martes, 30 de noviembre de 2010

José Benlliure Ortiz







Jose Benlliure Ortiz, conocido como Peppino, (Roma, 1884 - Valencia, 1916) pintor español.

Hijo de José Benlliure y Gil, nació en Roma cuando su padre era director en la escuela de pintura en Roma. Allí conoció a Villegas y Cordero, Francisco Pradilla, Ferrat, Antonio Muñoz Degrain, Moreno Carbonero, Joaquín Sorolla, Manuel Benedito Vives y Eduardo Chicharro.

Discípulo de Joaquín Sorolla, acompañó a su maestro en distintos viajes, ayudándole en sus exposiciones siendo el encargado de redirigir las obras de decoración de la casa que construyó Sorolla en Madrid.

En sus últimas obras, se pueden presenciar las cualidades impresionistas de este pintor. Su padre legó una importante cantidad de obras al Museo de Bellas Artes de Valencia.

(Información obtenida de Wikipedia)

lunes, 29 de noviembre de 2010

Oscar Bluemner






Oscar Florianus Bluemner (21 de junio de 1867 – 12 de enero de 1938) fue un pintor modernista estadounidense nacido en Alemania.


Nació en Hanover, Alemania. En 1893 se trasladó a Chicago donde trabajó como independiente y dibujante en la Exposición Universal de Chicago. Tras la exposició buscó infructuosamente empleo en la ciudad y en Nueva York. En 1903su suerte cambió cuando su diseño fuel escogido para el Bronx Borough Courthouse de Nueva York.

Bluemner se instaló en Nueva York en 1901. En 1908 conoció a Alfred Stieglitz, quien le presentó otros artistas estadounidenses y europeos, principalmente de vanguardia. Hacia 1910 decidió dedicarse por completo a la pintura, en detrimento de la arquitectura. Exhibió en 1913 en el Armory Show. En 1915 espuso en la galería 291, de Stieglitz . Pese a participar en varias exposiciones, incluyendo algunas en solitario, durante los próximos años vendió muy pocas obras y vivió casi en la pobreza.

Tras el deceso de su esposa en 1926, se instaló en Braintree, en el estado de Massachusetts. El 12 de enero de 1938 se suicidó.

Gaston Duchamp-Jacques Villon


Jacques Villon (nombre por el que es más conocido Gaston Emile Duchamp 31 de julio de 1875 - 9 de junio de 1963) fue un pintor francés influido por el cubismo.

Nacido en 1875 en el pueblo normando de Damville, Gaston Duchamp (adoptó el seudónimo de Jacques Villon en 1895), era el primogénito de la familia formada por el notario Eugéne Duchamp y de Marie-Caroline-Lucie Nicolle, hija de un acomodado agente marítimo de Ruán. Hermano del artista Marcel Duchamp y del escultor Raymond Duchamp-Villon.


Estudió Derecho en La Sorbona, pero tomó la decisión de abandonar sus estudios durante las navidades de 1895 para dedicarse por completo a la práctica del dibujo y la pintura.


A partir de 1897, empezó a realizar ilustraciones para periódicos humorísticos parisienses que satirizaban la religión, el ejército y otros tantos bastiones de la moral convencional de la época.

Su obra pictórica encuentra sus raíces en el cubismo, pero se aparta de él al incorporar colores brillantes y formas simplificadas.

Wangechi MUTU







Wangechi Mutu (b.1972, Nairobi, Kenya) es una artista que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Se formó Nairobi en el Loreto Convent Msongari (1978-1989) y despues estudió en el United World College de Atlantic, Wales ( 1991). Mutu se trasladó a Nueva York en la década de 1990 para estudiar arte y antopología en - New School for Social Research and Parsons School - de Arte y Dibujo.


Consiguió una beca de la Cooper Union for the Advancement para la promoción de las artes y la ciencia en 1996, y luego recibió un MFA de la universidad de Yale (2000).

La obra de Mutu ha sido expuesta en galerías de todo el mundo incluyendo - the San Francisco Museum of Modern Art-, -the Miami Art Museum-,- Tate Modern en Londres-, -the Studio Museum in Harlem in New York-, -Museum Kunst Palast in Düsseldorf-, Alemania, y el Centre Pompidou en Paris. Su primera gran exposición individual en America tuvo lugar en - the Art Gallery de Ontario en marzo de 2010.



El 23 de febrero de 2010 Wangechi Mutu ganó el primer premio del Deutsche Bank como "la artista del año". El premio consistía en una exposición individual en el Deutsche Guggenheim en Berlin. Titulada My Dirty Little Heaven, la muestra viajó en Junio de 2010 al Wiels Center for Contemporary Art en Bruselas, Belgica.

References

1. ^ Provocative Artist Wangechi Mutu to Tear Up Gallery Walls in Canadian Debut,

domingo, 28 de noviembre de 2010

Marlene Dumas





Marlene Dumas (3 de agosto de 1953) es una artista nacida en África del Sur, ahora vive y pinta en Amsterdam, Países Bajos. Destacando tanto la realidad física del cuerpo humano y su valor psicológico, Dumas tiende a pintar sus temas en los bordes extremos del ciclo de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte, con un énfasis continuo en las modalidades clásicas de la representación en el arte occidental, como el desnudo o el retrato funerario.

Al trabajar dentro de estos temas, transgrediendo estos antecedentes históricos tradicionales, Dumas utiliza la figura humana como un medio para la crítica de las ideas contemporáneas de la identidad racial, sexual y social.

Nacida en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 1953, Marlene Dumas se crió en los viñedos de su familia más allá de los límites de la ciudad en la región semi-rural de Kuils River. Como estudiante de pintura en la Universidad de Ciudad del Cabo Michaelis en la Escuela de Bellas Artes durante la década de 1970, Dumas estuvo expuesta a la preocupación de la década con respecto al conceptualismo y a la teoría del arte


Era la fotografía, sin embargo - la obra de Diane Arbus, en particular - que ha tenido el mayor impacto en la joven artista durante este período, introduciendo en ella la "carga de la imagen" y la complejidad de representar la forma humana. Al aceptar una beca para estudiar en el instituto Ateliers regido por una holandesa, Dumas se trasladó en 1976 a Amsterdam, donde continúa viviendo y trabajando. Durante estos años de formación, Dumas exploró la relación entre imagen y texto en los collages, combinando fotografías recortadas, texto y los movimientos gestuales de dibujo.

Trabajando casi exclusivamente a partir de fuentes fotográficas, Dumas extrae su material de un archivo en constante desarrollo de instantáneas personales, fotografías Polaroid, y miles de imágenes arrancadas de revistas y periódicos. Una pintura no es nunca una interpretación literal de una fuente fotográfica. Para una pintura, puede recortar una imagen original, centrándose en las figuras en el fondo lejano de una fotografía. Por otra parte puede ajustar el color, utilizando su paleta característica de grises, azules y rojos. Los retratos de Dumas eliminan temas de su contexto original y los despoja de cualquier información de identificación.

Este material de origen permite a la artista captar sus temas humanos en su propio momento de la historia, sin embargo, ofrece una distancia suficiente para que el tema se observe en silencio y con respeto: los bebés torpes, un hombre capturado (con ojos vendados ), una mujer posando embarazada, el rostro de un escritor notable (la muerte del autor), o la propia artista (Autorretrato al mediodía). El choque personal e histórico en los retratos de Dumas.


Marilyn muerta(2008), un cadáver femenino llena la extensión de un pequeño lienzo. Esta obra marcó el inicio de un grupo de pinturas de luto y de mujeres llorando, realizadas en el año posterior a la muerte de la madre de la artista. El tratamiento de Dumas en esta infame imagen de Marilyn Monroe revela un significado que va más allá de su fuente original, que era una fotografía de autopsia. Sucias pinceladas de luz blanca, azul-verde y gris manchan la cara.


Nociones de celebridad, sensacionalismo y el misterio de la narrativa personal de la actriz entra en cuestión. En El Peregrino (2006), Dumas gira sus intereses fundamentales en la notoriedad pública a una imagen de Osama bin Laden, cuyos ojos relativamente pacíficos y una sonrisa leve en gran contraste con las representaciones de los medios típicos. Al parecer, recortada de su foto original, tenemos poco sentido de contexto, por no hablar de lo que está más allá de las fronteras del lienzo. Surayando su imagen pública y su importancia histórica, Dumas nos deja con una crítica de la política y de identidad. Ella ha dicho que sus obras se aprecian mejor como originales, a veces chocantes, de incómoda intimidad, que capta con sus obras.


El artista es también un educador ávido, encontrando que:

La enseñanza es una cosa muy importante, y no sólo porque enseño dosas a los estudiantes, sino también porque tenemos un diálogo, y ves lo que realmente quieres. Descubres cosas. Sigo creyendo en el diálogo socrático. El arte es realmente algo que se aprende al estar rodeado de gente.


Su primera exposición importante en un museo americano fue una retrospectiva de mitad de carrera titulada "Measuring Your Own Grave" , inaugurada en junio de 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, y se trasladó al Museo de Arte Moderno en Nueva York. La artista es representada por David Zwirner , de Nueva York.

Jesús Rafael Soto


Jesús Soto (Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005) fue un artista venezolano. Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.

Jesús Rafael Soto nace el 5 de junio de 1923 en Ciudad Bolívar. Es el hijo mayor de Emma Soto y de Luis García Parra, que tendrán otros cuatro hijos. Trabaja desde niño para contribuir con el mantenimiento de la existencia material de su familia, pero frecuenta al mismo tiempo la escuela primaria y, hacia la edad de doce años, empieza a aprender guitarra. Su padre, por cierto, era violinista.
En esa misma época copia reproducciones de cuadros que encuentra en revistas, libros y almanaques. A los dieciséis años, consigue un trabajo como pintor de afiches para los tres cines de Ciudad Bolívar.


Entra en contacto con un grupo de estudiantes que escribe en la prensa local —quienes lo animan a que emprenda una carrera de artista— y se interesa por el surrealismo.


En Ciudad Bolívar Soto obtiene una beca para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, adonde llega en septiembre de 1942. Sigue el Curso de Arte Puro y el de Formación Docente en Educación Artística e Historia del Arte.


En torno a su director, Antonio Edmundo Monsanto, liberal y estimado, se forma un círculo de estudiantes de distintas edades: Omar Carreño, Carlos Cruz-Diez, Narciso Debourg, Dora Hersen, Mateo Manaure, Luis Guevara Moreno, Pascual Navarro, Mercedes Pardo, liderados por el más avanzado, Alejandro Otero (1921-1993); la mayoría de ellos se irá a vivir a París a finales de los años cuarenta. Monsanto lleva a la escuela revistas y libros extranjeros, así como reproducciones y grabados, que se convierten en la principal fuente de información para los estudiantes.

Al entrar en la Escuela de Bellas Artes hubo algo que me maravilló: una naturaleza muerta de Braque que se encontraba montada sobre un caballete a la puerta de la escuela. En ese momento sentí el mismo interés que cuando me hablaron sobre poesía surrealista en Ciudad Bolívar. Mi preocupación entró directamente dentro de ese campo. Todo comenzó a girar sobre ese centro: ¿por qué aquello era una obra de arte? Lo primero que hice fue hablar con Alejandro Otero por ser uno de los alumnos más brillantes de la escuela y dado que era de mi propia tierra, Ciudad Bolívar.

Me aconsejó que tomara el tiempo necesario para ambientarme con la nueva pintura diciéndome que aquello era muy difícil y que lo iría aprendiendo poco a poco. Desde luego que no quedé satisfecho, y seguí investigando e informándome como pude.

A partir de 1943 y hasta 1949, Soto expone cada año en el Salón Oficial de Arte en Caracas. Conforme a la enseñanza de Monsanto su pintura de esa época denota diversas influencias, particularmente la de Cézanne, decisiva a finales de la década.


Al fin del primer año en la escuela, yo estaba tratando ya de hacer del paisaje o de la naturaleza muerta una composición muy diferente, queriendo integrarme en el cubismo o acercarme a Cézanne. Nunca me interesó hacer una obra impresionista; me interesaba más lo constructivo. Yo no pinté paisajes como casi todos mis compañeros, paisajes que recordaban a Sisley, Monet. Yo veía el paisaje venezolano con grandes planos. (…) Los cinco años que pasé en Caracas no fueron más que una etapa de formación o, si se quiere, de información.

Hasta mi llegada a Europa, mi labor fue eminentemente de investigación, de conocer posibilidades nuevas, [de averiguar] dónde estaba el nivel máximo de la pintura moderna para ver si yo podía añadir algo. La Escuela de Artes Plásticas no era una academia; era como un gran taller donde había artistas con quienes discutir, fueran alumnos o profesores. (…) Para mí el cubismo era entonces un ejercicio de construcción, de ordenamientos de planos, un medio que me era más útil para tratar la luz del trópico, que no podía entender, como ya he dicho, a la manera impresionista. Más tarde, cuando llego a Europa, puedo comprender el impresionismo. En Venezuela, nunca me fue posible comprenderlo a causa de la violencia de la luz.


Termina sus estudios y obtiene el título de Maestro de Arte Puro y de Formación Docente. Es nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo, que era entonces una pequeña ciudad provinciana. Enseña también en el Liceo Baralt y en la Escuela Normal.

En Maracaibo me di enteramente, dentro de la Escuela de Bellas Artes, como director y profesor, y fuera de ella. Enseñé a quienes querían y a quienes no querían reconocer a Picasso. Una labor terrible, porque los profesores que me acompañaron en la escuela o los liceos estaban contra mis ideas y destruían mi labor con los alumnos en ese sentido. (…) Durante ese tiempo se me iba haciendo cada día más necesario salir de Maracaibo, de Venezuela, buscar otra información sobre lo que pasaba en el mundo en el plano del arte.

Fue también en Maracaibo donde oyó mencionar por primera vez, despectivamente, el Cuadrado blanco sobre fondo blanco de Malevich.

FUENTE- su propia pagina