Eugène Leroy

 1910-2000
Nació en Tourcoing, Francia, cerca de la frontera con Bélgica. Aunque fue un artista que gozó de reputación, vivió siempre en una humilde oscuridad. A partir de  1940 expuso con regularidad, sobre todo en  Francia y Bélgica. A partir de 1963 renunció a su trabajo como maestro de escuela y a partir de 1983 comenzó a exponer con la galería Michael Werner de Colonia. A partir de ese momento su pintura comenzó a recibir atención fuera de Francia y Belgica, comenzó a ser admirada por neo-expresionistas como Baselitz y Lupertz y desde 1985 tambien se conoció en los Estados Unidos.

Leroy comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Lille en 1931 y despues fue a clase de dibujo a la Grande Chaumiére en París. En 1935 se estableció cerca de Roubaix donde ejerció como profesor de Latín y griego. En 1936 descubrió la pintura de Rambrant en el Rijkamuseum en Amsterdam, pero tambien le gustaba la pintura abstracta, en particular la de Mondrian. 

Fascinado por los grandes maesaros, viaja a Alemania, España e Italia.  En 1977 presenta su obra en la Escuela de Bellas Artes de Lille y en 1979 se hace una presentacion de su pintura en la FIAC  en París y una retrospectiva de su obra gráfica se lleva a cabo en Gravelines. En 1988 el Museo de Arte Moderno de París organizó una retrospectiva, en colaboración con el Museo de Eindhoven
 En 1992, participó en la Documenta IX de Kassel, Alemania, y en 1995 fue invitado a la Bienal de Venecia. En 1996 recibió el Gran Premio Nacional de Pintura.

Théo Tobiasse

Théo Tobiasse nació en 1927. Originario de Lituania, su familia se trasladó a Israel esperando encontrar la tierra prometida.  Por esa razón la obra de este artista está impregnada del  exilio, de la mujer como madre y amante de las reminiscencias de su infancia en Lituania, ya que sus padres tuvieron que volver allí. La datcha en el medio del campo verde de Kaletova, las luces de los barcos de vapor adornados con las banderas de colores bajando el Niemen, los trineos por las calles cubiertas de nieve de Kovno y tambien las teteras redondas y los samovares barrigones, todo ello símbolo del calor del hogar familiar..Despues de cruzar a través de Alemania, tobiasse llega a París en  1931, donde es recibido por una triste estación de ferrocarril. Despues siguen los oscuros años de la ocupación nazi, durante la cual, la familia, aunque permaneces escondidos, es diezmada. 

Despues de la liberación, el artista solo sueña con la luz de sol y un cielo enorme. Se queda en Niza, despues en Saint-Paul de Vence, donde hace el fascinante descubrimiento del paisaje lunar de Saint-Barnabé plateau, en Col de Vence que se convertirá en su primer cuadro. Celebra su primera exposición en el Palais de le Mediterranee en 1961 donde le dieron un premio, lo que le ayudó a decidir dedicarse completamente al arte.  A partir de 1980 viajó mucho a los Estados Unidos. Visitó Méjico, donde quedó fascinado por la cultura azteca. Fascinado por Nueva York, decidió vivir parte del año allí.

Este pintor, diseñador y escultor, de nacionalidad francesa, falleció en 2012 en Cagnes-sur-Mer, Francia

GALA LA MUSA SURREALISTA

Helena Ivanovna Diakonova, GALA- asi la bautizó su primer marido, el poeta francés Paul Eluard. Abandona su tierra natal, Rusia, a los 19 años debido a una enfermedad.  

En Suiza conoce a Paul Eluard y se casan en  1917 en París. Al año siguiente nace su hija Cécile, a quien Gala dejará  al cuidado de su suegra y no mostrará interés por ella el resto de su vida. La pareja tiene una vida intensa en París, viven el nacimiento del dadaismo y Eluard, dunto a André Bretón, Louis Aragon y Max Ernst, crean el grupo surrealista

En 1922 Ernst deja a su mujer y a su hijo en Colonia y se fue a vivir con el matrimonio Gala Elouard. Paul vive sin querer ver, el romance se su mujer con Ernst

En 1929 Salvador Dali viaja a París para la presentación de la película "un perro andaluz", de su amigo Luis Buñuel, y alli conoce a Paul Eluard y lo invita a visitar Cadaqués. Ese mismo año Gala viaja con su marido, Magritte y Buñuel a Cadaqués. Gala tiene 35 años y Dali 25, el se enamora inmediatamente de ella, escribe "estaba destinada a ser mi Gradiva, la que avanza, mi victoria, mi esposa" y en ese momento comienza el mito Gala

El padre de Dali no acepta la relación de su hijo con una  mujer rusa y separada. En 1958 se casan y el pintor le compra a su mujer un castillo en el pequeño pueblo de Púbol, en el que no podrá entrar sin el permiso expreso de Gala. Gala muere en  1982 y es enterrada en el castillo. Desde 1996 está abierto al público  como CASA MUSEO CASTILLO GALA DALÍ DE PÚBOL

Antón Goyanes

Antón Goyanes Fernández nace en Monforte de Lemos (Lugo) en 1935. Sus estudios de arte los realizó Antonio Goyanes Fernandez en la Escuela de Artes y Oficios de Orense. Más tarde se trasladó a Vigo, donde trabajó en actividades no estrictamente plásticas y comenzó a dibujar y a pintar.
Su personalidad concentrada, casi ensimismada, ajena a todo exhibicionismo, se manifestó en sus primeros trabajos, de carácter figurativo, basados en estructuras rítmicas y geométricas, con temas del mar.
Se dio a conocer en los finales de los sesenta, con exposiciones individuales y presencia en colectivas populares, que llamaron la atención de la crítica, puesto que se presentía un pintor sensible, personal, de carácter intimista, de elaboración simplificada, casi exquisita. Cuando aportó su obra a la primera edición de "Atlántica", en Bayona, se había producido ya una evolución en su pintura, hacia el informalismo, que ha llegado a ser absoluto en su quehacer.
Está representado en los Museos de Galicia, y en colecciones de instituciones públicas. Tiene obra mural, de su primera época en la Estación Marítima de Ría, en Vigo.
Goyanes es, fundamentalmente, un lírico. Sus amplias manchas, de materia delgadísima, en acrílicos muy bien trabajados, están dichas en rosas, oros, ocres desvaídos. Un ritmo interno muy meditado sostiene sus cuadros, de una simplicidad final absoluta. Las recientes series, en azules suaves, con zonas amarillas y blancas, son de una belleza difícilmente expresable con palabras. Frente a modos en uso de expresionismo abstracto, Goyanes es la delicadeza, el encanto, el goce de lo sencillo.

(Información obtenida de Wikipedia)

RAFAEL ALVARADO

Artista plástico y pintor malagueño, ha desarrollado distintas actividades relacionadas con la educación, el arte y la cultura.

Profesor en "El Estudio" academia de artes plásticas en Madrid.

Asesor invitado en el proyecto "El pintor en el aula"(conserjería de Cultura de la Junta de Andalucía).

Talleres de pintura (Diputación provincial de Málaga).

Comisario entre otras exposiciones "Fuegos de San Telmo"(Ateneo de Málaga).

Promotor de la Asociación Centro de Arte Contemporáneo y Facultad de BB.AA, para Málaga.

Galardonado con la lV Beca Picasso (1991).

Su obra se ha expuesto en Madrid, EE.UU(Whashington), Sevilla, Granada, Alemania (Dresde) , Italia.

Ha realizado el proyecto monumental en memoria de los fallecidos en Mathausen, en el Centro Cívico (Diputación Provincial de Málaga).

Entre sus últimos trabajos destacar la serie "Papeles para todos" de un expresionismo vital y un compromiso social, y "Espacios transitados" donde se narra la soledad del hombre moderno.

La obra de Alvarado se caracteriza por una profunda tensión expresiva desprovista de adornos.

Stanislaw Zoladz

  

Acuarelista polaco, nacido en 1952. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Cracovia y ahora esta viviendo en Estocolmo, Suecia

Su obra, muy refinada, está impregnada de luz, puede considerarse hiperrealista, pero está sacada del natural, pinta al aire libre, por eso puede considerarse una obra  muy fresca.

Pierre Soulages

Pierre Soulages, pintor, grabador y escultor francés, lider del expresionismo abstracto europeo. Empezó su carrera inspirado por pintores como Picasso y Cézanne

Nació en 1919 en Rodez, Francia y viajó a París cuando tenía 18 años. Visitó la Escuela de Bellas Artes de Montpellier mientras cumplía el servicio militar en esa ciudad. Despues de la Segunda Guerra Mundial volvió a París y ya se dedicó por completo a la pintura.

Crea composiciones en negro, con fondos blancos, influenciado por la caligrafía asiatica, que aprendió en un viaje a Japón. Su obra tambien tiene influencias de los monumentos celtas de su región.  En 1979 empezó sus  pinturas monocromáticas, en negro

Ha expuesto en los certamenes de documenta en Kassel, Alemania, desde la década de 1950 y le han hecho varias retrospectivas en toda Europa. En 1994 le concedieron el Praemium Imperiale en Japón

El primer pintor que ha viajado "más allá del negro"

El negro sugiere oscuridad y muerte, pero Soulages utiliza el negro como un medio de crear luz. A menudo se le denomina el "pintor del negro" porque ha trabajado obsesivamente en ese color, pero esta obra le ha dado fama mundial como uno de los primeros pintores en desarrollar una nueva abstracción de posguerra. No le gusta que le etiqueten en movimientos concretos como abstracto o tachista, el sigue investigando en la  profundidad y la luz. En 2014 han abierto el Museo Soulages en Rodez, Francia 

Si quieres saber más sobre este pintor, dejo aqui un enlace de un artículo publicado en EL PAIS
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/07/24/babelia/1406210162_670901.html 

Robert Ryman

 Cuenta Stefan Sulzer en un libro, la historia de la madre de Ryman el día que fue a ver las pinturas de su hijo. Al principio se sintió ofendida por la elegancia y simplicidad de los cuadros, pero poco a poco dejo deslizar la mano por una de las pinturas

La posibilidad de una pintura realista donde no hay mito ni ilusionismo, sino pintura asumida como contenido y medio, constituye el presupuesto práctico del trabajo de Robert Ryman (Nashville, Tennessee, 1930). De formación autodidacta, su primer y decisivo contacto con el arte del siglo XX se produce durante los años en los que trabaja como vigilante en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1953-1960). De todo lo que allí ve, Rothko le aporta la lección definitiva acerca de la consideración del cuadro como una entidad integrada. “Lo radical de Rothko -afirma el artista en 1986- era que no hubiera alusión a ninguna influencia representacional. Había color, había forma, había estructura, la superficie, la luz -desnudez sin más”. 

Ryman irrumpe con una obra fundamentada en el color blanco en el panorama artístico norteamericano en la segunda mitad de los años cincuenta. En seguida queda definida su deriva pictórica como una forma estricta de realismo, alejándose del radicalismo analítico de los artistas Minimal, rechazando cualquier contenido simbólico o metafórico en sus cuadros y centrándose en las cuestiones matéricas relativas a la pintura y la superficie pictórica. Esta línea de investigación perdura en su obra más reciente, 

como ejemplifica la serie Versions (1991-1992), en la que emplea un color de interferencia que es opalescente y varía según la luz.

Ryman reconoce 1965 como el año en el que alcanza la madurez como pintor. A partir de esa fecha su trabajo se estructura en series: Winsor (1967), Standards (1967), Classico 5 (1968), General (1970); las cuales manifiestan la voluntad experimental del artista ya no sólo con la naturaleza del pigmento (y su disposición componiendo bandas), sino que su investigación se amplía a los medios y los soportes (láminas de acero, cinta de pintor, esmalte, acrílico, tiza, enamelac, cobre, plexiglás, fibra de vidrio y acrylivin) y a la noción de agrupación y dibujo, visible en Lugano (1968).

La serie Surface Veil (1970) significa el inicio de la revisión crítica de la relación plano pictórico y muro, al incluir la cinta adhesiva como elemento de fijación. El siguiente paso a este respecto lo supone la inclusión de pernos en las esquinas, insistiendo en la visibilidad del sistema de sujeción como parte consustancial de la obra: Embassy I (1976), Phoenix (1979), Access 1983) o Range (1983). Cotas máximas de esta crisis de la pintura como objeto son Pace (1984), en el que coloca una plancha de madera en el plano perpendicular a la pared (contraste entre el canto y las superficies inferior y superior pintadas) y Expander (1985), cuyo pernos asoman en el interior en la pintura.

 Museo Reina Sofía

Antonio Mancini

El pintor italiano Antonio Mancini nació en 1852 y murió en 1930. Hijo de un sastre, nació con un don especial para el dibujo, y fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Nápoles a los doce años. 

Su obra revela tres constantes; un interés casi exclusivo por el retrato, vulnerabilidad  y una preferencia por una configuración un poco extraña al colocar objetos que frustran una interpretación.

Mancini vendió obra, ganó premios y recibió muchos encargos. Expuso en la Salón de París de 1872 y visitó esa ciudad dos veces  en la década de  1870. Conoció a Degas y a Manet. Era tímido e introvertido, el bienestar económico y la nostalgia lo llevó a una crisis nerviosa en 1880 y estuvo internado en un hospital psiquiátrico en Nápoles, durante cuatro meses. Durante su ingreso pinta compulsivamente, sobre todo autorretratos. Su esquizofrenia se manifiesta y más adelante tiene que volver a ser ingresado, esta vez durante cuatro años. Vuelve a París y tambien viaja a Londres

Hasta despues de la Primera Guerra Mundial vivió con frecuencia, casi en la miseria. Un cliente dijo que lo visitó en Roma en el invierno de  1893, a donde se había trasladado  una década antes  y se horrorizó al encontrarlo en un estudio frío, casi vacío, iba vestido con una camisa de franela sin botones y llevaba puestos seis pares de pantalones sostenidos con una cuerda, varios chalecos y un abrigo grasiento. Despues de vivir en Roma durante 20 años, se trasladó a Frascati, donde vivió hasta 1918. Despues de la guerra se estabilizó y consiguió serenidad en su obra. Murió en Roma en 1930.

CUI RUZHUO

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Cui Ruzhuo nació en Beijing en 1944, nacionalizado en los Estados Unidos en 1981;  profesor en la Academia Central de Artes, Oficios y Bellas Artes; obtuvo el grado de doctor honorario  en bellas artes de la Universidad de Nueva York Dewey. Regresó a China en 1996, vive en Pekín y ahora es tutor de doctorado en el Instituto de Bellas Artes de  China.

Cui es famoso por revivir la pintura tradicional china con la técnica de usar los dedos en  vez de brochas, mencionada por primera vez durante la dinastía Tang. 

Zeng Fanzhi

 Muchos artistas chinos abrazaron  la cultura pop americana y la fusionaron con el  realismo social para desarrollar su propio estilo artístico sumando comentarios de los rápidos cambios sociales y políticos que están ocurriendo en China. Sin embargo Zeng Franzhi  destaca por el carácter introspectivo de su obra, que a menudo refleja su vida personal y emociones

A partir de los pañuelos rojos - un símbolo de los logros en la China comunista,  - a sus famosos retratos "máscara", su opinión sobre la sociedad china  de mediados de los años 90, la obra de Zeng siempre ha retratado sus propios sentimientos.

 

 Este artista, nacido en Wuhan, China, en 1964 y que vive en Beijing declaró en una entrevista que creció durante la Revolución Cultural, pero que cuando pinta solo quiere retratar sus propios sentimientos y las personas que le rodean y que no pretende convertir su arte en símbolo de ideas políticas

 Estudió expresionismo alemán cuando estudiaba en la Escuela de Bellas Artes de Hubei  y esto tendría una gran influencia en su obra.

Sobre su serie "hospital" dice que vivía cerca de un hospital y como en su casa no había baño tenía que usar los del hospital todos los días y lo que vio allí le  marcó para toda la vida

 La serie "Carne" se la inspiró una carnicería por la que pasaba todos los días y veía como los trabajadores dormían encima de la carne congelada en los calurosos veranos. Tenía sentimientos encontrados, por una parte de hambre, porque  tenía hambre en aquellos tiempos, y por otra sentía horror  por la sangre que manchaba la ropa de los obreros

Cuando llegó a la capital china, debido a su caracter introvertido, le costó hacer amigos y las sensaciones de soledad y aislamiento que sentía   los reflejó en su serie Mask. Una población urbanita, bien vestida, con mascarillas blancas. Los funcionarios comenzaron a utilizar cobarta, todo el mundo quería tener buen aspecto. Para el pintor le parecía todo muy falso, como si todo transcurriera sobre un escenario

Despues de su interés por el expresionismo alemán, ha vuelto a interesarse por el arte chino