viernes, 30 de marzo de 2018

Nahum Tschacbasov


Nahum Tschacbasov (1899-1984) fue mencionado a veces por los críticos de su época como un surrealista abstracto, y, de hecho, hay similitudes entre sus pinturas y las de los pintores surrealistas estadounidenses Peter Blume y James Guy. Pero un examen detallado  de  sus obras revela que trabajó en una variedad de estilos: surrealismo, realismo social, cubismo, fauvismo e incluso abstracción.
Las pinturas más fuertes de Tschacbasov datan de mediados de la década de 1930 hasta mediados de la década de 1940, cuando trabajó en un estilo de realismo social que recuerda la obra de Max Weber (1881-1961), el pintor, escultor y grabador estadounidense de origen ruso cuyo papel social de sus obras afectan y  sintetizan el desarrollo del arte moderno europeo. Tschacbasov admiraba mucho a  Weber.
En la década de 1930 a menudo expresaba su preocupación social. La sopa sirvió como tema durante varios años, al igual que las dificultades de la vida para los inmigrantes que vivían en condominios abarrotados en el Lower East Side de Manhattan.Estas pinturas incluyen escenas de privaciones, sin duda observadas de primera mano por el artista, pero también pueden basarse en los recuerdos de su infancia empobrecida en los barrios pobres de Chicago después de que su familia emigrara de Rusia.
Nacido en Bakú, en lo que hoy es la República de Azerbaiyán,  Tschacbasov llegó a Chicago con su familia en 1907. La vida del joven era difícil. El negocio de su padre fracasó poco después de su llegada, y se vio obligado a abandonar la escuela a la edad de 13 años para ayudar a mantener a la familia. Después de alistarse en la Marina durante la Primera Guerra Mundial, al  regresar a su hogar fue a la escuela nocturna y despues empezó a trabajar como  contable.
Alrededor de 1932, fascinado  por  el arte  se fue a París  y allí estudió con Fernand Léger, entre otros, antes de mudarse a mediados de la década de 1930 a Nueva York, donde pintó a tiempo completo. Trabajó en los Proyectos Federales de Artes de la Administración de Obras en 1935, y luego se unió a amigos, incluido el joven Mark Rothko, para formar un grupo de artistas, los Diez, que combina el objetivo de la conciencia social con un estilo expresionista.
Su carrera inicial  fue inmensamente exitosa. Tuvo cinco exhibiciones individuales en las prestigiosas galerías ACA en Nueva York desde mediados de los años treinta hasta mediados de los años cuarenta y participó en exposiciones colectivas en muchos museos nacionales, incluido el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Whitney de Arte Americano y la Art Institute of Chicago. En 1944, el Museo Metropolitano compró una de sus pinturas, "Deportación" (1936). 
Sin embargo, a principios de la década de 1950, comenzó a perderse de vista. Los gustos estaban cambiando, y si bien la moda artística  se había inclinado hacia la abstracción,  Tschacbasov cambió del realismo social a una fusión de cubismo y surrealismo que para muchos críticos se parecía mucho a la obra de Picasso o Chagall. No solo estaba fuera de sintonía con la vanguardia, sino también como no original.
 Con pocas excepciones, sus obras son simplemente demasiado derivadas, lamentablemente recuerdan el trabajo de algún otro artista famoso de la época. Podía pintar, dibujar e incluso hacer hermosos estampados y acuarelas; lo que nunca pudo hacer fue encontrar una voz única.

miércoles, 28 de marzo de 2018

MARIO BARDI


Bardi Mario. Palermo, 1922 - Milán, 1998. Pintor y dibujante. En 1947, abandonó sus estudios de ingeniería, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Palermo, donde se graduó en pintura en 1951. Mientras estudiaba en la Academia, ganó un premio de Pintura en la 1ª Exposición Nacional de Bellas Artes. Arti (Roma 1950) y una beca para jóvenes artistas a disposición de la Región de Sicilia. Después de dejar la isla en 1951, se mudó a Aosta, donde montó su primera exposición individual. Más tarde estuvo en Turín, donde de 1954 a 1958 se dedicó a trabajos de artes decorativas y cerámicas. 
Natura Morta - Mario Bardi
Después de mudarse a Milán, enseñó Diseño e Historia del Arte. Hizo numerosas exposiciones personales en Italia y en el extranjero, incluidas las exposiciones milanesas en las galerías 32 (1964 y 1967) y L'Agrifoglio (1969). Obtuvo numerosos premios nacionales, entre ellos el Suzzara en 1963 y el Tettamanti en 1964 y 1966. En 1993, la Región de Sicilia dedicó una importante exposición al Albergo dei Poveri en Palermo. A su llegada a Milán, se acerca al movimiento realista local, asistiendo al crítico Raffaellino De Grada y la galerista Renata Usiglio. Los protagonistas de sus obras de los años cincuenta son los humildes, representados con estructuras pesadas, masivas, emblemáticas de una difícil condición existencial, cargadas de fatiga y sufrimiento. Desde mediados de la década de 1960, su pintura se volvió aún más explícitamente portadora de contenidos de denuncia y crítica social, representando las primeras masacres y desastres que tuvieron lugar en su tierra natal, Sicilia, y luego los horrores de los conflictos en todo el mundo. En la década siguiente comenzó la serie de Virreyes, Inquisidores, Cardenales, símbolos de un sistema opresivo que ya no es tan evidente y explícitamente denunciado, como en obras anteriores, pero más sutil y venenoso. 

lunes, 26 de marzo de 2018

Giuseppe Amisani

Nacido en Mede Lomellina el 7 de diciembre de 1881 , Amisani, fascinado por el mundo del arte de finales del siglo XIX , para seguir sus inclinaciones se trasladó a Milán en 1895 , viviendo en el apartamento de la escultora Medese Felice Bialetti.
A pesar de las dificultades económicas; Giuseppe tuvo éxito y siguió los cursos de pintores como Tallone, Emilio Gola y Vespasiano Bignami en la Academia de Bellas Artes de Brera, que lo pusieron en contacto con la corriente de los pintores posrománticos en Milán.
En 1900 consiguió un gran éxito gracias a una de sus obras, que se hizo muy conocida entre los pintores de  Milán,  llamada La Cleopatra Lussuriosa.
Volviendo a Mede, el joven pintor pintó al fresco algunas iglesias, incluida la Iglesia de la Cofradía en Candia Lomellina y la Iglesia de la Trinidad, que le valió el premio Mylius .

Convertido en un gran experto en el arte del retrato, en 1908 ganó nuevamente el premio Mylius, luego se trasladó a París y comenzó a frecuentar a los mejores artistas de su tiempo para encontrar una nueva fuente de inspiración en el resplandeciente mundo de Belle Époque.

En 1913 se fue a América del Sur , donde pintó un retrato de algunos ministros y del presidente del gobierno brasileño,  así como de algunas de las damas de la alta sociedad de Brasil.
Más tarde abrió un taller de pintura en Londres y expuso en los Países Bajos, España , AméricaEl Cairo , Argelia , Inglaterra, Francia, Roma, Milán, Venecia, Buenos Aires y Sao Paulo.
Desde 1922 a 1925 pintó al fresco el palacio de Ra's al-Tin, en Alejandría, Egipto , luego una nueva sede del gobierno.
Después de la experiencia africana, Amisani fue invitado a Grecia y también trabajó en otros países europeos, como España e Inglaterra, pero su corazón estaba en la casa de Portofino, donde se trasladó a vivir en sus últimos años.

El 8 de septiembre de 1941 , durante un viaje en el Monte di Portofino en compañía del periodista GiulioDe Benedetti y del escritor Salvator Gotta , Giuseppe Amisani murió de un ataque al corazón y fue enterrado en su Mede.
Hoy sus obras se exhiben en el Museo Ricci-Oddi en Piacenza , en la Galería de Arte de Milán , la Galería San Paolo en Brasil y la Galería en Lima en Perú , mientras que Mede lo recuerda cada año con un concurso dedicado a los pintores emergentes que lleva su nombre.

viernes, 23 de marzo de 2018

Getulio Alviani


Getulio Alviani (1939-2018)   artista italiano nacido en Udine,  considerado un importante artista internacional óptico - cinético.
Desde la infancia, Alviani mostró talento para el diseño y el dibujo geométrico. Se matriculó en la escuela artística de Venecia, pero pronto mostró poco interés en sus estudios, pasando las tardes en los museos de Venecia en la contemplación de obras maestras clásicas. También comenzó a hacer pequeños trabajos para arquitectos locales, y ayudó a artistas locales a pintar proyectos.

Sus primeros trabajos artísticos fueron los "cables", inspirados por cables eléctricos aéreos, aún  con energía. Luego le fascinaban algunas superficies pulidas de aluminio que se encontraban en una fábrica en la que estaba trabajando: después de pulir y raspar, creó su hito "Superfici a testura vibratile" (superficies de textura vibratoria) que le dieron fama internacional.  Por las superficies de aluminio  fue invitado a la exposición de Zagreb "Nove Tendencije", junto con otros artistas similares: explorando las oportunidades de un arte dinámico que interactúa con el espectador. Comenzó a intercambiar ideas con artistas como Julio Le Parc, François Morellet y Enrico Castellani, participando activamente en los estudios de la llamada G.R.A.V. (Groupe de Recherche d'Art Visuelle) en París.

Al mudarse a Milán, se hizo amigo de Piero Manzoni y Lucio Fontana, que estaba muy interesado en sus obras y compró algunas de sus "superficies". También trabajó con otros artistas famosos como Max Bill y Josef Albers. En 1964 fue invitado a presentarse en la Bienal de Venecia.

En los años siguientes consiguió fama  internacional: en la Documenta de Kassel, exhibió una gran superficie vibrante; en 1965 participó en lo que se consideraba una de las principales exposiciones de la década: El ojo receptivo en el MoMa de Nueva York, junto con los artistas más famosos del mundo del arte cinético y programado. Su trabajo tuvo tanto  éxito que fue comprado por el  MoMa y elegido como la imagen de portada que representó la siguiente exposición del museo: "The New Acquisitions".

Durante la década de 1970 viajó continuamente, principalmente en América del Sur, y aceptó, a petición de Jesús Rafael Soto, la dirección del Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Venezuela. Volvió a ser invitado en la Bienal de Venecia en 1984, 1986 y 1993. Desde 2000 se ha presentado en numerosas exposiciones importantes: Trienal de Milán, Graz Kunsthaus, Palazzo delle Papesse de Siena, Roma Academie de France, Bienal de Buenos Aires, exposiciones itinerantes "Luz, movimiento y programación", en importantes museos alemanes, y en la Cuadrienal de Roma.

jueves, 22 de marzo de 2018

Tino Aime



 "Pinto mi vida diaria y mis orígenes. Pinto naturalezas silenciosas, flores exhaustas y objetos olvidados. Me encanta grabar, esculpir, acariciar las piedras, sentir los aromas de la madera. La materia me atrae, pero también me gustaría saber cómo pintar el aire". 

Tino Aime nació en Cuneo en 1931.  Hijo de pastores de Roaschia, se mudó a Turín en 1941. Después de asistir a la Academia Libre de Turín, con Idro Colombi, comenzó a exhibir como escultor, y luego se dedicó a la pintura y a la obra gráfica. Es conocido internacionalmente con más de 200 exposiciones individuales en Italia y en el extranjero.  Amigo de escritores y poetas, comenzó a exponer  en 1963 y recibió premios en Italia, Francia, Rumania y los Estados Unidos. En Provenza grabó y pintó el mundo de Federico Mistral: las obras se exhibieron en una exposición itinerante en los museos de Gap, Marsella, Digne, Draguignan, Aix en Provence y Niza. Murió  en 2017



miércoles, 21 de marzo de 2018

Vittorio Matteo Corcos



Vittorio Matteo Corcos (4 de octubre de 1859 - 8 de noviembre de 1933) fue un pintor italiano, conocido por sus retratos. Muchos de sus trabajos de género representan a hombres y mujeres jóvenes y elegantemente vestidos en momentos de reposo y recreación.
Nació de padres judíos, Isacco e Giuditta Baquis, en Livorno. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Florencia con Enrico Pollastrini. Entre 1878 y 1879 trabajó bajo Domenico Morelli en Nápoles. 
Luego viajó a París, donde conoció a Léon Bonnat y firmó un contrato con Goupil & Cie. Pudo complementar sus ingresos como pintor de retratos con ilustraciones para revistas.Frecuentaba los círculos de Giuseppe De Nittis. Entre 1881 y 1886, exhibió con frecuencia en el Salón. 
Regresó a Italia en 1886, supuestamente para unirse al ejército, y se estableció en Florencia.Se convirtió al catolicismo y se casó con una viuda, Emma Ciabatti. En Florencia, se hizo amigo de los círculos intelectuales e hizo retratos de Silvestro Lega, Giosue Carducci y Pietro Mascagni.

lunes, 19 de marzo de 2018

Nikolay Bogdanov-Belsky

Bogdanov-Belsky nació en el pueblo de Shitiki en Smolensk Governorate en 1868. Estudió arte en la escuela de bellas artes Semyon Rachinsky, pintura de iconos en la Troitse-Sergiyeva Lavra en 1883, pintura moderna en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1884 a 1889, y en la Academia Imperial de Artes en San Petersburgo de 1894 a 1895. Trabajó y estudió en estudios privados en París a fines de la década de 1890.
Bogdanov-Belsky estuvo activo en San Petersburgo. Después de 1921, trabajó exclusivamente en Riga , Letonia . Se convirtió en miembro de varias sociedades prominentes al incluida  Peredvizhniki (pintores itinerantes) desde 1895 y la Sociedad Arkhip Kuindzhi desde 1909 (de la cual fue miembro fundador y presidente entre 1913 y 1918).
Bogdanov-Belsky pintó principalmente cuadros de género, especialmente de la educación de niños campesinos, retratos y estudios de paisajes impresionistas. Se convirtió en pedagogo y académico en 1903. Fue miembro activo de la Academia de las Artes en 1914. Desde 1921, vivió en Riga .  Bogdanov-Belsky murió en 1945 en Berlín.
Fue miembro de la Fraternitas Arctica  en Riga.

VLADIMIR BARANOV-ROSSINÉ





Kherson (Ucrania) 1888 - París 1944


Vladimir Baranov-Rossiné nació en Kherson, Ucrania, en 1888. Su nombre judío era Shulim Wolf Labe Baranov, y su apodo era Daniel Rossine. Pasó su vida y su carrera entre Rusia y París.
Entre 1902 y 1903, estudió en Odessa. Luego, desde 1903 en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. Después de sus estudios, participó en las primeras exposiciones de vanguardia organizadas en Moscú y San Petersburgo. Entre los expositores se encontraban Mikhail Larionov, Natalia Goncharova, Alexandra Exter y los hermanos Burliuk. En 1908 participó en un importante espectáculo en Kiev que hizo hincapié en la síntesis entre pintura, escultura, poesía y música. La idea de una síntesis de las artes, un legado del simbolismo ruso, seguiría siendo un elemento clave de la vida Baranov-Rossiné. En el mismo año exhibió con Zveno, una organización militar y política búlgara, fundada en 1927 por oficiales del ejército búlgaro, que tuvo lugar en Kiev, organizada por los hermanos Burliuk (David y Vladimir).

En 1910 Baranov-Rossiné se mudó a París. Allí organizó una exposición en el Salón de Independientes. Se hizo amigo íntimo de Hans Arp, Robert y Sonia Delaunay. Sus pinturas de esa época fueron reconocidas principalmente por el uso ecléctico del color. Demostraron una asimilación con el cubismo, el futurismo y el orfismo, y expuso regularmente en el Salon des Indépendants. Al mismo tiempo, experimentó con la escultura, ejecutando dos grandes esculturas de ensamblaje, construidas con fragmentos de metal pintado, madera y objetos encontrados. Una de estas esculturas, expuesta en el Salon des Indépendants de 1914, causó tal controversia, que más tarde la ahogó en el Sena. El único crítico que entendió su lenguaje expresivo radical y profético fue Guillaume Apollinaire.

Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Baranov-Rossiné se mudó a Noruega, donde permaneció hasta 1917, seguido de su traslado a Rusia. Entre 1917 y 1925, su producción fue prolifera. Organizó exposiciones con las personalidades más importantes de su época, como Marc Chagall, Nathan Altman, Yurii Annenkov y otros portadores y propagadores de la vanguardia soviética.
Comenzó a enseñar  arte  en San Petersburgo y, al mismo tiempo, inventó un "color clavier" y presentó conciertos "optophonic" en los teatros de Moscú, en los que, mientras se tocaban las teclas del piano, la música se "traducía". "por discos de colores proyectados en una pantalla.

En 1925, Baranov-Rossiné continuó pintando de manera más surrealista, además de producir algunas esculturas y experimentar con materiales, colores y sonidos. Exponía regularmente en los Salones parisinos.
Sus obras se pueden encontrar en muchas colecciones públicas, incluidas las del Museo Ruso de San Petersburgo, la Galería Tretiakov en Moscú, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1943 fue arrestado en Francia por la Gestapo y deportado. Murió en el campo de concentración de Auschwitz.

jueves, 15 de marzo de 2018

Ernesto de la Cárcova



Nació en Buenos Aires, en 1866. Inició en 1882 su formación artística con el pintor piamontés Francesco Romero en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. Entre 1885 y 1893, continuó sus estudios en Italia, primero en Turín y luego en Roma, donde comenzó a pintar la obra 


Sin pan y sin trabajo, expuesta a su regreso a Buenos Aires en el Segundo Salón del Ateneo, de 1894. Adquirida por el Museo Nacional de Bellas Artes en 1900, la pintura se exhibió en múltiples oportunidades y ha sido reapropiada en las últimas décadas como imagen emblemática de luchas sociales. Además de su labor como pintor, De la Cárcova se destacó como medallista.
Dedicó buena parte de su vida a una intensa tarea institucional y educativa. Fue docente y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes (1905-1908), director del Patronato de Becados Argentinos en Europa (1909-1916) y director-fundador de la Escuela Superior de Bellas Artes (1921-1927). Se desempeñó como inspector nacional de la enseñanza del dibujo, jurado en concursos de adjudicación de cargos docentes y proyectos de monumentos, y profesor universitario de dibujo para ingenieros y arquitectos. Además, fue uno de los tempranos miembros del Partido Socialista y Legislador por la Ciudad de Buenos Aires en la Comisión de Obras Públicas.
Ernesto de la Cárcova falleció en Buenos Aires el 28 de diciembre de 1927, a los 61 años. La comunidad artística le dedicó grandes homenajes, testimonios del inmenso afecto que recibió de colegas y estudiantes a lo largo de su carrera.

Museo Nacional de Bellas Artes

miércoles, 14 de marzo de 2018

Simon Kozhin



 Nació en 1979 en Moscú. Estudiante del Liceo de Arte Académico de Moscú adscrito a la Academia Rusa de las Artes, Moscú. En el curso de los estudios, solía practicar pintura al aire libre junto con sus compañeros de clase del Liceo viajando por toda Rusia. Despues estudió en la Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura de Ilya Glazunov, Moscú. 


En 2000  visitó Alushta, donde pintó vistas de Crimea.
 Su primer viaje al norte de Rusia, el área de Vologda: Vologda, Veliky Ustyug, los monasterios Ferapontov y Kirillo-Belozersky y Pinega llegaron más tarde ese año. En julio visitó Gran Bretaña. Pintó en Haddenham, Inglaterra. Durante
ese viaje, visitó museos de Londres y Oxford, pintó al aire libre algunas vistas. Más tarde ese año tuvo su primera exposición individual en Haddenham. 

Después de un nuevo viaje a Gran Bretaña el artista, encantado por la maestría de acuarelistas británicos, pinta una serie de acuarelas. 


Pinta paisajes, retratos y bodegones. También posee un excelente conocimiento del óleo, la témpera y la acuarela. Pinta paisajes mientras viaja por el mundo, por lo que hay una serie de obras de Inglaterra, Irlanda, Malta , Turquía, Suiza y otros. También pintó una serie de obras dedicadas a la guerra de Rusia con Napoleón en 1812. 

lunes, 12 de marzo de 2018

Chris Mars





El artista Chris Mars nació en Minneapolis, Minnesota, en 1961,  donde todavía vive y trabaja hoy en día. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Instituto de Artes de Minneapolis, el Museo de Arte Erie (PA), The Tweed (Duluth, MN), el Museo de Bellas Artes The Longview (TX) y el Centro de Historia de Minnesota. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo The Mesa (AZ), en el Museo de Arte Visionario Americano (Baltimore), el Museo de Arte Laguna (CA), el Museo de Arte Steensland (Northfield, MN), el Museo de Arte Fredrick Weisman (Minneapolis, MN) y Art Center South Florida, entre otros. Sus próximas exposiciones incluyen Billy Shire Fine Arts (LA, CA) y The Phipps Center for the Arts (Hudson, WI). Su primera monografía, TOLERANCE, fue publicada a finales de 2008 por Billy Shire Fine Art Press. Además de su pintura, Mars se esfuerza en cine y animación. Un músico consumado, Mars también lanzó cuatro álbumes solistas (en Polygram y Bar None) después de su mandato como baterista en The Replacements, una banda que ayudó a fundar en 1979 con Bob Stinson, Tommy Stinson y Paul Westerberg.