jueves, 31 de octubre de 2013

Joaquim Sunyer i de Miró





Joaquim Sunyer i de Miró (18741956) Sitges, Garraf     es uno de los, más representativos pintores catalanes de este siglo. Su obra representa, al decir de algunos expertos, un puente entre la pintura noucentista catalana representada por Isidre Nonell y las corrientes del constructivismo cubista, que él mismo cultivó en la década de los veinte. Posteriormente, Sunyer evolucionó desde el noucentisme catalán y el postimpresionismo hasta formas más simplificadas y luminosidades más claras, en la línea de Cézanne.

información EL PAIS

miércoles, 30 de octubre de 2013

Peter Lanyon







  Peter Lanyon-1018-1964 Fue un pintor y escultor británico, nacido en Cornualles


 Peter Lanyon es cada vez más reconocido  como una de las figuras más importantes e  innovadores en el arte británico del siglo XX.
Lanyon fue el máximo exponente del expresionismo abstracto en Gran Bretaña en la década de 1950. Junto con sus contemporáneos en América y Europa, desarrolló un nuevo lenguaje para la pintura con su inigualable experimentación formal y técnica. Aunque sus raíces estaban en el constructivismo de Naum Gabo,  encontró como  rehacer la tradición de la pintura de paisaje, utilizando el  paisaje y los sitios  para expresar ideas sobre los estados de ánimo  y de  la condición humana.
Estudios y exhibiciones de arte de Lanyon se  han centrado a menudo en los lugares y experiencias de las que se dice que derivan  sus obras. 





Lunch at Chapel, Kerris, August 1958

As seated round table clockwise starting bottom 

centre:
June Feiler, Helen, Christine (hidden) and Anthony
Feiler, Peter Lanyon, Marie Miles, Mell Rothko, 
Mark Rothko and Terry Frost
Photograph: Paul Feiler

MANOLO HUGUÉ



 Manolo Hugue - El Picador
Manuel Martínez Hugué (1872-1945) fue un pintor y escultor español, destacado representante del novecentismo catalán de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Es ampliamente citado como Manolo Hugué.

Nacido en Barcelona, su vida bohemia y marginal y sus visitas a Els Quatre Gats en Barcelona le valieron la amistad de Santiago Rusiñol, Joaquín Mir, Isidro Nonell y Pablo Picasso, entre otros artistas. En 1900 se traslada a París, donde residirá por espacio de diez años. Allí conoció a Jean Moréas y Guillaume Apollinaire, además de trabajar en el diseño de joyas y pequeñas piezas de escultura, entre las que destacan La Llobera (1911, Barcelona, Museo de Arte Moderno) y Joven sentada (1913, París, Centre Georges Pompidou).

Impulsado por un marchante, se trasladó en 1910 a Céret, donde reunió a un heterogéneo grupo de artistas entre los que se encontrabanJuan Gris, Joaquín Sunyer y el propio Picasso. En 1917 abandonó Ceret para residir en Caldas de Montbui, donde falleció en 1945. En su última etapa compaginó la pintura con cuadros como: Paisaje de Ceret (1926) o Vendimiadora (1927), con la escultura, donde destaca la obra Bacante (1934, Barcelona, Museo de Arte Moderno), una figura femenina tumbada con diversos puntos de vista según sus diferentes partes corporales sin que se quiebre la unidad de la figura En su obra es esencial la relación con la naturaleza, considerando a la figura humana como un elemento integrado en ella. Se trata de una característica propia del clasicismo noucentista, pero que en manos de Martínez Hugué van más allá de sus limitados orígenes.

Bibliografía

domingo, 27 de octubre de 2013

MORTEZA KATOUZIAN





Nació en 1943, en una familia de clase media amante del arte. Le gustó pintar desde su infancia y pasaba todo el tiempo aprendiendo arte sin profesor.  En 1960 empezó a trabajar en diseño gráfico y pintura. En diseño creó varios posters, logos, pastas para libros y folletos. En 1974 aceptó la responsabilidad de   comisariar la exposición  internacional Graphics "African Starvelings" financiada por I.A.A. international organization, su tarea fue muy bien acogida y ganó el premio de "Poster of Integration". Fue uno de los fundadores del sindicato de artistas gráficos años antes de la revolución y fue el presidente durante dos años.  Durante los ultimos años he participado en varias exposiciones colectivas y en 4 individuales. Todas ellas han sido las más visitadas en la historía del arte en Irán debido a la alta calidad de las obras exhibidas y  y la mirada afectuosa a los seres humanos y las cuestiones relacionadas con sus vidas que se representaban  en estas pinturas.  Como ejemplo, de acuerdo con las estadísticas, la exposición de su obra en el Museo de Arte Contemporaneo en 1979 tuvo 20.000 visitantes. In su última exposición en junio de 2008 que fue ofrecida que constaba de 94 obras, ofrecida en el Saad- Abad Cultural-Historical Complex, en 2008, recibió la recompensa de ser citada por la UNESCO por sus 50 años de actividad en el campo de la pintura y por sus 30 años de enseñanza a la juventud iraní, presentando a la sociedad  el arte de su pequeño estudio. Para presentar el empeño de sus alumnos, ofreció tres exposiciones colectivas para ellos y una con ellos en el Museo de Arte Contemporaneo. A través de su esfuerzo, se publicó un libro de las pinturas de sus estudiantes en 2005 que fue muy bien acogido por el público.

Algunos de estos estudiantes son artistas y pintores iraníes bien conocidos y también están los estudiantes que se están preparando en su estudio.




Morteza Katouzian was born on July 3, 1943 in a middle-class, art-loving family. He loved painting since childhood and he spent all his time on learning this art without any teacher.In 1960 he started graphics and painting work professionally. In graphics, he had created several posters, logos, book covers and brochures. In 1974, he accepted the responsibility of holding Tehran International Graphics Exhibition named “African Starvelings” sponsored by I.A.A. international organization, and he performed the task in a reputable way and Swon the prize of “Poster of Integration”. He was one of the founders of Graphic Artists’ syndicate in the years before the revolution and he was its head of the board for 2 years. During the past years, he has attended several collective exhibitions and held 4 solo exhibitions. All of them were “The Most Visited” exhibitions in the history of art in Iran due to the high quality of exhibited works and the affectionate look at humans and issues related to their lives which were presented in these paintings. As an example, according to the official statistics the exhibition of his works at Museum of Contemporary Arts in 1979 had 20,000 visitors. In his last exhibition in June 2008 which was held by 94 works at Saad-Abad Cultural-Historical Complex, on Wednesday June 18, 2008 in a magnificent ceremony, he was awarded UNESCO’s citation in respect of his 50 years of activities in the field of painting and his 30 years of unfeigned teaching to Iranian youth. In these 30 years of teaching painting, dozens of painters have been presented to the society of art from his small studio. I To introduce and encourage his students, he held 3 collective exhibitions for them andattended oneexhibition along with them at Museum of Contemporary Arts. Through his endeavor, a book of the paintings of his students was published in 2005 which was welcomed by public.
At the time, some of these students are well-known Iranian painters and artists and they are also training students in their own studios. 

viernes, 25 de octubre de 2013

Giovanni Fattori




Nacionalidad: Italia
Livorno 1825 - Florencia 1908
El aprendizaje artístico de Fattori se inició en su ciudad natal, Livorno, con un pintor de segunda categoría llamado Bandini, trasladándose en 1846 a Florencia donde frecuentó el taller de G. Bezzuoli. En la Capital de la Toscana se relacionó con los macchiaioli al acudir al café Michelangelo, centro de reunión de estos artistas interesados por la luz, el color y las atmósferas, que enlazan con el Impresionismo francés. El estilo de Fattori se inicia en la habitual temática histórica heredada del francés David, introduciendo la pintura al aire libre en la temática militar. Las manchas de luz y color se convierten en protagonistas de sus cuadros, alcanzando en algunos de ellos un aspecto casi abstracto. La temática realista se une al paisaje y los retratos, siendo Fattori uno de los grandes maestros del XIX italiano. Fue en Florencia donde desarrolló preferentemente su arte, viajando en 1875 a París para conocer a Manet. Londres, Dresde y Filadelfia también fueron visitadas por el maestro en diferentes viajes.

 Ref Arte Historia






miércoles, 23 de octubre de 2013

Louis Valtat







Nació en Dieppe en 1869. Estudió en el lycée Hoche en Versalles donde vivían sus padres. Cuando cumplió 17 años fue admitido en la Escuela de Bellas Artes y completó su formación en la Académie Julian donde se hizo amigo de Albert André y de Pierre Bonnard. En 1890 ganó el premio  Jauvin d´Attainville-  En 1893 formó parte del Salon des Artistes Indépendants por primera vez.

A finales de 1894 realizó un decorado para el teatro en colaboración con Toulouse Lautrec y simultaneamente expuso grabados y pinturas en el Salon des Cent

Como sufría una enfermedad pulmonar iba a menudo a Banyuls para tratarse y allí conoció a George-Daniel de Monfreid que le presentó a Aristide Maillol.  Hizo varios viajes a España, a Llança y a Figueras.

En 1895, mientras aún estaba recuperandose realizó muchas obras de colores fuertes que se expusieron en el Salon de los Independientes en 1896. Estas pinturas fueron una introducción al estilo fauvista. 

En marzo de 1899, Paul Signac organizó una exposición colectiva en la Galerie Durand Ruel donde Valtat presentó 20 cuadros que tituló  "Notations d´ Agay, 1899"

A partir del invierno de  1897-8 solía pasarlos en Agay, un pequeño pueblo marinero de pescadores, acompañado de Suzanne con quien se casó en 1900

Durante ese año, gracias a la amistad de Renoir,l Ambroise Vollar llegó a un acuerdo con Valtat para comprarle casi toda su producción artística durante diez años. 

Aunque vivía lejos de París, Valtat participó en la exposición de Bruselas "La Libre esthétique" y tambien estuvo presente en la "Gebaüde der Secession" en Viena en 1903, en el Kunst Salon Ersnt Arnold en Bresde, en la Berline Secession en Berlin, Budapest, Praga y en 1908 en el Moskva Tretwakov Galerie en Moscú. 

 En 1914 Valtat dejó de ir a Antheor y compró una casa en Choisel. Pasaba la mayor parte del año alli. Su jardin, las flores y los frutos que cultivaba  se convirtieron en el tema principal para sus pinturas.  

Fue nombrado chevalier de la Legion D´Honneur en 1927 y en  1951 en la exposición del fauvismo que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno en París se expusieron seis cuadros suyos. Despues de 1940 Valtat tuvo serios problemas visuales, sufría de glaucoma, y raras veces abandonaba su estudio- Su última obra está fechada en 1948




 


martes, 22 de octubre de 2013

Frank Stella







Nacido el año 1936, en Malden, una pequeña localidad próxima a Boston, Frank Stella fue uno de los primeros artistas estadounidenses en educarse dentro de la abstracción y, por tanto, desarrollarse y progresar en ella de una forma natural, sin ninguna conversión traumática. Esto explica no solo su precocidad, sino el que, con apenas 20 años, durante la segunda mitad de la década de 1950, comenzase a alinearse en una corriente analítica justo cuando triunfaba internacionalmente el expresionismo abstracto americano. Cuando Stella se afincó en Nueva York el año 1958, la presencia y el peso, sobre todo, de Pollock y De Kooning era casi agobiante, pero, como él mismo lo ha explicado, sintió pronto la fragilidad de esta grandeza, que calificó como “vulnerable”, en la medida en que el gesto pictórico de ambos conllevaba, a su juicio, cierto apego al pasado figurativo, que él se propuso endurecer, para establecer una barrera infranqueable no solo entre la abstracción y la figuración, sino precisamente entre lo formal y lo simbólico en el arte. En este sentido, aunque Stella fue muy consciente de la envergadura de la aportación del expresionismo abstracto en general, sintió la necesidad de hacer otra cosa, algo así como lo que ya habían emprendido Jaspers Johns y Rauschenberg —la conversión de la pintura en objeto—, pero de una forma todavía más radical. Quiso, ya a fines de los cincuenta, con su pintura a bandas o franjas, inspirada remotamente en el sentido rígidamente simétrico del paisaje, liberar la abstracción de toda contaminación expresiva, aislando todos los elementos materiales de la pintura para reconstruirlos de nuevo, ya sin asomo de ninguna contaminación subjetiva. El resultado de este proceso se hizo visible a comienzos de la década de 1960 con la serie de Pinturas negras, que han sido consideradas como una de las primeras manifestaciones del minimalismo, para el que la pintura se vuelve algo puramente bidimensional y con un formato que abandona el convencional cuadrangular para adquirir las formas más diversas(Shaped Canvas).

A partir de este riguroso principio, la trayectoria posterior de Stella ha tenido etapas muy contundentemente marcadas, aunque sin abandonar nunca ese hilo conductor analítico. De esta manera, su trayectoria se suele dividir en tres periodos: el primero, ya descrito, de la pintura a franjas, que abarca entre 1958 y 1965; un segundo, conocido como “arquitecturas polícromas”, basado en polígonos irregulares y una mucho más atrevida experimentación con el color, que se emplaza cronológicamente entre 1966 y 1975, y un tercero, de “construcciones barrocas”, que se inicia a partir de 1976, en el que no solo las estructuras constructivas se hacen mucho más ricas, complejas, brillantes y espectaculares, dominando en ellas lo curvilíneo, sino que, replicando en cierta manera al pop-art, “objetualiza” los estilos, como una cita histórica entre lo conceptual y lo irónico. A partir de ese momento, Stella se emancipa de cualquier limitación espacial preconcebida, convirtiendo el “dibujo en el espacio”, con el que Julio González definió la escultura de hierro de Picasso y la suya propia, en una “pintura en el espacio”, que parece una insólita construcción sin freno, de una teatralidad rampante.

Trabajando siempre de forma sistemática, serial y concienzuda, asombra cómo Stella, sin dimitir de sus puritanos principios, que nos recuerdan a esa estética higienizada de la pintura holandesa, de Vermeer a Mondrian, pudo derivar al fantástico festival ultrabarroco de obras pictóricas, si se pueden llamar de esta manera, de una pirotecnia congelada. En cierta manera, a mí esta evolución me recuerda al Calder que visitó el estudio de Mondrian a comienzos de la década de 1930 y, fascinado, imaginó la rígida pintura ortogonal de este, que aprisionaba planos de colores homogéneamente saturados, danzando o volando libremente por el espacio. En cualquier caso, el propio Stella ha explicado esta dicotomía personal de una manera muy gráfica, calificándola como la de un “clasicismo pragmático”, al afirmar que su obra “está hecha a medias a partir de la experiencia adquirida en Nueva Inglaterra y de predisposiciones mediterráneas heredadas inconscientemente”.
Con un ojo muy sagaz para desentrañar la urdimbre material de la pintura no solo del presente —como lo puso de manifiesto en sus penetrantes análisis del ensayo titulado A Common Complaint, donde a partir de los cuadros terribles El desollamiento de Marsias (1570)

, de Tiziano, y David y Goliat (1605-1606), 

de Caravaggio, hace una revisión de lo pictórico como “costra” y “superficie”, donde desfilan estos y otros maestros del pasado y el arte contemporáneo, desde Rubens a Kandinsky, Picasso o Pollock—, se puede decir que Stella apuró el cáliz del formalismo hasta las heces para luego dar rienda libre a la ebriedad danzante. En cierta manera, su trayectoria compendia a la perfección ese abismo abrupto que se abre entre las cimas más elevadas, que es la historia del arte de nuestra época.
Francisco Calvo Serraller (Madrid1948) es un historiadorensayistacrítico de arte y catedrático universitario español.