domingo, 31 de julio de 2011

Juan Ripollés



EL BEATO RIPO

Juan García Ripolles nació en 1932, en Castellón. Junto con el oscuro recuerdo de la Guerra Civil española, perdurara en su memoria el amor profundo a la naturaleza, a los arboles, a los animales, a la luz y al color que en la madurez ha sabido plasmar en sus obras con ese aire infantil.

A los 12 años comienza a trabajar como aprendiz en una empresa de pintura industrial, y por las noches acude a clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios Francisco Ribalta de Castellón, comienza ha empuñar la brocha, de donde surge el sueño de la razón que engendrará monigotes mágicos, esbozos de lo que más tarde vendrá. Con 20 años viaja a Paris, a beber en las copas donde pusieron sus labios y paletas los impresionistas, expresionistas, surrealistas y el cubismo fecundo y universal de Picasso, y en donde fijara su residencia hasta 1963.

Alli trabajará con la galería David y Garnier, que a través de ella dará a conocer su obra por toda Europa. Más tarde se traslada a New York, dondre tendrá gran éxito, vendiendo todo lo que expone. Cuando regresa a España fija su residencia en Castellón. En 1980 publicación de la novela de Manuel Vicent, Ángeles o neófitos, donde cuenta la transformación del Beato Rípo y el pintor Ripolles, que más tarde se llevara al cine con un guión adaptado de Jorge Berlanga, que lo catapulca al reconocimiento nacional


Trabaja el grabado, la escultura y la pintura. Se mueve entre el surrealismo y la figuración, pero con un estilo muy personal, ya que en sus obras se respira las vivencias de ese entorno familiar. De su brocha emana ese mediterrano cuajado de mitos, toros y hembras. Ese mar con riberas palestinas, islámicas, hebraícas, católicas, apostólicas, romanas y ortodoxas, con la presencia de animales y personajes, tratados con un estilo de fabulista y un lenguaje directo de gran colorido, con un trazo volante y cursivo. Siempre revindicando la libertad, la naturaleza, el sol, y su tierra que la lleva en lo más profundo de ese corazón cosmopolita, un inquietante extranjero en la mente de un niño, inventando nuevos pictogramas en la constelación coloreada del arte.

Su trayectoria artística es muy extensa, ha expuesto en numerosas galerías nacionales e internacionales, asi como en ferias en Miami, Estocolmo, Praga, Paris, etc, ...... Su obra esta en numerosos museos entre los que cabe destacar el Museo de Arte Moderno de New York y el Instituto Valenciano de Arte Moderno(IVAM)


Galería Solano de Albacete

LE KINH TAI




Poco puedo decir de LE KINH TAI porque no encuentro muchos datos biográficos, solo sé que es GENIAL.

Nació en VIETNAM en 1967

Copio y traduzco de su página...

UN PINTOR PONE EL ARTE VIETNAMITA EN EL MAPA

Le Kinh Tai vendió 37 cuadros a un coleccionista amaricano el año pasado por (US$260,000). Este logro no solo reconoce el talento del artista, sino que tambien ayuda a los artistas vietnamitas a exponer en el resto del mundo. Bich Huong habla con el artista sobre su trabajo.


Inner Sanctum: Como empezaste a pintar? Fue un extraño cruce del destino o un sueño largamente buscado?


Siempre he sentido pasión por la pintura, desde que era un niño. A los 27 años aprobé el examen de entrada en HCM City Fine Arts College y me gradué cuatro años mas tarde, en 1997. En aquel momento recibi muchos halagos por mi obra. Unos cuantos galeristas echaron un ojo a mi pintura. Sin embargo, pronto me sentí desanimado por las preocupaciones de la vida cotidiana tan materialista y me di cuenta que mis cuadros no representaban lo que yo era o sentía. Dejé de pintar y me hice diseñador de interiores para ganarme la vida.

A mediados de la década de 1999 volví al arte. Un lenguaje verdadero y ansias de conquistar nuevos retos me atraían. Empecé a dibujar todo lo que veía apasionadamente, incluso las cosas más simples de la vida. Pintando es la forma en que yo expreso mis sentimientos. He llorado muchas veces "que las necesidades materiales no te derroten. A veces, me consolaba diciendo "Animate pintando y dando vida a la amargura y a la felicidad". Todo esto ha hecho de mi la persona que soy hoy.

sábado, 30 de julio de 2011

Tancredi Parmeggian


Tancredi Parmeggiani ( Feltre , 25 de septiembre 1927 - Roma , 27 de septiembre 1964 ) fue un pintor italiano .

Después de pasar su infancia en Belluno, en 1943 interrumpió sus estudios para matricularse en la escuela de arte de alto clásico de Venecia , que completa dos años después.

En 1946 se matriculó en la Accademia di Belle Arti en Venecia para estudiar en la Escuela Libre de Armando Pizzinato . En este tiempo conoció y se hizo amigo de Emilio Vedova .

A finales de 1947 el artista fue a París donde conoció las vanguardias europeas de la primera mitad del siglo. Entre 1948 y 1949 vive y trabaja en Feltham y Venecia , y en mayo de 1949 realizó su primera exposición individual en la Galleria del Cavallino di Venezia que presenta Virgilio Guidi .


En 1950 se traslada a Roma , donde se une al grupo Age d'Or, que organiza exposiciones y ediciones de la comunidad internacional. Al año siguiente participó en la 1ª Mostra dell'Arte Astratta Italiana en la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma. Poco después de regresar a Venecia, donde conoció a Peggy Guggenheim que le ofrece un estudio y le compra obras. En 1952 , en Venecia, fue galardonado con el premio de pintura Graziano, en el mismo año junto con otros artistas firmaron el manifiesto del Spazialismo, un movimiento fundado en Milán alrededor de 1947 por Lucio Fontana .

Expone en 1952 en la Galleria del Cavallino en Venecia. En 1953 también está presente en la Galleria del Naviglio en Milán con la presentación de Peggy Guggenheim y Guidi Virgilio También es invitado a la exposición de Italia-Francia a Turín , donde expuso en la sala accanto en Hans Hartung. En 1954 participa en Tendances Actuelles con Pollock , Wols , Mathieu en la Kunsthalle de Berna.




1955 comienza con la separación definitiva de Peggy Guggenheim, y se va a París, donde participa en una exposición colectiva en la Galerie Stadler. En París conoce a Dubuffet , Asger Jorn y Karel Appel .

En los años siguientes expuso en la Galería Saidenberg en Nueva York , en la Galería 'Hanover en Londres , en Roma, en la Galleria Selecta y participa en el Carnegie International de Pittsburgh . En 1958 se casó con la pintora noruega Dietrichson Tove .

Nel 1959 espone alla Galleria dell'Ariete, ritorna a Parigi dove a dicembre nasce la figlia Elisabetta. Nella primavera del 1960 ritorna a Milano dove collabora stabilmente con la Galleria dell'Ariete. In quest'anno viaggia in Norvegia ed espone alla mostra Anti-Procès presso la Galleria del Canale di Venezia.


En 1,959 expone en la Galería dell'Ariete, regresó a París, donde su hija Elizabeth nació en diciembre. En la primavera de 1960 regresó a Milán, donde colabora con la Galería dell'Ariete. En este año viaja a Noruega despues de una exposición en la Galleria del Canale di Venezia.


En 1962 , después de un viaje a Suecia , expuso en Galleria veneziana del Canale y en la Galleria Levi de Milan. Al final del año tiene una crisis nerviosa y fue internado en Villa Tigli en Monza con un diagnóstico de esquizofrenia paranoide .


Estancias cortas en Roma en 1963 y poco después del nacimiento de su hijo Alejandro regresó a Venecia a casa de su hermana. Despues de un nuevo internamiento en un hospital, exhibió de nuevo en 1964 en la Bienal de Venecia y después de un corto viaje a Suecia con su esposa, regresó a Roma. Allí, en la madrugada del 27 de septiembre se quitó la vida lanzándose al río Tíber .


Da Wikipedia, l'enciclopedia libera.

Vera Molnar



Vera Molnar nació el 5 de enero de 1924 en Budapest, Hungría. A los 18 años inicia sus estudios de Pintura e Historia del Arte y Estética en la escuela superior de Arte de Budapest. A los 23 años se traslada a Francia donde, hasta el presente ha ejercido su carrera artística.

En 1948, es decir, a los 24 años, realiza sus primeros dibujos geómetricos inspirado en un grabado de Durero titulado “Melancolía”. En 1967 fue cofundadora del grupo Arte e informatique en el Institut d’Esthétiqueet des Sciences de l’Art de París. El año 1968 fue muy importante para lo que sería el resto de su carrera artística ya que fue el año donde realizó sus primeros gráficos utilizando una computadora. Y, a partir de allí, gran parte de sus obras sería realizadas por esta vía.

A los 61 años, siendo ya una artista reconocida, comienza a ejercer el cargo de profesora de Historia del Arte y Ciencias del Arte en la Sorbona de París.

En el 2005 obtiene el primer d.velop digital art award del Digital Art Museum de Berlín.

Vera Molnar expone actualmente a nivel internacional e intercontinental y es considerada una de las pioneras del arte digital. Sus obras se caracterizan por ser series en la que la figura principal es el cuadrado.

Técnica: Vera Molnar empezó construyendo series utilizando figuras geométricas. El uso de figuras geométricas lo justifica diciendo “me gusta la rigidez formal y la parsimonia de la geometría, me gusta la pureza racional de las matemáticas. ‘La naturaleza puede ser extravagante con todo, pero el artista debe ser totalmente eficiente’, dijo Paul Klee, y yo estoy de acuerdo”.

Su forma de trabajar consistía en colocar simples formas geómetricas (en su caso, cuadrados) e ir introduciéndoles ciertos cambios a cada uno, ya fuera a un cuadrado específico o cómo unía uno con el otro.

Su objetivo consiste en lograr producir un cambio significativo entre una obra y otra, es decir, hacer que una obra sea completamente única y diferente simplemente por colocar las figuras geométricas y unirlas de distinta manera en cada uno.

Vera comenzó imaginando que tenía una computadora. Diseñaba un programa y luego, paso a paso creaba una serie cuidando que no quedara excluída ningún tipo de posición ni unión posible entre ellas. Luego, a partir del año 1968, como se dijo más arriba, comenzó a utilizar una computadora real y, desde ese momento se convirtió en su instrumento oficial.


Hay personas que consideran que el trabajar con una computadora no tiene gracia ya que lo computadora, supuestamente, es quien hace entonces todo el trabajo. La artista se defiende diciendo que por supuesto que la máquina ayuda pero, quien “hace”, quien “diseña” y quien “inventa” es ella.

Esta artita está consciente de que su forma de hacer arte es totalmente nueva, y considera que cuando algo es nuevo, no importa su carácter estético, lo que se valora es la novedad en sí.

Algunas de sus obras son: “Hípertransformaciones” (1975-1976). “Estructuras cuadradas” (1989). “(Des) orden” (1974). “L’ ombre prend le dessus” (2005). “Quatre carrés” (1992).

Arte digital

viernes, 29 de julio de 2011

Julian Onderdonk



Julian Onderdonk ( 1882-1922) fue un pintor tejano impresionista, conocido como "el padre de la pintura de Texas".



Julian Onderdonk nació en San Antonio , Texas, hijo de Robert Jenkins Onderdonk , pintor. Se crió en el sur de Texas . Estudio con Verner Moore White un importante artista de texas, que tambien vivia en San Antonio. Despues fue a la Academia Militar de West Texas , donde se graduó en 1900.


A los 19, con la ayuda de un vecino generoso, Julian salió de Texas para estudiar con el renombrado impresionista estadounidense William Merritt Chase. El propio padre de Julian, Robert, también, había estudiado con Chase. Julián pasó el verano de 1901 en Long Island preparandose con Chase en la Escuela de Arte de Shinnecock . Estudió allí un par de años y luego se trasladó a Nueva York para tratar de ganarse la vida. Estando en Nueva York conoció y se casó con Gertrude Shipman y pronto tuvo un hijo.


Onderdonk regresó a San Antonio en 1909, donde realizó sus mejores obras. Sus temas más populares fueron los paisajes. Onderdonk murió el 27 de octubre de 1922 en San Antonio.

El presidente George W. Bush decoró el Despacho Oval con tres de las pinturas de Onderdonk. El Museo de Arte de Dallas cuenta con varias salas dedicadas exclusivamente al trabajo de Onderdonk.


References

^ Cameron, Minnie B. "Handbook of Texas Online". ONDERDONK, JULIAN. Texas State Historical Association. Retrieved March 12, 2011.
^ George W. Bush, Decision Points, London: Virgin Books, 2010, p. 107


MI COMENTARIO- Espero que el hecho de que Bush haya decorado el despacho oval con cuadros suyos no os haga juzgar al pintor negativamente

JOSE MARIA BARREIRO


«En los años 60 el Eligio era el verdadero centro cultural de Vigo»

Barreiro afirma que sentir nostalgia de vivencias pasadas «es una de mis mejores riquezas». Valora especialmente los cuatro años que compartió piso con Lugrís

Desde edad bien temprana demostró José María Barreiro sus dotes para la pintura. «En el colegio hacía los exámenes de dibujo a los compañeros», afirma. Éstos se limitaban a dar el cambiazo y, claro, aprobaban. Mal se imaginaba él (ni su madre, que solía quejarse de que le dejaba la casa «hecha un cristo»), que un día su obra estaría colgada en instituciones, museos, galerías y casas de coleccionistas de todo el mundo. El último escenario en el que descubrió una fue en el vestíbulo del hotel Sheraton de El Cairo.


Puesto en la tesitura de elegir rincón se decanta por el Eligio, aunque también le gusta la zona de la Travesía de Vigo en la que se levanta una de sus contadas esculturas. Asegura que «en los años sesenta la taberna de Eligio era el verdadero centro cultural de Vigo». Recuerda que allí nacieron iniciativas como la exposición de pintura de la plaza de la Princesa.


Barreiro sigue siendo cliente de la taberna que un día fue escenario habitual de encuentro, entre otros, de Blanco Amor, Celso Emilio, Don Valentín, Don Paco, Oroza, Pousa, Mariño, Lodeiro, Mantecón, Massó, Alfageme... que, en torno a una taza de vino, hablaban (o discutían si se terciaba) sobre lo humano y lo divino.

Apenas había cumplido los 18 cuando realizó su primera exposición. Su ilusión era viajar a París. Trabajó como escaparatista -«está mal que yo lo diga pero soy un buen decorador»- para poder cumplir dicha ilusión. En la capital del Sena, bajo cuyos puentes durmió más de una vez, pudo pagarse el alquiler de una buhardilla compartida precisamente ejerciendo de escaparatista en Lafayette.


Pasado un año le reclamaron desde Vigo. Los mejores comercios de la ciudad se rifaban su trabajo, así es que siguió compartiendo pintura y decoración. Prácticamente recién llegado conoció en el Eligio a Urbano Lugrís. Éste no estaba en su mejor momento personal, apenas pintaba y prácticamente vivía en la indigencia. «Me lo llevé a casa. Estuvo conmigo cuatro años. Es imposible contar con palabras lo enriquecedor que resulta tener una persona como él a tu lado», asegura.

Otro pintor que influyó en la vida de Barreiro fue Laxeiro. Se conocieron durante un viaje del de Lalín, que entonces residía en Argentina, a Vigo. «Cuando vio mi pintura me invitó a exponer en Buenos Aires». Aceptó la invitación. Para abonar el pasaje a bordo del Pasteur (11.000 pesetas) tuvo que recurrir a un prestamista, al que dejó en prenda un cuadro del propio Laxeiro. «Iba por tres meses y me quedé cuatro años». El cambio de planes empezó cuando nada más llegar tuvo que ponerse a pintar porque se había quedado sin obra durante la travesía. «El capitán me invitó a hacer una exposición a bordo y vendí buena parte de los cuadros», relata.


No lo tuvo fácil en Buenos Aires, cuya efervescencia cultural le fascinó. De la pintura no podía vivir y como no tenía papeles no le daban trabajo. Pidió en Harrods que le dejaran hacer una prueba de escaparatismo mientras preparaba los papeles. Esa misma noche, cuando llegó a casa de Laxeiro, tenía un recado del director para que se presentara en su despacho. «Dos días después tenía el permiso de residencia», cuenta.

Cuando en 1973 regresó de América la mayor tristeza fue encontrar hospitalizado a Lugrís, que murió ese año. «Estábamos en la habitación Antón Patiño y yo. Le enterramos un día lluvioso, triste, en una tumba prestada... Sentir nostalgia de todas las vivencias es una de mis mejores riquezas», dice.

Barreiro, que está preparando la exposición que a finales de año abrirá en A Coruña, no es un artista metódico. Su única rutina diaria es ir al estudio nada más levantarse y encender la luz. Prefiere no poner etiquetas ni a su pintura ni a su escultura, disciplina que empezó a explorar hace unos años. «La obra del artista habla por sí sola y no precisa de representaciones teatrales de su creador», afirma. Añade que la mayoría de los genios pecaron de sencillez y de inocencia.

Soledad Antón- LA VOZ DE GALICIA

jueves, 28 de julio de 2011

Josep Comes i Busquets



José Comes i Busquets ( Barcelona , 1 de enero de 1924 ). Pintor catalán de estilo hiperrealista . Hijo de una familia trabajadora, creció en un ambiente de fuerte compromiso social. La muerte de su hermano, voluntario republicano de sólo diecisiete años, en la guerra civil española y el exilio posterior de su padre en Francia , forman parte de su infancia.

Se formó profesionalmente y artísticamente en Sabadell , ciudad en la que vivió muchos años y que recoge buena parte de su obra.

En la posguerra, todavía un adolescente, se ganó la vida encalando iglesias quemadas durante la guerra. De ahí evolucionó a pintor decorador, grafista y profesor de dibujo. Posteriormente ejerció de decorador de interiores especialmente de tiendas en Sabadell.

Implicado socialmente ha actuado desde antes de la transición en grupos culturales y políticos. En la Academia de Bellas Artes de Sabadell ha sido director artístico (1.976-77) y presidente (1978-1980).

La dedicación a la pintura artística no será hasta los años 70 que participó en exposiciones colectivas, premios nacionales e internacionales en Cataluña, principalmente.

En 1978 comenzó una serie de viajes en la provincia de Soria para buscar fuentes de inspiración y en uno de estos viajes, decide romper con su familia, trabajo y posición para centrarse exclusivamente en su nueva etapa artística . Tenía 54 años y decide pasar a vivir en solitario en una masía del macizo de la Mola durante dos años. Centró su estilo, que ha continuado a lo largo de su historia, en la pintura hiperrealista hecha al temple de huevo .

A los 60 años fijó su residencia en L'Ametlla del Vallès donde vive actualmente. Formó parte de las listas municipales del PSC en L'Ametlla del Vallès .

ca.wikipedia

Juan Botas



Juan Suarez Botas, Gijón 1958 - Nueva York 1992. Ilustrador, diseñador gráfico y finalmente director de cine, Botas fue un caso excepcional, se trasladó a Estados Unidos en 1977. Estudió en la Syracuse University y estudió y trabajó con el diseñador gráfico Milton Glaser. Su obra se vió publicada en revistas como: Time, Newsweek, Fortune, U.S. News and World Report, The New York Times o Vogue tanto en sus portadas como en en su interior.a obra de Juan Botas logró el reconocimiento internacional que pocos artistas españoles podían esperar y aspirar en aquellos momentos..

Fue el inspirador de la película "Philadelphia" de Jonathan Demme, ambos se conocieron gracias a Joanne Howard, mujer del director e íntima amiga del ilustrador asturiano. "Philadelphia" una película de carácter oscuro y pesimista, todo lo contrario de lo que era Juan Botas.

Jonathan Demme en contrapartida, al apoyo recibido por parte de Juan Botas para su película, se avendrá a financiar al ilustrador asturiano, enfermo de SIDA, en su proyecto de "One foot on the banana peel, the other foot in the grave" (Un pie sobre la cáscara de plátano, el otro en la tumba) proyecto que por desgracia no verá terminado, una película tremendamente sincera, un relato no lineal en el que unos hombres demacrados por el avance del sida recuerdan viejas historias de su vida, bromean, ríen a carcajadas, lloran, hablan de amor, de sexo, de muerte, y sin embargo sabe darle la vuelta a la situación, y sacar fuerzas y optimismo donde parece imposible. Como muestra podemos tomar dos intervenciones de Botas en una su afirmación casi de humor negro entorno a las facturas que recibe: "Veo toda esa montaña de facturas y les escribo diciéndoles que no tengo ni la salud, ni los recursos para pagarlas. Que no me quiero sentir responsable del daño que están causando a los bosques".

O como en otro pasaje en el que se le ve bebiendo con asco un jarabe blancuzco. Al día siguiente, Juan dice a sus compañeros: "Ayer Pepe me preguntó en casa que qué era el jarabe. Le dije que horchata. Me creyó, se llenó un vaso y dijo que estaba muy rica".

Su compañero Billy Cole le sobrevivió.

Lucas Platt, productor de varios trabajos de Jonathan Demme y amigo de Botas sería el encargado de terminar el documental.

Apunte biográfico. ciudad de la pintura

miércoles, 27 de julio de 2011

Dorothea Tanning


Dorothea Tanning ( 1910) pintora, grabadora, escultora y escritora americana. Tambien diseño decorados y vestuario para ballet y teatro.


Dorothea Tanning nacio y se crió en Galesburg, Illinois. Estudió en Knox College 1928-30 antes de irse a vivir a Chicago. En 1935, Tanning se trasladó a Nueva York, donde descubrió el Dada y el Surrealismo en el Moma (Museo de Arte Moderno). A principios de la decada de 1940, Tanning ya estaba trabajando en sus propias composiciones surrealistas, al mismo tiempo que hacía pintura comercial para ganarse la vida. Impresionado por su creatividad y talento, el director comercial de los grandes almacenes Macy le presentó al dueño de la galería Julien Levy, que inmediatamente se ofreció a hacerle una exposición. Hizo dos exposiciones con Levy 1944 y 1948), y tambien le presentó al círculo de emigrantes surrealistas, incluido el pintor alemán Max Ernst. Como ella cuenta en sus memorias, cuando Ernst visitó su estudio en 1942, jugaron al ajedrez, se enamoraron, y se fueron a vivir juntos a Sedona, Arizona, y más tarde a Francia. Se casaron en 1946, en una boda doble con Man Ray y Juliet Browner.


Las imágenes surrealistas de Tanning desde 1940 a principios de los 50s – y su amistad con artistas y escritores del movimiento surrealista a llevado a muchos a considerarla una artista surrealista. Sin embargo ella ha desarrollado su propio estilo, una carrera que ya pasa de las seis décadas. A finales de 1940 y principios de 1950, pintaba "sueños", trabajando en Nueva York, Sedona, y Paris. Tenía amigos como Marcel Duchamp, Roland Penrose, Lee Miller, Yves Tanguy, Kay Sage, y George Balanchine, para quienes diseñor decorados y vestuario para varios ballets, incluido The Night Shadow (1945).


En 1949, Tanning y Ernst se trasladaron a Francia, donde dividían su tiempo entre Paris, Touraine y despues Provence. A mediados de la década de 1950 su obra cambio radicalmente. Como ella misma explica " Aproximadamente en 1955 mis telas literalmente se hicieron añicos . . . Como si se me rompiera la horma.” En este periodo, las imagenes de Tanning se fragmentaron, como en Insomnias (1957, Moderna Museet, Stockholm). A finales de 1960 la obra de Tanning era casi completamente abstracta, pero hay sugerencias de formas femeninas. Durante estos años, Tanning tambien hizo grabado, trabajando en el estudio de Georges Visat y Pierre Chave y colaborando en libros de poetas tales como André Pieyre de Mandiargues y Lena Leclerq. En el periodo 1969-73, Tanning se concentró en unas esculturas tridimensionales. Una de ellas esta ahora en la coleccion permanente del Centre Georges Pompidou, Paris.

Despues de la muerte de Max Ernst en 1976, Dorothea Tanning volvió a los Estados Unidos. En 1980 ya tenía su casa y estudio en Nueva York y comenzó una etapa tremendamente creativa durante la cual realizó pinturas, dibujos y collages. Su obra se ha exhibido en numerosas exposicines individuales, tanto en America como en Europa, incluidas las retrospectivas de 1974 en el "Centre National d’Art Contemporain" en Paris (que mas tarde se llamaría Centre Georges Pompidou en 1977), y en 1993 en Malmö Konsthall en Suecia y en Camden Art Center en Londres. En 2000, el -Philadelphia Museum of Art- organizó una pequeña retrospectiva titulada Birthday



Conoció al pintor alemán Max Ernst en 1942 y se enamoraron durante una partida de ajedrez

En los últimos años, Tanning se ha dedicado a la escritura y a la poesía. En 1986, ppublicó sus memorias, tambien titulado Birthday, libro que ha sido traducido a cuatro idiomas, y en 2001, escribió una versión más extensa titulada Between Lives: An Artist and Her World. Una colección de sus poemas, A Table of Content, y una corta novela, Chasm: A Weekend, publicadas ambas en 2004. Tanning continúa escribiendo poesía, y sus poemas aparecen regularmente en revistas literarias y magazines, tales The Yale Review, Poetry, The Paris Review, y The New Yorker.



References

^ http://www.drawingcenter.org/exh_past.cfm?exh=726
^ http://www.schlossbote.de/rag-vsw-sb/docs/264284/bruehl
^ http://www.cote.azur.fr/actualites/info_expositions-et-visites__10710_lang_es.htm
^ http://www.belart.se/exhibitions/render_exhibition?ex_id=101
^ http://www.audeculture.com/espacedart/espace-expo.html