viernes, 13 de diciembre de 2019

Teresa Muñiz


Nace el 12 de julio de 1942 en Asturias. Su infancia transcurre entre Asturias y Madrid, desarrollándose en un ambiente familiar artístico que es determinante en su vocación pictórica.
Estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, licenciándose en 1969.


En paralelo a su actividad pictórica, crea en 1970 el Estudio de Artes Plásticas Teresa Muñiz, que sigue funcionando en la actualidad, y donde desarrolla un trabajo didáctico.
En 1976 realiza la escenografía infantil de la Ópera El Bosque de Sama, en el Real Coliseum Carlos III de El Escorial.

Interesada en las técnicas gráficas, realiza estudios de xilografía y calcografía en Urbino (Italia) y técnicas experimentales gráficas en Venecia.
A partir de entonces, desarrolla su trayectoria pictórica dentro del expresionismo abstracto.

Viaja a Alemania y Estados Unidos.

Participa en numerosas muestras colectivas e individuales. Obras en colecciones de la Biblioteca Nacional. Instituto Nacional de Grabado de Urbino Italia. Fundación Municipal de Cultura Valladolid. Caja Segovia Cajastur.

En 1987 trabaja como colaboradora en la Escuela de Diseño de Moda de la Universidad Politécnica de Madrid.


En 1999 es invitada por la Universidad de las Américas de Puebla (Méjico) para realizar el taller de pintura “Técnicas del Agua”.

Actualmente, abandonando la gestualidad de etapas anteriores, su obra pictórica es más estructurada e intensa.

sábado, 23 de noviembre de 2019

PUNTILLISMO O DIVISIONISMO




En la década de 1880, en Francia, el pintor postimpresionista George Seurat (1859-1891)(quien además había fundado Société des Artistes Indépendants) fue uno de los primeros en desarrollar el puntillismo. Paul Signac fue otro fundador del estilo  y otros destacados artistas que utilizaron la técnica incluido Vincent van Gogh, fueron. Henri-Edmond Cross, John Roy, y Henri Delavallee.


 Una famosa pintura de Seurat qu erefleja este estilo es “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, que le llevó dos años de trabajo y se convirtió en uno de los iconos de la pintura del siglo XIX.
Los puntillistas utilizaron temas de la naturaleza en sus obras tratando de crear una armonía vidual en la composición de colores.



 
Puntillismo fue llamado primero “divisionismo” por sus practicantes. El nombre ‘puntillismo’ acuñado poco tiempo después tenía la intención de burlarse del estilo. Hoy ‘puntillismo’ es un término aceptado en pintura para este estilo, y no tiene connotaciones burlonas. Algunas personas todavía utilizan el término “divisionismo” para referirse a las pinturas similares a puntillismo, pero esta etiqueta se utiliza con mayor precisión para enfatizar la teoría técnica del color que se utiliza en muchos de esos cuadros. Mientras puntillismo utiliza pequeños puntos para crear la impresión de la forma y estructura, el divisionismo crea impresiones de colores únicos yuxtaponiendo puntos de diferentes colores según los principios de color y la visión.


 Arkiplus

lunes, 11 de noviembre de 2019

VIRXILIO BLANCO



Nació en Forcarei en 1896, en 1912 emigró a Cuba y desde 1914 residió en La Habana, donde compaginaba el trabajo con los estudios de pintura en la Academia y en el Centro Gallego, en el que conoció a Laxeiro. En 1923 expone veinticinco cuadros de temática social en una sala del Centro Gallego, que ese mismo año le concede una pensión de tres años para estudiar en la Academia de San Fernando de Madrid, donde ingresa en 1924.


 Desde que se instala en Madrid entra en contacto con otros artistas gallegos y participa en la Exposición de Arte gallego del Ateneo de Vigo de 1924 y en la de Santiago de Compostela, de 1926. Este año figuró en la Exposición Nacional con la obra De verbena, vinculada a planteamientos noventayochistas de los que pronto se desvincula, como se hace patente en los óleos La familia Mi prima, de 1927, año en el que formó parte del Salón de Otoño de Madrid; finaliza los estudios de Bellas Artes y el Centro Gallego de La Habana le concede una nueva ayuda para viajar a París.


 Allí su estilo se decanta por los colores fuertes de inspiración fauvista y los gruesos empastes de capas superpuestas, como en Jardín de Luxemburgo, que junto a Tipo aldeano envió a la muestra de arte gallego del Heraldo de Madrid, en 1928, y a la exposición de arte gallego de los centros gallegos de Buenos Aires y Montevideo en 1929. Este año regresa de París y expone paisajes madrileños y parisinos en las salas viguesas de Las Colonias y del Ateneo. Virxilio Blanco alterna sus estancias entre las ciudades de Vigo y Pontevedra, en las que participa en las tertulias del Derby y el Savoy, y visita con frecuencia Santiago.


 En estas ciudades mantiene una estrecha relación con los artistas del movimiento renovador del arte gallego y con dos de ellos, Colmeiro y Souto, expone en la sala de las Oficinas de Turismo de Pontevedra en 1930. Al año siguiente disfruta una pensión para estudios de pintura de la Diputación de Pontevedra y funda, en Forcarei, la revista literaria Alborear de la que fue director artístico. En 1932 volvió a exponer en Vigo y recibió una nueva pensión de la Diputación de Pontevedra con la que se trasladó a Madrid, donde su estilo se perfecciona siguiendo los dictámenes de la vanguardia figurativa. Regresa a Galicia en 1934 y expone en el Ateneo de Vigo, ciudad en la que se siente atraído por los rincones de la zona de Bouzas, donde pasa una larga temporada pintando y en cuya Sociedad Liceo expuso en 1935. 


Ese año también expone en la coruñesa Asociación de Artistas y participa en el Primer Salón de Primavera de Pontevedra con óleos, dibujos y aguafuertes.


Al igual que había hecho antes de su estancia madrileña, reside entre Vigo, donde en 1939 expone en el Faro de Vigo, y Pontevedra, ciudad en la que en 1941 comparte una muestra con el dibujante Ramón Peña. En 1944 la Diputación de Pontevedra le concedió una bolsa de viaje, pero la grave enfermedad que padecía le impidió desplazarse fuera de Galicia. A pesar de su delicada salud, continuó pintando hasta sus últimos días; en 1945 expuso en el Casino de Vigo y en 1947 mostró su obra junto a la de Laxeiro, en Santiago de Compostela, ciudad en la que volvió a exponer en 1948, el mismo año de su muerte.

Real Academia de la Historia

lunes, 4 de noviembre de 2019

Nell Walden




Nell Walden fue una pionera del arte abstracto y  coleccionista de arte. Junto con su esposo, Herwarth Walden, dirigió la galería del periódico expresionista Der Sturm en Berlín durante las décadas de 1910 y 1920.

Nell Walden era la mayor de cinco hijos de una familia clerical de Scania. Su padre, Frithiof Roslund, era un predicador militar en Karlskrona, vicario asistente en Trelleborg, y luego vicario en Landskrona. Su madre, Hilda Smith, descendía de una familia acomodada de origen escocés. Cuando la familia se mudó a Landskrona, Nell Walden inicialmente se quedó con sus abuelos maternos en Trelleborg para completar su educación en la escuela de niñas allí. Su abuelo materno, el cónsul Carl Smith, era comerciante mayorista y propietario de un barco en Trelleborg.

Después de graduarse en 1904, comenzó a estudiar música en Lund. En 1908 se graduó como organista. En 1909, continuó estudiando música en Berlín junto con su hermana Stina. En 1910 se comprometió con el arquitecto Folke Bensow y ese año la pareja realizó un viaje de estudios a Berlín, Dresde y Praga. Sin embargo, Nell Walden rompió el compromiso cuando se mudó a Berlín en 1911. 

En 1911, Nell Walden conoció a Herwarth Walden  el hombre que se convertiría en su primer esposo.  La pareja se casó en una ceremonia civil en Londres el 23 de noviembre de 1912. Su relación se caracterizó por su colaboración profesional en el marco de Der Sturm . El matrimonio se disolvió en 1924, pero continuaron trabajando juntos profesionalmente durante otro año.

 En marzo de 1926 se casó nuevamente, esta vez con el médico judío Hans Heimann. Como resultado del ascenso nazi al poder en Alemania, la pareja se separó por razones tácticas en la primavera de 1933. Su esperanza era poder repatriarse como ciudadana sueca y, por lo tanto, proporcionar un refugio seguro más allá de las fronteras de Alemania para Heimann. Se instaló en Suiza en octubre de 1933. Heimann fue arrestado por la Gestapo en 1937. Nell Walden lo visitó en la prisión de Luckau, cerca de Berlín, en el verano de 1939. En julio de 1940 se volvió a casar por tercera vez con un suizo llamado Hannes Urech. Con su ayuda, logró obtener un visado suizo para Heimann, a quien se le había denegado el derecho de viajar cuando salió de la prisión de Luckau en el verano de 1942. Heimann fue deportado de Berlín el 15 de agosto de 1942 y fue ejecutado a su llegada a Riga. 

Nell Walden, al ser el socia y profesional de Herwarth Walden, se convirtió rápidamente en un elemento central de la red transnacional de autores y artistas Der Sturm . Contribuyó al creciente enfoque del periódico en las artes visuales y al establecimiento de la galería Der Sturm en 1912. Los Waldens emprendieron viajes exhaustivos por Europa en 1913 para reclutar artistas para Erster Deutscher Herbstsalon organizado por Der Sturm . Llegó a ser una exposición voluminosa y significativa con alrededor de 360 ​​piezas de arte de aproximadamente 80 artistas de vanguardia internacional, incluidos Umberto Boccioni, Marc Chagall, Sonia Delaunay-Terk, Wassily Kandinsky, Paul Klee y Gabriele Münter.

Durante la Primera Guerra Mundial, los Walden colaboraron con las autoridades alemanas. Bajo el título de Svenska Underrättelsebyrån Der Sturm , Nell Walden, como corresponsal extranjera proporcionó a los diarios suecos noticias de la guerra desde una perspectiva alemana, así como noticias de la vida cultural y social de Berlín. También tradujo relatos de prensa escandinavos de la guerra para las autoridades alemanas. Su trabajo fue extremadamente lucrativo y aseguró que la galería y el periódico de Der Sturm no solo sobrevivieran sino que también se expandieran durante los años de guerra. De 1912 a 1923 ayudó a organizar unas 20 exposiciones itinerantes en Escandinavia, organizadas por Der Sturm .

El trabajo de Nell Walden como corresponsal y traductora durante la Primera Guerra Mundial proporcionó los recursos económicos para comenzar a coleccionar arte seriamente. Ella regularmente compraba arte que exhibía Der Sturm , mientras también coleccionaba las llamadas piezas etnográficas. Para 1915 tenía una colección tan extensa que los Waldens podían usarla como material promocional para Der Sturm . Se imprimieron varios catálogos y desde 1916 en adelante, la pareja realizó exhibiciones públicas de la colección a horas establecidas en su residencia privada. El segundo marido de Nell Walden, Hans Heimann, también tenía interés en la etnografía y, durante su matrimonio, la colección de material etnográfico de Nell Walden aumentó significativamente.

Nell Walden comenzó su carrera como artista autodidacta en 1915. Inicialmente pintó al óleo, creó arte en papel, así como las llamadas pinturas de vidrio invertido. Algunas de sus primeras piezas se inspiraron en el arte rústico sueco. Sin embargo, la pintura figurativa llegó a tener poca importancia en su obra de arte, que se centró principalmente en composiciones abstractas, a veces con referencias a paisajes, vegetación y naturaleza. La mayor parte de su producción, que comprende más de 6000 piezas, consiste en lo que ella llamó "dibujos coloridos", a saber, acuarelas, gouache, témperas y pasteles sobre papel, madera y otros materiales. 

A veces experimentó con mosaicos, esgrafiados y collages y también pintó muebles, cerámicas y cubiertas de libros. Su debut público como artista ocurrió en una exposición de su colección en la galería Der Sturm en Berlín en julio de 1916. Ese año sus pinturas fueron exhibidas como parte de las exposiciones itinerantes de Der Sturm en La Haya y Brünn. De 1916 a 1925 mostró su trabajo en aproximadamente 60 ocasiones diferentes en la galería Der Sturm de Berlín, y en seis de ellas fue la atracción principal, junto con artistas como Arnold Topp, Tour Donas (Marthe Donas) y László Peri. También se la mostró con frecuencia durante las exposiciones itinerantes de Der Sturm en Alemania y otras naciones europeas durante este período. Desde 1926 fue miembro de la asociación de artistas Die Abstrakten - Internationale Vereinigung der Expressionisten, Futuristen, Kubisten und Konstruktivisten eV y expuso regularmente en Grosse Berliner Kunstausstellung. En 1927 tuvo una exposición individual de aproximadamente 50 de sus propias obras, así como piezas de su colección en la Galería Albert Flechtheim en Berlín.

Nell Walden también fue un autor productivo y publicó varios poemas bajo el seudónimo de Marja Enid en el periódico Der Sturm . En 1933, Verlag Felix Stössinger publicó una colección de poemas titulada Unter Sternen . Nell Walden había traído su visión cristiana básica de la vida con ella desde Suecia y dentro del círculo de Sturm había un creciente interés en los aspectos religiosos, espirituales y cósmicos del arte y la vida. Durante las décadas de 1920 y 1930, Nell Walden profundizó su conocimiento de la astrología. Hizo horóscopos para colegas artistas y amigos y mantuvo un diario astrológico hasta su muerte.

En 1932, Nell Walden trasladó una parte importante de su colección de arte a Suiza. Esto salvó muchas obras del saqueo nazi. La colección y su propio trabajo se exhibieron en varias exposiciones importantes en Suiza durante el período 1944-1946. A través de la exposición itinerante organizada por Riksförbundet för bildande konst ”Der Sturm. Samling Nell Walden ", exhibió cerca de 80 piezas de su obra expresionista, cubista y futurista de propiedad privada en varios lugares de Suecia en 1954. A partir de la década de 1950, su colección se dividió, en parte como resultado de una importante subasta en Stuttgart en 1954. y en parte como resultado de una serie de donaciones hechas a Moderna museet en Estocolmo, Kunstmuseum Bern y Landskrona Museum.

Desde la segunda mitad de la década de 1940 hasta su muerte, Nell Walden trabajó incansablemente en un esfuerzo por garantizar que Herwarth Walden y Der Sturm tuvieran un lugar en la historia del arte. Ella publicó dos memorias, Der Sturm. Ein Erinneringsbuch y Herwarth Walden und die Künstler aus dem Sturmkreis , 1954, y Herwarth Walden. Ein Lebensbild , 1963.
Nell Walden murió en Berna en 1975




Nelly ( Nell ) Anna Charlotta Walden , www.skbl.se/sv/artikel/NellWalden, Svenskt kvinnobiografiskt lexikon (artículo de Jessica Sjöholm Skrubbe), consultado el 4 de noviembre de 2019.

miércoles, 23 de octubre de 2019

Lluïsa Vidal




Lluïsa Vidal i Puig nació en Barcelona el 2 de Abril de 1876. Fue una de las pocas mujeres de su época que pudo vivir del arte.



 Su padre, Francesc  Vidal, quiso que su hijas fueran formadas sin tener en cuenta su  sexo. Lluisa tenía profundos conocimientos de música , cantaba y tocaba varios instrumentos hasta que descubrió  que lo que realmente le gustaba era la pintura



  Estudió con Joan González y   Mas  Fontdevila.
Su  padre, ebanista, fue llamado por el Rey Alfonso XII para hacer un  marco para el retrato del Felipe II,  un cuadro  que se encontraba en  El Escorial y Lluisa lo acompaó.  En Madrid visitó  El  Prado y se enamoró de la obra de Velázquez y Goya


 Realizó sus primeras exposiciones en 1898 y en abril  presentó   tres retratos en la IV  Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona, en la cual tambien exponían Casas, Rusiñol, Brull  y Joaquín Mir. A Lluisa le dieron un mención honorífica.


 A  partir de esa exposición los críticos comenzaron a interesarse por su trabajo. Ramón  Casellas escribió en la vanguardia una loa a su cuadro "la noia de Sitges" y Miguel  Badía, crítico del Diari de Barcelona, comentó  sobre el gran talento de la joven artista

 Completó sus estudios en París, una cosa extraordinaria para una mujer de su tiempo.Alli conoció a Henry Leopold Levy, con quien hizo una gran amistad y éste le presentó a la vanguardia de ese momento. En 1902 se matriculó en la Academia Julian y posteriormente recibió formacion de Georges Picard y de Georges Humbert



 En París se vinculó en el movimiento feminista     europeo y al volver comenzó a colaborar con la revista Feminal


  Con la  muerte de su hermana  en 1905, su familia  su hunde. Su padre se desmorona y se arruínan. Lluisa tiene que pintar para sostener a la familia,



Lluïsa Vidal fallecía en Barcelona el 22 de octubre de 1918, a los 42 años,  víctima de una pandemia de gripe española.







Museu Nacional d'Art de Catalunya



Laura Albéniz

                          
    


                      con su padre  Isaac Albéniz


Albéniz Jordana, Laura. Barcelona, 16.IV.1890 – 3.III.1944. Pintora.
Hija del compositor Isaac Albéniz, vivió muy cerca el “dandismo” mundano del París de la Belle Époque, donde fue discípula del dibujante e ilustrador Xavier Gosé, amigo de su padre y famoso por entonces en la capital de la moda y el arte. Le influyó esencialmente en la gracilidad y dinamismo de la línea, en la composición japonesa en diagonal adoptada anteriormente por Edgar Degas y los impresionistas. Realizó su primera exposición en el Musée Moderne de Bruselas en 1906, donde presentó Pages d’album, que reveló la delicadeza y la elegancia de sus dibujos, que encarnan un nuevo espíritu femenino, culto, inteligente y moderno. En esa búsqueda de la nueva silueta para la mujer del siglo xx, sus pasteles fueron comparados por la crítica de la época a los de James Whistler, Henri de Toulouse- Lautrec, Aubrey Beardsley y Jean-Louis Forain.



En 1907 expuso junto a Ismael Smith en la sala Josep Ribas de Barcelona, donde presentó dibujos y pasteles de temática mundana realizados en la Costa Azul. En 1911 expuso en las salas del Fayans Català en Barcelona junto a Ismael Smith, Marià Andreu y Néstor (Néstor Martínez y Fernández de la Torre). En plena eclosión del novecentismo, esta exposición reunió a cuatro artistas de una joven generación emergente que desde la pintura, el dibujo, la caricatura, la escultura y el esmalte, apostaron por la modernidad quedándose en el tránsito del modernismo al novecentismo, sin adscribirse propiamente a ninguna de ambas corrientes, propiciando estilísticamente un alto sentido decorativo, siendo calificados por Alexandre de Riquer de “decadentes modernos”, una generación evanescente que se esfumó en el umbral del art déco y la vanguardia.



En 1914 expuso en las galerías Dalmau de Barcelona, donde mostró el influjo de sus recientes trabajos junto a Maurice Denis, fundador del grupo de los Nabis y del fauvismo. Entre sus temas principales se hallan gitanas, manolas, bailarinas, sevillanas, siguiendo el espíritu de algunas composiciones musicales paternas y el espíritu finisecular. Sus trabajos merecieron elogiosas críticas de Eugenio d’Ors, desde 1911 hasta el final de su trayectoria, a quien le unió una gran amistad que dio lugar a una nutrida correspondencia. 



Asimismo, mantuvo un denso epistolario con músicos de la época, como Gabriel Fauré, Paul Dukas, Claude Debussy o Vincent d’Indy. A partir de los años treinta del siglo xx su obra se vuelve más novecentista, influida por un clasicismo mediterráneo, que expresaba una feminidad más reposada y madura, de formas más redondeadas y angélicas. En 1918 se casa con el militar Vicente Moya, con quien tiene dos hijos: Julio (1919), que murió durante la Guerra Civil, y Rosina (1920).



Como ilustradora y siguiendo los pasos de Xavier Gosé, realiza en 1908 los dibujos para los libros Aldea ilusoria El peregrino ilusionado, de Gregorio Martínez Sierra, y su trazo se prodiga en revistas ilustradas de la época, como en D’Ací D’Allà los años 1919, 1920 y 1921, o en la revista La Esfera. Sus grandes dosis como ilustradora se hallan en las puntas secas que realizó para las Elegías, de Eduardo Marquina, editadas por Gustavo Gili en las ediciones La Cometa, en 1935.

Real Academia de la Historia