Elihu Vedder, nació en Nueva York en 1836. Su padre que era dentista, se fue a Cuba y Vedder se crió en un internado, pasando los veranos con su abuelo en Schenectady. Realizó su primer entrenamieno artístico con Tompkins Harrison Matteson. En 1856, viajó a París por primea vez, para estudiar con François-Édouard Picot. Al año siguiente fue a Florencia donde estudió con Raffaello Bonaituti. Durante su estancia en Florencia le presentaron a los Macchiaioli, un grupo de artistas que se rebelaron contra la pintura académica, y fue fuertemente influenciado por ellos.
Como su padre le cortó la asignación económica, volvió a Nueva York y empezó a hacer ilustraciones pra Vanity Fair y para el periodico ilustrado Frank Leslie, y al mismo tiempo empezó a introducirse en la escena literaria de la ciudad
En 1869 se casó y fue de luna de miel a Inglaterra, esta visita produjo un tremendo efecto en el ya místico estilo de Vedder
Volvió a los Estados Unidos, pero abandonó definitivamente el país en 1901 y dividió su tiempo entre Roma y su villa en la isla de Capri. Escribir poesía fue un gran consuelo para Vedder despues de la muerte de su mujer en 1909 y de su hijo en 1916. Vedder murió en Roma en 1923
Inmerso desde pequeño en el mundo del arte, Javier Vilató, sobrino de Picasso _hijo de su hermana Lola y del neuropsiquiatra catalán Joan Baptista Vilató_, se sumergió, en París, en la nueva forma de vivir y sentir el arte que el gran artista aportó, huyendo de parámetros establecidos y buscando su propia identidad. Si algún rasgo caracteriza la vida y la obra de Vilató, mas allá de sentirse siempre atraído por la luz del Mediterráneo, hecho evidente en su uso del color, es su interés, o mejor dicho su mirada reveladora del entorno, a menudo el entorno mas próximo, casi íntimo. Por ello, Vilató siempre fue un gran retratista, hasta el último momento en que trabajó intensamente el retrato escultórico. Tanto de las mujeres amadas, de los hijos, de los amigos, como de los animales con los que siempre compartió su hogar _los perros, los caballos, o los insectos_, como retratista, al fin y al cabo, de los objetos domésticos y cotidianos como por ejemplo un frutero, un cántaro o una lámpara. Temas, todos ellos, que reflejan su personal reflexión vital de una forma libre, enérgica y apasionada.
Fue uno de los artistas italianos más controvertidos y problemáticos de su epoca.Al igual que sus colegas futuristas de Florencia y Milán, Viani fue profundamente influenciado por los acontecimientos bélicos que sacudieron Europa en 1914, en el inicio de la Primera Guerra Mundial.Viani comenzó con sentimientos anti-militares.En 1912, durante la operación del colonialismo libio, hizo una serie de dibujos llamada "Alla Gloria della Guerra", que puso de relieve los horrores del conflicto italo-turco.
Después de escuchar las opiniones de Cesare Battisti en Viareggio, el pintor abrazó las ideas militaristas y se enroló en el ejército.Para Viani, el frente se convirtió en una fuente de inspiración artística.En medio de la muerte, el miedo, la lucha y la desesperación, encontró refugio en el dibujo.Creó obras en carbóncillo en l papel, toallas y vendas, que representan su punto de vista de los trágicos acontecimientos que se produjeron durante la guerra.El 01 de enero 1919 volvió a Viareggio.La guerra no dio paso a la justicia social como Viani había esperado antes de su inscripción.Años difíciles y violentos siguieron y Viani se dio cuenta del daño que le habían hecho a los italianos que habían sido enviados al frente para morir
Joaquim Vancells Vieta (Barcelona, 1866-1942) se trasladó con su familia en Terrassa, estudió dibujo y pintura (1882-83) en el Cercle Artístic terrasense con el marinista Sivilla y el pintor Martínez Altés. Aún así, la influencia más fuerte fue del paisajismo de Joaquim Vayredae, con su armonía de colores y su lirismo.
Después estudió en la Llotja, donde no congenió con Antoni Caba, y dejó la enseñanza académica por la pintura al aire libre. Se perfeccionó solo, pintando en las cercanías de Terrassa. En 1891 presentó un paisaje del Vallès en la Sala Parés y obtuvo por el cuadro una mención honorífica a la Exposición de Bellas artes de Barcelona. En 1894 ganó una segunda medalla con Sant Llorenç del Munt, y en 1896 una primera medalla conRiera de la Barata. De 1890 a 1896 son sus mejores cuadros en gris, de los cuales lo llevan a un lirismo pictórico que lo acerca a la pintura idealista coetánea, y dónde consigue una gran poesía gracias a los velos misteriosos de niebla que rodean y matizan los contornos de las sierras de Sant Llorenç. Su amistad con Alexandre de Riquer y Modest Urgell contribuyó seguramente a dar a sus obras este cariz sentimental, a la vez que la influencia del primero se hizo notar en el campo de la decoración modernista que él introdujo en Terrassa: acabó la decoración del Institut Industrial —empezada por Riquer—, decoró la casa Amat Pagès, las salas de la Agrupació Regionalista, el cafè Comdal, la tienda Vídua Carnero, en un estilo modernista de raíces británicas. Fue empresario y director de los espectáculos de artes Ars Lucis desarrollados en Terrassa en 1906-07, con la colaboración de Joan Llongueras. Miembro fundador del Cercle Artístic de Sant Lluc, pintó los paisajes de dos plafones del presbiterio de Montserrat, las figuritas de los cuales son de Baixeras. Es responsable de muchos de los paisajes de los cuadros de Cusachs. Mientras continuaba cultivando un paisajismo lírico y nublado de forma ya estandarizada y comercial, su obra original evolucionó verso una pintura más viva de colores, con una materia pictórica más vigorosa, un arte más objetivo, más realista, desarrollado en los mismos paisajes naturales de Llavaneres y de Terrassa. Fuente: enciclopedia.cat
En una primera impresión, las últimas pinturas de Xesús Vázquez (Orense, 1946) pueden pensarse como un elogio al color, una expresión vitalista o un arte decorativo. Pero me temo que no es éste el caso. Más bien diría que su uso del color, así como sus composiciones, introducen una suerte de inquietud o, mejor, de inestabilidad visual. La idea que hay detrás de estas pinturas es la de vértigo, el vértigo como una de las expresiones de lo sublime; aspecto, éste, el de lo sublime, evidente al iniciar su trayectoria como pintor y que tal vez sea el hilo conductor de toda su obra a pesar de su diversidad. Xesús Vázquez, para conseguir esta expresión de vértigo, utiliza varios procedimientos: combina colores ácidos o fluorescentes de una especial agresividad, reelabora algunas estrategias de impacto visual del op art (interferencias de tramas y líneas, por ejemplo) y utiliza determinados elementos inspirados del diseño gráfico y la imagen digital, pero trabajados pictóricamente con transparencias, derrames, etcétera. En otras palabras, Xesús Vázquez, como Uslé, esta comprometido en una labor de releer y ampliar los lenguajes abstractos. Pero más allá de un simple divertimento, se trata de una imagen alucinada y ebria, emblema del laberinto, una especie de metáfora de la pérdida de la orientación.
Antonio Villa-Toro (Castro del Río, Córdoba, 1949)
ESTUDIO EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE SEVILLA CONTINUANDO SU FORMACION EN MADRID, LONDRES Y NAIROBI. EN LOS 80 SE VINCULA CON LOS ARTISTAS DE LA MOVIDA. HA EXPUESTO SUS OBRAS POR ESPAÑA Y EN EL EXTRANJERO
La trayectoria pictórica de Villa-Toro arranca con la década de los setenta. Ha llevado su trabajo a varias ediciones de Arco, a la Feria de Arte Contemporáneo de Basilea, y sus obras cuelgan en Tokio, Milán y Nueva York.
Benjamín Palencia, Hernando Viñes y Rafael Alberti, hacia 1927
Hernando Viñes nace en París el 20 de mayo de 1904. Su padre era ingeniero y su madre era hija del ex-presidente de la República de Honduras.
Su tío, el gran pianista Ricardo Viñes - que creó gran parte de las obras mayores de la primera mitad del siglo- lo introdujo de forma natural en el círculo de los artistas más famosos de su tiempo.
Después de la guerra de 1914 -18, durante la cual estuvo en Madrid, volvió a París y se citó con Pablo Picasso (amigo de Viñes), el cual después de ver sus primeros dibujos, le aconsejó seguir en esa misma vía y perfeccionar los conocimientos adquiridos durante su época de autodidacta. Viñes siguió los consejos de Picasso, primero en la Academia de Arte Sacro con Maurice Denis y Georges Desvallieres y luego en 1922 con André Lhote y Gino Severini.
Al año siguiente participó como decorador en la creación mundial de "El Retablo de Maese Pedro" de Manuel de Falla y expuso por primera vez en el Salón de Otoño. En aquel mismo año 1923 - gracias a su amigo, el pintor Manuel Ángeles Ortiz- entró en el círculo de los jóvenes artistas españoles que vivían en París: Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco Gacía Lorca (hermano del poeta), Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, etc... La mayoría se convertirían en amigos de "toda la vida".
A los 20 años decidió dedicarse al oficio. Obtuvo inmediatamente el apoyo de dos críticos importantes: Tériade y Christian Zervos, director de los famosos "Cahiers d'Art"; a partir de aquel momento expuso de forma regular en las galerías Percier y Max Berger.
En 1931, se casó con la hija de Francis Jourdain, decorador, pintor y hombre de letras.
Después de la guerra civil española, en la cual se comprometió políticamente con el bando republicano, y unos días antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, nació su hija Nina, el 14 de septiembre de 1939.
Entonces empezó para el pintor una época muy dura en la que a pesar de numerosas exposiciones (colectivas e individuales) no consiguió la notoriedad que sus brillantes comienzos prometían. Tuvo que esperar al año 1965 y la inmensa retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Madrid para ser reconocido, por fin, como uno de los pintores más brillantes de su generación. A partir de aquel momento, las exposiciones se sucedieron de manera acelerada, en las Galerías Théo, de Madrid y Valencia (con las que había firmado un contrato), en la Sala Dalmau de Barcelona, en la Galería Ruiz de Santander, etc.
Desde principios de los años 80, además de las galerías españolas citadas que seguirían exponiendo sus obras regularmente, la Casa de España en París, el Museo de Bellas Artes de Santander y el Museo Bonnat de Bayonne organizaron retrospectivas importantes. En 1988, recibe de la mano del rey D. Juan Carlos I, la medalla de oro de Las Artes y las Letras.
Paralelamente, en el extranjero, dentro del marco de numerosas exposiciones colectivas (Alemania, Dinamarca, América, Checoslovaquia, Inglaterra y Japón) reconocen su mayor notoriedad, confirmada cada día. Alejado de escuelas, alejado de cualquier atisbo de jactancia, la obra de Viñes siguió su camino en Francia, y museos de todo el mundo empezaron a adquirir sus obras: el Museo de Arte Moderno y el Reina Sofía en España, el centro Georges Pompidou, el Museo de Albi, el de Castres y de Saint- Ouen en Francia, el Museo de Tel- Aviv en Israel, el Museo de Buenos Aires y el de Praga.
"Hernando Viñes falleció en 1993 y se ha revelado como uno de los pintores que han marcado la Escuela de París.
Habiendo abordado todos los temas centrales de la pintura, Viñes recorrió todo el campo de la pintura moderna. Vio el final del cubismo analítico y sintético, después se dedicó a los gozos del surrealismo pictórico, sin despreciar el fauvismo que le sirvió como experiencia personal, por fin se decidió por la vía del cromatismo, la cual practicó temporalmente. Fue pintor sin concesiones, de una gran honradez pictórica y perfectamente auténtico" http://www.hernandovines.com/vida.html
EDWARD VUILLARD (1868 - 1940) Probablemente, uno de los pintores más importantes de finales del siglo XIX en Francia. Nacido en Cuiseaux en Saone-et-Loire,
Ker-Xavier Roussel, Édouard Vuillard, Romain Coolus, Felix Vallotton 1899 En 1885, abandonó la escuela secundaria y se unió a su amigo Ker-Xavier Roussel, para asistir a las clases del pintor Diógenes Maillart.Luego comienza a frecuentar el Louvre y descubre su vocación artística a lo que se opone su familia que quería que siguiera la tradición militar. En marzo de 1886 entró en la Académie Julian.En junio de 1887 fue admitido en la Academia de Bellas Artes y fue discipulo de Jean-Leon Gerome. Su obra se caracterizapor una investigación sutil y matizada de equilibrios entre la luz y la oscuridad, las líneas están trabajadas en arabescos y sus motivos decorativos están inspirados en los grabados japoneses. Gran admirador de clásicos como Vermeer, Watteau y Chardin, pero muy interesadotambién en artistas alemanes del XVII. En 1889, se unió a un pequeño grupo de artistas de la Académie Julian, Maurice Denis y Pierre Bonnard y se hacían llamar la "Hermandad de los Nabis" Querían liberarse de todas las convenciones académicas y, en particular, la reproducción fiel de la naturaleza o de lo observado. Estaban decepcionados por los límites del impresionismo, que simplemente reproducia paisajes y lo consideraban un empobrecimiento intelectual, mientras que para ellos la imaginación debía ser el motor esencial de la emoción. En 1893, continuando en el simbolismo e inspirado por la literatura contemporánea de autores como Maeterlinck, Ibsen, o Stephane Mallarmé pintó el "efecto de la noche del Interior", en el que a la dimensión dramática añade una cierta espiritualidad. En 1899, sus "paisajes e interiores" y estudios en colores pastel y acuarela dan testimonio de gran virtuosismo en nuevas técnicas.Es un período en el que realiza paneles decorativos para interiores de mansiones parisinas, carteles y decoraciones para teatro de vanguardia etc. A partir de 1900, recibe numerosos encargos de la burguesía parisina.
Bart van der Leck fue miembro fundador de la revista holandesa De Stijl. Su interés por aunar pintura y arquitectura contribuyó en gran medida a crear la nueva relación entre arte y vida, que caracterizó al neoplasticismo. Comenzó su formación como aprendiz en diversos talleres de vidrieras de Utrecht y continuó entre 1900 y 1904 en la Nationaal School voor Kunstnijverheid y la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam. Van der Leck diseñó muebles e ilustraciones junto a su amigo el arquitecto Piet Klaarhamerb, y desde 1912 tuvo el apoyo del crítico y marchante Hendricus Petrus Bremmer y de la coleccionista Hélène Kröller-Müller, para la que realizó numerosos proyectos. Durante estos años se interesó por reflejar con un estilo realista el mundo del proletariado holandés: lavanderas, trabajadores de fábricas textiles, las mujeres de los pescadores, etc
Entre. 1912 y 1915 evolucionó hacia una abstracción dominada por los colores primarios y los fondos blancos. Inmerso en esta evolución, entró en contacto con PietMondrian en 1916. Este encuentro, que sería fundamental en el desarrollo artístico de Van der Leck, se materializó en una mayor tendencia hacia la objetivación del arte. Durante el breve periodo que permaneció ligado a De Stijl, su convencimiento de la necesidad de integrar pintura y arquitectura influyó de forma determinante en el resto de los miembros del grupo. Fue precisamente un desencuentro sobre el papel que se les debía otorgar a los arquitectos en la revista, lo que desencadenó su abandono del grupo pocos meses después. Desde entonces vivió en Blaricum, donde realizó unas obras en las que nunca se separó completamente de la conexión con el mundo visible y dio expresión abstracta a animales o a miembros de su familia. Sólo en los últimos momentos de su vida llegó a la abstracción plena
De origen húngaroVilmos, Huszár, nacido Vilmos Herz, pasó la mayor parte de su vida en los Países Bajos, donde se relacionó con diferentes grupos de vanguardia, entre los que destacó su asunción de los principios estéticos y artísticos del neoplasticismo
Estudió. en la Academia de Artes Decorativas de Budapest y en 1904 se trasladó a Múnich donde continuó sus estudios. En 1906 se instaló en La Haya y realizó unas obras en las que le influyó su gran admiración por Vincent van Gogh. Durante estos años se dedicó fundamentalmente a retratar a la alta sociedad de la ciudad, diseñó sus primeras vidrieras y estableció contactos con artistas de vanguardia de Londres y París. Poco a poco, el peso del cubismo y el futurismo se dejó sentir en su obra
En. 1916 conoció a Theo van Doesburg y fue, junto a él, uno de los fundadores de la revista De Stijl en 1917Vilmos. Huszár fue el responsable del diseño de la portada y publicó numerosos artículos en la revista, contribuyendo con ello a la definición del neoplasticismo. A sus obras no figurativas de esta época se unieron las colaboraciones en el diseño de interiores, como la residencia del industrial Bruynzeel con Piet Klaarhamer, en 1918, y el diseño de muebles con Piet Zwart, entre 1920 y 1921
A. mediados de la década de 1920 conoció a Kurt Schwitters, El Lissitzky y algunos pintores húngaros de vanguardia. Durante estos años también trabajó en el diseño gráfico industrial y comercial, hasta que, con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Huszár se trasladó a una pequeña localidad holandesa llamada Hierden, donde, debido a su condición de judío, se sentía más seguro. Durante los años siguientes representó el paisaje que le rodeaba en un estilo naturalista, y desde 1955 hasta su muerte se centró en la búsqueda de un lenguaje no-objetivo puro
