Alfred William Finch nació en Bélgica hijo de padres ingleses, pasó la última parte de su vida en Finlandia
Fue alumno de la Académie Royale des Beaux- Arts en Bruselas y en 1883 se convirtió en miembro fundador de LES XX, un grupo de veinte artistas belgas, pintores, diseñadores y escultores, que se rebelaron contra la formación anticuada. Se quedó impresionado por la obra de Seurat y de Paul Signac y cambió su estilo de pintura del realismo al puntillismo. Durante los años siguientes se convirtió en un miembro representivo de ese estilo en Bélgica, junto con Théo van Rysselberghe.
A principios de la década de 1890 empezó a cambiar de la pintura a la cerámica, al darse cuenta que no podía ganarse la vida con la pintura. Invitado por el conde Louis Sparre se trasladó a Porvoo, Finlandia en 1897 para dirigir la fabrica de cerámica Iris, e influenció el desarrollo de Jugendstil. Despues del cierre de la fábrica volvió a la pintura. Murió en 1930
Formó parte junto con sus amigos los pintores Nonell, Mir, Pichot y Juli Vallmitjana de la Colla del Safrà (Grupo del Azafrán), llamado así por el colorido empleado en sus obras.
En 1897 junto con Isidre Nonell viajan a París donde exponen en la galería Chez Dosbourg
con gran éxito, Nonell vuelve a Barcelona y Canals se queda trabajando
para el marchante Durand-Ruel, manteniendo en París una amistad con Picasso personal bastante importante, de ésta época es el retrato de la esposa de Canals realizado por Picasso1 así como el cuadro Un palco en los toros
de Canals, en el que posaron las esposas de ambos pintores. Regresó en
el año 1907, para quedarse definitivamente en la ciudad Condal.
Su pintura se encuentra influenciada por los impresionistas franceses, principalmente por Renoir, como puede apreciarse en su lienzo La Toilette,
sus gamas de colores se caracterizan con los tonos suaves que recuerdan
la ténica al pastel. Además de la pintura de caballete, de grabados, dibujos y pasteles, se dedicó a la pintura mural, como la que realizó para la sala de Comisiones de la Casa de la Ciudad de Barcelona. Gran parte de su obra se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña
Guillermo Muñoz Vera, pintor. Nació en Concepción, Chile, el 28 de Abril de 1956. En 1973 ingresó a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de
Chile. En 1977 fue nombrado Profesor Adjunto de la Cátedra de Dibujo de
la misma casa de estudios. En 1979 ingresó a la Facultad de Bellas Artes
en la Universidad Complutense donde estudió anatomía y dibujo. También
se perfeccionó en las áreas de la fotografía, física del color, física
óptica, oftalmología, psicología de la visión, imagen digital y técnicas
pictóricas.
En 1985, siendo ya un pintor reconocido, fijó su residencia en Madrid y obtuvo la nacionalidad española. Hacia 1989 creó el primer taller multidisciplinario de arte en Morata
de Tajuña, a pocos kilómetros de Madrid. El centro incluía talleres de
pintura, grabado y enmarcación y compartió allí su trabajo con otros
artistas tanto españoles como extranjeros.
En 1993 creó su propia Academia de Arte en Madrid. En 1994 creó el
proyecto ARAUCO, sigla de Arte y Autores Contemporáneos, junto a Carmen
Spínola, un espacio cultural alternativo con estructura de taller de
arte multidisciplinario, que abarcan la pintura, el teatro la música y
el diseño gráfico. En este proyecto, Muñoz Vera asumió el cargo de
codirector y profesor de dibujo y pintura.
En 1996 la institución se
trasformó en Fundación Arte y Autores Contemporáneos. Muñoz Vera se ha
desempeñado allí como Vicepresidente de la institución y ha estado a
cargo de diversas actividades docentes y culturales sin fines de lucro,
que incluyen talleres de enseñanza, certámenes de artes plásticas, becas
de estudio, exposiciones y conciertos.
Fue el fundador de la Asociación de Acuarelistas Canarios (1944),
muchos de cuyos miembros siguieron la estela de su técnica y obtuvieron
varios premios nacionales. Los paisajes campesinos, las flores, el Teide,
plazas y marinas, numerosos rincones del Puerto de la Cruz, calles de
diferentes pueblos de Tenerife y variados edificios rústicos fueron los
principales motivos de sus obras. Bonnín, sin embargo, reprodujo pocas
figuras humanas, como la mora. La emblemática enciclopedia Natura y Cultura de las Islas Canarias
asegura que Bonnín “recorrió palma a palmo los lugares más típicos” de
la isla, y añade que “las gentes al verlo engalanaban sus casas con las
mejores plantas y flores”.
Comenzó su formación artística en su ciudad natal de mano de Ubaldo
Bordanona y Felipe Verdugo allá por el año 1886, cuando sólo contaba con
doce años. La primera vez que mostró su obra fue en una exposición
organizada por la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Tenerife en 1892. Seis años más tarde debido a su ingreso en el ejército tuvo que trasladarse a Segovia donde conoció a Daniel e Ignacio Zuloaga,
entre otros, que lo animaron a exponer en La Granja de Segovia.
La
extremada sensibilidad demostrada por Bonnín en el tratamiento del color
que recuerda en cierta manera a Juan Arencibia, se vio influenciada por
el artista alemán Bruno Brandt, que estuvo en Tenerife, y le introdujo
una técnica más libre, con pinceladas más sueltas, además de una
nokkvisión sobre la naturaleza. También influyeron mucho en su
concepción de la aguada diferentes artistas británicos que residieron en el Puerto de la Cruz.
Fue en 1908 cuando se licenció como teniente de artillería
y se integró en la vida cultural tinerfeña. Allí contribuyó en la
fundación del Círculo de Arte y del Círculo de Escritores y Artistas.
Seis años después fue destinado a Larache, hasta que lo trasladan Gerona, donde realizó varias exposiciones e ingresó en la Agrupación de Acuarelistas Catalanes. En 1927 se inauguró el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz,
del que fue presidente. En 1928 dirigió el proyecto del Pabellón
Canario en la Exposición Universal de Sevilla. Algunos de sus paisajes
fueron adquiridos por la infanta Isabel. Como decorador destaca la ornamentación que realizó al óleo en la sala de baile del Casino de Tenerife.
Tras su retirada del ejército y su renuncia a la presidencia del
Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz en 1935, realizó varias
exposiciones. También fue el promotor del Primer Salón Nacional de la
Acuarela en la capital tinerfeña en 1950. Murió en 1963. Como se ha mencionado, constituyó la Agrupación de Acuarelistas
Canarios, surjida bajo su amparo e infujo. Esta agrupación alcanzó un
alto reconocimiento fuera de las islas, llegando muchos de sus miembros
más importantes a obtener premios nacionales de acuarela. Destacaron
entre otros; José Comas Quesada, Alberto Manrique, etc.
El artista Francisco Borges Salas falleció el 17 de enero de 1994, a los 93 años en su ciudad
natal. Santa Cruz de Tenerife. La escultura, la pintura, el dibujo, el
grabado y la talla abarcaron su desbordada creatividad. Gozó de una gran
vitalidad artística, únicamente mermada a por la progresiva pérdida de
la vista y cierto desdén consciente que mostró hacia a vida. El
patriarca de los artistas canarios había optado desde hacía 30 años por
un retiro voluntario en su casa, que le alejó de la sociedad, pero le
concentró en su obra.Buena parte de su dilatada vida la pasó en el
extranjero: primero en París, donde se formó, y después en México y
Venezuela, donde se exilió.
La larga ausencia y el discreto retorno a la
isla en 1962 le convirtieron en un personaje casi inexistente para
muchos de sus vecinos, que se habían familiarizado con su mejor
escultura, la Fecundidad -una mujer desnuda instalada en un
parque de la capital que la dictadura llegó a esconder en los depósitos
municipales, por un falso pudor- desconociendo la identidad del
artista.Borges fue, finalmente, rehabilitado del olvido que él se había
autoimpuesto. El Gobierno autónomo le concedió la Medalla de Oro de
Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife le nombró hijo
predilecto de la ciudad.
La Real Academia de Bellas Artes de San Miguel
Arcángel reavivó en la memoria colectiva el interés por el artista más
silencioso que habitaba la isla, "el último de una generación de grandes
escultores", según Eliseo Izquierda, comisario de una antología que
redescubrió el gran valor de su obra hace cinco años. Ahora, sus
seguidores aguardan la publicación de un estudio realizado por la
escritora Faly Gutiérrez.
Borges, "un caso patológico de integridad", a juicio de Eduardo
Westerdahl, se quedó siempre a las puertas de recibir el Premio Canarias
de las Bellas Artes, una deuda que sus paisanos no supieron saldar a
tiempo.-
Dórdio Gomes nació en 1890 en Arraiolos. Portugal y murió en 1976 en Oporto. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y completó su formación en París, con una beca, en 1910. Fue discipulo de Veloso Salgado, Jean-Paul Laurens y de Ferdinand Cormes. Entre 1921 y 1926, viaja por varios países europeos. En París conoce a Paul Cézanne que influenció su pintura inicial. La acentuación de planos y volumenes en la representación de sus paisajes, asociado a una pincelada y cromatismo de tipo expresionista con características de su obra inicial.
Impartió clases en la Escuela de Bellas Artes de Oporto desde 1933.
Fue uno de los fundadores del grupo El Paso, que reivindicó el arte de vanguardia en la España franquista, una de las figuras de la abstracción española, del informalismo. Fue y sigue siendo un adalid del trazo, del gesto, de la pincelada expresiva y espontánea y del arte oriental. Y ahora, además, es también un rendido admirador del pintor figurativo Joaquín Sorolla. Lo dijo ayer Luis Feito en Valencia, donde hizo gala de un "sorollismo" convencido desde que vio la exposición de la Hispanic Society en el Museo del Prado. "Nunca se había visto Sorolla tan bien representado", afirmó el creador madrileño que, a sus 83 años, presentó una serie de cuadros recientes en la Galería.
Rodeado de sus cuadros y de periodistas, Feito lamentó que en la actualidad hay mucha gente joven "que pinta con el dólar en la cabeza porque es lo que ha mamado", ya que le han inculcado que hay que "realizar un producto que se venda lo mejor posible para hacerse pronto célebre y rico".
A él le costó llegar. Pasó penurias en París, donde fue a aprender, pero se forjó una formación y una mirada personal. Señaló que hoy hay gente "maravillosa", aunque ha constatado la presencia de muchos autores jóvenes que pintan "con el dólar en el cabeza". A su parecer, en estos momentos hay quien "crea desde la ocurrencia y no como consecuencia de un trabajo serio".
Pese a que declinó en un principio dar nombres, aludió a "esos techos por ahí que se caen". Acto seguido y cuando ha sido preguntado por si se refería a Miquel Barceló, precisó: "Por ejemplo".
No obstante, el artista sostuvo que esos autores son "víctimas de la sociedad", que empuja al "dinero y la fama", y lanzó a los nuevos talentos un mensaje: "Nosotros tuvimos un enorme desafío para poder seguir adelante --debido a la dificultad de la época-- pero ellos tiene un reto igual o más difícil, que es el de salir de esas modas y trucos para hacer algo realmente importante".
"A mí también me gusta salir en los periódicos y en la televisión, pero me ha costado 60 años. Esa no es la razón de vivir de un artista", advirtió Feito, que agregó que a él la pintura "le ha llevado en volandas en la vida".
En este contexto, e interrogado por su opinión de la venta de un cuadro de Mark Rothko por más de 50 millones de euros, indicó que es algo "demente" aunque reconoció que siendo una pieza de este creador le parece mejor que si se trata de artistas que no le agradan. Aun así, apostilló que "estas cosas nunca son lo que parecen", ya que hay "comercio y especulación".
Feito manifestó que le es imposible dar razones sobre su obra porque el arte "es un misterio que, como tal, no se puede explicar". En este sentido, aseveró que "la pintura debe salir de las tripas para ir directamente al brazo, nunca de la cabeza, porque en ese caso se está fabricando un producto".
Hace veinte años, César Manrique, el artista que reinventó Lanzarote,
salió de su casa en Tahiche, convertida ya entonces en la sede de su
fundación, se subió al coche grande que conducía y se dispuso a caminar
hasta Haría, al norte de la isla, donde dos años antes había fabricado
una casa rodeada de silencio y de palmeras. Eran las dos de la tarde. Al
entrar en el cruce que le daba acceso a la carretera, un automóvil cuya
llegada él no advirtió arremetió contra su carrocería y acabó con su
vida.
César había nacido en Arrecife en 1919. Fue pintor, intentó la
aventura de Nueva York cuando el arte tenía allí su destino y su
frontera, pero un día de primeros de los años 60 volvió a la isla urgido
por una pasión: quitarle a Lanzarote la maldición de la pobreza,
convertir su belleza oculta en una obra de arte. Consiguió la
complicidad del presidente del Cabildo isleño de entonces, Pepín
Ramírez, y comenzó, con él, a descubrir algunos de los lugares que luego
fueron muchas de las maravillas que él acondicionó para que fueran
tesoros públicos de la isla que reinventó. En primer lugar, la Cueva de
los Verdes y los Jameos del agua.
Desde entonces, ayudó a arquitectos a tratar la isla con extrema
delicadeza, él mismo se puso a la tarea de acondicionar espacios dejados
de la mano de Dios (como los volcanes de Timanfaya), y creó una especie
de libro de estilo que fijó en Lanzarote algunas líneas rojas que nadie
podía cruzar. Era una isla, pero él la trató como una obra de arte,
como su gran pintura o como su gran escultura. Su casa, fabricada en
cuevas volcánicas que él descubrió en Tahiche, en el municipio de
Teguise donde luego encontraría la muerte, fue uno de los emblemas de
ese territorio que él convirtió, a su manera, en una especie de paraíso
que él defendió, mientras vivió, como si estuviera en guerra permanente
contra los bárbaros que trataban de llenar la isla de carreteras y
autopistas que iban a inundar de automóviles el espacio de una isla que
él consideraba milagrosa.
En medio de esa guerra, que lo llevó a ir contra todos, contra las
autoridades, aún las más altas, porque consentían el maltrato del
paisaje, César Manrique buscó, poco después de cumplir los setenta años,
una cierta paz, un lugar donde pasar el tiempo que le quedaba; quería
ir dejando en manos de otros (en manos de su ahijado, Pepe Juan Ramírez,
hijo de Pepín, presidente de la Fundación César Manrique desde que
murió el artista) la gestión más inmediata de sus obsesiones
medioambientales, y se fue a vivir a una casa en Haría, al norte de la
isla, en medio de un palmeral que incrementa el aire de silencio que
domina esa zona y que él quería para regresar a la pintura y al sosiego,
sus pasiones de los últimos tiempos. Esa paz le duró dos años, hasta
que aquel automóvil segó su paso y él pasó a ser una leyenda gracias a
la cual los depredadores que él denunciaba no han podido acabar, aún,
con el Lanzarote que él había soñado en Nueva York. Información- EL PAIS
domingo, 6 de enero de 2013
ME VOY QUINCE DIAS A VISITAR A LOS GUANCHES- HASTA LA VUELTA!
1896-1984
Carlos
Orozco Romero nació en Guadalajara, Jalisco en 1896, donde primero
estudió bajo la tutela de Luis de la Torre y Félix Bernardelli. En su
juventud perteneció al Centro Bohemio y tomó parte activa en la
formación del movimiento muralista en la provincia, siguiendo el modelo
colectivo de José David Alfaro Siqueiros y Amado de la Cueva. En 1921
viajó a Europa con una beca del gobierno estatal y participó en el II
Salón de Verano en Madrid. En 1928 fue maestro de dibujo en el
Departamento de Bellas Artes de la Secretaria de Educación.
En 1930
mostró su obra en el Arts Center de Nueva York y exhibió individualmente
en la Galería de Arte Moderno en la ciudad de México. Además de ser
pintor, fue uno de los principales promotores del grabado en madera y de
las técnicas litográficas que aprendió en el taller de Emilio Amero.
Junto con Carlos Mérida fundó la Escuela de Danza del Instituto Nacional
de Bellas Artes en 1932. Durante los años treinta exhibió su obra
constantemente en los Estados Unidos, y en 1939 participó en el Golden Gate International Exhibition
de San Francisco.
Un año más tarde ganó una beca de la Guggenheim
Foundation. Fue miembro fundador de la Escuela de Pintura y Escultura
"La Esmeralda", y en 1959 un homenaje le fue dado con una muestra
retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes. Participó en la XXIX Bienal
de Venecia y llegó a ser director del Museo de Arte Moderno de la
ciudad de México. Fue galardonado con el Premio Nacional de Ciencia y
Arte en 1980 y murió cuatro años más tarde en la ciudad de México.
