Jorge Fin se adelantó al actual descrédito (en todos los sentidos) del mundo bancario y abandonó hace 23 años su puesto de trabajo en un banco. “Fui muy obediente con mis padres, estudié Economía, me puse a trabajar en el NatWest, y a los dos años estaba harto”, explica. “A mí lo que me gustaba era pintar, así que, cuando me salió una exposición en San Sebastián, me cogí un año sabático. Me decían que volviera, que me subían el sueldo, pero no lo hice”. Pintando y pintando dio con las nubes. “Yo pintaba series de cuadros de otras temáticas para las exposiciones, y las nubes las pintaba para relajarme y tenerlas en casa. Pero un galerista me animó a exponerlas y cada vez me fui metiendo más”. Ahora se define como pintor de nubes y, además de pintar cuadros, llena de enormes nubes fachadas y murales. Una tradición pictórica bastante fecunda, por cierto, sobre todo en el Romanticismo, de los pinceles de autores paisajistas como Turner o Caspar David Friedich, de quien su mujer decía que cuando pintaba nubes no se le podía interrumpir pues estaba “hablando con Dios”. El PAIS
Fernando Vicente comenzó en el mundo de la ilustración durante la Movida trabajando para revistas emblemáticas de la época entre las que destacan Madriz o La Luna de Madrid. Durante cerca de una década, dejó de lado la ilustración como su principal actividad profesional para pasar al sector de la publicidad donde sería director de arte en diversas agencias. Más tarde, reapareció como ilustrador con sus colaboraciones en el diario El País y sus suplementos. Gracias a su trabajo para el cultural Babelia, Fernando Vicente ha sido premiado en tres ocasiones con el Award of Excellence de la prestigiosa Society for News Design –los considerados ‘Nobel’ de la ilustración–. También ha realizado colaboraciones con Gentleman, Cosmopolitan, Vogue, Ronda Iberia, Letras Libres, Rolling Stone o DT, entre otras. Además, ha ilustrado más de veinticinco libros tanto dirigidos al público infantil y juvenil como a adultos.
Michaël Borremans (1963) se confiesa un interesado de la técnica barroca en términos de eficacia, de ahí su interés por maestros del Barroco español, donde recurre a menudo como fuente de inspiración. Maestros como Velázquez, Goya, Rembrand o Manet, y otras corrientes artísticas posteriores como el surrealismo, están presentes en su discurso. Así mismo, la mayoría de sus obras se encuentran muy marcadas por su admiración a la fotografía, disciplina que compartía con su abuelo, y su pasión por el cine, donde se siente atraído por directores como David Lynch o Stanley Kubrick. Con el paso del tiempo, su trabajo ha ido aumentando en cuanto a complejidad y a una técnica más meticulosa en sus últimas pinturas.
Michaël Borremans estudió artes gráficas y fotografía en Gante y ya en época tardía se adentró en el mundo de la pintura, dándose a conocer en la década de los 90, con
exposiciones en espacios europeos, asiáticos y americanos
Cesare Biseo (1844–1909)Pintor italiano conocido principalmente por sus temas orientales Nacio en Roma, hijo de una familia procedente de Brescia. Se preparó con su padre. Inicialmente trabajó en decoraciones artísticas para casas. El virrey de Egipto lo invitó a ir a Alejandría para decorar su palacio y este viaje le inspiró y le proporcionó temas para su producción artística. Regresó en compañía de Stefano Ussi y Edmondo De amicis, que formaban parte de la embajada de Marruecos. Con De Amicis publicó un libro en Marruecos y Estambul. En la Mostra di Venezia de 1887 expuso acuarelas tituladas "recuerdo del Cairo"
Christian Bérard (1902-1949) De prodigioso talento, pintor, ilustrador, diseñador. Artista muy conocido y querido en el París de las décadas de 1920 y 1930, donde era conocido como "Bebe" por su cara sonrosada y ojos claros- Su obra, inclasificable para los críticos porque se salía de todas las corrientes artísticas. Sus pinturas, la mayoría autorretratos y retratos, le dieron otra dimensión a su reconocido prestigio como ilustrador. Aparte de su carrera artística, cuando necesitaba dinero continuaba haciendo ilustraciones para la moda y revistas. Tenía buen ojo para la ropa de mujeres de los años 1930 y 1940- Su trabajo servía de inspiración para modistos como Dior, Schianarelly y Nina Rici.
En 1930 diseñó el primer decorado para Jean Cocteau, quizas el más conocido sea que que creó para la película de Jean Cocteau - La Bella y la Bestia- Berard se hizo amigo de Cocteau pàra toda la vida, pero con él tambien compartió el vicio de fumar opio, lo que le llevó a una adicción que le condujo a varias curas en psiquiatricos y quizas tambien contribuyó a su temprana muerte. En 1931 se unió a la compañía de los ballets rusos y trabajó con el coreografo Balanchine Murió en 1949 mientras estaba haciendo el vestuario para una obra en el teatro Marigny
Hoy en LA VOZ DE GALICIA, nos recuerdan a esta magnífica pintora surrealista- REMEDIOS VARO
La memoria es maquinaria débil, lo que favorece injustos olvidos como el de la pintora Remedios Varo (nacida María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga; Anglés, Gerona, 1908-Ciudad de México, 1963), a la que no ayudó en España que ella hubiese muerto en su exilio mexicano -en el que se había instalado en 1941 tras no soportar la ocupación nazi de París; allí había llegado huyendo de la Guerra Civil-. Es una de las más grandes figuras femeninas del surrealismo, a la altura de Leonora Carrington o Maruja Mallo, y en América Latina, EE.UU. o Japón su obra goza de un enorme prestigio. A pesar de que la escritora cubana Zoe Valdés le dedicó una novela, Televisión Española realizó un bonito documental y Madonna hizo referencias a la artista en varios de sus espectáculos visuales, por estos pagos sigue siendo una desconocida. Pues bien, ahora el sello -también gerundense- Atalanta pone una piedra angular decisiva en ese edificio que debe ser el conocimiento con la edición del bello volumen Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo, que rescata el libro que Artes de México publicó en el 2008 y que incluye, además de exquisitas reproducciones de las pinturas de Varo, un ramillete de ensayos de algunos de los más reputados expertos en su obra. Y que exploran, entre otras líneas de estudio, la relación de la creadora con el universo del líder espiritual y maestro místico ruso-armenio George Ivanovich Gurdjieff.
Óscar Domínguez, André Breton, César Moro, Roberto Matta, Benjamin Péret -con quien estuvo casada- o Max Ernst formaron parte de su círculo, pero los vínculos, de algún modo, terminan ahí. Porque la obra de Varo es personalísima, está llena de misterio, de delirio, de literatura: lo onírico, la magia y el simbolismo reinan pese a la precisión de sus paisajes, geometrías y estructuras arquitectónicas. Decía Octavio Paz algo así como que Varo «no pinta el tiempo sino la fantasía contra el furor en que el tiempo reposa».
Edward Middleton Manigault (1887 - 1922) tuvo una carrera breve pero aclamada como un pintor modernista, ceramista y fabricante de muebles. Creyendo que el ayuno podría aumentar su sentido de la conciencia y la creatividad y que le permitiría "ver colores no perceptibles para el ojo físico", ayunaba durante largos períodos mientras trabajaba en la pintura. Aunque Manigault mostró una paleta increíble, esta práctica condujo a su muerte por inanición a los 35 años. Después de su muerte, Manigault cayó en el olvido durante muchos años, en gran parte debido a la escasez de obras conocidas (en un momento dado, destruyó hasta 200 de sus obras porque creía que eran indignas de su firma). Recientemente, sin embargo, ha habido un renovado interés por su obra, debido a un pequeño círculo de eruditos y coleccionistas. Manigault nació en London, de familia importante, sus padres alentaron su interés por el dibujo. A la edad de 18 años fue encargado por su ciudad natal para hacer representaciones de los edificios públicos, que fueron reproducidas y vendidos como postales. En 1905 se trasladó a Nueva York para asistir a la New York School of Art, donde fue apadrinado por Kenneth Hayes Miller. En poco tiempo se convirtió Manigault en el centro de la escena artística de Nueva York, su arte fue coleccionado por J. Paul Getty y Arthur Jerome Eddy y mostrado en las prestigiosas Armory y Whitney. Como pintor fue versátil y muy emocional . En 1915 la vida de Manigault cambió bruscamente cuando interrumpió su exitosa carrera como pintor para ser voluntario como conductor de ambulancias en la Primera Guerra Mundial. Fue enviado a Flandes, lugar de algunos de los combates más intensos. Después de la exposición al gas mostaza, sufrió una crisis nerviosa y fue dado de baja. Desde este momento su salud poco a poco se deterioró. Al volver a Nueva York se encontró con dificultades para concentrarse en la pintura. Fue ayudado a pasar sus episodios de depresión por su esposa, Gertrudis, con quien se había casado apenas unos días antes de ir a la guerra. A pesar de su deteriorada salud, Manigault se mantuvo experimentando en la creacion de obras brillantes. Buscando un clima más suave y un ritmo más lento, los Manigaults se trasladaron a Echo Park en 1919, comprando una casa en San Lemoyne en Fellowship Park. Este cambio le llevó a centrarse más en las artes decorativas, y produjo hermosas cerámicas y muebles. También recibió un encargo lucrativo para diseñar cubiertas para Oneida. Beth A. Beth A. Venn describió a Manigault como: visionario modernista en un catálogo publicado por Hollis Taggart Galleries en Nueva York: "Parece ser que casi inmediatamente después de su llegada a California, Manigault con entusiasmo se entregó a la premisa básica del movimiento Arts and Crafts - que la artesanía y trabajos manuales podrían ser elevados al nivel de estética de la pintura" El error fatal de Manigault fue cuando aceptó un trabajo en San Francisco. Con Gertrude en Los Ángeles, no había nadie para controlar su ayuno. El 25 de agosto de 1922, Gertrude recibió un telegrama diciendo que Manigault estaba muy enfermo. Ella tomó el tren a San Francisco y cuando llegó lo encontró demacrado y semi-inconsciente. Cuando lo ingresó en un hospital, el médico dijo que haría falta aproximadamente un mes para que recuperase sus fuerzas. Nunca lo consiguió. El 31 de agosto Manigault fue declarado muerto debido a inanición y neurastenia. Se había martirizado por su arte. La obra de Manigault forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Columbus en Ohio y del SC Gibbes Museo de Arte en Charleston, SC
Revisando hoy los comentarios que aparecen en mis vídeos, me llamo la atención uno de un japonés, o japonesa, no sé. que decía "nunca he conocido una mujer tan elegante"- se reféría a Shinoda. Le dí la razón. Ha cumplido 102 años y aún lo es
Con motivo de su centenario se celebró en el Museo Tomo en el distrito central Toranomon de Tokio una exposición de la artista y las palabras que sonaban eran "poder" y "poesía"- Su arte transciende a su propia cultura
Shinoda nació en Dalian, Manchuria, en 1913. Poco despues su familia regresó a Tokio. Un tío abuelo suyo ya había sido maestro de caligrafía y transmitió el interés por la caligrafía y la poesía al padre de Shinoda, quien se lo pasó a ella.
En las primeras exposiciones de Shinoda mostraba, principalmente, interés por la caligrafía y en las de la década de 1940 revela un interés por la califrafía abstracta. En la década de 1950 seleccionaron obra suya para las exposiciones de caligrafía que se montaron en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que despues rotaron por Sudamerica. Despues le encargaron murales para el pabellón japonés en exposiciones culturales en Estados Unidos, Brasil y Suecia. Cuando llegó a Nueva York, en 1956, ya era conocida en los círculos artísticos
Pasó una década viajando entre Nueva York y Toko, cuando el expresionismo abstracto estaba en su cenit. Expuso en la galería de Betty Parsons, la galería de los expresionistas, que llevaba a artistas como Pollock, Rothko o Jasper Johns.
Shinoda maneja el espacio con una precisión increible, ha desarrollado un diseño elegante en tres dimensiones, como queda atestiguado en numerosos trabajos realizados como elementos arquitéctonicos
A pesar de su edad, todavía trabaja todos los días. Además de pintar tambien escribe. Es autora de varios libros. Como dice Takamado como introducción en uno de sus libros "Esta artista no ha perdido la frescura y aguda sensibilidad de la juventud, sin eso no habría podido crear una obra tan vigorosa"
Pintora con gran personalidad que se ha negado a cumplir estereotipos, desafiando muchas tradiciones del arte japonés. Rompió con las estrictas reglas de la caligrafía y comenzó a hacer pintura abstracta, expresandose con absoluta libertad.
1872-1945. Pintora, ilustradora y diseñadora. Su obra, muy influenciada por los prerrafaelitas, presta especial atención al detalle, color y narradora de historias. Su arte, que gozó de mucha popularidad y exito comercial, especialmente despues de la vidriera conmemorativa, dedicada a las victimas de la Primera Guerra Mundial,carteles publicitarios, así como varias retablos para iglesias del norte de Inglaterra, fue olvidado despues de su muerte. Estudió en la Crystal Palace School of Art y despues en la Royal Academy School. Pasó años viajando por Europa, especialmente Francia e Italia, especialmente para buscar inspiración en los grandes maestros clásicos. Dio clases en la Escuela de Arte Byam. Expuso durante más de treinta años en la Roya Academy, hasta 1939 que debido a su falta de salud se vio muy limitada.
Nació en Middlesex en 1843. Pintora prerrafaelita y musa de pintores. Pertenecía a una familia adinerada y culta perteneciente a la comunidad griega en Londres. Se preparó con Maddox Brown y Rossetti, cuya influencia es palpable en su obra. Se casó, en contra el parecer de su familia, con el periodista americano William J. Stillman en 1871. Despues de la boda se fueron a vivir a Florencia y despues a Roma. Aunque vivían fuera de Inglaterra, exponía regularmente en el Galería Grosvernor.
Regresaron a Inglaterra en 1898 y se establecieron en Surrey y desde que el marido murió en 1902 se fue a Londres
Los temas de sus obras son los típicos de los prerrafaelitas,, figuras femeninas, escenas de Shakespeare, Petrarca, Dante y Boccaccio y paisajes italianos.
