Louis Vivin

	Pintor nacido en 1861 en Hadol, Francia. Empezó a pintar desde niño. Le gustaba pintar flores, escenas de caza, paisajes, lugares de París y escenas de su pueblo. Estudió arte en la escuela secundaria de Epinal pero tuvo que dejar sus estudios debido a problemas financieros. Aceptó un empleo como funcionario de correos en 1880 por lo que tuvo que irse a París y vivió en Montmartre durante 47 años. Pintaba todo lo que veía y expuso por primera vez en el Club de arte de correos.  Se retiró en 1922 y en 1925 fue descubierto por Wilhelm Uhde que organizó la primera exposición de Arte Naive en París en 1928. En dicha exposición expuso con Henri Rousseau, André Bauchant, Camille Bombois y Séraphine Louis. Este colectivo se dio a conocer como  "los pintores del Sacre Coeur"

Rik Wouters

Rik Wouters (Malinas, 1882 - Amsterdam, 1916) 

Pintor , escultor, dibujante y grabador belga. Desde temprana edad  trabajó como aprendiz en el taller de su padre, un escultor ornamental. En su taller creó figuras de madera y decoraciones para muebles. A los quince años ingresó en la Akademie van Schone Kunsten de Malinas para estudiar escultura. En 1900 decide trasladarse a la capital belga, donde se convirtió en discípulo de Charles Van der Stappen en la Académie des Beaux-Arts. Allí conoció a Hélène Duerinckx (Nel) quien se convertiría en su esposa, su modelo favorita y musa. La pobreza de la joven pareja y la enfermedad de la Nel les obligaron a abandonar el centro de la ciudad  para ir a Boitsfort, a las afueras de Bruselas. En Boitsfort Wouters se centró en la pintura y en los estudios de la luz.  En 1911, Wouters cambió su estilo, abandonando el uso de la espátula y optando por el pincel. Con el fin de obtener un máximo de transparencia el pintor diluye sus colores para aprovechar la absorción en los lienzos. Esto dio lugar a una escala reducida de tonos cálidos y una disminución de la brillantez de los colores. La joven pareja se escapó de la pobreza sólo en 1912, cuando Wouters firmó un contrato exclusivo con la Galerie Georges Giroux, de Bruselas. Al no tener que enfrentar problemas financieros  su creatividad se desarrolló en los años siguientes. Wouters visitó París y Colonia, donde estudió las pinturas de Cézanne y Van Gogh y otras obras impresionistas. Esta influencia se refleja en su obra donde los colores ganaron la ilusión de la luz brillante. Largas caminatas por  los bosques cercanos le inspiró en su elección de los temas. La Primera Guerra Mundial supuso un cambio importante en la vida de Wouters. Como  soldado  se enfrentó el terror, la muerte y la destrucción en Bélgica y terminó en un campo de detención en Amersfort, Países Bajos. Para escapar de la maldad de la guerra,  continuó produciendo dibujos y acuarelas en el campo de detención. Sin embargo, su salud comenzó a deteriorarse rápidamente, de modo que fue liberado  y se mudó con su esposa a Amsterdam. En 1916 Rik Wouters murió a la temprana edad de 33 años.

Jean Brusselmans

Jean Brusselmans (Bruselas, 1884 - Dilbeek, 1953)

Pintor y grabador belga. Brusselmans comenzó su carrera artística como grabador y litógrafo  comercial. En 1897 ingresó en la Académie Royale des Beaux-Arts  de Bruselas. Una-exposición impresionista en La Libre Esthétique  (1904) que presentaba obras de Seurat y Cézanne desvió su interés  del arte gráfico hacia la pintura. En 1911 se unió al círculo L'Effort (Auguste Oleffe, James Ensor,  Léon Spilliaert y Jos Albert) y se hizo amigo de los  fauvistas.  La influencia duradera de Cézanne y sus amigos fauvistas llevó a   Brusselmans hacia una concepción muy personal del fauvismo,  con pinceladas amplias y  rectangulares típicos.  En 1921 Brusselmans participó en su primera exposición individual en Amberes en la Galerie Breckpot. En este momento su estilo cambió. Su deseo de simplificar volúmenes y planos se hizo notable. Todos los tonos de color desaparecieron para dar lugar a los tonos  lisos y básicos aplicados con una sola pincelada. Desarrolló un  marcado estilo expresionista, que presentó en escenas campesinas,  paisajes, interiores y bodegones.  En la década de 1930 su carrera alcanzó su punto máximo. Se unió  al círculo de la Compagnons de l'Art y el Palais des Beaux-Arts  de Bruselas organizó la primera retrospectiva de su obra. La joven  generación de pintores admiraron a Brusselmans por su trabajo   muy estructurado y su deseo de hacer hincapié en las formas a  través de las líneas de contorno de grosor. La estructura casi  geométrica de sus pinturas contrasta  con la sensibilidad y la  delicadeza de sus colores.

EDGARD TYTGAT

Pintor belga. Bruselas 1879-1957. Empezó pintando obras impresionistas, pero despues de la primera Guerra Mundial se incorporó al expresionismo, llegando a la práctica de una expresión moderada, lírica, que se complace en evocar personajes tristes y conmovedores. Ilustró con aguafuertes y grabados en madera, libros de Claes, Supervielle, Ramuz y Giraudoux. Expuso en Roterdam y en Colonia.

Nikolai Blokhin

Nikolai Blokhin / San Petersburgo, Rusia - 1968

 Estudió en la Academia de Arte de San Petesburgo, donde realizó despues sus estudios de postgrado. Al acabar sus estudios se quedó como profesor de dibujo en la Academia. Sus retratos  están influenciados por el  impresionismo con un cierto acercamiento al arte contemporáneo.  Ha recibido numerosos premios, como el de Retrato de la American Society Artists en el Museo de Arte de Nueva York. Sus obras figuran en muchos museos y colecciones privadas, reconocido, especialmente en Rusia

 

 

 


Como si quisieran mantener el misterio. A veces encontrar la biográfia de un artista es muy dificil. En este caso tengo que reproducir lo que figura en su facebook.

Troy Brooks es un artista surrealista que vive y trabaja en Toronto, Canadá.  Las mujeres de  Troy presentan una elaborada gama de caracteres observados en ambientes alegóricos. Estas mujeres juegan con escenas íntimas que exploran los márgenes de un paisaje interno a través de un lenguaje visual detallado.  Por lo general, se encuentran atrapadas  en los momentos en que algo transformador sucede o está a punto de ocurrir.  Troy Brooks trabaja con óleo tradicional sobre lienzo.  Autodidacta

Y hablando de biografías. Todos, en algún momento, quisieramos retorcer el cuello a un artista (debo decir, que esto no es malo, no nos ha dejado indiferentes) -pero lo único que hacemos es guardar nuestro momento de rabia y nada más- pero alguno no se corta y yo debo confesar que- aún no estando de acuerdo la mayoría de las veces- me hacen reir...

La crítica de "El arte que me jode" (ja, jaaaaa)

is a Toronot-based painter and illustrator. The women of Troy Brooks present an elaborate pageantry of characters observed in allegorical settings. These women play out intimates scenes through a detail visual language. They are usually caught in moments where something transformative has or is about to happen. Troy Brooks studied visual art at the very expensive academy of Trial and Fucking Error. He currently lives underwater somewhere in Toronto. His age and exact gender are inconclusive.

TROY BROOKS

Agustí Puig

Pintor y Grabador español, Agusti Puig reflexiona sobre nuestra incierta aventura humana. Haciendo que quien contemple sus obras reflexione sobre la incierta aventura humana. Asi, su obra nos devuelve a los viejos tiempos en que arte y vida, estetica y filosofia, no tenian ningun compartimento entre ellos. - See more at: http://www.picassomio.es/agusti-puig.html#sthash.muCYrrQ9.dpuf

Pintor y Grabador español, Agusti Puig reflexiona sobre nuestra incierta aventura humana. Haciendo que quien contemple sus obras reflexione sobre la incierta aventura humana. Asi, su obra nos devuelve a los viejos tiempos en que arte y vida, estetica y filosofia, no tenian ningun compartimento entre ellos. - See more at: http://www.picassomio.es/agusti-puig.html#sthash.muCYrrQ9.dpuf

Artista catalán, nacido en 1957.

Materias, garabatos, una gama de ocres además del negro, el rojo y el blanco, iconografía de pies, sillas... todo eso remite a unas referencias muy concretas: Tàpies. Pero se diría que éste es el punto de partida de Agustí Puig, porque el artista posee un mundo propio y particular. Sus pinturas, englobadas bajo el título Huida hacia delante, están habitadas por una suerte de personajes que caminan y contienen flechas. Es decir, se trata de un mundo en movimiento, aunque, dicho sea de paso, de un movimiento sin rumbo y en direcciones contradictorias. Este movimiento es una suerte de expresión psicológica del artista en su gesto de derrame de materias semilíquidas sobre el soporte. En él existe una dimensión dramática, porque me temo que esta tensión no lleva a ninguna parte, como en el caso de un movimiento circular. Uno de los símbolos que se repiten en la obra de Agustí Puig es el ocho; el ocho, enlace de dos círculos, es una de las manifestaciones del eterno retorno.

Ref- el Cultural

Pintor y Grabador español, Agusti Puig reflexiona sobre nuestra incierta aventura humana. Haciendo que quien contemple sus obras reflexione sobre la incierta aventura humana. Asi, su obra nos devuelve a los viejos tiempos en que arte y vida, estetica y filosofia, no tenian ningun compartimento entre ellos. - See more at: http://www.picassomio.es/agusti-puig.html#sthash.muCYrrQ9.dpuf

MANOLO MILLARES

Manuel Millares Sall nace en Las Palmas de Gran Canaria el 17 de enero de 1926. Se inició en la pintura de forma autodidacta, gracias a que en las islas se había desarrollado un importante foco surrealista con Oscar Domínguez y Eduardo Westerdahl.

En la obra de Millares pueden distinguirse dos grandes épocas: la primera abarca desde el comienzo de su trabajo hasta 1955 y la segunda, se inicia ese año y concluye con su muerte. El cambio fundamental se produce en torno a la utilización de la arpillera, en 1955.
Las obras más importantes de la primera etapa son las pictografías canarias. Son el resultado de su interés por el surrealismo y por el mundo de la arqueología, por las raíces profundas de las culturas desaparecidas y por el pasado guanche de los habitantes de la isla. Se servirá de los dibujos geométricos de los aborígenes de Gran Canaria y de los signos rupestres del Barranco de Balos.

Aborigen Nº 1 (1951) evoca las manifestaciones rituales y mágicas guanches y aparecen signos esquemáticos, soles, cruces, triángulos. Constituye una reflexión por parte del artista de la civilización guanche.
Las Pictografías, óleos sobre lienzo, de 1951 y 1952, son imágenes en las que un conjunto de signos pictóricos, que recuerdan a los prehistóricos, se inscriben en una superficie cromática conformada por motivos abstractos. Son pinturas que enlazan la tradición indígena (signos que recuerdan la imagen humana esquematizada, animales esquematizados, formas de peine, puntas de flecha, etc.) con el surrealismo. Su interés por el subconsciente y lo primigenio, evocan el hallazgo de nuestro pasado, de nuestro origen. Un ejemplo es Aborigen de Balos (1952).

Un paso más da en 1953 y 1954, cuando construye los Muros. Aquí investiga el valor de la superficie, reduciendo el número de signos de sus pictografías e introduciendo nuevos materiales, como arpilleras (tejido de estopa muy basto usado para hacer sacos), tierras, pedazos de cerámica, etc. Organiza de forma más ordenada la imagen y amplía su escala.
En Collage (1954), perviven los signos, aunque a mayor escala y más esquemáticos que en las pictografías anteriores. Recurre al signo del ancla.

Millares empieza a utilizar las arpilleras, aquí son todavía un elemento que añade a la superficie del cuadro junto con otros materiales como arena, cerámica o madera. La arpillera es una evocación de las telas con las que se envolvían las momias guanches, descubiertas por el pintor en el Museo Canario.

En el año 1955, tras su establecimiento en Madrid y bajo la influencia de Burri, las arpilleras, que en principio solo ocupaban una parte de la superficie, se convertirán en soporte, en el elemento esencial. Y en 1957, funda el grupo El Paso, en el que tendrá un papel decisivo.

Cuadro Nº 48 (1957) fue realizado al poco tiempo de la fundación de El Paso. Supone un avance más en el uso de la arpillera, aquí ya no es un componente de un collage, sino que es la base material y expresiva de la obra. El pintor enfatiza el sentido destructivo de las perforaciones, desgarros y cosidos de la tela. El color se ha reducido al ocre natural de la arpillera, al blanco y al negro, aplicándolo de forma irregular, con empastes y chorros.

Millares se decanta por las superficies de arpillera que desgarra, rompe, perfora, cose y recose. Ensalza el valor de la materia como vehículo de expresión. Su paleta se reduce, es muy sobria, predominan el marrón de la arpillera, el negro, el rojo y el blanco. La abstracción se sustituye por una reconocible figuración y la obra adquiere, incluso por los materiales que incorpora a ella, un matiz social y moral. Denuncia las atrocidades y barbaridades de este mundo.

Sus Homúnculos se nos presentan directamente como objetos ellos mismos y no como representaciones dentro de un cuadro. En ellos, insinúa la figura humana, piernas, brazos, el tronco. Estas arpilleras, consiguen transmitir una sensación de angustia, de miseria y de opresión, pero también la grandeza del material humilde, del saco viejo y roto, recuperado de la basura como material artístico.

El homúnculo no es sólo la momia de los guanches exterminados por los conquistadores, sino que hacen referencia a la historia de España, a la guerra civil.
En Cuadro 122 (1962) continúa con el desarrollo de la arpillera como soporte e introduce tubos y latas. La tela se desgarra, se dobla y se anuda creando el centro de tensión en un relieve en forma de cruz. El color se reduce al blanco, al negro y al ocre de la madera del bastidor. La obra es una metáfora de la irracionalidad y crueldad de la condición humana.

En otras obras también trata motivos históricos como el Sarcófago para Felipe II, Los artefactos para la paz, que coincide con el XXV aniversario del final de la guerra civil o Mutilados de paz.
Desde su entrada en El Paso hasta la mitad de los sesenta, el negro es el color protagonista de sus obras. Se trata de un negro denso y pastoso que favorece el efecto dramático que pretende lograr. Pero a partir de 1964-1965, el blanco cobra un papel cada vez más importante, como se puede ver en las Antropofaunas y los Neandertalios, que siguen teniendo como motivo principal el ser humano.


Manolo Millares falleció en Madrid el 14 de agosto de 1972. Es uno de los artistas españoles de más renombre universal.

Fuente- arteespana

Gabriele Münter

Gabriele Münter and
Wassily Kandinsky in Sèvres 1906

Gabriele Münter

Berlín, 1877-Murnau, 1962            

Gabriele Münter fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 y después, en 1901, en la escuela Phalanx, donde tuvo como maestro a Kandinsky. Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. En 1909 compró una casa en el pueblo bávaro de Murnau, que se convirtió, los veranos siguientes, en punto de encuentro con Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin. En Murnau el arte de Münter evolucionó hacia la simplificación de la forma, influida por las experiencias de sus compañeros y por el descubrimiento de las pinturas sobre cristal típicas de esa zona de Baviera
Tras. participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza y después, ya en solitario, a Copenhague.

 La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia. En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista


Museo Thyssen-Bornemisza