viernes, 26 de agosto de 2016

James Abbott McNeill Whistler



(1834-1903) En la época victoriana, era que representó la cumbre de la pintura moralista, Whistler pensaba que el arte no existía para dar lecciones de moral. Fue el mayor exponente del Movimiento estético "el arte por arte". Whistler escribió "así como la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista" 

Utilizaba terminología, como sinfonía y nocturno en los títulos de sus obras, perseguía la armonía del color y de la forma. 

Aunque nació en Lowell, Massachusetts, USA, se trasladó a Europa en 1855  y ya nunca volvió a America. En 1856 entró en el taller de Charles Gleyre y poco despues se relacionó con Courbet, Fantin-Latour, Legros y otros adeptos del realismo. En 1859 se trasladó a Londres


En 1877 Whistler exhibió una serie de paisajes  que tituló "Nocturnos", compuestos por capas de color. Estas obras  indignaron a  los  críticos conservadores, que no comprendían la falta de detalles,  la narrativa y la "forma". El crítico de arte John Ruskin  escribió un artículo  muy cáustico  y Whistler lo demandó, ganó el caso pero los gastos del juicio lo llevaron a la ruina.  Con la venta de los contenidos de su estudio, en 1879-1880, Whistler hizo un largo viaje a Venecia, donde trabajó intensamente en sus grabados,  fuente principal de ingresos para él. A lo largo de las siguientes décadas Whistler continuó trabajando en su estilo distintivo vagamente pintado, delicadamente matizado, en óleo, acuarela y pastel

miércoles, 24 de agosto de 2016

Carlos Sáenz de Tejada

Pintor y dibujante; muralista e ilustrador, nació 
 en Tánger el 22 de junio de 1887 y murió en Madrid el 23 de febrero de 1958.
Realizó sus estudios en Orán, donde su padre era cónsul de España, en Francia y en Madrid. En la capital española trabajó en el taller de López Mezquita, dirigido más tarde por Álvarez de Sotomayor. En 1916 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde tiene como maestro, amén de a Mezquita y Sotomayor, a Sorolla. A partir de 1921 colabora con el diario La Libertad; desde 1924 hace ilustraciones para las revistas Nuevo Mundo, Aire Libre y La Esfera, entre otras. Toma parte en la "Exposición de Artistas Ibéricos" de 1925 y ese año se instala en París, donde residirá por espacio de 10 años. Allí colabora con publicaciones como L'Ilustration, Vogue oFémina, realizando ilustraciones sobre temas españoles. Trabaja en varias editoriales como La
Pléyade, Chiffrin o Draegger y colabora con publicaciones de Londres, Berlín y Nueva York. Aparecen por esta época dibujos suyos en ABC y Blanco y Negro e ilustra obras de Daudet, Dickens, Dumas y Verne.


En 1935 regresa a la Península y se instala en Laguardia (Álava), localidad con la que tenía vínculos familiares y de la que será nombrado hijo adoptivo en 1938, por lo que a menudo se le ha asignado esta localidad como lugar de nacimiento. Estallada laGuerra Civil en 1936 se integra como voluntario en el bando nacional, convirtiéndose en "ilustrador oficioso" de la contienda. Colabora en la revista falangistaVértice de San Sebastián (1937-1943) e ilustra la Historia de la Cruzada de J. Arrarás, para Ediciones Españolas.

En 1944 la Escuela de Bellas Artes crea para él el departamento de Dibujo de Ilustración, y es nombrado Profesor de Pintura Mural en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Durante 1947 realiza las ilustraciones de libros como Don Juan Tenorio de Zorrilla, El Bosque Animado de Fernández Flórez y Zogo-Ibi de Larreta. Este mismo año recibe la Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Artes Decorativas. En 1948 obtiene la cátedra de Ilustración en la Escuela de San Fernando. Al año siguiente consigue el premio de Dibujo en el "Concurso de Dibujos y Grabados de Escenas y Libros Militares". En 1950 ilustra Los Intereses Creados de Benavente, recibe la Medalla de Plata de Bellas Artes y es nombrado presidente de la Asociación de Dibujantes. En 1951 trabaja en bocetos y figurines para el Teatro Español y organiza, con la Asociación de Dibujantes, el "I Salón de Ilustradores". A lo largo de 1952 realiza varios trabajos en Vitoria. En 1955 recibe la Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes y es nombrado vocal del Consejo de Cultura de la Diputación Foral de Álava. Camón Aznar afirma:

"La sencillez casi esquemática de su dibujo con leves sombreados y trazos sueltos da a cada uno de los objetos y seres representados categoría de símbolo...Por eso sus crecientes perspectivas se originan con alusiones, con temas insinuados, que sugieren un ambiente o predisposición. Todos los paños se pliegan a este ilustrador con solemnidad de cortinajes o con duro viento de banderas. Y en actitudes de los paisajes hay tensiones de un esfuerzo o escorzo heroicos". Respecto a la temática, evolucionó de un barroquismo costumbrista con añoranzas "imperiales" y épicas hacia un regionalismo vasco más sosegado. 



Señala Camón: "Hombres y mujeres de estado llano, que alternan con gitanos y truhanes; arrieros, clérigos, moriscos de amplias chilabas que sestean entre azoteas y palmerales morunos, vistos desde los alcores. Artesanos, recios marineros que buscan la aventura en el mar: conquistadores del s. XVIII, 'forrados como relojes'; monjas, beatas, guerrilleros de ayer y hoy; éstos tan cercanos que exhiben el atuendo de camuflaje. Tipos que pululan entre pollinos, cabras, trotones, blancas palomas que flotan en el aire como limpios pensamientos... sobre ruinas de castillos, de palacios o de iglesias que evocan nuestras glorias. Canes flacos y tristes o aristocráticos galgos corredores, jamelgos...". Según García Díez "el estilo de Carlos Sáenz de Tejada ha permanecido vinculado a la estética del s. XIX, sin embargo, sus obras no son decimonónicas; puede que no se puedan ubicar en vanguardias, pero de ninguna manera resultan trasnochadas. Del s. XIX tomó el respeto al natural, del modernismo su valor ornamental, del barroco los volúmenes y la distribución escenográfica, su pintoresquismo no es novecentista sino puramente sicológico. Resumiendo su principal cualidad sería la visión del pasado con la exaltación lírica, clara y fantaseada del presente".
El Ayuntamiento de Vitoria le dedicó en 1977 una calle entre Abendaño y Bustinzuri.
Ref. García Díez, J. A.: La pintura en Álava, Vitoria, 1990.

martes, 23 de agosto de 2016

Richard Hamilton



(Londres, 1922 - 2011), figura clave del Pop Art y uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. 

Este artista logró construir un incisivo y polifacético discurso iconográfico que, bajo su aspecto lúdico e irónico, planteaba una reflexión crítica, no exenta de un cierto componente de fascinación, sobre la sociedad de consumo y el imaginario mediático contemporáneo, al tiempo que exploraba y desbordaba los límites entre lo popular y lo culto, lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto. Utilió una gran variedad de medios, géneros y temáticas a lo largo de su carrera: desde la  fotografía, el dibujo o el grabado hasta el diseño industrial, la publicidad o la manipulación digital de imágenes; desde el retrato y el autorretrato y los interiores hasta las indagaciones de carácter metalingüístico (en torno a, por ejemplo, las limitaciones de las diferentes formas de representación o la relación entre visión y movimiento), pasando por la crítica política o la reflexión sobre el consumismo y la cultura de masas. En su práctica artística jugó con la apropiación
 y recontextualización de imágenes pre-existentes, así como el diálogo que en muchos de sus trabajos Hamilton estableció con la obra de otros creadores.  Marcel Duchamp ejerció una fuerte influencia sobre el, un artista que siempre tuvo como referente y del que incluso llegó a reconstruir una de sus piezas más emblemáticas: El gran vidrio

lunes, 22 de agosto de 2016

Robert Henri





(Cincinnati, Ohio, 1865-1929). Pintor estadounidense. Robert Henry Cozad afrancesó su apellido a los dieciocho años cuando su padre, que era jugador profesional, mató a un hombre en una discusión. Tras estudiar arte en Pensilvania, viajó a París (1888), donde asistió a las clases de la Academia Julian y la Escuela de Bellas Artes (1891), con Jean-Léon Gérôme y Léon Bonnat. Pasó seis meses en España y estudió a los pintores del siglo XVII, Velázquez, Ribera y Murillo, en especial. Bajo su influjo, y el de otros maestros del barroco, como Frans Hals y Vermeer de Delft, abandonó los modos académicos, optando por una pintura rápida y sin dibujo previo, de pincelada suelta y empastada, con masas amplias de color. En Roma, en 1891, vio el retrato de Inocencio X (Galleria Doria Pamphilij, Roma) y le pareció «vivo»; y en sus retratos masculinos de los primeros años del siglo veinte hay un recuerdo de las figuras reales de Diego Velázquez (W. J. Glackens, 1904, Chappelier Galleries, Nueva York), en la pose y en la atmósfera; también en los paisajes de esta época (Nieve, 1902) algunos han rastreado huellas del sevillano. Robert Henri se dedicó a pintar, a la enseñanza y a la escritura.
 File:Robert Henri - Figure en mouvement.jpg
 Fue profesor de la Escuela de Diseño para Mujeres de Filadelfia y abrió una escuela propia en París. Como había hecho con él su maestro William Merritt Chase, transmitió a sus alumnos el interés por los pintores del siglo XVII y, entre ellos, los españoles; en 1906 viajó con ellos a España para enseñarles las pinturas de Diego Velázquez, El Greco y Francisco de Goya. Siguió viajando por Europa, con España e Irlanda como destinos favoritos, y por la América menos urbana, convirtiéndose en una figura prestigiosa. En 1908, fue el principal impulsor de «Los Ocho», un grupo de artistas opuestos a las ideas conservadoras de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York. Interesado «por la vida y no por los estilos», como él mismo afirmaba, pintó retratos y escenas de campesinos, trabajadores pobres e inmigrantes, sin abandonar nunca el paisaje. Pintó gente sencilla, especialmente gitanos, como Madre gitana (1906, John C. le Clair, Nueva York), Muchacha de Segovia (1912, Robert J. Cooper, Illinois) y en los cuadros de tema español que hizo durante su estancia de ocho meses, entre 1923 y 1924, cargaba las tintas en los aspectos realistas y dramáticos.

Museo del Prado

sábado, 20 de agosto de 2016

Yukio Fukazawa



版画家・深泽 幸雄


Grabador japonés nacido en 1924 en la prefectura de Yamanashi. Durante la Segunda Guerra Mundial fue herido y quedó discapacitado.  En 1948 se graduó en la Facultad de Bellas Artes de Tokio. Estudió la técnica de grabado en cobre y esta sería su medio favorito.  


En 1963 fue invitado por el gobierno mejicano para enseñar grabado en cobre. Durante su estancia en Méjico quedó maravillado por las civilizaciones Azteca y Maya y esto influenció en su obra que se hizo más colorida

Sus grabados se carecterizan por expresar sentimientos. Los críticos de arte lo denominan "lenguaje lírico"

En 1991 el Museo de Yamanichi mostró 200 obras suyas en una gran retrospectiva de este artista.  Sus grabados se muestran en los mejores museos y colecciones. El Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Tokio son dos ejemplos

viernes, 19 de agosto de 2016

Henri Fantin-Latour


De izquierda a derecha: Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Elzear Bonnier, Leon Vallade, Émile Blémont, Jean Aicard, Ernst d´Hervilly y Camille 


 FANTIN-LATOUR, IGNACE HENRI JEAN THEODORE (1836-1904), Artista francés nacido en Grenoble. Estudió, primero, con su padre, despues fue a la escuela de dibujo de Lecoq de Boisbaudran y acabó su formación con Couture.  Fue amigo de Ingres, Delacroix, Corot, Courbet y otros. Expuso en el Salón de 1861 y en años posteriores aparecieron muchos de sus más impostantes cuadros. En 1863 se encontró con Harpignies, Manet, Legros y Whistler en el Salón de los rechazados. Whistler lo introdujo en los circulos artísticos ingleses. Fue en efecto en Inglaterra, donde reside con frecuencia, que Fantin-Latour encontró numerosos aficionados para sus composiciones de flores y de fruta. Compras y encargos se suceden entonces, garantizando al pintor un éxito comercial al que el resto de su obra no le había permitido pretender, hasta la fecha.

Sus retratos de grupos se aproximan de alguna manera a los maestros holandeses.
 La gran pasión de Fantin era la música, especialmente la de Wagner, Berlioz, y  Schumann que le inspiraban para crear.  En su última época se inclinó hacia el idealismo como un presagio del movimiento simbolista. 

En  1876 se casó con una colega pintora, Victoria Dubourg, y a partir de ese momento pasaron los veranos en el campo con la familia de Victoria, en  Bure, Normandía, donde murió en 1904

 




¿Me permiten algo de publicidad?

Este es Pol,  mi  perro. Un chucho listo, muy listo. Puedo escribir lo de CHUCHO, pero no puedo decirlo con palabras porque el se cree de alta alcurnia. Lo rescaté (por dos mil pesetas) de una caja, llena de perros, que tenían una gitanos delante del mercado del Calvario. El fue el que asomó más la cabeza y en sus ojos vi la súplica "llevame".

Hoy tiene 16 años, apenas ve, le cuesta oir y aunque olisquea de vez en cuando a las perritas, sabe que hasta la cuesta levantar la pata para mear. 



HeyJuddy: Diseño | Cerámica | Ilustración


jueves, 18 de agosto de 2016

Adolfo Guiard



Adolfo Guiard  (1860-1916) inició tempranamente su formación artística, primero en Bilbao con el pintor costumbrista Antonio
María Lecuona y más tarde en Barcelona con Ramon Martí i Alsina. En 1878 viajó a París para completar su aprendizaje, convirtiéndose así en el primer pintor vasco de su generación en conocer de primera mano las novedades artísticas de la capital francesa. Allí entró en contacto con el pintor Edgar Degas y los escritores Émile Zola y Alphonse Daudet, que le dieron a conocer en los círculos artísticos franceses, donde se relacionó también a Édouard Manet, Claude Monet o Pierre Puvis de Chavannes, entre otros. 

Durante esos años Guiard fue abandonando paulatinamente la factura academicista presente en sus primeras obras al tiempo que asimilaba un nuevo lenguaje propio de la pintura al plein air. De este modo, el espíritu impresionista aprendido de Degas se plasma de forma contenida en la obra de Guiard, que utiliza un delicado dibujo en los primeros planos junto a una pincelada más deshecha en los últimos, y una paleta clara con predominio de los tonos luminosos. El mundo rural vizcaíno con su paisaje, habitantes y costumbres será el tema predilecto de su pintura más característica.
En 1885 o 1886 regresó a Bilbao e instaló un estudio en donde impartió lecciones de pintura. A partir de entonces, se convirtió en un referente de modernidad para los jóvenes artistas y en protagonista relevante de la vida cultural de la ciudad. Junto con Darío de Regoyos, inició la pintura vasca moderna e introdujo los postulados estéticos del impresionismo también en la pintura española.

En 1887 recibió un importante encargo por parte de la Sociedad Bilbaína para pintar tres lienzos con destino a sus locales. Durante este periodo, buscando el contacto directo con la naturaleza, se trasladó a Bakio (Bizkaia). Dos años después realizó a petición de la Diputación un transparente para decorar la Plaza Nueva de Bilbao. En 1890, con su carrera artística ya plenamente consolidada, se instaló en Murueta (Bizkaia) y al final de esa década trasladó su estudio a Artea (Bizkaia), compartiéndolo con Anselmo Guinea. Por estos años entabló relación epistolar, que más tarde sería personal, con el pintor Darío de Regoyos. En 1900 recibió otro importante encargo, los estudios para las vidrieras de la Casa de Juntas de Gernika (Bizkaia). Tres años más tarde, en 1903, se estableció en Bilbao, en donde pasó los últimos años de su vida.


Museo de Bellas Artes de Bilbao

miércoles, 17 de agosto de 2016

Alejo Vera


(Viñuelas, Guadalajara, 1834-Madrid, 1923). Pintor español. Inició sus estudios artísticos en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, gracias a una beca de la Diputación Provincial de Guadalajara, y continuó su formación en el taller de Federico de Madrazo. Después se trasladó a Italia, donde quedó seducido por las ruinas de Pompeya, como se puede apreciar en sus obras posteriores. Allí pintó el Entierro de san Lorenzo, que envió a la Exposición Nacional de 1862 y fue premiada con una medalla de primera clase. Idéntico triunfo repitió en 1866, cuando con­currió a la Exposición Nacional con el cuadro Santa Cecilia y san Valerio. Desde 1874 hasta 1878 fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y ­durante esos años pintó el techo del salón comedor de la ­Cá­mara de Comercio e Industria de Madrid con el tema Alegoría de la Abundancia. En 1878 obtuvo una plaza de pensionado de mérito en la Academia de España en Roma, donde pintó su cuadro de tema histórico más célebre, Numancia, que logró una primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1881. Inicialmente integraba el equipo designado para realizar trabajos de decoración de la basílica de San Francisco el Grande de Madrid, como el resto de los pensionados en Roma, aunque posteriormente fue excluido del proyecto. De aquella empresa forma parte el cuadro El milagro de las rosas, basado en un episodio de la vida de san Francisco.

Museo del Prado