freund, Bernard Silberstein y Fritz Henle. Las imágenes recorren la vida de la artista, comenzando con la imagen de una niña regordeta que sujeta un ramo de rosas marchitas hasta su lecho de muerte, cuarenta y dos años más tarde.

EINSTEIN Y PICASSO. EL ESPACIO, EL TIEMPO Y LOS ESTRAGOS DE LA BELLEZA.



EINSTEIN Y PICASSO. EL ESPACIO, EL TIEMPO Y LOS ESTRAGOS DE LA BELLEZA.
Arthur I. Miller

Un libro que revela sorprendentes paralelismos entre los dos genios a través de datos acerca de cómo vivían y trabajaban. El cubismo de Picasso conecta con las ideas científicas y filosóficas de Henri Poincaré, y lo sitúa en el contexto intelectual parisino. Mientras, Albert Einstein se ve forzado a buscar trabajo en la Oficina Suiza de patentes, ya que sus profesores no confiaban en su futuro académico. Sin embargo, Einstein no tardó en sentar las bases de una revolución científica. Sin saberlo, el artista y el científico trabajaban en el mismo problema: hallar una nueva representación del espacio y el tiempo.

DE LA CALLE A LOS MUSEOS

SIMPLICIDAD Y ARTE EN LA OBRA DE DAN PERJOVSCHI





Ese joven es rumano, se llama Dan Perjovschi (1961) y su arte sencillo, fácilmente comprensible y altamente crítico se ha ido abriendo camino poco a poco, sin mucho ruido, extendiéndose a los museos y a certámenes de arte, hasta que hace unos meses la exposición del vestíbulo del MOMA de Nueva York, con el título de ¿Qué nos ha pasado? le ha dado el espaldarazo definitivo.

Iman Maleki












Iman Maleki, posiblemente el mejor pintor realista del mundo
Iman Maleki nació en Teheran, 1976. Con quince años empezó a aprender el arte de la pintura de la mano del también irani Morteza Katouzian.

En 1999, se graduó en Diseño Gráfico por la Escuela de Arte de Teheran. En 2005, una obra suya fue galardonada con el premio William Bouguereau en la II Competición Internacional del Art Renewal Center, organización esta dedicada al realismo pictórico clásico.

Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. "Sus dibujos compiten con las cámaras digitales de 10 Megapixeles", aseguran.

lunes, 28 de abril de 2008

LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA






William Henry Playfair: "Real Academia de Escocia" (1822-1826). Edimburgo.



Pierre Contant d'Ivry y Guillaume Couture: "Iglesia de La Madeleine" (1764-1806). París.


Carl Langhans: "Puerta de Brandenburgo" (1791). Berlín.





Juan de Villanueva: "Museo de Historia Natural (actual Museo del Prado)" (1785). Madrid.


Juan de Villanueva: "Observatorio astronómico" (1790). Madrid.


Juan de Villanueva: "Casita del príncipe" (1772). El Escorial, Madrid




Robert Smirke: "Fachada del Museo Británico" (1823-1847). Londres.


John Wood, el joven: "Creciente real" (1767-1774). Bath, Inglaterra.

domingo, 27 de abril de 2008

Georges Seurat















(París 1859-1891)

Georges Pierre Seurat, pintor francés y uno de los padres del Neoimpresionismo, también conocido como Puntillismo. Perteneciente a una familia modesta, comenzó desde muy joven a dibujar bajo la dirección del escultor Lequien. Más tarde, ingresó en la escuela de bellas artes, en el taller de Lehman, cuyas teorías permanecían fieles al clasicismo de Ingres. Dotado de un espíritu positivo y de una inteligencia precoz, Seurat se interesó por las investigaciones de los teóricos de la luz, cuyos hallazgos trató de aplicar a la pintura.

Los puertos de Bretaña y Normandía, que visitaría frecuentemente a lo largo de toda su vida, inspiraron la mayoría de sus paisajes.

Participó en la fundación del Salón de los artistas independientes, donde se agruparon una seria de pintores (Paul Signac, Cross, Van Rysselberghe, Luce, Petitjean, Dubois-Pillet) que recibirán la influencia del artista, y a los que se denominaría “divisionistas”, “neimpresionistas” o “puntillistas”. Después de un período de experimentación acerca de las posibles técnicas pictóricas, Seurat se adhirió a las leyes del “contraste simultáneo”, descubiertas por Chevreul, que postulaban la exaltación de la luz mediante la utilización de las sombras, así como el contraste mutuo entre los valores contrarios. De este modo, llevando a sus límites extremos la experiencia impresionista, Seurat pintó mediante toques aislados, y, en lugar de reproducir los efectos de luz, se limitó a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales.

Los aspectos técnicos de su obra influyeron notablemente en los fauces, mientras que sus rigurosos estudios teóricos atraerían el interés de los cubistas. En el breve período de siete años realizó sus obras más importantes: El baño (1884, galería Tate, Londres) figura como la primera creación de dicha serie.

En 1886 participó en la octava exposición de los pintores impresionistas, donde envió su obra maestra Un domingo de verano en la Grande Jatte (Instituto de arte de Chicago). Agotado por el intenso trabajo, murió a los treinta y un años, dejando muchos apuntes y dibujos. Estos últimos constituyen un aspecto muy importante de su obra.

sábado, 26 de abril de 2008

Maria Callas "Mon coeur s'ouvre a ta voix "

El Hermitage se rinde ante la locura del grupo CoBrA



Karel Appel, ¡Hip, hip , urra!
Oil on canvas
1949. 82 x 129 cm


Bird of Paris
1948
Corneille
Amsterdam
Oil on canva


Concentration Camp
1950
Constant
Amsterdam
Oil on canvas.

Three Heads
1964
Karel Appel
Amsterdam
Oil on canvas.


El Hermitage se rinde ante la locura del grupo CoBrA




"Pintar es destruir lo anteriormente establecido. Yo nunca trato de hacer una pintura, sino un pedazo de vida. "
Karel Appel


El Museo del Hermitage de San Petesburgo nos ofrece una exposición dedicada al grupo CoBrA, movimiento artístico que revitalizó el arte moribundo de la Europa arrasada por la Segunda Guerra Mundial.


El grupo estaba formado por jóvenes intelectuales inconformistas que vivían en Copenhague, Bruselas y Amsterdam (CoBrA es el acrónimo de las tres ciudades). Influidos por el primitivismo derivado del arte folklórico, los mitos, el arte primitivo, el dibujo infantil y el de los locos, sus raíces procedían del surrealismo y el expresionismo y pretendían reflejar el mundo onírico sin que éste fuera contaminado por el intelecto.


La exposición presenta 86 esculturas, pinturas y dibujos de artistas vinculados a este movimiento artístico.

Entre ellos Karel Appel (Amsterdam, 1921), considerado el máximo representante del CoBrA

Una oportunidad para revisar su obra atrevida y espontánea autentica explosión de vitalidad. Acusado en ocasiones de que sus dibujos podía hacerlos hasta un niño, contestaba: 'Seguramente, pero inténtelo usted'.

De gran carga expresionista, sus trabajos están ligados a los grandes expresionistas nórdicos como Max Pechstein y Edvard Munch.


Aunque la existencia del grupo fue breve, se disolvió en 1951, tan sólo tres años después de su nacimiento, su influencia fue determinante para las manifestaciones artísticas posteriores.

SIMBOLISMO



G. Moreau, Hércules y la Hidra de Lerna



Hesíodo y las musas


G. Moreau, Orfeo


G. Moreau, Piedad, 1854

Puvis de Chavannes,
Mujeres a orillas del mar, 1879,
Musée d´Orsay, París.

# Una múltiple interpretación:

El término simbolista es complejo, ya que al hablar de él se origina una controversia para la que se han dado diferentes interpretaciones:

* Hay quien enfoca el simbolismo como la manifestación de un movimiento del Romanticismo tardío. Entre los precedentes cabrían William Blake o Goya.
* Hay quienes sostienen que nunca existió un estilo simbolista como tal.
* Otros restringen el movimiento a una manifestación típica del Postimpresionismo.

En el caso español es aún mucho más difícil el designar a un autor como "simbolista", porque en él, pueden aglutinarse tendencias diferentes. Por ello, hemos considerado el Simbolismo como un estilo que se desvincula del Neoimpresionismo por los contenidos que aporta su pintura. Hemos elegido al caso francés por ser uno de los ejemplos más puros.


# Origen del término:

La palabra "simbolista", procede del ámbito literario. El primero en usarlo es Jean Moreas en noviembre de 1886. Fue en la década de los 90 cuando el término se extrapola al campo del arte. Paul Nurier lo aplicó por primera vez a la pintura, él sostenía que la pintura debía ser ideísta, simbolista, sintetista, subjetiva y decorativa.
Son pintores simbolistas: Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon, que participan de actitudes vitales e ideológicas heredadas de la tradición romántica. De ésta perviven temas como el subjetivismo, antirracionalismo y antipositivismo. Ellos aspiran a "vestir la idea de forma sensible". A través del objeto se transgrede a otro mundo, no se quedan en la mera apariencia del objeto sino que se llega a lo sobrenatura