lunes, 30 de mayo de 2011

Azade KÖKER,





Azade Köker nació en Estambuel en 1949. Se graduó en la · "Istanbul State Academy of Fine Art" en 1971. Continuó sus entudios en la escuela de bellas artes de Berlin, en el departamentos de diseño industrial y despues escultura en la misma universidad. En 1978, abriò su propio estudio en Berlin. Desde 1992, ha dado clases en varias universidades en Alemania. Hoy en día es catedrática en la Braunschweig Technical University. Realizó sus primeras exposiciones en 1980 en Hannover, Düsseldorf y Stuttgart. Ha exhibido sus obras en Alemania, Turquía y en muchos otros países

turkish culture

Bruce Nauman







Fort Wayne (California), 1941


Artista estadounidense.
Comienza a estudiar matemáticas, física y arte en la University of Wisconsin en 1961. Su obra se desarrolla sin privilegiar un estilo en particular; juega con el arte conceptual y en particular con el body art, tras haber atravesado una fase de funk art, y a lo largo de su carrera ha realizado esculturas, performances, obra gráfica y vídeos. Su trabajo versa sobre una reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo el arte el proceso de una experiencia vivida en el presente por el artista, el espectador o por un tercero. Desde 1966 emplea con regularidad el neón, como contrapunto lingüístico a las piezas escultóricas, y entre 1968 y 1971 crea environments que proyectan sobre una pantalla la imagen de los que participan. Su trabajo ha sido expuesto en múltiples exposiciones colectivas y entre sus individuales destacan: Whitechapel Art Gallery de Londres (1987), Museum of Contemporary Art de Los Angeles (MOCA) (1995), Museum Ludwig de Colonia (2003), entre otras.

Mas de Arte

domingo, 29 de mayo de 2011

Peter Fischli y David Weiss


En 1987, los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss construyeron una estructura enorme (de unos 100 pies) con artículos cotidianos. Usando fuego, agua, gravedad, y química, crearon una reacción en cadena (Rube Goldberg) de interacciones físicas y químicas reproduciendo una especie de caos exacto hecho a mano. The Way Things Go



Peter Fischli y David Weiss se conocieron en el año 1977. La primera obra en colaboración de los artistas se remonta al año 1979, la serie de fotografías Wurstserie (Serie de las salchichas) donde ya se presagiaban algunas claves de sus trabajos posteriores. Han empleado medios diversos como el cine, el vídeo, la escultura, las instalaciones y la fotografía. Además de las distintas disciplinas y materiales su trabajo abarca una enorme variedad visual y conceptual. Abunda la utilización de objetos cotidianos e impresiones recogidas en su entorno junto con la alteración y transformación de la realidad.

Las distintas personalidades de los artistas son complementarias. El aspecto más pasivo, melancólico e incluso pesimista de David Weiss se equilibra con el nerviosismo, la energía, y la curiosidad hiperactiva de Peter Fischli. El resultado de esta conjunción de personalidades ha sido un trabajo marcado por la ironía y el escepticismo, pero también la sinceridad.


Su obra, aderezada con inteligentes dosis de ingenio y de sentido del humor, reivindica una normalidad sutilmente traspasada por algo mágico. El uso del humor y de los estereotipos, la mezcla de distintas categorías y sistemas de orden, el cuestionamiento de la realidad y un escepticismo frente a lo establecido, son recurrentes en sus trabajos. Rozando algunas ocasiones el absurdo, lo más anodino y corriente de la vida queda captado en sus obras, en un intento de legitimación donde se cuestiona no sólo lo que ha llegado a ser el arte hoy, sino también, nuestro papel como espectadores al aceptar todo lo que se nos ofrece.


Otro rasgo característico de su obra es su gusto por lo manual, el artesanal bricolaje casero (poco aceptado o consensuado dentro del mundo del arte) y de los materiales pobres. Esto se refleja en muchas de sus obras, por ejemplo en Plötzlich diese Übersicht (De repente, esta visión general) (1981-2006) mediante la que Fischli y Weiss representan una historia del mundo a través de cientos de pequeñas esculturas de arcilla, que ellos mismos realizaron manualmente, así como en la serie fotográfica Stiller Nachmittag (Tarde tranquila, 1985) y en Der Lauf der Dinge (El rumbo de las cosas, 1987).


Durante estos treinta años de trabajo, los artistas han desarrollado distintas series y grupos de obras a los que han dedicado largos periodos de tiempo, surgidas del análisis de lo cotidiano. Siguiendo este método de trabajo han creado por ejemplo: las series fotográfias Bilder, Ansichten (Imágenes, Vistas, 1991), Siedlungen, Agglomeration (Urbanizaciones, Suburbios, 1993), Airports (Aeropuertos, 1990), todas ellas incluídas en su monumental Sichtbare Welt (Mundo Visible, 1987-2000), Flowers and Mushrooms (1997-1998), así como las diferentes obras realizadas que incluyen réplicas de objetos de poliuretano tallados y pintados a mano o la serie Fotografías (2004-2005).



Una buena muestra del uso de objetos cotidianos es la célebre película Der Lauf der Dinge (El rumbo de las cosas)(1987) con la que Fischli y Weiss se dieron a conocer en la octava edición de la Documenta de Kassel. Esta obra, auténtica filigrana del arte cinético, ofrece un interminable encadenamiento de causas y efectos que provocan el movimiento de diversos objetos. Con ella, el espectador rememora los experimentos de la infancia en la escuela, aquellos que tenían que ver con reacciones químicas y leyes de la física: poleas, circuitos, rampas... El tragicómico efecto dominó de Der Lauf der Dinge ha sido visto por algunos críticos como una metáfora en miniatura del funcionamiento de nuestro propio mundo, en el que la energía, lejos de destruirse, reaparece transfigurada en asombrosas manifestaciones.

El trabajo de estos dos artistas, ha suscitado un vivo interés por parte de la crítica especializada y destacados pensadores y comisarios de la altura de Arthur C. Danto, Germano Celant, Daniel Birnbaum o Hans-Ulrich Obrist. Con respecto a sus influencias se les puede relacionar con el espíritu legado del dadaísmo, su obra está emparentada con la de Francis Picabia, Dieter Roth, Jean Tinguely, Sigmar Polke y en general, con la tradición duchampiana.



Su trabajo está presente en las principales colecciones internacionales de arte y ha sido objeto de importantes exposiciones tanto individuales como colectivas en muchos de lo más importantes museos del mundo tales como la Tate Modern, el MoMA, el Guggenheim Museum, el Centro Georges Pompidou, Walker Art Center, etc. Desde su participación en la octava edición de la Documenta de Kassel en el año 1987, es cuando los artistas empiezan a ser conocidos internacionalmente, su presencia no ha cesado de aumentar en los más importantes eventos, centros y museos de arte del mundo. Por citar sólo algunos: han representado a Suiza en la Bienal de Venecia en 1995 y en 2003, cuando obtuvieron el León de Oro a la mejor obra. Y entre 2006 y 2008 su exposición retrospectiva (Peter Fischli / David Weiss: Flores y preguntas. Una retospectiva) ha itinerado por la Tate Modern de Londres, el Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, el Kunsthaus de Zurich, la Fondazione Nicola Trussardi de Milán y el Deichtorhallen de Hamburgo.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
www.museoreinasofia.es

Ugo Rondinone










Ugo Rondinone (Brunnen, Suiza, 1963) artista plástico suizo afincado en Nueva York. Emplea diversos soportes y su obra se caracteriza por explorar la fantasía y el deseo. En buena parte de sus trabajos fuerza al espectador a meditar sobre unas obras de colores muy brillantes o borrosos, o bien anillos concéntricos en forma de objetivos, o bien sus paisajes en blanco y negro de árboles nudosos que parecen erizarse con energía.



Sus signos en forma de grandes arcoíris son enigmáticamente seductores con sus concisos mensajes de tipo: "Hell, Yes" o "Our Magic Hour". Tales signos y mensajes parecen apuntar a ciertos aspectos ocultos de nuestra realidad e historia. Uno de tales mesajes, "Dog Days are Over" proclama un periodo de confusión, pero no aclara cual es tal periodo. Los mensajes-signos son encapsulados y expresan un deseo colectivo innombrado y a su vez inspira uno nuevo: para entender, por ejemplo, por que esta hora es mágica.



Rondinone estudió en la Hochschule fur angewandte Kunst de Viena, de 1986 a 1990. Ha realizado exposiciones individuales en el Kunsthalle de Viena, en el Musac de León, en el Museo de Arte Contemporáneo de Louisiana, en el Humlebaek de Dinamarca, en el Sculpture Center de Nueva York. En 2007 represento a Suiza en la Bienal de Venecia. Sus obras se hallan representadas en el Museum of Contemporary Art de Nueva York. Es pareja del poeta beat John Giorno.


Referencias

Rondinone, Ugo. No How On. New York: Distributed Art Publishers, 2002.

Tarsia, Andrea. Ugo Rondinone—zero built a nest in my navel. Londres: Whitechapel Art Gallery, 2005.

Urs Fischer













Con un golpe seco, la lengua se asoma de pronto por un orificio toscamente abierto en la pared replegándose después con igual celeridad a su oscuridad inicial. Me tienta, por un momento, dejarme besar por ella, pero dudo que el New Museum neoyorquino me lo permita. Cerca, una media luna cuelga de un hilo de pescar. La luna es un cruasán con una mariposa posada sobre él. Si te inclinas podrías hincarle el diente, pero el efecto se resentiría...

EL CULTURAL




"Lamp/Bear" de Urs Fischer se expondrá y venderá por $10 millones
EFE | Nueva York

La monumental escultura en bronce pintada de amarillo que muestra un oso de peluche bajo una lámpara, "Untitled Lamp/Bear" de Urs Fischer, se expondrá en el centro de Nueva York durante varios meses y será vendida por Christies en su próxima subasta de arte de postguerra y contemporáneo.

Estimada en más de 10 millones de dólares, es una escultura de siete metros de altura y que es considerada como uno de los trabajos más destacados del arte contemporáneo, creada entre 2005 y 2006 por el artista suizo que vive en Nueva York.


Urs Fischer ( 1973) Es un artista contemporaneo suizo


Sus instalaciones y esculturas se han exhibido en bienales de todo el mundo, incluyendo Manifesta y la Venice Biennale

jueves, 26 de mayo de 2011

Joan Abelló i Prat



Joan Abelló i Prat (Mollet del Vallés (Barcelona), 26 de diciembre de 1922 — Barcelona, 25 de diciembre de 2008).

Desde joven se inicia en el mundo de la pintura. En su período formativo se inicia con Pere Pruna y Carles Pellicer, y la influencia a través de las obras que Joaquim Mir había realizado en Mollet del Vallés.

Como muchos artistas del siglo XX, Abelló pasa por Londres, Bélgica, Isla de Man, París... Los años 60 vuelve a Mollet, donde se interesa de nuevo por los paisajes del Vallés y del Mediterráneo, pero no abandona los grandes viajes por Europa, África, Costa de Marfil, Marruecos o Brasil. En paralelo, Abelló desarrolla la pasión por el coleccionismo.


El año 1996 dona al Ayuntamiento de Mollet su fondo de arte y se crea la Fundación Municipal Joan Abelló, que inaugura el Museo Abelló en marzo de 1999, emplazado en un edificio modernista de 1908 y convertido en un espacio moderno y funcional. Anexo al museo se encuentra una casa antigua en la calle Lluís Duran, donde Abelló nació, unida a otras casas vecinas que el pintor había ido comprando para dar cabida a las obras de arte y los objetos que adquiría y que se fueron convirtiendo en la Casa Museo del pintor.

miércoles, 25 de mayo de 2011

Larry Zox



Lawrence "Larry" Zox - 1937 - 2006- fue un pintor y grabador estadounidense. Se clasifica como expresionista abstracto lírico.

Zox nació en Des Moines, pero se mudó a Nueva York a una edad temprana. Alli vivió una vida artística, moviendose en círculos de muchos nombres destacados en el mundo del arte. En los últimos años se había trasladado a su segundo hogar en Colchester, Connecticut . Zox fue considerado un artista abstracto pero el a menudo de describía como un colorista .

Zox recibió estudió en la Universidad de Oklahoma y en la Universidad de Drake . Estudió con George Grosz en el Des Moines Art Center. Fue galardonado con una beca Guggenheim y recibió becas del National Council of the Arts y de la Esther and Adolph Gottlieb Foundation. Fue artista residene en la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro, Dartmouth College, y en la universidad de Yale.



Su obra ha sido expuesta en muchas muestras colectivas e individuales incluyendo el Whitney Museum of American Art ( Nueva York ), el Museo de Arte Moderno (Nueva York); Albright-Knox Art Gallery ( Buffalo, Nueva York ), Art Institute de Chicago ; Museo de Bellas Artes de Boston , y del Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York). En los últimos años su obra ha sido expuesta en la Galería Stephen Haller en la ciudad de Nueva York y Rocket Gallery, Londres.

Su obra tambien figura en las siguientes colecciones: Empire State Plaza Colección, Albany , Dallas Museo de Bellas Artes, Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas , Washington, DC , Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Museo de Bellas Artes de Houston , Museo de Bellas Artes de Boston , Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York), y el Whitney Museum of American Art (Nueva York).



References

^ Yvonne Sewall-Ruskin, High on Rebellion Inside the Underground at Max's Kansas City (1998), p.42, ISBN 1-56025-183-2

martes, 24 de mayo de 2011

Giorgio Morandi

ImagoOrbis nos ha enviado este video- GRACIAS

Gracias Ines por el video! very good! if you're still interested in Morandi's art, we suggest you to check out the trailer for our documentary "La polvere di Morandi" (Giorgio Morandi's Dust) that you'll find on our channel. We're an indipendent Italian movie studio and we would really appreciate any feedback :) ciao!





Giorgio Morandi (Bolonia, 20 de junio de 1890 - 18 de junio de 1964) fue un pintor italiano, considerado uno de los mejores del siglo XX de su país.


Nació en el seno de una familia en la que compartió espacio con otros siete hermanos. En [[1907], tras un breve periodo laboral en la misma empresa en la que trabajaba su padre, recibió instrucción artística en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En un viaje que realizó por esa época a Florencia, descubrió la obra de los primitivos renacentistas italianos, Giotto, Masaccio y Uccello, a los que estudió siguiendo el prisma cezanesco (por Paul Cézanne), artista a quien había descubierto poco tiempo antes.

En un primer momento siguió a los futuristas y al movimiento Novecento italiano, tras establecer contacto con Boccioni y Carrà, siendo invitado a participar en la exposición futurista celebrada en el Palacio Baglioni de Bolonia, y en la muestra Libera Futurista de Roma. Tras su amistad con Giorgio de Chirico su obra comenzó a influenciarse por la de este. En 1927 particìpó en la primera exposición del movimiento novecentista, vinculado con el régimen de Mussolini. Poco a poco su estilo fue definiéndose e independizándose del De Chirico. Parte esencial de su iconografía comenzaron a ser los utensilios de la vida diría: vasos, botellas, etc. Dichos objetos, colocados sobre una mesa, se convertían en los máximos protagonistas de sus cuadros. Seguía así a su admirado Cézanne en la elección de los bodegones sencillos como medio de expresión de su pintura.

En 1945 se celebró su primera exposición individual, en la galería Fiore de Florencia. Entre 1930 y 1956 Morandi fue profesor de grabado en aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1948 fue premiado con el primer premio en la Bienal de Venecia. Visitó por primera vez París en 1956, siendo galardonado al año siguiente con el gran premio en la Bienal de Sao Paulo.

En 1960 el director Federico Fellini rendiría tributo a Morandi en su largometraje La Dolce Vita, donde aparecían algunas de sus pinturas.

Giorgio Morandi fallecería en 1964 en su ciudad natal. En el año 2001 el Museo Morandi abriría sus puertas en una sección del Palazzo d'Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

Ono Tadashige



Ono, Tadashige (1909 - 1990)

Tadashige Ono nació en Tokio. Como miembro fundador de Shin Hanga Shûdan, lideró siempre la causa del arte para las masas. Aparte de eso ha contribuido significativamente a la teoría de la historia de Hanga: escribió un manual de las técnicas de impresión en 1960. Fue profesor eventual en varias universidades en Japón.

Su paleta es sombría:utiliza pigmentos marrones y grises. Sus temas expresan a menudo su preocupación social. Sus primeros grabados estaban rudamente grabados para expresar el sentimiento que hanga era para las masas.

Fue ya famoso para un grupo relativamente pequeño de coleccionistas durante su vida, pero su reputación subió como la espuma despues de su muerte, y ahora su obra tiene una gran demanda.

El efecto especial de los colores en sus grabados, especialmente en los posteriores a la década de 1950, consiguen imprimir la luz, los colores opacos y semi transparentes sobre superficies oscuras. Esta técnica se conoce como "inkoku tashoku-zuri mokuhan" (colour negative woodblock printing).

Saru Gallery

lunes, 23 de mayo de 2011

Kiyoshi Saitô


Kiyoshi Saitô (1907-1997)
Kiyoshi Saito nació en 1907 en Bange, un pequeño pueblo en el distrito de Kawanuma, prefectura de Fukushima, en la parte norte de Honshu, la más importante isla japonesa. Cuando tenía cinco años, su padre se arruinó en Fukushima y la familia se trasladó a la isla de Hokkaido, donde su padre trabajó en las minas de carbón en Otaru. Cuando Kiyoshi Saito tenía 13 años su madre murió y fue enviado a un tempolo budista. Intentó escapar pero no pudo, despues los sacerdotes le dejaron volver a casa.

Saito despues se fue a Hokkaido para aprender pintura. En aquella época soñaba con convertirse en un pintor famoso y comenzó a pintar por las noches. Cuando cumplió 20 años empezó a vender cuadros, lo que le permitia tener unos ingresos seguros, aunque modestos. Sin embargo abandonó todo para ir a estudiar arte en Tokio.



En una visita a Tokio en 1932, decidió rendirse a la vida de la gran ciudad. Primero trabajó como cartelista y luego desde 1944 hasta 1954 trabajó como empleado en un periodico de la compañia Asahi. Saito conocio a su amigo Shiko Munakata en el trabajo y decidió aprender la técnica del grabado en madera y quedó impresionado por el pintor Yasui Sotaro (1888-1955).

Saito continuó pintando con óleo al mismo tiempo que aprendía a grabar. En 1937 presentó sus trabajos en ambas técnicas en la famosa exposición Kokugakai y fue muy felicitado. Cuando conoció a Ono Tadashige en una exposición en Ginza en 1939, se convirtió en miembro de su grupo de artistas (anteriores al grupo Sosaku Hanga). Allí descubrió las posibilidades de la estampacion en multiples colores y su estilo personal comenzó a tomar forma.



La amistad con Koshiro Onchi pronto le abrió las puertas de famosas galerías, en las cuales la mayoría de coleccionistas americanos se interesaron por su obra. Kiyoshi Saito se convirtió en el grabador japonés mas productivo, cuyas ediciones pronto abarcaron el mercado mundial. Los artistas Sosaku Hanga fueron, sin embargo, despreciados en el mundo del arte japones porque sus obras se consideraban una concesión a los gustos americanos.

Pero esto cambió de repente en 1951 en la Bienal de Sao Paulo, cuando unos jueces concedieron premios a dos de los artistas Hanga: a los grabados de Tetsuro Komai y a Kiyoshi Saito. El mundo del arte japonés se quedó asombrado.


A partir de ese momento la obra de Saito fue exhibida en todas partes y figura en las colecciones más famosas. Empezó a trabajar tambien como ilustrador en periodicos y como diseñador gráfico.

En la obra de Kiyoshi Saito were se nota la herencia cultural del norte de Japón. Una cierta cencilla brusquedad arcaica, mezclada con una abstracción expresionista le da un sentido de impresión contemporánea. Saito conserva las técnicas tradicionales japonesas pero las conecta con los principios geométricos dimensionales modernos.

Bibliography

- 50th CWAJ PRINT SHOW, official Catalogue, Tokyo, 2005.
- Mary & Norman Tolman, Collecting Modern Japanese Prints Then & Now, Charles E.Tuttle Company, Tokyo, 1994.
- Blakemore, Frances, Who's Who in Modern Japanese Prints, New York and Tokyo, Weatherhill, 1975.
- Statler, Oliver, Modern Japanese Prints: An Art Reborn, Tokyo; Tuttle, 1959.