lunes, 18 de junio de 2018

COLLEY WHISSON


Brisbane, Australia,  1966. Creció en un entorno semirrural que le hizo apreciar la naturaleza y el aire libre. En 1985 trabajó  una breve temporada como enmarcador de cuadros que ahora mirando hacia atrás le parece una excelente introducción al mundo del arte. Su padre Eric, pintor reconocido, lo animó y guió su dirección artística.

Colley comenzó a pintar en óleo a la edad de 20 años y realizó su primera exposición individual a los 24. Desde entonces ha tenido más de 25 exposiciones individuales y su trabajo ha sido publicado en muchos artículos de revistas y libros. Los temas de sus pinturas no se limitan a los paisajes de su Australia natal. Whisson viaja extensamente y ha pintado en los Estados Unidos, Italia, Francia, Nueva Zelanda y el Reino Unido. Además de pintar organiza talleres  en los Estados Unidos. 

IBIRICO





IBIRICO es un pintor, nacido en Marruecos en 1950, vivió en Tánger, ciudad mítica e internacional, hasta 1966. A partir de esa fecha se traslada a Madrid. Presume de un total de más de 150 exposiciones colectivas y 8 Individuales por todo el mundo. Su obra está representada en numerosas colecciones públicas y
 museos Ha recibido premios a su trabajo de pintura, dibujo y grabado en Cuba, España y Polonia. Desarrolla una extensa labor desde 1977 como ilustrador de libros, discos, etiquetas de vino. Alterna su trabajo de Pintor con la de poeta visual y editor de fanzine de mail-art. También disfruto de becas viajando a más de 40 países, principalmente Sudamérica. Ha trabajando en diversos talleres de pintura y grabado con numerosos artistas

viernes, 15 de junio de 2018

Daniel Lezama


Daniel Lezama nace en la Ciudad de México en 1968. Estudia en  la Escuela Nacional de Artes Plasticas de la UNAM. En 2001 gana el Premio de la X Bienal Tamayo. En 2008 le hacen una exposición retrospectiva  en el Museo de la Ciudad de México, con motivo de la cual se publica una monografía a gran escala de su trabajo en Hilario Galguera Ediciones.
En 2011 presenta “Cartas de Viaje” en la Galeria Hilario Galguera, acompañado de la publicación del libro Travelers por parte de la Editorial Jovis Art en Alemania. Hasta la fecha ha participado en más de un centenar de exhibiciones individuales y colectivas, de las que destacan “Grandes Maestros del Siglo XX” en el Museo MARCO, la “2nda Bienal de Beijing”, “El Mito de Dos Volcanes” en el Palacio de Bellas Artes, “Imperium” en el Spinnerei de Leipzig, e “Imágenes de la Patria”, en el MUNAL y el MUNE, el Pabellón de México en la Exposición Universal de Milán, y la X Bienal de Mercosul. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas en México y el mundo, entre las que destacan el acervo MAM del INBA, La Murderme Collection, El Museo del Barrio en NY, el Dallas Museum of Art, la Essl Sammlung y Black Coffee Foundation. Asimismo, ha incursionado en el medio artístico mexicano como líder de opinión, jurado, curador y tutor de jóvenes generaciones de artistas plásticos.

Información-bastidores.net 

miércoles, 13 de junio de 2018

Roberto Montenegro


Nacido en Guadalajara, Jalisco en 1881, el pintor y muralista Roberto Montenegro, heredó su amor al arte de su tío, quien le dió sus primeras lecciones de pintura. Contribuyó con ilustraciones y viñetas en la Revista Moderna y más tarde se mudó a la ciudad de México. Estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Antonio Fabrés y Germán Gedovius. Vivió en Europa hast 1921, donde trabajó con importantes artistas españoles, franceses y belgas. En México, José Vasconcelos lo comisionó para realizar diversos murales en la Secretaria de Educación Pública, en la Escuela Benito Juárez, en la Librería Iberoamericana y en la Escuela Nacional de Maestros. Como escritor y crítico, junto con otros artistas contemporáneos, trató de apartar la atención del arte europeo introduciendo el arte popular mexicano al público. Su vasto conjunto de obras incluye pintura, grabado, ilustraciones de libros, viñetas y vitrales. Fue fundador de la Academia de Artes, y murió en Morelia, Michoacán en 1968.



MUSEO BLAISTEN

martes, 12 de junio de 2018

Saturnino Herrán




Nacido en Aguascalientes, el 9 de julio de 1887, Saturnino era el hijo de la francosuiza Josefa Guinchard y de José Herrán dueño de la única librería de la ciudad y profesor de Teneduría de Libros del Instituto de Ciencias del estado. Además de haber pasado su infancia entre libros y expuesto a la cultura francesa, Saturnino demostró gusto y habilidad para el dibujo y la pintura desde muy chico. En muy poco tiempo la familia se trasladó a la ciudad de México y Saturnino se inscribió en los cursos superiores de la Escuela Nacional de Bellas Artes. A la muerte de su padre se convirtió en el sostén de la familia y trabajó como telegrafista mientras que por la noche tomaba sus clases.

 Luego obtuvo una beca y pudo dedicarse por completo a la pintura. En 1903 el arquitecto Antonio Rivas Mercado fue nombrado director de la EMBA, e impuso una técnica para enseñar a dibujar basada en modelos geométricos, planos y volúmenes. Como subdirector  contrató al pintor catalán Antonio Fabrés partidario del realismo, detallista y de una meticulosidad extraordinaria. Saturnino Herrán primero fue su discípulo pero después rompió con ciertas directrices, conservando muchas de las excelencias de su técnica. Finalmente, Herrán se convirtió en uno de los pintores que mejor supo captar a la gente y personajes de México en su vivir y quehacer cotidiano. Cuando Fabrés abandonó la academia, Herrán se convirtió en alumno de Germán Gedovius, un extraordinario colorista que enseñó a Saturnino los altos secretos de la pintura y el retrato. Herrán recibió reconocimientos por obras como Labor o El Trabajo y sus pinturas Molino de vidrio y Vendedoras de ollas lo consagraron como un artista que había roto con el modernismo pictórico y había creado un nuevo lenguaje.

A partir de 1912 Herrán ya era un maestro consumado. De este periodo es Vendedor de plátanos, La ofrenda y El jarabe. Sin embargo la obra maestra de Herrán habría sido el tríptico Nuestros dioses, un friso que había planeado para el Teatro Nacional, hoy Palacio de Bellas Artes. Fue una enfermedad la que impidió la realización de la obra que llevaba varios años perfeccionando. En octubre de 1918 tuvo que ser operado y  falleció a la edad de 31 años.
Artista único en cuanto a su expresión del mestizaje, las culturas originales y la manera de representar los rostros de su tiempo, Saturnino Herrán fue el iniciador, sin saberlo, de la gran pintura mexicana del siglo XX



Radio México Internacional

Germán Gedovius

Germán Gedovius, 1867-1937

Nació en la ciudad de México en 1867 y cuando contaba con pocos meses, su familia se trasladó a San Luis Potosí. Cuando tenía dieciséis años fue enviado a la Ciudad de México a la Academia de San Carlos, donde fue alumno de Salomé Pina y Rafael Flores. Al cumplir veinte años, y después de cuatro años de estudio en San Carlos, fue enviado por su padre a Alemania para seguir sus estudios y para recibir tratamiento médico en clínicas especializadas para la sordera que padecía de nacimiento. Su recuperación resulta exitosa, pues después de un año de esfuerzos médicos, empieza a hablar, aprendiendo el alemán. Se traslada a Munich, en cuya Academia Real aprende a dibujar al carbón y reinicia su clase de pintura. El maestro Herteri lo perfeccionó en el dibujo al natural y Wilhelm von Dior lo inició en la técnica del color. En Europa complementó su aprendizaje visitando varios museos de Europa, sobre todo en Alemania, Holanda, Bélgica, Francia e Italia. Impregnado de la influencia de la pintura barroca holandesa, pintó sus cuadros más famosos, su Autorretrato, en el cual viste de caballero flamenco, como arrancado de un cuadro de Rembrandt o Franz Hals, lo que le valió una medalla de oro en la Academia Real de Munich. Regresa a México en 1893, después de una fructífera estancia de once años en Europa, para la alegría de sus padres. Hasta el año de 1903, cuando le es adjudicada una plaza docente en la Academia de Bellas Artes, Gedovius se dio a la ardua tarea de darse a conocer en el mundo artístico mexicano, participando exitosamente en exposiciones como lo fue la Celebración de la XXIII Exposición de la Academia de San Carlos en 1898 y 1899. Su amistad con Justo Sierra en el momento de la reorganización de la Escuela Nacional de Bellas Artes fue muy oportuna, le permitió ser parte del cuerpo magisterial junto con otros pintores de la talla de Antonio Fabrés, Leandro Izaguirre y Julio Ruelas. Gedovius impartió las clases de claroscuro, colorido y composición desde de principios de la primera década del siglo XX. Entre sus alumnos se encuentran: Ángel Zárraga, Diego Rivera, Alberto Garduño y María Izquierdo entre otros. Entre sus obras más destacadas se encuentran el ya mencionado "Autorretrato" y ?La dama de la violetas?, además de "Convento del Carmen", "Sacristía de Tepotzotlán", "Amapolas" entre otras. Gedovius continuó impartiendo clases, tanto en la Academia como en un estudio particular hasta poco antes de su muerte en mayo de 1937 en la Ciudad de México.

información-colección Blaisten

lunes, 11 de junio de 2018

Jurij Frey

El artista alemán Jurij Frey vive en Böblingen cerca de Stuttgart / Alemania.

El pintor trabaja en un estilo realista. Se inspira en las personas que viven en nuestro mundo moderno, por el contraste entre la vanidad en los negocios, la vida de la ciudad, su naturaleza y  luz.
Pinta a las personas en su entorno habitual,  trata de captar  la rapidez del momento con luz intensa,
Encuentra sus motivos en la ciudad donde vive. Donde los nuevos tiempos e influencias siempre reflejan la historia, la arquitectura y la vieja tradición, y algunas veces de manera muy agresiva.
Esto fascina al pintor y le da impulsos para sus imágenes diarias

 Ha desarrollado un estilo realista  cuyos bloques de colores y contrastes de luz nos permiten descubrir toda la complejidad interior. Inspirado en un sujeto universal, el hombre y su condición, el pintor e ilustrador  procede con toques que aplica con gestos vivos e irregulares, siempre permitiendo la nebulosidad, una incertidumbre en los contornos de las formas aparecen, simbolizando la duda presente en cada uno de nosotros.


jueves, 7 de junio de 2018

ENRICO ACCATINO

Enrico Accatino 
(1920-2007) Pintor, escultor, proyectista y teórico de la educación artística italiano, representante europeo de la pintura de los campos de color. En el curso de su intensa actividad artística, Accatino obtuvo importantes reconocimientos nacionales e internacionales. 




Las pinturas y collages anicónicos se crearon en la segunda mitad de la década de 1950, cuando comenzó a investigar la circularidad (círculos, discos, elipses) y el estilo Arte Informale. Desde 1966, Accatino se dedicó intensamente al relanzamiento de las artes textiles como lenguaje, creando soluciones bidimensionales y tridimensionales como sus tapices de diafragma de doble cara (elementos de plástico suspendidos en el espacio). Las obras de Accatino se pueden encontrar en las colecciones permanentes de varios museos de todo el mundo, y durante su larga e intensa carrera artística obtuvo un importante reconocimiento nacional e  internacional. Creó una cantidad prolífica de trabajos gráficos con motivos abstractos.


De 1960 a 1964 fue responsable de la planificación de un nuevo método de enseñanza del arte, a través de cientos de transmisiones de televisión (RAI - Radio Televisione Italiana). También publicó importantes textos sobre Artes Visualess e Historia del Arte.
Murió en 2007 en Roma.

lunes, 4 de junio de 2018

Roberto Crippa




El pintor y escultor Roberto Crippa nació en  Milan en 1921. Estudió en la  Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, donde fue alumno de Aldo Carpi, d’Achille Funi y Carlo Carra. 
 Al principio de su carrera, como muchos de los pintores de su generación, estuvo influenciado por el neo cubismo. Su primera exposición tuvo lugar en la galería Bergamini en Milán en 1947.

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 Fue uno de los primeros artistas en Italia en practicar  la pintura gestual, que produjo entre 1948-1952 (sus espirales). 

En 1948,  es uno de los fundadores del grupo Spacialist, fundado en los círculos de Lucio Fontana,  cuyo objetivo era  buscar una nueva representación espacil por medios técnicos. A partir de 1948 participó regularmente en exposiciones del grupo en la Bienal de Venecia.
Despues se dedicó  a lo que el denominó  ‘Collages’. Roberto Crippa jugaba con los efectos de la materia sobre superficies rugosas y gruesas, como la madera o la corteza; los efectos de elementos de la planta o metal liso o brillante, o elementos transparentes. Su investigación lo llevó naturalmente hacia la escultura y desde 1956 construye numerosos  trabajos de metal,  insectos y monstruos que están en línea con el trabajo de Chadwick. El artista estába interesado en el movimiento en el espacio. El era un experimentado piloto de avión que representó a Italia en el campeonato aeronáutico mundial en 1971. Paralelamente a su pintura y escultura, Roberto Crippa también experimentó con trabajos gráficos (grabados, litografías, libros ilustrados). A mediados de los años 60, se muevió hacia relieves monocromos, generalmente pintados en tonos grises.
Murió en 1972 en un accidente de avión, en Bresso. Tenía 50 años

sábado, 2 de junio de 2018

Francesc Lozano i Sanchis

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ANTELLA, VALENCIA 1912 -2000)                     
Tras iniciar sus estudios en un colegio de Burjasot, a partir de 1932 realiza la carrera de Bellas Artes en la Escuela Superior de San Carlos, de Valencia.
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Su primera exposición la efectuó en Valencia, en 1942. Posteriormente las hizo en Bilbao, Madrid y Buenos Aires, El Cairo y Venecia, hasta 1951, en que gana el premio nacional José Antonio. Su obra recorre América, con muestras en Chile, Lima, y La Habana. Concurre en 1954 a la Bienal de Venecia y en 1955 a la de Alejandría. También expone  Bagdag, Amman, Jerusalem, El Cairo, Ankara, Estambul, en grandes muestras colectivas.

A partir de estas fechas, ya consolidado su prestigio de gran paisajista, su obra se exhibe, en muestras colectivas e individuales, en toda España, en Europa y América. En 1964 tuvo el honor de inaugurar la galería Juana Mordó, la más prestigiosa de España en su apoyo a nuevas corrientes del arte.
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En 1955 consigue por oposición la cátedra de Colorido en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia, de cuya Academia de San Carlos es nombrado miembro numerario.

Ganó segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1948, y primera en la de 1952. Un año antes consiguió primera medalla en la Bienal del Reino de Valencia. En 1956, premio del Uruguay en la Bienal Hipanoamericana.

Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid y en los de Valencia, Bilbao, Barcelona, Alicante, Salamanca, Vitoria, Villafamés, Santander, Montevideo y Caracas.

Francisco Lozano es un post impresionista con modos «fauve», colorista excepcional y excelente dibujante, como demuestran sus retratos, inicialmente influidos por la pintura catalana de Togores, Serra y Llimona.
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La mancha es enérgica, hasta el punto de que muchas veces construye sus cuadros directamente con el color, que llega a la tela en su estado puro. La luz levantina tiene considerable importancia en su obra, aunque quizá lo mejor de su pintura sean los paisajes de los secarrales interiores del reino valenciano, aparentemente áridos y sin embargo, tan calientes, tan directos. Es peculiar el grafismo de su pincelada, por completo definidor, en verdes, amarillos, carmines. La vegetación baja, los arenales, los cielos azules, están dichos de primera intención, pero con un gran sentido lírico, en verdad emocionante, y a veces próximo al abigarramiento de Kokoschka, aunque sabe detenerse a tiempo y razonar, muy ponderadamente, su interpretación de la naturaleza.

La grumosidad del óleo se asienta en el lienzo, total, alternada con fondos casi exentos de materia. Nadie ha llevado a la pintura los violetas como este valenciano, espléndido bodegonista. Lo humilde representado lo eleva a categoría de gran pintura, de arte personalísimo. Ninguna antología internacional del «fauvismo» puede excluirle.

Afundación

jueves, 31 de mayo de 2018

Ettore De Maria Bergler


Ettore De Maria Bergler , nació en Nápoles el 25 de diciembre de 1850 y murió en Palermo el 28 de febrero de 1938. 
Es considerado por unanimidad como uno de los exponentes más importantes de la pintura Art Nouveau de principios del siglo XX. 
Hijo de  padre siciliano y  madre austríaca, de quien tomó el apellido Bergler, se formó en el estudio de Francesco Lojacono. En el período siguiente también asistió a los estudios de los pintores Domenico Morelli, Edoardo Dalbuono y Filippo Palizzi.También tuvo la oportunidad de asistir al entorno de los Macchiaioli en Florencia. 
Se especializó en obras de paisaje y naturalistas del género siciliano, pero también hay muchos retratos (retratos famosos: Delia y Norina Whitaker, Donna Franca Florio) 


No 
desdeñó la decoración de villas y edificios. Particularmente famosos son los frescos de Villa Whitaker y el Teatro Massimo de Palermo (1899-1900) donde se dedicó a la decoración de la caja real, la sala Pompeya y el techo del salón de los espectáculos. 

De 1908 a 1912 se dedicó a los frescos de Villa Igiea, especialmente marcado por las influencias de la libertad y la sala del Consejo de la Oficina Central de la Cassa di Risparmio di Palermo. 
De 1913 a 1931 enseñó pintura y artes visuales en la Academia de Bellas Artes de Palermo. 
Participó en numerosas exposiciones

martes, 29 de mayo de 2018

Emilio Giuseppe Dossena


1903-1987-Emilio Giuseppe Dossena nació en  Cavenago D'Adda. Su padre murió cuando el tenía doce años y se vio obligado a trabajar para ayudar a la familia. Estudió en la Academia de Brera y en la Scuola del Castello, teniendo como compañeros a  Guttuso, Cantatore, Lilloni  y Sassu.Durante la época del fascismo empezó a trabajar como restaurador y decorador
Hizo su primera exposición en la galería milanesa Gavioli, en 1943 y aunque el país estaba en guerra vendió todo.
La revolución industrial y el auge económico de la posguerra afectaron su carrera,  las obras mostrarán una mejora de los verdes y azules, utilizando una paleta de colores cargada, cada vez más exuberante.  Durante este tiempo, restaura y decora los castillos de Parrano y Monte Giove, en Umbría, y muchas villas de aristócratas y capitanes de la industria en Lombardía

En 1968, una explosión accidental en una tienda encima de su estudio en Milán, lo destruye. Con casi sesenta y cinco años, decide emigrar a los Estados Unidos, donde unos amigos de la familia le prometieron una revitalización de su carrera, que en este momento había llegado a un punto crítico y  parecía no encontrar los estímulos necesarios para una renovación. El impacto con Estados Unidos es el principal responsable de la dramática evolución del uso de colores en sus pinturas. Después de un breve período de ajuste, Dossena encuentra un puesto en  el Studio Berger.  Su aislamiento de la sociedad que le rodea, causada por la incapacidad de conversar en inglés, influye inconscientemente tanto en el proceso del color como en su intensidad en la producción de Nueva York. El artista elige, en esta etapa de su vida, abandonar el neoimpresionismo, pero lo hace de forma gradual y sin ninguna intención de adoptar nuevos movimientos. Lejos de la querida patria. Nueva York y Estados Unidos tienen en Dossena un efecto similar al experimentado por su amigo Mario Soldati muchos años antes. Ama la América de los rascacielos, los museos y las diferencias, ama a sus compatriotas, que son como él, marineros sin bote en una odisea indefinida que consiste en pequeños episodios y grandes sacrificios. Pero odia que se lo clasifique como italoamericano, y reconoce que este término se usa para definir un conjunto de estereotipos con los que siente que no tiene afinidad. Se encuentra frente al eterno dilema del emigrante: encajar sin ser absorbido. El artista utiliza toda su energía, amplificada por su relación de odio y amor con Nueva York para crear obras explosivas, cuyo único propósito es expresar la necesidad de volver a ver los hermosos colores de su Italia. Lo que él llama la falta de color de la sociedad italoamericana, el trabajo de muchas hormigas grises preocupadas solo por almacenar su comida.  En 1976 regresa a Italia.

lunes, 28 de mayo de 2018

Gerardo Dottori


Nació en Perugia en 1884 y completó su formación en las clases nocturnas de la Academia de Bellas Artes "Pietro Vannucci", mientras que por la mañana era empleado del anticuario y restaurador Mariano Rocchi. En la primera evidencia pictórica denota atención a las instancias divisionistas, rompiendo con las enseñanzas académicas recibidas. Después de graduarse en 1906, se dedicó a la actividad de decorador y se mudó a Milán donde profundizó su conocimiento del divisionismo. 

De vuelta en Umbría, descubre la pintura en plein air. Se adhiere a las instancias futuristas creando los primeros estudios de motociclistas, ciclistas, ritmos astrales, explosiones en las que exalta una visión dinámica y sintética del movimiento. En 1914 fue uno de los organizadores de la memorable Noche Futurista celebrada en el Politeama Turreno en Perugia en presencia de Filippo Tommaso Marinetti. 

Al regresar de la guerra, volvió a pintar en el clima artístico tranquilo de Perugia, también a través de periódicos y escritos (¡él es uno de los fundadores de "Griffa!"). 
Marinetti presenta su primera exposición individual en Roma: las obras de estos años se caracterizan por una vista más dilatada y distorsionada del paisaje, como en Il Lago, el primer ejemplo de una vista de avión. Al mismo tiempo, continuó dedicándose a la decoración de ambientes (Bar Ricci, Perugia, 1923, Ristorante Altro Mondo, Perugia) ya los gráficos con la colaboración de la editorial Campitelli. 
En 1924 expuso en la Bienal de Venecia; entre 1926 y 1939 estuvo en Roma, donde se dedicó a la actividad periodística. 
La decoración del Idroscalo di Ostia en 1928, junto con el Tríptico de la velocidad , marca la afirmación del aeropolito. 


En 1932 participó en la Bienal de Venecia con el trabajo Año X que ganó el Premio del Ministerio de Corporaciones; con Enrico Prampolini también es el único futurista que colabora en la exposición del décimo aniversario de la revolución fascista en Roma. 
En 1939 regresó definitivamente a Perugia: enseñó en el Instituto de Arte, despues Pintura en la Academia de Bellas Artes, convirtiéndose en su director al año siguiente.
A fines de 1941 escribió el Manifiesto de Aeropittura de Umbría; desde finales de los años cuarenta, la actividad de las decoraciones sagradas y profanas se ha intensificado en la zona del lago Trasimeno. 


La primera exposición personal del período de la posguerra fue en 1951 en Milán, cuando fue invitado a la primera exposición histórica sobre el movimiento de vanguardia celebrada en Bolonia. Un artista versátil que se dedica a la cerámica, al diseño de muebles y ropa futurista; expuso en numerosas exposiciones colectivas, especialmente en Umbría. En 1957 donó cinco de sus obras maestras a la ciudad de Perugia para formar el núcleo de la futura Galería de Arte Moderno y la ciudad organizó su primera retrospectiva. 
En 1974 tuvo lugar la gran antología de Trieste, con motivo de sus noventa años. 
Murió en Perugia en 1977.