Henriette Barety

 Henriette Barety 1934-2017, pintora de la Nicosia, compañera del pintor Sylvain Vigny  y amiga del pintor Bernard Damiano (

Henriette Baréty  se inspiró principalmente en la década de 1950. En el período de la posguerra,  pone en escena a los miembros de su familia y traduce sus recuerdos en imágenes en la ciudad de Nueva York. La Segunda Guerra Mundial había traído a la ciudad a muchos artistas destacados en el exilio de Europa, lo que dio lugar a una importante puesta en común de talentos e ideas. 

Los europeos influyentes que llegaron a Nueva York y proporcionaron inspiración a artistas estadounidenses incluyeron a Piet Mondrian, Josef Albers y Hans Hoffmann, quienes sentaron las bases de gran parte del explosivo crecimiento cultural de los Estados Unidos en las décadas posteriores. Los artistas influyentes de la Generación Expresionista Abstracta incluyeron a Jackson Pollock (quien innovó sus famosas técnicas de pintura por goteo, salpicadura y vertido), Willem de Kooning, Mark Rothko, Frank Kline, Barnett Newman, Clyfford Still y Adolph Gottlieb.

Era un entorno dominado por los hombres, aunque la reevaluación necesaria de este período ha subrayado las contribuciones de artistas femeninas como Lee Krasner, Joan Mitchell y Louise Bourgeois, entre otras.

Elías Cochón Rei-

Elías Cochón Rei, nacido en Vilagarcía de Arousa (1966). En 2003 saca sus primeras obras a escena en la Primera Exposición en Vilagarcía de Arousa, Santiago de Compostela, Barcelona y A Coruña son algunas de las ciudades donde muestra a sus paisanos este volumen con sentimiento, hasta que irrumpe nuestro artista, saltando fronteras, a ese mundo que le arropa y donde su obra es muy valorada.

2009 es un año de nuevos horizontes tanto a nivel creativo, como a nivel de expansión... Desembarcó en Alemania, momento y país que introdujo dentro de su alma fugas artísticas.

También se atreve con el mundo de la joyería, lo que hasta ahora era una joya para convertirla en esculturas íntimas. La fuerza del desbroce y la talla de la plata...

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evista eSmás

Francisco Asorey

 Cambados, Pontevedra, 1889 -  Santiago de Compostela, 1961

Francisco Asorey González fue el impulsor de la revitalización de la escultura gallega durante las primeras décadas de este siglo y el escultor de la Xeneración Nós. Atraído desde muy joven por este oficio, su padre lo envió a la Escuela de Artes y Oficios de Sarriá en Barcelona, donde se formó junto al escultor Parellada. Este periodo le servirá para vivir de cerca el noucentisme y las inquietudes renovadoras frente al modernismo imperante. Posteriormente, se trasladó a Baracaldo como profesor de dibujo; montó un taller de imaginería en Bilbao; y atendió numerosos encargos de personalidades vascas. En 1918 se asentó definitivamente en Santiago de Compostela al obtener la plaza como escultor anatómico de la Facultad de Medicina.

En sus inicios adopta un lenguaje clásico que se transforma, bajo la influencia rodiniana, en una búsqueda de la rotundidad de los volúmenes claramente expresionistas (sirva de ejemplo su interpretación de los Burgueses de Calais, de Rodin, en Os Cabaleiros Negros del año 1915).

Su producción evoluciona al ritmo de las nuevas tendencias. El expresionismo germánico y el primitivismo son las influencias que, junto a las reminiscencias medievales compostelanas, pone al servicio del tema costumbrista, imperante en sus obras de los años veinte. A este periodo pertenecen sus piezas más conocidas y características de su estilo, todavía influenciado por Rodin y el arte social de Meunier. Naiciña (1919) y O Tesouro (1925) son dos ejemplos de esta época. Se trata de tallas de madera policromada que recogen la tradición de la imaginería; mujeres con indumentaria y rasgos galaicos que configuran la llamada “esencia racial” y hablan de una realidad y unos valores propios de la identidad de Galicia. Esta temática entronca con la tendencia coetánea hacia los “nacionalismos hispánicos” y se convierte, en la obra de Asorey, en un auténtico canto a la raza galaica. El realismo de los rasgos dota las figuras de vitalidad, y esta forma de entroncar tradición y vida se reinterpreta en una nueva escultura gallega. El artista trata de sacar el mayor partido expresivo del material en el que trabaja, ya sea madera, granito o bronce. En las tallas polícromas llega a introducir objetos prefabricados como las placas de latón de los zuecos aldeanos.

En 1930 se trasladó de Caramoniña ─junto al monasterio compostelano de Santo Domingo de Bonaval─ a su nuevo taller de Santa Clara, más alejado de la vida compostelana y con más posibilidades espaciales. A esta época pertenece la Virxe do Tanxil, ubicada en Rianxo, y el Monumento de Curros Enríquez, en A Coruña, donde introduce la poética de la oquedad. Asorey juega con la materia, que produce volúmenes evocadores de formas arcaizantes. Las obras posteriores se decantan hacia este modo de trabajar los materiales. Las líneas esquemáticas tienden hacia una concepción arquitectónica de la escultura y un intenso expresionismo que caracterizan este periodo relacionado con el poscubismo.

Después de la Segunda Guerra Mundial  y la guerra civil española, surgió en el mundo del arte una concepción neohumanista que Asorey planteó a través de imágenes de la vida popular gallega. El material se convierte en un símbolo de la tierra y cobra un protagonismo inusual en su obra. Ahora trabaja la madera sin empastes, permitiendo percibir su presencia incluso después de ser pintada. Una de las últimas obras del autor es La Piedad (1944), destinada al Panteón de Gallegos Ilustres de Buenos Aires, donde retoma el mundo románico y los acentos primitivistas de sus primeras obras. En este periodo se intercalan los encargos de esculturas conmemorativas en donde su estilo se tiñe de acento grandilocuente y monumentalidad tan al gusto de la época.

FRANCISCO PAZOS

 

( Cobas, Meaño, Pontevedra, 1961 )

El tiempo, sobre la naturaleza, también talla y modela. Este escultor, deliberadamente elemental en apariencia y sin embargo, tan razonador, comenzó a ver formas de sus futuras obras en cuanto le rodeaba en el ámbito rural: en las rocas, en los vestigios de culturas ancestrales, tan frecuentes en la tierra gallega. 

En el apero de labranza o el herramental de la artesanía más modesta. Seleccionado en Novos Valores, de la Bienal de Pontevedra de 1983, obtuvo un segundo premio, que fue primero en la edición del año siguiente, y medalla de Bronce en la XXI Bienal de 1990. Su obra participó en otras colectivas importantes, en Compostela, A Coruña, Lalín, y llegó a Francia, en la que conjutaba el arte de las regiones de Europa.

 Su consagración le llegó con la participación en la muestra celebrada en la Casa de Galicia, de la Xunta autonómica, en Madrid. Ha celebrado exposiciones individuales, a partir del año 1984, en Pontevedra, Santiago y Vigo. Actualmente es profesor de Escultura enla Escuela de Canteiros de Poio. Está representado en los Museos de Pontevedra, Carlos Maside de Sada, A Coruña, y en las colecciones de Ayuntamientos y Diputaciones de diferentes provincias españolas, así como en otras instituciones de importancia. 

La escultura de Pazos es de una paradójica modernidad, puesto que se inspira, como decimos, en las culturas castreñas. Combina piedra y madera y a veces elementos metálicos, para sugerir formas y objetos en los que la referencia queda trascendida de abstracción considerable, de extraña y fascinante belleza dentro de su apariencia tosca. Respeta un imperfección engañosa, puesto que si el cincel parece que únicamente esboza la obra sobre el bloque de granito, en realidad todo está pensado, medido, aquilatado. 

Ensambladuras caprichosas entre piedra y madera, roturas deliberadas, lañas innecesarias y, sin embargo, de finalidad irrenunciablemente estética están en sus piezas, a veces antropomórficas, como si hubieran sido el viento, la lluvia, la humedad del ambiente, y no la mano del artista, quienes las hubieran conformado. 

Fuerza arrolladora, imposición rotunda y, siempre, un arrebatador lirismo hay en este escultor inconfundible, de los que están llamados, con muy pocos más, a dejar verdadera huella en la historia del arte gallego contemporáneo. Qué sabia mano de aparente restaurador de restos arqueológicos; qué inteligencia sutil para remendar desechos que no lo son. Qué valor plástico, en fin, tienen esas oquedades, esas incrustaciones que hay en sus superficies como sin acabar, de inefable tosquedad.

Afundación

JEFFERY T. LARSON

 Jeffrey T. Larson nació en 1962 en Two Harbors, Minnesota y se crió en Twin Cities. Comenzó sus estudios de arte a los 17 años en el estudio de Richard Lack en Minneapolis. Despues de los cuatro años de formación en el taller, estudió la obra de los grandes maestros clásicos, en los Estados Unidos y en el extranjero.

Estos ejercicios incluyeron la escultura, que le otorgó a Larson una comprensión superior del volumen y la forma que es evidente en sus pinturas de hoy. Larson también trabajó como director asistente e instructor principal en Atelier LeSeur en Minnesota (1984-1986).

En contraste con su pintura al aire libre donde su enfoque está en la impresión de la luz del sol, sus pinturas de estudio se enfocan en una luz atmosférica más contemplativa creada por cambios sutiles y pinceladas delicadas.

Otto Ludvig Sinding

 

1842 -  1909. Pintor, ilustrador, poeta y dramaturgo noruego.

Nació en  Kongsberg. Hermano  mayor del escultor Stephan Sinding y del compositor Christian Sinding.

Estudió en la escuela de Christiania donde realizó la carrera de derecho y desempeñó  un cargo como funcionario. Consiguió una beca para pintar y se trasladó a Karlsruhe en  Alemania. Estudió arte con Hans Gude en la Escuela de Arte de Baden.

En 1876 regresó a Noruega y luego pintó el retablo de Cristo en la cruz para la iglesia de Pablo en Christiania (Oslo) y varios cuadros de cuentos populares noruegos. En 1880 realizó un viaje a italia y luego se instaló en Munich. Durante el invierno de 1886, realizó un viaje de estudios a las islas Lofoten donde realizó algunas de sus obras más conocidas. En 1891 estableció su residencia en Lysaker. A partir de 1903, el artista vivió en Munich donde fue profesor en la Academia de Arte de Munich.

Murió en Munich en noviembre de 1909.

JOSÉ SOLLA

 Bueu 11-09-2021

Bueu está de luto por la muerte de JOSÉ SOLLA

DIARIO DE PONTEVEDRA- 

O pintor de Marín José Solla vén de falecer, aos 93 anos, en Mar del Plata (Arxentina). O creador, que alternaba estadías nesa cidade e en Bueu, mantiña unha forte vinculación coa provincia de Pontevedra, onde nos últimos anos chegou a protagonizar ata dúas grandes exposicións: a primeira, en 2006, no Pazo da Cultura; a segunda, en 2018, no Museo de Pontevedra.

José Solla. Castro. Marín (España),1927. Desde 1950 reside en Mar del Plata,(Argentina). De España nunca se separó por completo..Sus frecuentes viajes, exposiciones y un cambio fundamental en su pintura a partir de la década de los setenta, lo vincula por completo con sus raices. Ultimamente trabaja y vive una buena parte del año en Galicia.

Estudia en la Escuela Superior de Artes Visuales Martín Malharro y con Demetrio Urruchúa. Durante los años 1976 y 1978 trabajó en la península ibérica becado por el Centro Iberoamericano de Cooperación para realizar estudios sobre el arte románico y gótico. En varias oportunidades forma parte del jurado de selección y premios en salones en el país y en el extranjero.

En 1979 se integra como artista exclusivo de la Galería de Arte Internacional Wildenstein. Realizó muestras individuales en Nueva York y Washington (EEUU), Montreal (Canadá·), Buenos Aires, Santiago de Chile, Punta del Este (Uruguay), RÌo de Janeiro y Sao Paulo (Brasil), Seúl (Corea), Bruselas, Madrid y otras ciudades de. Europa, de Estados Unidos y de Latinoamérica. Poseen obras suyas importantes colecciones oficiales y privadas.

Franziska Zach

 Franziska Zach (1900-1930)

Franziska Zach nació en 1900 en Losenstein en Estiria en Austria. Su padre, ferroviario, tuvo que trasladarse a Viena y la familia tuvo que mudarse alli. Franziska estudió primero en la escuela profesional de industrias textiles y luego la Kunstgewerbeschule (escuela de artes y oficios). En la Kunstgewerbeschule recibió clases de Oskar Strnad, Alfred Böhm, Alfred Roller, Erich Mallina, Wilhelm Müller-Hoffman y Adele Stark. Durante un taller de pintura de esmalte dirigido por Josef Hoffmann 1923/24 se especializó en cuadros y vasijas de esmalte. Luego compró un horno y comenzó a hacer sus propias vasijas y cuadros esmaltados.

 En 1926 hizo un fresco para una pequeña capilla cerca de Heiligenblut en Carintia. Fue miembro de la asociación de artistas femeninas "Wiener Frauenkunst" y mostró sus obras en muchas exposiciones de Hagenbund, primero como invitada y luego incluso como miembro extraordinario. Entre 1927 y 1928 viajó a Francia e Inglaterra, donde encontró un mecenas. Así pudo viajar nuevamente a Irlanda y París, en 1930 se mudó a un estudio en París. Franziska Zach recibió un premio de la ciudad de Viena por las pinturas que hizo en París. Era amiga de Josef Floch, quien también vivía en París. Franziska Zach tuvo una vida difícil con problemas económicos y desnutrición, murió de un trastorno gástrico en 1930 en París.

La artista Franziska Zach fue, como muchas otras artistas femeninas, completamente olvidada durante muchos años y fue redescubierta lentamente en la década de 1990. Una gran exposición sobre la asociación de artistas Hagenbund en el Schloss Halbturn (Castle Halbturn) en Burgenland en 1993 llamó la atención sobre Franziska Zach. Durante su vida mostró sus obras en muchas exposiciones de Hagenbund y también fue miembro de la asociación de artistas femeninas “Wiener Frauenkunst”. Sus contemporáneos tenían un gran respeto por sus pinturas y cuadros esmaltados, en 1930 recibió un premio de la ciudad de Viena.

Carl Thomsen

 1847 -1912) fue un pintor e ilustrador danés.

Nacido en Copenhague,  desde pequeño se interesó por el dibujo, pero sus padres lo animaron primero a estudiar filosofía. Después de graduarse en 1866, comenzó a estudiar arte con Frederik Vermehren y luego en la Real Academia de Bellas Artes con Wilhelm Marstrand, donde se graduó en 1871. Completó sus estudios en Italia a fines de la década de 1870

Thomsen expuso en Carlottenborg desde 1869. . A diferencia de algunos de sus contemporáneos, Thomsen no siguió ninguna de las tendencias modernas de París,  mantuvo su enfoque historicista , a menudo pintando temas literarios. 

Como ilustrador, contribuyó con xilografías a libros y revistas. En 1901, se convirtió en profesor de la Real Academia Danesa.