martes, 25 de abril de 2017

Richard Diebenkorn





 1922 –  1993
Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.

Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.

En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas en su pintura.

Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.

Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.


En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.
Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.
La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.

Información EL PAIS

lunes, 24 de abril de 2017

Christian Schloe




Christian Schloe es un artista austriaco que le gusta combinar la pintura con la ilustración y la fotografía. Todo puede ocurrir en su mundo creativo que con un toque de surrealismo parece representar sueños del universo.

Sus cuadros de una belleza peculiar, conectan la realidad con la imaginación.

 Los personajes de sus obras llevan vestidos victorianos, sombreros de copa e incluso princesas de los libros de cuentos infantiles.

No se sabe mucho sobre él, solo que comenzó con su carrera  artística hace poco tiempo



viernes, 21 de abril de 2017

Alberto ARRUE



Pintor vizcaíno nacido en Abando (Bilbao) el 3 de febrero de 1878 y fallecido en su ciudad natal en 8 de abril de 1944.
 Hermano de José, Ricardo y Ramiro. Se inició en las artes aprendiendo dibujo con Antonio María Lecuona, completando sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios. Los maestros Guinea y Arámburu le enseñaron los secretos del oficio. En 1894 fue pensionado por la señora Viuda de Epalza, cursando estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, bajo la experta dirección del pintor Moreno Carbonero y otros prestigiosos artistas de las Bellas Artes. En su decidido afán de conseguir nuevos conocimientos de pintura viajó por diferentes países: Roma, París, Marsella, Londres, Burdeos, República Argentina, etc. En Roma instaló un taller de pintura, donde realizó algunas de sus más destacadas obras, al mismo tiempo que trabajaba en la Academia fundada por la Associazione Artística Internazionale.

Como notable reproductor de escenas y costumbres del País Vasco, Alberto Arrúe ha sido considerado por la crítica como uno de los más firmes y prestigiosos pintores de nuestro país. Concurrió un par de veces a las Exposiciones Nacionales -bienales- que se celebraban en Madrid en el parque de El Retiro. Parece ser que al pintor le pusieron la zancadilla, ya que sus obras fueron colocadas en la llamada sala del crimen; esta injusticia determinó que el pintor no acudiese más a tales exposiciones. Las exposiciones más interesantes celebradas por el pintor son las siguientes: Exposición Nacional de Bellas Artes (Madrid, 1901 y 1904); IV Exposición de Arte Moderno Bilbao, 1906); Exposición Hispano Francesa (seleccionado en Zaragoza en 1919); Primera Exposición de Pintura y Escultura (Bilbao, 1919); Exposición de Pintura Española (Londres, 1920); Exposición con sus hermanos Ricardo y José en Burdeos en 1920; Exposición en Buenos Aires en 1922; y otra exposición con sus hermanos Ramiro y José en Buenos Aires en 1928; Exposición personal en Bilbao en 1943. Sus obras más representativas podrían ser: Retrato de Tomás Meabe, Retrato de Juan de la Encina, La vuelta de la romería, Caridad, Pescadores vizcaínos, Lola, Fray Juan de Zumárraga (efigie, que le encargó la Diputación de Bizkaia para la Galería de Vascongados ilustres de la Casa de Juntas de Guernica), Aldeanos de Arratio (que se encuentra en la colección de la Diputación de Bizkaia) y Pescadora (propiedad del Museo Provincial de Vitoria).
 

Auñamendi Eusko Entziklopedia

jueves, 20 de abril de 2017

Milt Kobayashi




Nació en Nueva York pero pronto se trasladó a  Oahu, Hawaii con su familia. A los ocho años se fue a Los Angeles. Despues de graduarse en la Universidad de California, en 1970, comenzó a trabajar como ilustrador.  En 1977 volvió a Nueva York y al visitar el Museo Metropolitano su carrera artística cambió al ver un retrato de Juan de Pareja de Velazquez
 
 Comenzó a estudiar la obra de Whistler, Chase y Sargent, que tenían ifluencias de Velazquez. Luego estudió la pintura japonesa del siglo XVI y XVII. La perspectiva del arte japonés le proporcionó armonía en el color, composición y dibujo


Kobayashi ha recibido dos premios importantes:El National Academy of Design's Ranger Purchased Award y el  Allied Arts Silver Medal. Su obra ha aparecido en  las revistas Forbes, Fortune y Reader´s Digest

miércoles, 19 de abril de 2017

Raúl Soldi



Raúl Soldi (1905-1994) nació en Buenos Aires.  Inició sus estudios de arte en  la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina. A los 18 años viajó a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923 y despues se trasladó a Italia ingresando a la Academia Brera, de Milán, en 1924.


Regreso a la Argentina  en 1933 y becado por la Comisión Nacional de Cultura recorrió los Estados Unidos.  Hacia 1935 comenzó a trabajar como escenógrafo  para Argentina Sono Films, donde realizó más de 600 escenografías para las más exitosas películas argentinas, tarea que desempeñará hasta mediados de la década del 50 aproximadamente. Esta actividad, con la que se sustentaba, le suponía largas jornadas, volvía a su hogar a las 18 horas y pintaba con la pequeña iluminación de una lámpara de 25 watts. Por eso los críticos llaman a ese periodo como el rosa del autor.  En sus primeras exposiciones en Argentina, presenta obras oníricas,  “período amarillo”, por la recurrencia de este color en sus pinturas, debido tal vez a la luz artificial con la que pintaba.

  La figuración en Soldi no responde a  un canon académico, en  sus figuras de circo, bodegones e iconografía cristiana suenan influencias  picassianas.


Desde los años 50 y hasta mediados de los 70 abundan los colores azules, por lo que estos años se engloban en el denominado “período azul”. Es la época de las grandes obras de Soldi, donde él ya puede vivir de su pintura.
En 1953 comienza la que va a ser una de sus obras mayores: la decoración de los muros de la Parroquia de Santa Ana en Glew (provincia de Buenos Aires), e ilustró numerosos libros de poesía y de música. Durante más de 20 años trabajará en estos frescos, cubriendo  250 metros cuadrados y empleando más de 60 figuras. Se trata de escenificaciones de la vida de Santa Ana, para las que Soldi recurre a numerosas referencias a Glew y su entorno.


En la década del 60  Soldi pinta el techo del  teatro Colón. El 25 de mayo de 1966 se inauguró el conjunto de dieciséis paneles de pintura sobre tela que Soldi concibió y ejecutó para decorar la cúpula. Denominada “Alegoría a la música, al canto y al baile”,  cincuenta y una figuras cubren casi 318 metros cuadrados.
Entre finales de los años 70 y los 90,  el denominado “período blanco”, en el que su paleta se aclara, constituyendo el blanco un color recurrente.
En 1979 el pintor crea la Fundación Soldi, a la que dona las que considera sus 60 mejores obras.  En 1982 abre sus puertas en la casa que fuera su residencia veraniega en Glew.

lunes, 17 de abril de 2017

XOSÉ GUILLERMO


Nací en Carballo, Coruña, en 1947. Mi vida ha estado vinculada a la ciudad de Vigo. Fui becado por la Diputación de Pontevedra, para estudiar bellas artes. Siempre viví de y para la pintura. Desde hace veinte años desarrollo mi actividad en una Fundación que se llama "FUNDICION NAUTILUS". Tal vez porque fundimos en una actividad conjunta, artes como Pintura, Escultura, Música, Fotografía, Literatura.... El trabajo en la "Fundi" en sus sedes de Vigo y Granada se alternó con exposiciones e intervenciones más o menos submarinas, pues los componentes de la "Fundición Nautilus" nos desarrollamos mejor en los líquidos.

El artista falleció a los 61 años el 16 de febrero de 2009, dejando en la memoria colectiva de la ciudad su revulsivo cultural en plena Movida que le llevó a fundar años más tarde la Fundición Nautilus

jueves, 13 de abril de 2017

Malcolm T. Liepke



Malcom T. Liepke – ( 1954) Pintor americano. Estudió en Art Center College of Design en Pasadena y durante la última década  ha contribuído al resurgimiento de la pintura figurativa. 
Se trasladó a Nueva York y comenzó a estudiar artistas como
 John Singer Sargent, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Diego Velázquez, James McNeill Whistler y Édouard Vuillard. 

Su obra ha aparecido en portadas de    Time, Newsweek, Forbes y Fortune y ahora figura en la colección del  Smithsonian Institution  y en el  Brooklyn Museum. Ha expuesto en  Pastel Society of America, the American Watercolor Society, National Academy of Design  y en el   National Arts Club. 

Es compañero de  Milt Kobayashi y ambos tienen un estilo muy parecido

miércoles, 12 de abril de 2017

Michael Carson




 Michael Carson nació en  1972 en Minneapolis. USA. Se  graduó en el Instituto de Arte y Dibujo  de Minneapolis.  Trabajó como artista gráfico y comenzo a pintar en  2001.


Influenciado por Toulouise Loutrec, John Singer Sargent, Norman Rockwell, Malcolm Liepke, y  Milt Kobayashi, Michael Carson es esencialmente un artista figurativo al que le gusta contar una historia. Sus personajes se encuentran en bares, nightclubs,  cafés y clubs de jazz, incluso en casa y en situaciones íntimas.

Le gusta enfatizar las relaciones con color y luz . Ha expuesto en Minneapolis desde 2003   hasta  2006 y ha participado en varias exposiciones colectivas.

lunes, 10 de abril de 2017

PEDRO CAMPOS



Pedro Campos   pintor nacido en Madrid en  1966. Se formó en la Escuela Oficial de Conservación y Restauración de Obras de Arte de Madrid. Antes de dedicarse exclusivamente a la pintura hiperrrealista fue ilustrador en importantes agencias.

En 1998 comenzó a pintar objetos simples de la vida cotidiana con impresionante veracidad, tanto que muchos al mirarlas pensaban que eran fotografías.

Sus cuadros, al óleo sobre tela, se han expuesto en toda España y en algunos sitios de los Estados Unidos y de Gran Bretaña


“Creo que la influencia de la restauración en el desarrollo de mi estilo ha sido importante […] (Por ejemplo) La restauración de áreas perdidas en pinturas antiguas, te obliga a buscar exactitud en el color: cualquier intervención personal debe pasar desapercibida.” Comenta Pedro.