Anita Malfatti

“Tenía 13 años y sufría porque no sabía que hacer en la vida. Nada me había revelado aún la profundidad de mi sensibilidad ... Decidí someterme a una experiencia extraña: sufrir la sensación absorbente de la muerte. Pensé que una emoción fuerte, que se acercaba violentamente al peligro, que descifrara  mi personalidad. Y mira lo que hice. Nuestra casa estaba cerca de la estación Barra Funda. Un día salí de casa, até mis trenzas de niña con fuerza, me tumbé debajo de los travesaños de la vía y esperé a que el tren pasara sobre mí. Fue una cosa horrible e indescriptible. El ruido ensordecedor, el aire cambiante, la temperatura asfixiante me dieron una impresión de delirio y locura. Y vi colores, colores y colores que rayan el espacio, colores que me gustaría arreglar para siempre en la retina embrujada. Fue la revelación: decidí dedicarme a la pintura ".

Anita Catarina Malfattiga -Sao Paulo 1889-1964 -Pintora brasileña considerada la introductora de las vanguardias en Brasil.

Hija  de padre italiano y madre americana, desde la niñez, alentada por su madre, profesora de arte, mostró gran interés por la pintura. Debido a una atrofia en su brazo derecho, se vio obligada a pintar con el izquierdo.

Financiada por sus padres viajó a Berlín y allí estudió con importantes artistas del expresionismo alemán.

Despues de regresar a Brasil,  viajó a Nueva York para estudiar con Homer Boss, cuya obra había conocido en una exposición en Colonia.
Las enseñanzas de Boss tuvieron un gran impacto en la obra posterior de Malfatti, sobre todo en lo relativo al estudio de la anatomía. 

Durante su estancia en Nueva York pintó los cuadros considerados como los más interesantes de su producción. En su segunda exposición, en Sao Paulo, en 1917, aunque cuidó mucho la selección de sus obras, fue duramente criticada por sus innovaciones, consideradas contrarias a la tradición brasileña.

En 1922, Malfatti tomó parte en la Semana de Arte Moderno de Sao Paulo junto a Tarsila do Amaral,Mario  de  Andrade,  Oswald  de Andrade y Menotti del Picchia.

En 1923 recibió una beca del Estado de Sao Paulo y viajó a París y a partir de entonces abandonó el  expresionismo y comenzó una carrera artística más convencional.

 En 1928 regresó a São Paulo, y participó en las actividades del grupo modernista. En la década siguiente, debido a sus dificultades económicas, se centró cada vez más en la enseñanza de la pintura y el dibujo, y como creadora se especializó sobre todo en el retrato.

JUDY CHICAGO

1939- Pintora, escultora, educadora, escritora y artista experimental americana. Estudió en la universidad de California, en los Angeles,  donde practicamente ha desarrollado toda su carrera profesional. Quizás la artista feminista más famosa y junto a Miriam Schapiro fundó en 1971 el programa de arte feminista en el Instituto de las Artes de California. Es conocida, sobre todo, por su escultura "The Dinner Party",   una obra que celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia, considerada como la primera obra de arte épica feminista y que ha sido vista por multitud de personas en distintos lugares,  dentro y fuera de los Estados Unidos.

Más adelante, la maternidad fue otro de los temas que con más frecuencia abordó. The Birth Project (1980-1985) ensalza el papel femenino de la maternidad negado en la creación del mundo según la narración del Génesis, desde el punto de vista de Chicago. Se compone de un centenar de paneles que exploran la construcción del concepto de lo masculino y cómo los roles de poder han afectado al comportamiento de los hombres.

Ese trabajo empezó a cobrar forma después del fallecimiento de su hermano y de su madre, por lo que podría interpretarse como un homenaje, un recuerdo a la figura materna y a la importancia simbólica y real de la maternidad en las sociedades más apegadas a las tradiciones.

Richard Diebenkorn

Richard Diebenkorn, uno de los pintores americanos más destacados. Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.

 Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.

En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas  en su pintura.

 

Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.

Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.

En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.

Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.

La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.

EL PAIS

ELMER BISCHOFF

1916-1991).
ELMER BISCHOFF conocido como fundador de la figuración del Área de la Bahía de San Francisco, junto con sus amigos y colegas  Richard Diebenkorn y David Park.

 Despues de graduarse en la universidad de California, Berkeley, comenzó a dar clases en Sacramento. La Segunda Guerra Mundial cambió su vida.  En 1941 fue teniente coronel en los servicios de inteligencia de las Fuerzas Aéreas del ejército americano, estacionado cerca de Oxford , y  regresó a los Estados Unidos en noviembre de 1945.

Habiendo experimentado previamente con el surrealismo y la abstracción a lo largo de la década de 1940, comenzó a trabajar figurativamente en 1952. La fuerte influencia de Toulouse-Lautrec y Bonnard en Bischoff es evidente sin embargo, a mediados de la década de 1950, su pincelada y  paleta  se volvieron más firmes, mientras que su tema sugiere un estudio minucioso de Edward Hopper y Edvard Munch. 

Como desarrollo final, a finales de la década de 1960 Bischoff cayó bajo el hechizo de Richard Wagner, cuyas óperas escuchaba casi a diario. Su fascinación con Wagner, y con el misticismo y la mitología alemanas, explica las cualidades cerebrales a gran escala y recientemente notables en su trabajo de esta época. 
En 1972, después de 20 años de trabajo figurativo, volvió a la abstracción. Para Bischoff, el cambio a la abstracción fue liberador, pero es su trabajo figurativo la base de su reputación y todavía se considera el punto culminante de su logro artístico.