viernes, 14 de septiembre de 2018

Eric Fischl

 Women in Water (A Question of Fashion), 1980. Oil on Canvas. 90 x 90 in. (229 x 229 cm.)


 Eric Fischl (Nueva York1948) es un pintor estadounidense. Uno de los principales exponentes de la que ha sido considerada como pintura postmoderna. También se le ha enmarcado dentro del Neoexpresionismo y del Bad painting.
Worry, 2017. Oil on Linen 78 x 90 inches
En los años 70 y 80, Eric Fischl se convirtió en el niño malo del neoexpresionismo con sus representaciones psicológicamente cargadas de los suburbios estadounidenses. Su propia niñez disfuncional se centró en una madre desesperadamente deprimida y alcohólica, que se convirtió en una gran influencia en sus pinturas. Comprometido con "nunca dejes que lo indescriptible sea también lo que no se puede mostrar", ofreció una visión refrescante e inquebrantable de la parte vulnerable de las relaciones humanas y la vida cotidiana, que se escondía bajo la fachada maquillada de la sociedad. 
 Untitled (Brice in Pink Shirt), 2006. Oil on Linen. 50 x 60 in. (127 x 152 cm.)
 Su trabajo nos invita a reflexionar sobre nuestro propio lugar dentro de los mundos que retrata y a explorar nuestra hipocresía, conflicto interno y complacencia. 
Untitled, 2017. Oil on Linen, 90 x 68 in
 El trabajo de Fischl puede verse como una forma en la que el artista procesa sus propios conflictos internos. En las primeras piezas suburbanas lo vemos sondear la dinámica invisible de la familia. En obras posteriores, que muestran los estilos de vida relajados junto al mar de la élite, lo vemos explorando su propio lugar dentro de su privilegio. En un trabajo reciente, destacando a los participantes en las principales ferias de arte, lo vemos enfatizar la brecha entre la belleza de la creación artística y la mercantilización del arte dentro del mercado.

martes, 11 de septiembre de 2018

Victor Brauner


 Moldavia 1903;  París 1966.
    Pintor, escultor y dibujante rumano, activo en Francia. De niño, compartió el apasionado interés de su padre por el espiritismo, anunciando una preocupación duradera por lo oculto. 
Al crecer bajo la influencia de la alquimia, el ocultismo y el espiritualismo, muchas de sus pinturas contenían elementos de estas prácticas. De la mano de estos elementos, comenzó a tener una fijación con los ojos y la ausencia de su poder, lo que lo llevó a pintar un autorretrato en el que su ojo izquierdo está ciego. 

Se piensa que esta pintura fue una premonición ya que tiempo después perdió la visión de su ojo izquierdo al mediar en una pelea entre Esteban Francés y Óscar Dominguez.
En 1912 acompañó a su familia a Viena, y de 1916 a 1918 asistió a la escuela evangélica en Braila, cerca de Galati, estudiando zoología con gran entusiasmo; y  también comenzó a pintar. En 1921 pasó un breve período en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest, donde su primera exposición se celebró en 1924 en la Galerie Mozart. El mismo año, Brauner y el poeta Ilarie Voronca fundaron la revista 75HP, en la que publicó su manifiesto de "Pictopoesie" y un artículo sobre "Le Surrationalisme". 
Desde 1928 hasta 1931 trabajó con la revista Dada y Surrealista UNU, que reprodujo sus dibujos y pinturas. Instalado en París en 1930, conoció a Constantin Brancusi, quien le presentó a  Yves Tanguy, a través de quien conoció a los principales surrealistas. Vivió en el mismo edificio que Tanguy y Alberto Giacometti. Su Autorretrato premonitorio con Enucleated Eye (1931, París, col. Privada) se convirtió en una causa célebre para los surrealistas, a quienes se unió oficialmente en 1932. André Breton escribió la introducción para su primera exposición individual en la Galerie Pierre de 1934.  
En los últimos años de su vida se dedicó a pintar obras referentes al arte primitivo y de las primeras civilizaciones con una fuerte carga de simbología esotérica con el que relacionaba sus obras con su propia vida. Volvió a Bucarest brevemente en 1935, se unió al clandestino Partido Comunista Rumano, pero se fue en 1936 al comienzo de los juicios de la época soviética.

lunes, 10 de septiembre de 2018

Cruzeiro Seixas


Artur Manuel do Cruzeiro Seixas (n.1920) se mantuvo fiel a la estética surrealista a lo largo de toda su carrera.
 Pintor interesado por la escultura, autor de varios libros de poesía reuniendo la palabra y la imagen, y también ilustrador, Cruzeiro Seixas en 1949 se une al grupo "Os surrealistas", junto con Mário Cesariny, António María Lisboa, Carlos Calvet, Pedro Oome Mário Henrique Leiria, entre otros. Su recorrido se ha realizado desde entonces en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en Portugal y en el extranjero. En 1999 donó la totalidad de su colección a la Fundación Cupertino de Miranda, de Vila Nova de Famalicão, donde vive, con vista a la constitución del Centro de Estudios del Surrealismo y del Museo del Surrealismo. En el 2009 fue condecorado con la Orden de Santiago y en Octubre del 2012 la Sociedad Portuguesa de Autores le asignó la Medalla de Honor, como reconocimiento por su larga y excepcional carrera artística.

viernes, 7 de septiembre de 2018

Franz von Bayros


El marqués Franz von Bayros, hijo de un noble español,  nació en Zagreb en 1866. Como  artista, se destacó entre sus contemporáneos por su atractivo y delicado estilo gráfico. Dibujó una serie de dibujos eróticos, que representan bellezas mundanas en posiciones comprometedoras. Una de sus carteras eróticas, 'Erzahlungen vom Toilettentisch' ('Cuentos del tocador'), causó furor  e hizo famoso a Von Bayros. En 1911, la policía de Munich lo persiguió por sus ilustraciones y lo obligó a exiliarse de Alemania.
Dibujó alrededor de 2000 ilustraciones en toda su vida, para libros como "Divina Commedia" de Dante y los de Hans Bartsch. Su legado es una maravillosa colección de bellas y decadentes obras maestras eróticas pero elegantes, con un amor por cada detalle más pequeño y hermoso, que rara vez se encuentra en otros. Franz von Bayros murió en Viena el 3 de abril de 1924.
Su arte es un cóctel inconfundible de delicadeza rococó, técnica al estilo Beardsley y erotismo ingenioso y decadente. Se vio obligado a mudarse de una capital europea a otra, ya que cada nuevo y escandaloso trabajo era prohibido por las autoridades.

lunes, 3 de septiembre de 2018

Ludvig Find

Resultado de imagen de Ludvig Find
Still life with flowers

Interior med legende born, 1912–1912


Ludvig Find, 1869-1945, pintor danés. Ludvig Find fue educado en la Academia de Bellas Artes, en la escuela de Artes Libres y en 1900 en Zahrtmann.
Con su interés por el color y la línea, buscó alejarse de la tradición realista  hacia  el simbolismo gracias a la influencia de su  amigo Mogens Ballin y el arte del renacimientoo temprano
 Se unió al círculo del poeta Johensen Taarnet. Despues de una estancia en París en 1902 volvió con un estilo de pintura más brillante y neoimpresionista. 
 Ludvig Find expuso como miembro de la Exposición Libre 1898-1945 y recibió laMedalla Eckersberg en 1928.

viernes, 31 de agosto de 2018

Hermenegildo Estevan y Fernando



(Maella, Zaragoza, 1851-Roma, 1945). Pintor español especializado en el género paisajístico. Fue miembro de las Academias de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y de San Luis de Zaragoza, secretario de la Academia Española de Roma y comendador de la Corona de Italia. Comenzó su formación en Caspe (Zaragoza), con los pintores Manuel Ros y Agustín Llop, y posteriormente de mano de Marcelino Unceta en Zaragoza.


 Se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en la Academia de San Fernando, donde fue discípulo de Carlos de Haes y acudió a la Escuela de Acuarelistas. En 1882 obtuvo una plaza ­como pensionado en la Academia Española de Roma. Remitió sus obras a certámenes nacionales y extranjeros. Fue galardonado con una tercera medalla en la Exposición Nacional de 1890 por el lienzo titulado Riva degli schiavoni y concurrió a las Internacionales de París, Berlín y Múnich. En 1962 la Diputación, el Ayuntamiento y el Museo de Zaragoza organizaron una muestra retrospectiva sobre su obra.

Museo del Prado

miércoles, 29 de agosto de 2018

Nicolás de Lekuona



Tenía solo 24 años cuando Nicolás de Lekuona (Ordicia, Guipúzcoa, 1913 - Frúniz, Vizcaya, 1937) murió víctima de un bombardeo durante la Guerra Civil mientras trabajaba de camillero. Pese a su juventud, le dio tiempo a realizar una obra que el paso de los años ha hecho que se le reconociera como uno de los más brillantes vanguardistas de los años treinta, en la estela de Man Ray, Rodchenko, Picabia. Amigo del escultor Jorge Oteiza y del arquitecto José Manuel Aizpurua, dejó montones de óleos, dibujos, collages y, sobre todo, sus entonces revolucionarios fotomontajes, nacidos de su pasión por la fotografía y el cine.

 La obra de Nicolás de Lekuona forma parte de las colecciones permanentes de numerosos museos y el Artium de Vitoria o el Reina Sofía le dedicaron  exposiciones antológicas. 

información- EL PAIS

martes, 28 de agosto de 2018

Reimundo Patiño



Reimundo Patiño Mancebo nace en La Coruña en 1936, la personalidad de este artista, tan prematuramente desaparecido, trasciende al ámbito puramente plástico para incidir en campos sociales y políticos, pues siempre se sintió comprometido con los movimientos nacionalistas gallegos en la amistad con jóvenes intelectuales contemporáneos, entre los que destaca el escritor Xosé Luis Méndez Ferrín.
 Residió en Madrid desde 1958 y es allí donde intensifica su militancia galleguista, con la participación en grupos beligerantes como Brais Pinto o Estampa Popular Gallega, que pretendía difundir el arte en medios sociales a los que habitualmente no llega. Su pensamiento pretende aunar las traducciones atlantistas y el panfletismo centroamericano con las reivindicaciones galleguistas.
 Se inicia, desde el autodidactismo, en modos informalistas que derivarán a un fuerte expresionismo, con un dibujo y colorido muy enérgico, sin duda influido por los grandes muralistas mexicanos, sobre todo Orozco y Sequeiros.
 Más que una plástica en sí misma, su obra es un arma de militancia y denuncia, con fines sociales. Trabaja en grandes formatos y ensaya expresiones de multiplicidad, como la litografía y el grabado. Se integra en el grupo "A Gadaña", con muestras que recorren Galicia y buena parte de España. Como grabador participa en exposiciones importantes, entre ellas, la IV Bienal de Lubjana. Su temperamento difícil, atormentado, se refleja en su obra, que busca complicados grafismos. Incide en el expresionismo más feroz, aunque al fin y al cabo siempre haya en su pintura un lirismo indeclinable.
 Sus muestras personales se suceden en diversas ciudades de Galicia y en Madrid y Barcelona. Participa en las actividades de Sargadelos y su obra va llegando a los museos de Galicia y a colecciones institucionales. Tras su temprano fallecimiento, en 1985, se realizan exposiciones antológicas, homenaje de sus amigos intelectuales a un militante permanente de todo movimiento galleguista.

(Información obtenida de Wikipedia)

sábado, 18 de agosto de 2018

Adrian Lawlor

 

Lawlor, (1889-1969) pintor, escritor y crítico, nació en Londres.  Fue educado en una escuela privada en Surrey y en 1910, después de la muerte de su madre, emigró a Australia con una de sus dos hermanas menores. El 9 de mayo de 1916, en una ceremonia civil en Melbourne, se casó con Eva Nodrum, veinte años mayor que él, y miembro del negocio de cuero familiar de Charles Nodrum & Co. para el cual Lawlor iba a trabajar durante muchos años como vendedor de libros y cuero. Se alistó en la Fuerza Imperial australiana seis meses después de su matrimonio y  sirvió en el Frente Occidental como soldado. A su regreso en 1919, se mudó con su esposa a  una cabaña en Warrandyte donde pasaron los siguientes treinta años.

  En 1921 comenzó a escribir artículos literarios, poesía e historias que se publicaron en una variedad de revistas, incluyendo Bulletin , Vision y New Triad . Habiendo logrado algunos éxitos menores como escritor, comenzó a pintar en 1929 y después de breves períodos de estudio en la National Gallery School  se convirtió rápidamente en protagonista entre los artistas de vanguardia de Melbourne. Entre 1930-40 realizó ocho exposiciones individuales y mostró más de 500 obras.

Lawlor  se opuso firmemente a la propuesta de formar una Academia de Arte de Australia en 1937 y al siguiente año crearon la Sociedad de Arte Contemporáneo con Lawlor como secretario. Su libro, Arquebus (1937), y el folleto, Eliminations (1939), trataban brillantemente la controversia. Fue profesor de orientación en la Exposición del Herald de arte francés y británico de 1939 y habló sobre arte en reuniones públicas. Después de una exposición relativamente infructuosa en 1940, después de la destrucción de su casa y casi todas sus pinturas en los incendios forestales de 1939, abandonó la pintura y se concentró en la crítica  en el Melbourne Sun   y Art en Australia ; continuó con su habitual sesión de la Comisión Australiana de Radiodifusión 'Art Front' (después de 1945 'Art Review') en la que defendió la causa del arte progresista y la cultura.


 Su esposa murió en 1953 y el 6 de marzo de 1954 se casó con una bibliotecaria, Margaret Sweatman. El matrimonio pronto terminó en divorcio y desde 1955-65 Lawlor vivió como un semi recluso en St Kilda, con el apoyo de una pensión del servicio de guerra. En 1966, reunió las pinturas que le quedaban  y realizó una exposición retrospectiva en Argus Galleries, Melbourne.
 
  Sus pinturas están representadas en las galerías estatales de Victoria, Australia Meridional y Australia Occidental y en la Galería Nacional de Australia, donde también hay un retrato de Lawlor de Albert Tucker. Una gran exposición de su trabajo se llevó a cabo en Heide Park y Art Gallery, Melbourne, en 1983.

martes, 14 de agosto de 2018

Arthur Boyd




 Melbourne, 1920-1999
Arthur Boyd es uno de los artistas más relevantes del siglo XX en Australia y su ejemplo ha orientado a numerosos pintores de generaciones posteriores de su país. Creció en una familia de tradición artística y fue de mano de su abuelo, Arthur Merric Boyd, como se inició en el arte de pintar.

Durante 1935 asistió brevemente a las clases nocturnas de la National Gallery School de Melbourne y, a partir de la década de 1940, tras su ingreso en el ejército, con motivo de la Segunda Guerra Mundial, comenzó a conocer a los artistas vinculados a la Australian Contemporary Art Society y a Josl Berger y Danila Vassilieff, artistas expresionistas europeos emigrados a Australia. En 1944 creó, junto a otros dos artistas, John Perceval y Peter Herbst, el Arthur Merric Boyd Pottery Workshop, taller de alfarería en el que retomaría la profesión de su padre. 
Resultado de imagen de Arthur BoydLas obras realizadas durante la guerra que, influidas por el expresionismo, el surrealismo y el realismo social, estaban pobladas de monstruos y de un ambiente violento y desesperado, dieron paso, a partir de la década de 1950, a escenas bíblicas inspiradas en la obra de Pieter Bruegel el Viejo y Rembrandt. En ellas reflejaba las creencias religiosas de su familia y trataba de simbolizar las pasiones humanas. 
Entre 1959 y 1971 Boyd vivió en Inglaterra, donde en 1962 la Whitechapel Art Gallery celebró una exposición de su obra.Durante su estancia en Reino Unido, viajó en numerosas ocasiones al continente europeo y comenzó su serie Nebuchadnezzar, en la que situaba escenas legendarias en paisajes inspirados en su tierra natal. En 1971 recibió una beca de la Australian National University de Camberra que le permitió volver a Australia y poco después compró unos terrenos en Shoalhaven River. Desde entonces los paisajes de la zona se convirtieron en sus temas predilectos.

 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

lunes, 13 de agosto de 2018

John Perceval




John Perceval nació en 1923 en Australia Occidental. El matrimonio de sus padres fue efímero. Su madre, Dorothy Dolton, se fue cuando el niño tenía solo 18 meses, y su hermana mayor se quedó con su padre hasta 1934, cuando su madre se casó con William de Burgh Perceval en Melbourne. John Perceval tomó el nombre de su padrastro y comenzó a asistir a Trinity Grammar. 
 Resultado de imagen de john perceval
 A la edad de 15 años sufrió de polio y pasó un año en el hospital.Como parte de su recuperación comenzó a pintar. Llegó a conocer a los artistas asociados con la recién establecida Sociedad de Arte Contemporáneo de Melbourne y, a través de ellos, se unió al círculo de artistas y escritores en torno a John y Sunday Reed en Heide Park. A pesar de su pierna coja, John Perceval se alistó en el ejército, ya que sus habilidades como dibujante se podían usar en la Compañía Cartográfica.
 Resultado de imagen de john perceval
  Allí conoció a Arthur Boyd, y luego a toda la familia extendida de Boyd en Murrumbeena. Se casó con la hermana menor de Arthur, Mary Boyd, en 1944. Con Arthur Boyd y Neil Douglas trabajó en la cerámica de Murrumbeena, haciendo ollas y cuencos decorados. Sus pinturas de este período muestran una fuerte influencia del trabajo de Arthur Boyd, con una calidad casi ingenua. 
 Resultado de imagen de john perceval
La familia Perceval vivía en Williamstown, en el viejo puerto naval en la desembocadura del Yarra y el puerto  se convirtió en parte de su tema.  La ciudad de Melbourne se convirtió en el escenario de un belén, pintado en un estilo que citaba a Breughel. Sus hijos: Matthew, Tessa, Celia y Alice aparecen como elementos recurrentes en su arte.

 Resultado de imagen de john perceval
En 1959, Bernard Smith persuadió a Perceval para que se uniera a sus cuñados Arthur y David Boyd, John Brack, Robert Dickerson, Charles Blackman y Clifton Pugh para formar a los antipodeanos una celebración de la figura humana, en oposición al ascenso. de arte abstracto. Sin embargo, sus propias pinturas se concentraron en los paisajes, y cada vez más encontró más inspiración en Vincent Van Gogh que en cualquier otro artista. 

 An image of Dairy farm, Victoria by John Perceval
Los malos recuerdos de Perceval, el alcoholismo y una larga enfermedad psiquiátrica no diagnosticada significaban que la vida no era fácil para su familia y su matrimonio terminó infelizmente. En 1965 fue hospitalizado por alcoholismo, y en 1977 ingresó en el hospital psiquiátrico Larundal, donde permaneció hasta 1986. 

 Resultado de imagen de john perceval
Perceval continuó pintando por el resto de su vida, pero aunque tuvo cierto éxito comercial, estas obras posteriores parecen toscas cuando se colocan junto a sus pinturas de los años 40 y 50.