Santiago Rodríguez Olazábal

“Creo en la economía de recursos, el dibujo es un tipo de caligrafía. Con Picasso, con Cezane, aprendí que mientras menos recursos uses, sientes más. Yo no tengo miedo al vacío, me gustan los espacios, no me interesa recargar un cuadro, es más importante el horizonte que la línea del horizonte, una mancha, una línea precisa. A eso le llamo usar el recurso mínimo, no me lo propongo, pero sale así. Hay cosas que uno no ve y por eso no dejan de ser importantes”.

Santiago Rodríguez Olazábal. Es un pintor contemporáneo cubano. Ha realizado exposiciones personales en Cuba, España, Francia,Haití, Estados Unidos e Italia entre otros y numerosas exposiciones colectivas en Cuba, México, Estados Unidos, Italia, Alemania,Brasil y Francia entre otros países.

Ha participado en Ferias Internacionales, Bienales de la Habana y ediciones de Subastahabana. Su obra se encuentra en colecciones privadas, Museos e Instituciones públicas en Cuba, España, Estados Unidos, Holanda, Suiza e Inglaterra.

Aun antes de que comenzara a ser conocida su obra, allá por 1983, Santiago Rodríguez Olazábal nacido en La Habana, en 1955 había trabajado insistentemente los temas de la religión afrocubana, la santería o Regla de Ocha o, como él prefiere nombrarlo, el tema del culto o adoración a los orishas.

Hoy, veinte años después, piensa continuar con la temática, pues, según confiesa, no ha agotado lo que tiene que expresar y cada día le surgen nuevas ideas.

Su relación con los cultos afrocubanos es su razón de ser, y la práctica le ha llevado el descubrimiento de un mundo espiritual sin límites, que además de dar un sentido a su vida se convierten en la fuente esencial de su creación artística.

Exposiciones

En ellas, a partir del culto afrocubano trató nuevas aristas como el tema de la vida–muerte–reencarnación, y en los dibujos también aparecieron divinidades poco conocidas, incluso, hasta por sacerdotes practicantes, divinidades al servicio de Orunmila, dios del culto de Ifá.

Obras

Para Santiago, la relación imagen–palabra no resulta tan fácil como la supremacía o subordinación de una a otra. Que sea un pintor podría presuponer una vocación manifiesta por lo visual, sin embargo, ya en 1988 durante su muestra La Oración, el artista explicaba con palabras lo que también sus imágenes evocaban y el profundo conflicto entre ambas.

Decía entonces que “la imagen está subyugada a la palabra, al símbolo, pero también el símbolo como imagen sígnica lleva implícita la mística de la palabra y ello es un vínculo para fortalecer dicho concepto, pues la imagen o el signo, según se quiera apreciar, llega después de un proceso conciente de la oración o el rezo a tratar, sea lo más probable que el concepto fuera más fuerte que la imagen y que la palabra prime por encima del significado”.

La obra de Santiago, conocida no solo en Cuba, evoca un mundo místico en el que no hace falta ser creyente para sentir las vibraciones y emociones que saltan de los trazos, dibujos que vienen a inundar nuestros rincones personales, escapándose de los espacios en que Santiago Rodríguez Olazábal las creó, huyendo en forma de imagen que se vuelve palabra, o al revés, llenándonos de íconos las palabras que muchos hubiésemos querido pintar.


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Miguel Rodríguez-Acosta

Miguel Rodríguez-Acosta Carlström (Granada, 1927) ha desarrollado una importante trayectoria artística como pintor, grabador e ilustrador. Desde 1953 preside el patronato de la Fundación Rodríguez-Acosta, entidad dedicada al fomento de la cultura y las humanidades fundada en 1941 por legado testamentario de su tío, el también pintor José María Rodríguez-Acosta, con el que inició su carrera.

Perteneciente a una conocida familia granadina vinculada a la banca, en los años 50 se traslada a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Allí conoce a Joaquín Valverde, a quien acabará considerando su maestro y de quien recibe su su admiración por Italia, por el arte romano y etrusco y, especialmente, por los artistas del Protorrenacimiento, de gran influencia en su obra. Desde su primera exposición individual en la Casa de los Tiros de Granada en 1957, ha participado en relevantes muestras de arte contemporáneo de diversas ciudades europeas.

Durante la década de los setenta del pasado siglo Miguel Rodríguez-Acosta empieza a interesarse por la técnica del grabado, lo que supone un revulsivo en su trayectoria artística y la apertura a nuevos lenguajes cada vez más cercanos a la abstracción. En su faceta de ilustrador destaca la carpeta de grabados que realizó en 1980 para 'Sonetos del amor oscuro', obra inédita de Federico García Lorca, y su colaboración en la revista Litoral, en los números dedicados a la poesía árabe (1988-1989).

El artista granadino ha destacado no sólo por su obra artística sino también por el esfuerzo de promoción que ha llevado a cabo desde la Fundación Rodríguez-Acosta. Los proyectos, programas y patrocinios de esta entidad son numerosos y variados: becas y ayudas a la investigación, promoción de las artes plásticas, actividades editoriales, conferencias, iniciativas benéficas y colaboración con instituciones, entre otros.

Como reconocimiento a su trayectoria artística y de mecenazgo, en 2001 se le concedió la Gran Cruz de Isabel la Católica y en 2011 la Diputación de Granada le distinguió con el título de Hijo Predilecto de la Provincia.




información-noticias Junta de Andalucía

Ángel Romero Mateos

Ángel Romero Mateos nació en Cádiz en 1.875, aunque a los cinco años se trasladó con su familia a Santa Cruz de Tenerife. Hijo del litógrafo Ángel Romero Tardido, el empresario litógrafo más sobresaliente de la ciudad andaluza, su padre estableció la imprenta en la capital que aún lleva su nombre, y en la que trabajaron varios artistas del siglo XX como Juan Davó y González Martín. De hecho, Ángel Romero fue profesor de Davó y le transmitió los principios y conocimientos de quien fuera su maestro, Joaquín Sorolla.

El joven Romero emprende, alrededor de 1.893, un nuevo viaje a Cádiz, en cuya Academia de Bellas Artes ingresa para después pasar a la madrileña de San Fernando. La enseñanza oficial no tardaría en aburrir al artista, por lo que decidió suplirla ingresando en el taller del pintor Manuel Domínguez Sánchez. Domínguez, pensionado en Roma en 1864, se adhirió primero a la estela de los nazarenos antes de virar el rumbo hacia el realismo posromántico que le inspiró el pintor Eduardo Rosales.

A principios de siglo Romero Mateos se convierte en alumno de Joaquín Sorolla, que con treinta y siete años emergía del naturalismo y del realismo social que había estudiado en pintores como Jules bastien-Lepage y Adolf Menzel. Aunque la influencia de Sorolla en Romero se tiende a asociar con el luminismo posimpresionista, éste sin duda recogió parte de la impronta realista que caracterizó la primera manera del valenciano. Al poco de regresar a Canarias, Romero Mateos colabora en la revista "Gente nueva" con dibujos como "Pancho el bobo" (1900), que apareció en portada de la publicación y que nos remite al realismo social.
Tras la primera etapa de su pintura (1895-1905), caracterizada por una paleta sobria y tonalidades oscuras, el color hará irrupción paulatinamente, coincidiendo con una evolución hacia el realismo folclorista donde la huella sorollana se manifiesta plenamente.
Después de un paréntesis de cuatro décadas durante el cual Romero Mateos abandona prácticamente la pintura, la retoma, sin innovaciones notables, hacia el final de su vida, que acaba en 1.953.

Las influencias del autor se aprecian en pinturas como "De vuelta del mercado", óleo sobre lienzo de 1904 (Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife.

el dia.es cultura

William Rothenstein

(1872 - 1945). Pintor, delineante, escritor y profesor británico. Estudió durante un año en la Slade School (1888-1889) con Alphonse Legros y después en la Académie Julian de París. Allí se hizo muy amigo de Whistler y le apoyaron Degas y Pissarro. Se considera en general que sus mejores obras son sus primeras pinturas whistlerianas, como Una casa de muñecas (1899, Tate, Londres), que muestra a Augustus John y a la mujer de Rothenstein como personajes de una tensa escena de la obra de Ibsen del mismo título. Sin embargo, a partir de más o menos 1898 se especializó en retratos de famosos y de personas que lo serían después. En la última parte de su vida tuvo mucha más fama como profesor que como pintor. Su actitud era conservadora (consideraba la abstracción pura como una «herejía fundamental») y como rector del Royal College of Art, entre 1920 y 1935, ejerció una influencia sólo inferior a la de Tonks en la Slade School en décadas anteriores. Su hijo, Sir John Rothenstein (1901-), ha tenido una brillante trayectoria como historiador del arte. Otro hijo, Michael Rothenstein, es pintor, grabador y escritor de arte. Diccionario enciclopédico de arte y arquitectura

Alexandre Roubtzoff

 Nació en San Petersburgo en  1884. Estudió en  la Academia de Bellas Artes. donde fue alumno de Kardousky Zionglisnki. Hizo muchos viajes or Europa y  descubrió por primera vez el mundo árabe en 1912- El mismo año que ganó el Gran Premio de la Academia de Bellas Artes y una beca para una estancia de  cuatro años en el país de su elección

Llegó a Túnez en  1914 y viajó por todo el Magreb. Se nacionalizó francés en  1924 y se convirtió en parte de la vida artística de la sociedad europea de Tunez.

Su pintura se caracteriza por la variedad de temas, aunque la mujer era su tema favorito, su obsesión por el estudio de la luz y la perfección técnica.  Su  reencuentro con Tunez marca el nacimiento de una nueva cualidad y por su aspecto documental que refleja  momentos preciosos de una época ya pasada. Murió en Túnez el  26 de de noviembre de  1949 y esta enterrado en Borgel

Ker-Xavier Roussel

Ker-Xavier Roussel 1867-1944- fue un pintor francés asociado con los Nabis.

Estudió en la Académie Julian antes de integrarse en los Nabis, un movimiento de vanguardia de finales del siglo XIX que se rebeló contra la pintura académica.  Esta palabra Nabi, que significa intelectual en hebreo, fue elegida para designar a un grupo de artistas que luchaban por la emancipación de los pintores contra la reglas establecidas.  Utilizaban colores brillantes y representaban figuras irreales, imprecisas. una imagen un tanto trastocada de la realidad.

Este movimiento apareció en un momento en que la escena artística francesa  era muy creativa. Sus obras son, por lo tanto, libres, o casi, de  reglas, con la esperanza de provocar una sensación espiritual a través de su arte.

Despues de estudiar pintura realista, Roussel pronto descubrió un aspecto diferente del arte a través del movimiento Nabi. Empezó pintando escenas cotidianas y paisajes, en un color uniforme, sin perspectiva y representando figuras borrosas. Experimentó varias técnics como pintura al óleo, dibujo, litografía y pintura decorativa. Tambien realizó obras de gran tamaño como La Danse para el Palais de Chaillot y los telones para la Comédie des Champs-Elysées

MARIANO RUBIO

Nacido en Calatayud en 1926. Grabador y artista plástico. Estudió Bellas Artes en Barcelona y posteriormente amplió sus estudios con los profesores Goergy y Camí, de l'Ecole Superieure des Beaux Arts de París, y en Pedagogía del Dibujo con el doctor Hupper, de la Kunstakademie, en Karlsruhe (Alemania).
Becado por la Fundación Juan March, investiga en París nuevas técnicas de grabado y de estampación de color con Haytterm, en el Attelier 17, y con el maestro Friedlânder.

En el ámbito docente, ha sido Profesor de Dibujo de Universidades Laborales, Catedrático del CEI de Tarragona y Profesor de Historia del Arte en la Escuela de Artes y Oficios de la misma ciudad.

Aunque Mariano Rubio es conocido, precisamente, por sus grabados, también trabaja la pintura, la técnica mixta y la acuarela.
Académico de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, Conseller de L´Institut Ramón Berenguer IV de Tarragona y Consejero  de la Institución Fernando el Católico de Zaragoza


Ha realizado infinidad de exposiciones desde 1954 hasta la fecha, tanto en ciudades y salas importantes de nuestro país como del extranjero, resaltamos entre todas estas las exposiciones en ciudades alemanas, austríacas y la realizada en Japón.

En el aspecto artístico, la exposición "Trajectòria 1968-1999" es una muestra retrospectiva que abarca todos esos años y un total de cincuenta piezas de grabado y pintura, realizadas por el artista durante todos esos años.

En todos estos años recibe muchos premios, destacando en 1991, el de "Maestro del Grabado" otorgado por la Generalitat de Catalunya, en 1995 es galardonado en la sede del Consejo de Europa de Estrasburgo y en el año 2000 recibió de manos del presidente del gobierno de Aragón el premio Goya.

FERNANDO CARBALLO

Fernando Carballo Jiménez nació en Cartago el  9 de julio de 1941 y creció en medio de una gran familia que incluía 16 hermanos, a sus padres y abuelos, todos habitando en una enorme casona cartaginesa.
Nadie imaginó que aquel joven, que en una ocasión fuera expulsado del Colegio San Luis Gonzaga, se convertiría en un referente contemporáneo de la plástica costarricense.
Luego de su salida de las aulas, su profesor de dibujo Marco Aurelio Aguilar lo recomendó para ingresar a la empresa Casa Gráfica, donde laboró por muchos años; ahí conoció sobre tintas y colores, y descubrió sus secretos, para convertirlos en maravillosas obras de arte.
En esa empresa, conoció a grandes artistas del momento, como Manuel de la Cruz González y Cristina Fournier. Después, gracias al paso por la industria publicitaria, cultivó la amistad de grandes maestros como Gonzalo Morales y Hugo Díaz, y fue éste último quien lo motivó a exponer su trabajo.
Luego pasó por la Facultad de Bellas Artes de la UCR, por invitación de su decano César Valverde. En las aulas, enseñó a noveles artistas sobre la serigrafía y el dibujo gráfico y publicitario.
En un inicio, a Carballo, se le reconoció como un dibujante de grandes dotes y fuerza expresiva. En sus primeros años, destacó su obra gráfica y esta se podría enmarcar en su periodo emocional más convulso como artista y ser humano. Su talento fue reconocido en 1978 con el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en dibujo, y en 1982, lo obtuvo en la rama de pintura.
Debido al origen de su obra, algunos lo criticaron por su paso a la pintura, aunque en la realidad Carballo no abandonó ninguna de las técnicas que le abrieron un espacio en la plástica costarricense.

Hoy, luego de sumar décadas de reconocimientos y un innegable crecimiento humano y artístico, Fernando Carballo es uno de los consagrados en la historia del arte nacional.

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Fritz Scholder artista americano (1937-2005)

Nacido en 1937 en Breckenridge, Minnesota. Artista controvertido y prolífico. Miembro de la tribu Luiseño, aunque a menudo se dijo que no era indio.  Sus obras son inmediatamente reconocibles por su perspicacia  y  poderoso relato de los estereotipos de los indios americanos que lo lanzaron a una importante posición artística.

Sus revolucionarias pinturas se apartaron de los roles establecidos y cambiaron para siempre el concepto de artista indio

El deseo constante de Scholder de explorar, coleccionar, viajar y experimentar es sin duda, la característica distintiva de su vida y de su arte.  Sus obras más famosas son la expresionistas que están en museos y colecciones de todo el mundo. Su estilo es conocido por sus distorsiones, pinceladas explosivas y colores vivos. Sus series exploran temas de indios, del antiguo egipto, mujeres misteriosas y flores...

de la página del artista

CARLOS QUINTANA

Aflicción. Adicción (Carlos Quintana) Este pintor es uno de los exponentes del arte contemporáneo cubano. Su aprendizaje, fundamentalmente autodidacta, dio como resultado una pintura espontánea, transgresora e intuitiva, que se caracteriza por su originalidad y singularidad. Su técnica no es convencional. Su lenguaje curioso e intenso, denota una capacidad creativa particular.  El artista pinta sobre superficies gigantescas, y esparce la pintura con las manos, en ocasiones las chorrea, o les salpica cerveza. Interactúa con sus cuadros de diferentes maneras. Pone de manifiesto en sus obras, la maestría con que trabaja el color, utiliza las transparencias y las veladuras. Sus cuadros pueden remitir a abstracciones. Sin embargo, el caos gestual siempre concluye en el gesto figurativo. La exquisitez del dibujo es patente en las obras este autor. De ellas surgen cabezas sobre bandejas y rostros metamorfoseados, que tienen a menudo un aire asiático, y discursan, en ocasiones, sobre los esencialismos humanos, y las religiones afrocubanas. Sus personajes imaginados convergen, en sus lienzos, con problemáticas reales y místicas. Carlos Quintana ha participado en numerosas exposiciones colectivas desde el año 1984. Sus piezas han sido exhibidas en países como Argentina, Canadá, China, Costa Rica, España, Estados Unidos, Italia, México, Perú, República Dominicana, Suiza, y Venezuela. Su presencia ha sido notable en importantes eventos como la Feria de Arte Contemporáneo de Basel (Suiza), la Feria de Arte Latinoamericano de Miami, Art Chicago ´96, ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo), los Salones de la Ciudad (Cuba), los Salones de Arte Cubano (Cuba) y las bienales de La Habana. Colecciones públicas y privadas en Cuba, Panamá, México, Estados Unidos, Italia, Francia, Mónaco, Canadá, Venezuela, y Japón, aguardan y exhiben sus piezas. Ref-pintorescubanos.org