HENRI CUECO

 Nacido en 1929 en Uzerche, Francia 

Su padre, Vicente Cueco, de origen español, le da su primera formación como pintor.

Pintor asociado al grupo de artistas narrativos de la figuración en Francia en la década de 1960, Henri Cueco se ha preocupado, desde el comienzo de su carrera, por el papel sociopolítico del artista y la construcción de imágenes.Copiando la naturaleza desde una edad temprana, Cueco comenzó a volver a apropiarse de fotografías de revistas y libros desde 1964, dando a la pintura una función política. Al cuestionar la sociedad burguesa de posguerra y su deseo de ruptura social, su trabajo también se caracteriza por su afiliación a diversas prácticas colaborativas. Miembro del Partido Comunista Francés de 1956 a 1976, su militancia se ve en su papel destacado en la exposición anual del grupo Salon de la Jeune Peinture, organizada para generar una discusión colectiva sobre la pintura y los procesos y contenidos creativos. También desarrolló su trabajo en este momento con el Atelier Populaire en mayo de 1968 en París, y a través del trabajo colectivo de la Coopérative des Malassis, que cofundó en 1970.

El trabajo escrito de Cueco es tan desarrollado como su trabajo plástico, siendo ambos inseparables. 

 Murió en París en 2017

VINCENT CORPET

Vincent Corpet es un prominente artista parisino cuyo estilo puede describirse como un postmodernismo retroactivo. Tras la primera impresión, sus extensos lienzos parecen a la vez familiares pero desordenados. Mirándolos desde el canon de la historia del arte, se apropìa y subvierte íconos del Nacimiento de Venus de Botticelli , el Guernica de Picasso, Olimpia de Manet , Los embajadores de Holbein el joven  e imágenes bíblicas.

  Fragmentos de la historia del arte se representan en grises sobre un fondo sólido de colores brillantes,  descarnados y suspendidos en el lienzo. Corpet deliberadamente somete a estas figuras a un manejo brutal, contorsionando y deconstruyendo para revelar otros significados, descaradamente proponiendo que el todo puede ser de hecho menor que la suma de sus partes. A menudo disemina una palabra a través del plano de la imagen para guiar el ojo a través de la composición, incorporando letras en las imágenes para enmarcar un objeto o revelar su estructura esquelética.

El uso manifiesto del texto como elemento gráfico resalta el estado semántico de los tropos de la historia del arte como significantes de la belleza en oposición a la belleza misma. Un iconoclasta contemporáneo y reflexivo, la obra de Corpet nunca deja de ser crítica y accesible.

Nacido en París en 1958, Corpet tomó la decisión de "convertirse en artista" a la edad de veinte años y rápidamente se había elevado a la fama en Francia. Después de una educación en Bellas Artes
 representó a Francia en la Bienal de Venecia en 1995 y expuso en la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon en 1997. Su obra se puede encontrar en las colecciones del Fondo Nacional de Arte Contemporáneo, Francia; Museo Nacional de Arte Moderno, París; Museo de Bellas Artes de Dunkerque; y Museo de Arte Moderno de Saint-Etienne. Ampliamente popular en París, Corpet ha expuesto en muchas de las instituciones de arte más prestigiosas de la ciudad, como el Centro Georges Pompidou, la Galería Nacional del Grand Palais, el Museo Nacional Eugène Delacroix, así como en centros de toda Europa, incluido el Centro Francois Mitterrand, Périgueux; Museo de Arte Moderno de Arken, Dinamarca; Museo Marc Chagall, Niza; Centro de Arte Contemporáneo, Cajarc; y el Otro Museo, Bruselas. El artista vive y trabaja en París.

Susan Rothenberg

La pintora y grabadora  Susan Rothenberg nació en Buffalo, Nueva York en 1945. Estudió en la Universidad de Cornell, Ithaca, Nueva York. También estudió en la Corcoran School of Art y en George Washington. Universidad en Washington, DC.

Su empleo como asistente de la artista, Nancy Graves en 1970, a quien se le atribuye haber facilitado el camino de Rothenberg en el mundo del arte.

Las pinturas de caballos de Rothenberg comenzaron a aparecer alrededor de 1973, evolucionando, en la década de 1980. Sus figuras humanas  fueron alabadas por los críticos de la época como un "regreso" a la pintura figurativa, o una "nueva figuración".

Rothenberg se mudó a Nuevo México en 1990, después de vivir y trabajar en la ciudad de Nueva York, con temas que reflejan su nuevo entorno como perros que matan conejos y accidentes a caballo, aunque su estilo y actitud expresionista siguen reflejando rasgos de pintura abstracta.

La admiración de la artista por los expresionistas abstractos como Philip Guston, Jackson Pollock, Willem De Kooning y Clyfford Still es evidente en su trabajo.

Rothenberg recibió una subvención del Servicio Público de Artistas Creativos en 1976-1977 del Estado de Nueva York, y una Beca Guggenheim en 1980. 

Ha expuesto en sitios como el Museo Whitney de Arte Estadounidense; Mayor Gallery, Londres; Willard Gallery, ciudad de Nueva York; Bienal de Venecia; Museo Stedelijk, Amsterdam; Museo de Arte del Condado de Los Angeles; The Philips Collection Washington, DC; Museo de Arte Contemporáneo, Chicago; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México; Museo de Bellas Artes, Santa Fe; Museo de Bellas Artes, Boston.

Vive y trabaja  en Nuevo México

Antoni Caba Casamitjana

(Barcelona, 1838 - 1907)

Antoni Caba fue uno de los grandes retratistas de la segunda mitad del siglo XIX en Cataluña. Se formó en la Escuela Llotja de Barcelona y posteriormente en Madrid, donde tuvo como maestro a Federico Madrazo, y en París con el pintor suizo Marc Gleyre.

El año 187 4 ganó la plaza de profesor de profesor de la Escuela Llotja y desde de 1887 hasta 1901 fue director.

Participó en varias exposiciones nacionales en las que ganó medallas de primera y segunda clase y también realizó pinturas murales para el Gran Teatro del Liceo y el Café España.

Durante mucho tiempo fue el retratista oficial de la alta burguesía de Barcelona, destacando en sus retratos un naturalismo directo y fiel, lejos de decorativismo.

Emil Schumacher

Nacido en Hagen en 1912, el pintor y artista gráfico Emil Schumacher fue uno de esos artistas que decidió un nuevo comienzo después de 1945. Primero, buscando orientación en la década de 1930 en el expresionismo y el estilo figurativo de la Nueva Objetividad, pronto se convirtió en una de las figuras destacadas de no solo la escena artística alemana sino también europea. Siguiendo las tendencias abstractas, que surgieron en Francia y América, su intención era crear pinturas, que superan lo figurativo, que se manifestó en su cofundación del grupo informal de artistas "junger westen 1947".

En los intensos estudios sobre el valor intrínseco del color y su efecto psicológico, Schumacher desarrolló en los años 50 una forma especial de pintura informal, cercana a la "imagen material". Creó obras, que surgieron solo de color, sin ningún marco constructivo, con la ayuda de relieves de color densamente depositados y marcas de pincel agrietado  en el  proceso de la pintura. Con sus colores preferidos marrón-negro y rojo brillante, combinado con un lenguaje de señas de graffiti y una superficie tangible táctil creó "pinturas de paisajes de cráteres".

En su obra posterior, el sonido sombrío de las pinturas en su mayoría a gran escala ilumina  la firme intención del artista para hacer frente al diseño de la vida es evidente. El desarrollo del movimiento, el flujo de poder para Schumacher también significó una recuperación y un retorno a las obras figurativas, por lo que las referencias gráficas a los motivos figurativos se sumergieron cada vez más, principalmente en la reducción arquetípica, como la escalera, la rueda, el caballo o la figura humana en sus obras.

Sin revocar la pintura no objetiva de décadas anteriores y la validez de la abstracción, el artista encontró sus propias respuestas en el trabajo representacional tardío, llegando así más allá de las posiciones informales. Emil Schumacher murió en octubre de 1999 en su casa en Ibiza.

Valentin Gubarev

El talento artístico de Valentin Gubarev es notablemente original, se ha convertido en el maestro del humor. Sus obras transmiten sus sentimientos e impresiones de la vida cotidiana real,  atrapando sus momentos interesantes con  su visión punzante e irónica.

Cada imagen del artista es una compleja composición de episodios separados estrecha o marginalmente conectados entre sí.  El toque de cuento de hadas o parábola cómica ayuda a  a poner la idea de una imagen en la mente de los espectadores.

 La obra  de V. Gubarev nos cuentan la historia de las personas, su entorno, su forma de vida, donde siempre hay mucha ironía. Volviendo a su infancia, reconstruyéndola en sus pensamientos, el artista recuerda lo ordinario pero dulce en los detalles de su corazón.

 

Nació en 1948 en la ciudad de Gorky . Se graduó en la Escuela de Arte de lGorky  y despues  en la facultad gráfica de Moscú.

En 1975 se mudó a Bielorrusia  dedicándose a ilustrar libros para una editorial. Desde 1991 participa en exposiciones nacionales  e internacionales

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Filippo de Pisis

En una sociedad de espectáculo como la nuestra, tan escandalosamente vulgar y tan dispuesta a la retórica faraónica y de un glamour de oropel, es un alivio dejarse seducir por el gusto de una burguesía culta, a veces cursi, a veces rancia, pero firmemente elegante. Francia e Italia siempre se han nutrido del buen gusto, como consecuencia de cierto estreñimiento. Filippo de Pisis (Ferrara, 1896-Milán, 1956) pertenece a este mundo de pulidas y complejas formas cuya desaparición se acompaña de suspiros de salón, una profunda angustia personal y una fuerte dosis de nostalgia. Sin embargo De Pisis nos habla de algo más, de algo que le inunda y le lleva irremediablemente hacia una enfermedad psíquica. Nos habla de una tristeza que invade todo, de la fragilidad de las cosas y de nosotros mismos, de lo perecedero y de los signos de la muerte que todo lo impregna. 

De Pisis vive las dos guerras y la explosión de lo que Apollinaire denominó l"esprit nouveau. Sus primeras obras, hechas siendo muy joven, demuestran el impacto del cubismo y del futurismo. Son pequeñas obras vibrantes -cascadas de colores y formas- de energía concentrada o collages imbuidos de una clara visión estética. Poco después, a través de su amistad con Giorgio de Chirico, cae bajo la influencia de la pintura metafísica, con su apego a la tradición y a la historia y con su exploración de las zonas más recónditas del subconsciente y del misterio de la realidad circundante. Es una estética hecha a medida por una burguesía culta, mezclando una tendencia hacia una morbosidad exagerada con una sensibilidad enfermiza. 

Aquí De Pisis se encuentra con sus temas y con sus lenguajes plásticos: el bodegón, el paisaje y el retrato. Sus paisajes constituyen una especie de agenda de viajes -Londres, París, Venecia- pintados al aire libre en trazos anhelantes y nerviosos. Podrían parecer banales, algo amateur, pero son obras obsesivas que terminan por perturbar. Los retratos optan por un estilo más académico que le sirve casi de disfraz para indagar en un mundo semi-oculto u homo-erótico que corresponde a su condición de homosexual. 

Sin embargo son las naturalezas muertas, empapadas de un lirismo a flor de piel, las que más logran penetrar y recoger lo no articulado, ese conjunto de preguntas, miedos, oscuridades que subyacen y sobrevuelan el espíritu después de la II Guerra Mundial. De Pisis opta por colores pasteles matizados en que de golpe afloran intensidades violentas, emociones incontrolables y angustias abrumadoras. La muerte está presente, a veces literalmente representada, a veces meramente sugerida.

 Estoy pensando en tres obras enormemente sugerentes, que expresan su melancolía y tempestades internas. En La liebre (1932) aparecen el animal muerto sobre una mesa, una mancha de sangre, unas gafas abandonadas, y una silla omnipresente y fuera de escala. Es una obra en tonalidades sucias, impregnada de muerte y ausencia. Naturaleza muerta marina (1940) es pura sensación, una huida hacia la abstracción, mínimamente anclada en la realidad a través de la pequeña figura de un hombre que camina en la playa. Y Naturaleza muerta con higos (1941) es como un estremecimiento de algo inminente: la fruta caída, esparcida en el suelo. Suculenta como la muerte o como la sangre subiendo a la boca.

De Pisis, quizá, ni siquiera es pintor sino un poeta que pinta frente a un exceso de sensaciones turbulentas. En los últimos años de su vida pinta flores, marchitas, efímeras, que repiten una y otra vez su fascinación lírica y sofisticada por la muerte, su autodestrucción voluntaria. No nos cuesta detectar las voces de Ungaretti o de Montale. Pero hay una diferencia fundamental. Montale logró recuperarse después de la II Guerra Mundial encontrando la fe en los pequeños detalles de la vida, De Pisis, sin embargo, se refugia en las tinieblas de su aguda sensibilidad, perdiéndose en sus sombras, abrazando la espiral sin retorno de su propia enfermedad. 

J.H. Moesman

Utrecht, 1909 - Houten,  1988 

JH Moesman (1909-1988)  conocido como "el único  surrealista holandés". Tuvo un trabajo estable en los ferrocarriles holandeses en Utrecht durante más de cuarenta años e hizo   casi el mismo número de pinturas. Surgió en el curso de los años 30, cuando su obra fue eliminada, por presunta inmoralidad, de 2 exposiciones en Amsterdam. 
Prohibido nuevamente después de la guerra, aún así fue  una celebridad casi legendaria durante su vida. Esto se debió más a su actitud contraria y anarquista de la vida cotidiana, que dio forma convincentemente a su interpretación del surrealismo, que a su trabajo.

Joop Moesman  ferroviario, pintor surrealista, polémico, diseñador y fotógrafo aficionado. Autodidacta, encontró en la tienda del surrealista Willem Wagenaar una revista francesa donde vio imágenes de pintores surrealistas. Se interesó y comenzó a trabajar en un estilo similar. Se convirtió en el pintor surrealista más importante de los Países Bajos. El trabajo de Moesman fue reconocido internacionalmente  en la década de 1960 a través de los esfuerzos de Her de Vries, quien mostró sus obras al líder de los surrealistas en París, André Breton. Breton decidió mostrar el trabajo de Moesman en la exposición internacional surrealista en Milán. Junto con Dirkje Kuik y Henc van Maarseveen, Moesman fundó  la Sociedad de Arte de Utrecht.

Donald Sultan

El pintor Donald Sultan, nacido en Asheville, Carolina del Norte, en 1951,  es conocido por sus brillantes pinturas gráficas de amapolas, limones y tulipanes. Estas pinturas lo convirtieron en una  estrella del arte  a fines de la década de 1970 en Nueva York, con exposiciones  en Artists Space, Mary Boone y la Whitney Biennial, todo en tres años.

Si bien el trabajo a gran escala y de color pop era una tarjeta de visita inicial, también estaba trabajando en una serie más oscura  "The Disaster Paintings", realizada entre 1984 y 1990,  una serie enorme y visceral que se hace eco de los grandiosos campos germánicos oscuros de Anselm Keifer y las crueles pinturas explosivas de Jack Goldstein:  grandes obras, materiales industriales y representaciones que el artista ha llamado "la muerte de la arquitectura, la impermanencia de todo".

Nacido en una familia artística, Sultan compartió originalmente el interés de su madre por el teatro. Aprendió cómo crear escenarios teatrales y también cómo pintarlos mientras actuaba. Sin embargo, decidió dedicarse al arte. Después de pasar sus años de escuela secundaria en la Academia Wilbraham en Massachusetts, Sultan se matriculó en la Universidad de Carolina del Norte. Dos años más tarde, completó su MFA de la Escuela de Art Institute of Chicago. El artista recibió dos doctorados honorarios: en 2000, de la Corcoran School of Art, Washington D.C., y en 2002, de la Academia de Arte de Nueva York. Se mudó a Nueva York en 1975.

El artista fue uno de los primeros en utilizar  materiales industriales como el alquitrán, el enlucido de yeso y el azulejo de vinilo en sus creaciones. "Cualquier cosa puede usarse como material para hacer arte".  

 Sus composiciones a gran escala (piezas de frutas, flores, dominós y otros objetos) se contraponen  contra el inquietante fondo negro de  alquitrán, de ocho pies cuadrados. Es mas conocido por sus limones, flores y frutas. Él declara que sus sujetos se desarrollan a partir de trabajos anteriores.  La incorporación de formas geométricas y orgánicas básicas con una pureza formal produce ecos sutiles y monumentales. Sultán describe su trabajo como "estructura pesada, con un significado frágil", con la capacidad de "desconectarte y conectarte al mismo tiempo".

Graham Sutherland

Graham Sutherland - 1903-1980- nació en Londres. Empezó ingeniería antes de estudiar grabado en Goldsmiths College en Londres. Desde 1928 hasta 1932 enseñó grabado e ilustración de libros. Su verdadero desarrollo como pintor data de mediados de la década de 1930, cuando visitó Pembrokeshire, en el sur de  Gales, donde sufre un profundo cambio de estilo, evolucionando hacia formas paisajistas de carácter simbólico, a la manera de Gauguin: capta la naturaleza en sus perfiles densos y agresivos, inspirándose en las formas de las rocas, los árboles y los cactus.. En "momentos de visión" sintió que las cosas estaban cobrando vida propia, y experimentando una metamorfosis de una forma estática y fija a una indefinida e indeterminada forma. En sus propias palabras, estaba fascinado por el "problema total de las tensiones producidas por el poder del crecimiento".

 Fue nombrado Artista de Guerra  en 1940 y durante la segunda guerra mundial se inspira en las ruinas de los bombardeos de las ciudades para crear un paisaje apocalíptico -fábricas de armamentos, mampostería destrozada, minas subterráneas- que confirman a Sutherland  su instinto por un mundo cruel  y eligió una paleta de colores intensos y fríos para reforzar esta impresión. Después de la guerra, se concentró en imágenes que hicieron esta impresión aún más contundente, en particular el árbol espinoso, un símbolo obsesivo de la crueldad.

 Desde mediados de la década de 1950, pasó al menos la mitad de cada año en Francia, estableciendo cada vez más una reputación como retratista  y como paisajista. Entre los personajes célebres que retrató hay que contar a S. Maugham, Winston Churchill y lord Reaverbrook. Diseñó el mural "Los orígenes de la tierra" para el Festival de Gran Bretaña de 1950 y el vasto tapiz de Cristo en la gloria instalado en la Catedral de Coventry en 1962. Tuvo un enorme impacto en la siguiente generación de artistas en Inglaterra. Etiquetado como Neo-Romántico, Sutherland no pertenecía a ninguna escuela, pero era considerado un maestro por derecho propio. Su trabajo se mostró en la Bienal de Venecia de 1952 y en la Bienal de Säo Paulo de 1955