Isabel McLaughlin

 

Isabel McLaughlin, pintora ( Oshawa, Ontario, 10 de octubre de 1903;  Toronto, 26 de noviembre de 2002). Importante artista  modernista  Canadiense preocupada por el diseño, el color brillante y el estudio del espacio tangible. 

Estudió en el Ontario College of Art y en París en 1929 y Viena en 1930, y dos veces con Hans Hofmann en el período 1947-52. Su desarrollo se caracterizó por una constante renovación de sí misma y por la conciencia de sus propias raíces. 

En 1939, McLaughlin fue elegida presidenta del Grupo Canadiense de Pintores, la primera mujer en encabezar una importante sociedad de arte canadiense. Fue galardonada con la Orden de Ontario en 1993.

Después de su muerte, sus archivos  fueron donados a la Universidad de Queen´s

Escuela Ashcan

                                                      George Luks

 Alrededor de 1900, un grupo de artistas realistas se diferenció y desafió a los impresionistas y académicos estadounidenses. El miembro más capacitado de este grupo fue Robert Henri, que había estudiado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania  con Thomas Anshutz. Después de pasar los años de 1888 a 1891 trabajando en la Académie Julian de París, Henri enseñó en la Escuela de Diseño para Mujeres en Filadelfia y dio clases privadas de arte en esa ciudad y sus alrededores y, durante sus visitas de regreso a Francia, en París y sus alrededores. A partir de 1892, Henri también se convirtió en mentor de cuatro ilustradores de Filadelfia : William James Glackens, George Luks, Everett Shinn  y John Sloan, quienes trabajaron juntos en varios periódicos locales y se reunían para estudiar, compartir estudios y viajar. Entre fines de 1896 y 1904, todos se mudaron a Nueva York, donde el propio Henri se instaló en 1900.

                                              French Sloan

             Henri y sus antiguos socios de Filadelfia formaron la primera generación de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. Una segunda generación estuvo formada por los estudiantes de Henri en Nueva York, de los cuales George Bellows fue el más devoto. El término Ashcan School fue sugerido por un dibujo de Bellows titulado Disappointments of the Ash Can , que apareció en el Philadelphia Record en abril de 1915; fue invocado por el dibujante Art Young en una crítica despectiva que apareció en el New York Sun en abril de 1916. Aunque los artistas de Ashcan no eran una "escuela" organizada y defendían estilos y temas algo variados, todos eran realistas urbanos que apoyaban el credo de Henri: "el arte por el bien de la vida", en lugar del "arte por el arte". También presentaron sus obras en varias exposiciones importantes de principios del siglo XX en Nueva York, incluida una exposición colectiva en el National Arts Club en 1904; la muestra histórica de The Eight en Macbeth Galleries en febrero de 1908, que incluyó a los cinco pintores principales de Ashcan School junto con Ernest Lawson, Maurice Prendergast  y Arthur B. Davies 

                         Robert Henri          

Tanto en sus pinturas como en sus ilustraciones, grabados y litografías , Henri y sus compañeros artistas de Ashcan se concentraron en retratar la vitalidad de Nueva York y registrar su lado sórdido, manteniendo un ojo atento a los acontecimientos actuales y la retórica social y política de su época. Estilísticamente, dependían de la paleta oscura y la pincelada gestual de Diego Velázquez , Frans Hals , Francisco de Goya , Honoré Daumier y realistas recientes como Wilhelm Leibl, Édouard Manet y Edgar Degas .. Preferían formas amplias y caligráficas, que podían reproducir "sobre la marcha" o de memoria, y así incorporar habilidades que la mayoría de ellos habían cultivado como ilustradores de periódicos. Aunque los artistas de Ashcan abogaban por la inmersión en la actualidad moderna, no eran ni críticos sociales ni reformadores y no pintaban propaganda radical. Si bien se identificaron con la vitalidad de las clases bajas y resolvieron registrar los aspectos funestos de la existencia urbana, ellos mismos llevaban vidas agradables de clase media, disfrutaban de los restaurantes y bares de Nueva York, su teatro y vodevil, y sus populares centros turísticos cercanos como Coney Island. Debido a que evitaron los disturbios civiles, las tensiones de clase y la arena de las calles, sus obras nunca son tan directas o inquietantes como las de sus contrapartes europeas o las imágenes reformistas de fotógrafos estadounidenses como Jacob Riis.

                                            George Wesley Bellows            

Los artistas de Ashcan documentaron selectivamente una época inquietante y de transición en la cultura estadounidense que estuvo marcada por la confianza y la duda, la emoción y la inquietud. Ignorando o registrando solo las nuevas y duras realidades, como los problemas de la inmigración y la pobreza urbana, arrojaron una luz positiva sobre su época. Junto con los impresionistas estadounidenses, los artistas de Ashcan definieron la vanguardia en los Estados Unidos hasta que el Armory Show de 1913 presentó al público estadounidense las obras de los verdaderos modernistas Henri Matisse , Pablo Picasso , Marcel Duchamp ., y otros. Henri y la mayoría de sus colegas de Ashcan continuaron pintando, incluso en la década de 1940, en el caso de Sloan y Shinn. Aunque su creatividad decayó y su carácter pionero se desvaneció, infundieron algunos de sus últimos lienzos con su vigor anterior.

The Metropolitan Museum of Art

El constructivismo ruso

                                                 El Lissitzky

 El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. ... Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.

                                               Liubov Popova

 El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.

    

                                                  Tatlin

Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.

                        Alexander Rodchenko

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…

Sándor Bortnyik

 Sándor Bortnyik representó un importante papel en el desarrollo de la vanguardia húngara. Desde 1913 estudió en Budapest y se sintió atraído por el estilo pictórico de los fauves hasta que, en 1915, conoció a Lajos Kassák, editor de MA, que le introdujo en el grupo de colaboradores de la revista.

En 1919, tras el derrocamiento del breve régimen comunista de Béla Kun y la invasión de las tropas rumanas, Bortnyik y otros artistas ligados a MA se vieron obligados a abandonar Budapest. Se instaló en Viena, y posteriormente vivió en Weimar entre 1922 y 1924. Sus estrechos contactos con la Bauhaus y con los movimientos constructivistas del momento dieron lugar a unas obras no figurativas con una fuerte preponderancia de lo arquitectónico. A pesar de ello, Bortnyik se negó a ser identificado con la Bauhaus. Durante esta época, también trabajó en Kassa (hoy Kosice, Eslovaquia) y en Berlín, donde en 1922 la galería Der Sturm celebró una exposición de su obra. A partir de 1924 comenzó a interesarse por la representación de escenas de talante satírico en las que, conservando el carácter geométrico anterior, aparecían figuras enmarcadas en extrañas arquitecturas.

En 1925 regresó a Hungría. Allí volvió a dedicarse al diseño de carteles, actividad que había practicado durante sus primeros años, y montó un taller al que asistió, entre otros, Victor Vasarely y que cerró en 1938 por problemas económicos. A mediados de la década de los años treinta, Bortnyik volvió a retomar la pintura influido por un grupo de artistas socialistas formado en Budapest en 1934. Durante los años siguientes fue promotor de la publicación de diversos libros y revistas y profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Budapest. Al final de su vida, la Galería Nacional de Budapest organizó una exposición retrospectiva en la que se reconocía la trayectoria de Bortnyik como artista.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Yurii Annenkov

Petropavlovsk, 1889-París, 1974

Nacido en Siberia, lugar en el que su familia se había exiliado, Yurii Annenkov se trasladó a San Petersburgo durante su infancia. Desde 1908 estudió en la universidad y asistió a los talleres de Savely Zeidenberg y de Yan Tsyonglinsky, donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Matvey Vol’demar y Mijaíl Matyushin. Entre 1911 y 1912 Annenkov residió en París y trabajó en el estudio de Maurice Denis y en el de Félix Vallotton.

En 1913 regresó a San Petersburgo, donde evolucionó rápidamente hacia la abstracción, si bien no se asoció con ningún grupo artístico en concreto y continuó manteniendo cierta predilección por lo decorativo. Desde 1919 se interesó por el collage, medio en el que realizaría un gran número de obras, y desarrolló una intensa actividad como ilustrador tanto de revistas, como Satirikon o Argus, como de libros de temas variados, entre los que destaca el poema revolucionario de Alexander Blok «Dvenadtsat» (Los Doce, San Petersburgo, 1918). Paralelamente se dedicó a la realización de retratos en los que combinaba el interés por el físico del retratado con una fragmentación del espacio pictórico deudora del cubismo y el constructivismo. Entre los retratos que realizó en esta época figuran personalidades como León Trotsky.

Annenkov dirigió el resurgimiento del grupo Mundo del Arte entre 1922 y 1924 y colaboró en el establecimiento de la Sociedad de Pintores de Caballete. Diseñó puestas de escena teatrales en Moscú y Petrogrado (hoy San Petersburgo) y las celebraciones de 1920 para conmemorar la Revolución de 1917 en las calles de Petrogrado y la escenificación de la toma del Palacio de Invierno en un espectáculo en el que intervinieron alrededor de siete mil actores. Desde 1924 residió en París, donde continuó su actividad como escenógrafo.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Michael Andrews

 Norwich, 1928-Londres, 1995

Michael Andrews ocupa un importante lugar entre los artistas británicos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra, de factura minuciosa y lenta, ha sido vinculada a la Escuela de Londres, que aglutinó a un grupo heterogéneo de artistas que compartían un interés por la representación de la figura humana y un rechazo tajante de la tradición naturalista académica.

De educación metodista estricta, Andrews estudió en la Slade School of Art de Londres en 1947 y, de nuevo tras cumplir el servicio militar, entre 1949 y 1953. Allí fue discípulo de William Coldstream, artista realista vinculado a la Euston Road School, que le instruyó en la importancia de copiar del natural, y recibió clases de Lucian Freud. Desde sus primeros pasos como pintor, sus obras se caracterizaron por la preocupación por llegar al virtuosismo técnico y la representación de los estados de ánimo y las diferentes formas de comportamiento.

A las pinturas de escenas familiares de la década de 1950 siguió la representación de fiestas de los años sesenta en las que, junto a sus amigos, incorporaba imágenes procedentes de los medios de comunicación, la moda o el mundo del cine o la música pop. En 1959 comenzó su actividad docente en la Norwich School of Art que después continuó en la Chelsea School of Art y la Slade School of Art.

En 1966 firmó un contrato con la Marlborough Gallery, algo que ya habían hecho previamente Francis Bacon y Lucian Freud y desde entonces se dedicó únicamente a la pintura y comenzó los estudios para su serie Luces. En esta serie experimentó con la pintura acrílica y con el uso de la pistola, con las que conseguía superficies en las que no intervenía la mano del artista, en las que la luz adquiría una relevancia trascendente. La exploración de la naturaleza como experiencia liberadora fue en aumento en las pinturas y acuarelas realizadas durante su viaje a Australia y sus numerosas visitas a Escocia y continuó como constante hasta el final de sus días.

 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza