viernes, 22 de septiembre de 2017

Pol Bury



Pol Bury nació en  La Louvière, Belgica, en 1922. Despues de asistir a la Academia de Bellas Artes se unió a un grupo de poetas surrealistas entre los que se incluía Achille Chavée. En las primeras obras artística de Bury se veía la influencia de René Magritte e Yves Tanguy, y los cuadros que produjo a finales de la década de  1930 y la primera parte de la del 40 se incluyeron en la Exposición Internacional del Surrealismo que se ofreció en Bruselas-

Bury empezó a incluir motores eléctricos en muchas de sus esculturas en 1957. Los motores ocultos activan las obras, lo que provoca que los elementos giren, se inclinen o giren. Alrededor de 1964, el artista comienza a crear sus Cinetizaciones: fotografías e impresiones que representan monumentos bien conocidos, pero con la estructura arquitectónica fundamentalmente alterada. 



En una Cinetización con la Torre Eiffel, la estructura de hierro parece tambalearse como si estuviera al borde del colapso. Las esculturas y Cinetizaciones de Bury demuestran momentos de contingencia física que desconocen la atracción de la gravedad. En una entrevista de 1969, el artista explicó: "Estoy buscando el punto que existe entre el movimiento y el no movimiento.

A finales de los años sesenta, Bury empezó a trabajar con acero inoxidable y acero Cor-Ten, latón pulido y cobre. En 1969 había creado su primera fuente pública, en el Museo de Arte de la Universidad de Iowa. Semejante en muchos aspectos a sus esculturas cinéticas, las numerosas fuentes que Bury diseñó a lo largo de su vida implican arreglos de cilindros y esferas que se mueven lenta e irregularmente. En estas obras, abrazó los reflejos y efectos de luz producidos por la interacción del metal y el agua al aire libre-

 A finales de los años cincuenta y principios de los 60, Bury expuso su obra junto a la de otros artistas ZERO en Vision in Motion-Motion  en Hessenhuis, Amberes (1959); Bewogen Beweging (Movimiento Movimiento, 1961), que viajó desde el Museo Stedelijk de Amsterdam al Moderna Museet, Estocolmo, y el Museo de Louisiana, Humlebk, Dinamarca; tuloonstelling nul (Nul 62) y nul negentienhonderd vijf en zestig (Nul 65), ambos en el Museo Stedelijk de Amsterdam (1962 y 1965, respectivamente); y Documenta 3 (1964) en Kassel, Alemania. Las retrospectivas con la obra del artista han sido organizadas por el Museo de Arte de la Universidad de California, Berkeley, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1970); Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (1977-78); Museo de arte moderno de la Ciudad de París (1982); y el Museo Josef Albers en Bottrop, Alemania (1990). Bury murió el 27 de septiembre de 2005, en París.
 Guggenheim Museum

jueves, 21 de septiembre de 2017

Jan van Beers



(Lierre, Bélgica, 1852-1927). Pintor belga. Hijo del poeta del mismo nombre. Se formó en la Academia de Amberes y empezó pintando cuadros de historia, con un tratamiento tan realista que parecía insuflar vida y espíritu a unos personajes muertos siglos atrás, como es el caso de su conocido Carlos V de niño (1879, Koninkijk ­Museum voor Schone Kunste, Amberes).


 Sin embargo, la temática de sus obras se volvió más coetánea cuando se trasladó a París, ciudad en la que logró el éxito entre el público más exigente, que gustaba de la minuciosidad característica de sus retratos. De esta época son sus elegantes figuras femeninas pintadas a la manera de Alfred Stevens y en las que Beers demostraba su destreza para reflejar con toda exactitud las telas y otros complementos; como ejemplo cabe citar el famoso Retrato de Sarah Bernhardt


De hecho, la obra de Beers levantó mucha polémica entre un sector de la crítica que le acusó de utilizar positivos fotográficos como base para pintar sus obras. Progresivamente su estilo fue perdiendo el interés del público, obligándole a cambiar, una vez más, al final de su carrera, dedicándose en esta última etapa al paisaje y a reflejar sencillas escenas cotidianas, género este último que ya había practicado con anterioridad, como demuestra la pintura que conserva el Museo del Prado, donada por el propio artista en 1880.

Museo del Prado

miércoles, 20 de septiembre de 2017

Alfons Walde



 Alfons Walde (1891 - 1958), nació en Oberndorf. En 1892 la familia se trasladó a
 Kitzbuehel porque nombraron a su padre
Franz Walde director de una escuela.
Walde estudió arquitectura en la escuela técnica de Viena.  Al mismo tiempo continuó su formación como pintor. Se movió en los círculos artísticos de  Gustav Klimt y Egon Schiele.


 Utilizaba mucho las montañas que rodeaban  Kitzbuehel como motivo de sus cuadros.

Despues de la Primera Guerra Mundial se dedicó completamente a la pintura y aunque durante un tiempo su obra tuvo influencias de Klimt y Schiele, pronto volvió a su estilo característico- escenas de la montaña, particularmente de invierno. Fue el primer artista en presentar con éxito escenas de esquí como tema. Estas escenas deportivas, junto  con sus paisajes invernales y sus imágenes agrícolas, presentadas con fuerte empaste, complementaban sus otros trabajos artisticos como arquitecto y artista gráfico

Los toques  impresionistas  evocados en  las pinturas de Walde le dieron un lugar en la historia del arte internacional. Esto se reflejó en las muchas exposiciones de su obra y concursos de arquitectura, y los premios que recibió. Alfons Wade murió el 11 de diciembre de 1958 en Kitzbuehel.Resultat d'imatges de Alfons Walde
Después de la década de 1930 hasta su muerte en 1958 Alfons Walde trabajó principalmente en proyectos arquitectónicos.

martes, 19 de septiembre de 2017

Tina Blau



Tina (Regina Leopoldine) Blau, nació en Viena en 1845, fue la única mujer judía de su generación en ser profesionalmente reconocida como artista.
Su padre, un famoso fisico de Praga, fue el que inculcó en su hija el arte  y a través de ella vivio sus propios sueños artísticos. 
Como otras mujeres de su generación se le denegó una educación superior así que recibió clases privadas. Su primer profesor fue el húngaro Antal Hanély, y despues le siguieron August Schäffer y Joseph Aigner. En 1869 viajó a Munich para prepararse con Wilhelm Lindenschmit. 

Al acabar sus estudios viajó a Italia, Países Bajos y Francia, pasando los veranos de  1873 y 1874 en la colonia artística de   Szolnok. Al regresar a Viena hizo amistad con el pintor  Emil Jakob Schindler y compartió estudio con él hasta  1879.
En 1883 Blau volvió a  Munich y, despues de convertirse al protestantismo, se casó con el pintor Heinrich Lang.  Despues de la muerte de su marido regresò a Viena, en aquel momento ya era una pintora reconocida.

Estuvo enseñando en la Academia hasta 1915, un año antes de morir, aunque nunca fue aceptada como miembro de la Wiener Kuenstlerhaus.

viernes, 15 de septiembre de 2017

Wolfgang Paalen

Wolfgang Paalen: El artista que eligió la ciudad entre las montañas para morir

 En septiembre de 1939, cuando llegó con su esposa al aeropuerto de la Ciudad de México acompañados por la fotógrafa Eva Suzler, Paalen quedó fascinado con el país que le ofrecía la posibilidad de observar de cerca el arte precolombino, que le despertaba mucho interés. 
  Se nacionalizó mejicanoen el año 1947. Ese mismo año se divorció de la artista Alice Rahon
 
Wolfgang Paalen se suicidó en 1959



Uno de los artistas más importantes y a la vez menos conocidos del siglo pasado, Wolfgang Paalen (Viena, 1905 - Taxco. Gro. 1959). Energético creador; nómada intelectual; consecuente a los desarrollos científicos y estudioso de las culturas ancestrales; Paalen fue figura pilar en el desarrollo de las ideas teóricas acerca de la creación artística, mientras que su producción es evidencia de su desplazamiento ideológico y capacidad de experimentación.
Paalen alcanzó gran reconocimiento como miembro del grupo surrealista de André Breton en París. Es acreditado por inventar el fumage, técnica de pintura basada en marcar con humo de velas y lámparas el bastidor, y de esta manera captar el momento energético del acto pictórico, fuera de la conciencia e intención del artista. El “éxito” representaba, para él, un espejo de imágenes falsas, carentes de destino; lo que realmente le interesaba era el estudio de las fuerzas vitales del individuo.

 Para Wolgang la realidad era una suerte de pantalla o filtro, lo que lo llevó a intentar conciliar con sus imágenes internas. Quería experimentar su fuerza vital, como creadora del mundo, y así explicar el acto artístico. “El individuo como creador del mundo, en vez del individuo que lo asume o transforma” (Eva Wilson, Espacios Implícitos, 2007). Paalen era consciente de que nuevos principios de pensamiento generan una nueva forma de hacer arte.
<i>El toisón de oro</i>, 1937Paalen se deslindó de Breton y el grupo surrealista para formar la revista Dyn, la que sirvió como plataforma para el desarrollo y promulgación de sus ideas. Dyn viene del concepto aristotélico kata tú dynaton, lo que potencialmente “es”, o lo posible. Para Paalen, los avances de la física y la crisis de la modernidad, significaron la posibilidad de adentrarse en un universo “de lo imaginable”, y no sólo de las tres dimensiones del mundo visible. Criticaba los conceptos del materialismo, pues concebía las cosas que lo rodeaban como partículas en constante y salvaje movimiento, que le permitían adentrarse en ellas y atravesarlas en un nivel microfísco, y así visualizar como surgen los fenómenos.
 
 Pensaba la pintura como una mera resonancia de las apariciones internas, lo pensable y lo posible. La pintura no representa, sino que mira al espectador y lo cuestiona sobre lo que él representa. En su serie Les Cosmogones, Paalen consideraba que la pintura sólo se representa a sí misma, no narra ni declara nada, aparece y desaparece como una alucinación que ayuda a alinear al espectador hacia un evento esencial que sólo el espectador puede significar. Paalen prefiguraba lo posible, veía el potencial de “un nuevo orden de las cosas”, sin referencia a lo que ya “son”. Sus ideas fueron tema constante de conversación entre los grupos de artistas de Nueva York en los años 40-50, y ayudó a fundamentar la transición del surrealismo al expresionismo abstracto.
 Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)

jueves, 14 de septiembre de 2017

Artur Nikodem



 Trento 1870 – 1940 Innsbruck
Artur Nikodem nació el 6 de febrero de 1870 en Trento. Asistió a la Academia de Munich con Franz von Defregger y Wilhelm Kaulbach, como profesores y a la Academia en Milán. Las estancias en el extranjero le llevaron a Florencia y París. En 1893 se trasladó a Merano, donde pasó 14 años. Allí se unió a Meraner Künstlerbund y exhibió regularmente en sus exposiciones. En 1908 Regresó con su familia a Innsbruck, donde permaneció hasta el final de su vida.  


Trabajó como artista  en Innsbruck y realizó numerosas exposiciones. Su obra representa   una parte importante del modernismo del Tirol del período de entreguerras, que se caracteriza  por la confrontación con las nuevas corrientes de la escena de  Múnich y sigue la tradición de la pintura del paisaje del Tirol.  


Sin embargo, las raíces de su pintura se encuentran en el arte nouveau de Viena y el secesionismo.  Nikodem también trabajó como fotógrafo. 


 Sus fotografías  han sido presentadas en  exposiciones muy vistas en Nueva York, Munich, Bochum, etc. Durante el nacionalsocialismo, fue expulsado de varias asociaciones artísticas, declarando su arte "degenerado". Partes de su obra fueron destruidas en Nuremberg.  Nikodem entra en una especie de "emigración interior", sólo personas muy cercanas a él tenían  la posibilidad de ver sus obras.


 En 1952 tuvo lugar la última gran exposición conmemorativa  que se celebró en Innsbruck.
No fue hasta 1990, con motivo del 50 aniversario de la muerte del artista, cuando  la Galería Stadtturm de Innsbruck celebró una exposición de obras del artista.
En el año 2000 el Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum Innsbruck le dedicó una amplia exposición.

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Otto Muehl



1925  Grodnau, Austria, Portugal 2013 Estudió en la  Universidad de Viena y en la Academia de Bellas Artes.
Uno de los artistas más controvertidos de Austria,  admirado y amado, pero también odiado. Junto a Hermann Nitsch y Guenter Brus, Otto Mühl, fue cofundador del movimiento de arte accionista en Viena y que ganó notoriedad por sus "actuaciones" escatológicas  que involucraban a personas desnudas rodando en pintura y barro y heces.

A principios de los setenta  creó un grupo  llamado  (Organización Acción-Analítica), cuyo programa era liberar a la sociedad de su dependencia psicológica de normas burguesas represivas y consumismo a través del amor libre. Empezaron a adherirse seguidores y pronto los trasladó a Friedrichshof, en el este de Austria, donde eventualmente construyeron un enorme complejo que albergaba docenas de niños, que dormían comunalmente en una zona, y muchas más docenas de adultos, que dormían comunalmente en otra. Trabajaban juntos, daban a luz a los niños, los educaban juntos y pasaban las noches entreteniéndose.  La comuna fue disuelta, y en 1991. Las transgresiones de Muehl fueron admiradas en el plano artístico pero tambien le valieron siete años en la cárcel por pederastia.


 En 1998, al salir de prisión tras cumplir íntegra su condena, Muehl se instaló en una filial de la comuna de Friedrichshof: la finca de El Cabrito, una antigua plantación de plátanos de 320 hectáreas en la isla canaria de La Gomera. Al cabo de un par de años, los antiguos acólitos de Muehl se hartaron de su arbitrario mentor y lo defenestraron. Junto a unas docenas de fieles, Muehl buscó refugio en el Algarve portugués, donde han transcurrido sus últimos lustros.

martes, 12 de septiembre de 2017

Koloman Moser



Koloman Moser (1868 –  1918) fue un artista  austríaco que ejerció una considerable influencia en el arte gráfico y en los más importantes artistas de la secesión vienesa. A principios de la década de 1890 comenzó a desarrollar un estilo Art Nouveau altamente innovador e individualista, mientras trabajaba como ilustrador. 
Diseñó libros, postales, sellos, viñetas para revistas, vidrieras, porcelanas, cerámica, joyería, etc.
Nació en Viena y estudió en a Academia de Viena y en la Escuela de Artes Aplicadas, donde dio clases a partir de 1899. Como cofundador de la Secesión de Viena, se unió a Gustav Klimt, Josef Hoffmann, y otros, para establecer una nueva forma de arte, apartándose de la academia. Fue editor del periódico  Ver Sacrum, y diseñador gráfico durante varios años. En las páginas del periodico unió arte y literatura.


En 1905, junto al grupo de Gustav Klimt, se separó de la Secesión de Viena. El mismo año se casó con Editha  Mautner von Markhof,  hija de uno de los dueños de una las grandes fortunas industriales de Austria.

viernes, 8 de septiembre de 2017

Maria Lassnig



 "Busqué una realidad que yo poseyera más que el mundo exterior, y la encontré en la carcasa corporal en la que me alojaba, la realidad más real y clara de todas», escribió Lassnig, para quien el cuerpo constituía un «estorbo» y una obstrucción para el espíritu.


 Esta pintora austríaca nació en 1919 y murió en 2014. 

lo largo de una notable carrera, que se extendió durante más de siete décadas (desde finales de la década de 1940 en la Academia de Bellas Artes de Viena, una ciudad en la que enseñó en la década de 1980, hasta la escena del arte de París de las décadas de 1950 y 1960, y la de Nueva York de la década de 1970), continuó creando obras de arte que exploran su propio cuerpo de una manera a la vez sensible y vulnerable.
Su trabajo se relaciona plenamente con las enseñanzas históricas del canon occidental, así como con sus contemporáneos Philip Guston, Francis Bacon y los modernistas de posguerra.


 Lassnig dedicó su vida a lo que ella denominó "pintura de la conciencia del cuerpo": retratar no cómo el cuerpo se ve, sino cómo se siente estar dentro de uno. En su esfuerzo por capturar la experiencia corporal, sus defectos, funciones, gestos y estados de ánimo, a veces trabajaba acostada junto al lienzo, o apoyada contra él, incluso sentada en él.  Nunca trabajó a partir de fotografías,  se basó únicamente en las sensaciones internas, incluso cerrando los ojos mientras pintaba. "Lo más difícil es realmente concentrarse en el sentimiento mientras dibuja. No dibujar una parte trasera pensando  en su apariencia,  sino dibujando la sensación  ".



 No todas las figuras  de Lassnig son patéticas. La mujer mayor desnuda sentada  en una motocicleta tiene cierta bravuconería narcisista.


 Maria Lassning  es una de las artistas contemporáneas más importantes, considerada como pionera en muchas áreas del arte actual. La mayoría de su obra la basa sobre el autorretrato y la exploración corporal de sus relaciones con el animal y la máquina. La principal preocupación de Lassnig fue el auto-cuestionamiento implacable al que ella misma se sometió a lo largo de su vida; ella pintó, escribió, dibujó y grabó.