Jan Cobbaert

Jan Cobbaert (Heverlee, 24 de junio de 1909 – 3 de octubre de 1995) fue un pintor, escultor, dibujante y ceramista belga, que practicó diversas artesanías (hierro forjado, grabado en madera y placa de vidrio).
 
Nació en Heverlee el 24 de junio, en 1909. Hijo de familia rica, vivió en Korbeek-Lo,¹​ cerca de Lovaina. Una vez a la semana, siguió las clases de cerámica en el taller de Jacques Charlier (1899 - 1964) e ingresa en la Academia de Bellas Artes. Después de su educación secundaria se da cuenta de que quiere seguir con el arte. Cobbaert inicia estudios de historia del arte durante sus primeros años en la de la Universidad Católica de Lovaina. 
 
 Luego estudió en el Instituto Superior de Arqueología e Historia del Arte en Bruselas. Después de estos estudios, trabaja como cadete en el negocio de zapatos de su padre. Entre tanto, pintó sus primeras obras y, alternando con sus clases en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas. En Bruselas, entró en contacto con el expresionismo flamenco y descubre los grandes expresionistas de la segunda Escuela Latemse, como Gust De Smet (1877 - 1943) y Constant Permeke (1886 a 1952).
 
En 1937 recibió el primer Premio Internacional de Roma; a causa de ello, su obra se presenta en el ayuntamiento de Lovaina, en lo que sería su primera exposición. En 1939 recibió una subvención estatal, para viajar a Italia, Alemania y Francia y estudiar el arte antiguo. Su carrera consigue dar un nuevo giro, pero a causa de la guerra en Italia, regresó a Bélgica.
 
Desde octubre de 1944 fue profesor en la Academia de Lovaina. Mientras tanto, conoce a José Beeckman, con quien se casaría más tarde. Tuvieron dos hijos y la familia se estableció en Kessel-Lo. Es en el mundo confiado de la familia donde encuentra su principal fuente de inspiración. La pérdida de su esposa y de su hijo Marc en 1958 paralizó su actividad unos años, hasta que conoce a Vika Lambert, con quien se casaría poco después.
 
Su obra incluye varios componentes de movimientos artísticos como la referida segunda Escuela Latemse, pero su trabajo está determinado por profundas raíces en la artesanía y por los acontecimientos de su vida. La muerte de su hijo juega un papel importante. Así, parece sumergirse en el mundo de los sueños de los niños buscando mantener la unión con su hijo. Alrededor de 1950 entró en contacto con el movimiento Cobra, en el que sin embargo no está oficialmente incluido.
Además de en su país, tiene obra en Noruega, Luxemburgo, Dinamarca y Alemania.

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Albert André

 

Lyon, 1869-Laudun, 1954

Albert André nace en Lyon, donde su padre tiene una fábrica de sombreros de seda. Se educa en el Lycée de Lyon y pasa las vacaciones en Laudun (Gard). Hacia 1885 se orienta hacia el dibujo y colabora en algunos proyectos para las sederías. Pero ante su falta de entusiasmo por esta actividad, su familia accede a enviarle a París, para que se dedique en serio a la pintura. 

 

Llega a la capital probablemente en 1889 y se matricula en la Académie Julian, en la que traba amistad, entre otros, con Paul Ranson (miembro del grupo de los Nabis) y con Valtat. En 1894 participa por primera vez en el Salon des Indépendants. Renoir se fija en él y lo recomienda a Durand-Ruel, que será su futuro marchante. Así comienza una verdadera carrera. Colabora con Toulouse-Lautrec en la realización de los decorados de Chariot de terre cuite (obra vanguardista que se representa en el Théâtre de L'Ouvre). Con Maurice Denis, Bonnard y Vuillard (todos ellos miembros del grupo de los Nabis), expone en la sala de Bing, el gran marchante de arte japonés e inventor del estilo Art Nouveau. 

 

Tras su consagración, en 1904, gracias a su primera exposición individual en la galería Durand-Ruel, se suceden las exposiciones y los encargos. Figura, junto a Monet, Cézanne, Renoir y Pissarro en la exposición titulada Natures Mortes (Durand Ruel, 1908); le encargan un gran panel decorativo para el pabellón francés de la Exposición Universal de Turín; lo eligen para celebrar L'Interprétation du midi en el salón de La Libre Esthétique de Bruselas (1913) y alcanza un gran éxito en Estados Unidos con su primera exposición individual en Nueva York (Durand Ruel, 1912). 

 

Luego vendrían la guerra y por fin la desmovilización en 1917; después se traslada a Endoume, cerca de Marsella, donde el artista, que ha recuperado la alegría de pintar, firma algunos de sus lienzos más hermosos (El día del armisticio, Paseo por Endoume, Terraza a orillas del mar).

Biógrafo y retratista de Renoir anciano, al que pinta en escenas de conmovedora autenticidad, lo será también de Monet.
Rodeado de amigos entre los que cabe citar a Julie Manet, Pierre Renoir, Marquet y Paul Signac, su vida transcurre entre París, sus actividades como pintor y como secretario del Salon d'Automne, y sus prolongadas estancias en Laudun (donde es conservador del Musée de Bagnols-sur-Sèze), donde se refugia durante la Segunda Guerra Mundial.
Poco a poco, su paleta, tan viva en los primeros tiempos, se va templando. Pero Albert André permanece fiel a sí mismo, a su sentido de la intimidad, a los interiores acogedores, a los objetos familiares, flores, jarrones, muebles, espejos, ventanas abiertas a Laudun...

Pol Bury

Pol Bury nació en  La Louvière, Belgica, en 1922. Despues de asistir a la Academia de Bellas Artes se unió a un grupo de poetas surrealistas entre los que se incluía Achille Chavée. En las primeras obras artística de Bury se veía la influencia de René Magritte e Yves Tanguy, y los cuadros que produjo a finales de la década de  1930 y la primera parte de la del 40 se incluyeron en la Exposición Internacional del Surrealismo que se ofreció en Bruselas-

Bury empezó a incluir motores eléctricos en muchas de sus esculturas en 1957. Los motores ocultos activan las obras, lo que provoca que los elementos giren, se inclinen o giren. Alrededor de 1964, el artista comienza a crear sus Cinetizaciones: fotografías e impresiones que representan monumentos bien conocidos, pero con la estructura arquitectónica fundamentalmente alterada. 

En una Cinetización con la Torre Eiffel, la estructura de hierro parece tambalearse como si estuviera al borde del colapso. Las esculturas y Cinetizaciones de Bury demuestran momentos de contingencia física que desconocen la atracción de la gravedad. En una entrevista de 1969, el artista explicó: "Estoy buscando el punto que existe entre el movimiento y el no movimiento.

A finales de los años sesenta, Bury empezó a trabajar con acero inoxidable y acero Cor-Ten, latón pulido y cobre. En 1969 había creado su primera fuente pública, en el Museo de Arte de la Universidad de Iowa. Semejante en muchos aspectos a sus esculturas cinéticas, las numerosas fuentes que Bury diseñó a lo largo de su vida implican arreglos de cilindros y esferas que se mueven lenta e irregularmente. En estas obras, abrazó los reflejos y efectos de luz producidos por la interacción del metal y el agua al aire libre-

 A finales de los años cincuenta y principios de los 60, Bury expuso su obra junto a la de otros artistas ZERO en Vision in Motion-Motion  en Hessenhuis, Amberes (1959); Bewogen Beweging (Movimiento Movimiento, 1961), que viajó desde el Museo Stedelijk de Amsterdam al Moderna Museet, Estocolmo, y el Museo de Louisiana, Humlebk, Dinamarca; tuloonstelling nul (Nul 62) y nul negentienhonderd vijf en zestig (Nul 65), ambos en el Museo Stedelijk de Amsterdam (1962 y 1965, respectivamente); y Documenta 3 (1964) en Kassel, Alemania. Las retrospectivas con la obra del artista han sido organizadas por el Museo de Arte de la Universidad de California, Berkeley, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1970); Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (1977-78); Museo de arte moderno de la Ciudad de París (1982); y el Museo Josef Albers en Bottrop, Alemania (1990). Bury murió el 27 de septiembre de 2005, en París.
 Guggenheim Museum

Jan van Beers

(Lierre, Bélgica, 1852-1927). Pintor belga. Hijo del poeta del mismo nombre. Se formó en la Academia de Amberes y empezó pintando cuadros de historia, con un tratamiento tan realista que parecía insuflar vida y espíritu a unos personajes muertos siglos atrás, como es el caso de su conocido Carlos V de niño (1879, Koninkijk ­Museum voor Schone Kunste, Amberes).

 Sin embargo, la temática de sus obras se volvió más coetánea cuando se trasladó a París, ciudad en la que logró el éxito entre el público más exigente, que gustaba de la minuciosidad característica de sus retratos. De esta época son sus elegantes figuras femeninas pintadas a la manera de Alfred Stevens y en las que Beers demostraba su destreza para reflejar con toda exactitud las telas y otros complementos; como ejemplo cabe citar el famoso Retrato de Sarah Bernhardt. 

De hecho, la obra de Beers levantó mucha polémica entre un sector de la crítica que le acusó de utilizar positivos fotográficos como base para pintar sus obras. Progresivamente su estilo fue perdiendo el interés del público, obligándole a cambiar, una vez más, al final de su carrera, dedicándose en esta última etapa al paisaje y a reflejar sencillas escenas cotidianas, género este último que ya había practicado con anterioridad, como demuestra la pintura que conserva el Museo del Prado, donada por el propio artista en 1880.

Museo del Prado

Alfons Walde

 Alfons Walde (1891 - 1958), nació en Oberndorf. En 1892 la familia se trasladó a
 Kitzbuehel porque nombraron a su padre
Franz Walde director de una escuela.

Walde estudió arquitectura en la escuela técnica de Viena.  Al mismo tiempo continuó su formación como pintor. Se movió en los círculos artísticos de  Gustav Klimt y Egon Schiele.

 Utilizaba mucho las montañas que rodeaban  Kitzbuehel como motivo de sus cuadros.

Despues de la Primera Guerra Mundial se dedicó completamente a la pintura y aunque durante un tiempo su obra tuvo influencias de Klimt y Schiele, pronto volvió a su estilo característico- escenas de la montaña, particularmente de invierno. Fue el primer artista en presentar con éxito escenas de esquí como tema. Estas escenas deportivas, junto  con sus paisajes invernales y sus imágenes agrícolas, presentadas con fuerte empaste, complementaban sus otros trabajos artisticos como arquitecto y artista gráfico

Los toques  impresionistas  evocados en  las pinturas de Walde le dieron un lugar en la historia del arte internacional. Esto se reflejó en las muchas exposiciones de su obra y concursos de arquitectura, y los premios que recibió. Alfons Wade murió el 11 de diciembre de 1958 en Kitzbuehel.
Después de la década de 1930 hasta su muerte en 1958 Alfons Walde trabajó principalmente en proyectos arquitectónicos.

Tina Blau

Tina (Regina Leopoldine) Blau, nació en Viena en 1845, fue la única mujer judía de su generación en ser profesionalmente reconocida como artista.

Su padre, un famoso fisico de Praga, fue el que inculcó en su hija el arte  y a través de ella vivio sus propios sueños artísticos. 

Como otras mujeres de su generación se le denegó una educación superior así que recibió clases privadas. Su primer profesor fue el húngaro Antal Hanély, y despues le siguieron August Schäffer y Joseph Aigner. En 1869 viajó a Munich para prepararse con Wilhelm Lindenschmit. 

Al acabar sus estudios viajó a Italia, Países Bajos y Francia, pasando los veranos de  1873 y 1874 en la colonia artística de   Szolnok. Al regresar a Viena hizo amistad con el pintor  Emil Jakob Schindler y compartió estudio con él hasta  1879.
En 1883 Blau volvió a  Munich y, despues de convertirse al protestantismo, se casó con el pintor Heinrich Lang.  Despues de la muerte de su marido regresò a Viena, en aquel momento ya era una pintora reconocida.

Estuvo enseñando en la Academia hasta 1915, un año antes de morir, aunque nunca fue aceptada como miembro de la Wiener Kuenstlerhaus.

Wolfgang Paalen

Wolfgang Paalen: El artista que eligió la ciudad entre las montañas para morir

 En septiembre de 1939, cuando llegó con su esposa al aeropuerto de la Ciudad de México acompañados por la fotógrafa Eva Suzler, Paalen quedó fascinado con el país que le ofrecía la posibilidad de observar de cerca el arte precolombino, que le despertaba mucho interés. 

  Se nacionalizó mejicanoen el año 1947. Ese mismo año se divorció de la artista Alice Rahon

 

Wolfgang Paalen se suicidó en 1959

Uno de los artistas más importantes y a la vez menos conocidos del siglo pasado, Wolfgang Paalen (Viena, 1905 - Taxco. Gro. 1959). Energético creador; nómada intelectual; consecuente a los desarrollos científicos y estudioso de las culturas ancestrales; Paalen fue figura pilar en el desarrollo de las ideas teóricas acerca de la creación artística, mientras que su producción es evidencia de su desplazamiento ideológico y capacidad de experimentación.
Paalen alcanzó gran reconocimiento como miembro del grupo surrealista de André Breton en París. Es acreditado por inventar el fumage, técnica de pintura basada en marcar con humo de velas y lámparas el bastidor, y de esta manera captar el momento energético del acto pictórico, fuera de la conciencia e intención del artista. El “éxito” representaba, para él, un espejo de imágenes falsas, carentes de destino; lo que realmente le interesaba era el estudio de las fuerzas vitales del individuo.

 Para Wolgang la realidad era una suerte de pantalla o filtro, lo que lo llevó a intentar conciliar con sus imágenes internas. Quería experimentar su fuerza vital, como creadora del mundo, y así explicar el acto artístico. “El individuo como creador del mundo, en vez del individuo que lo asume o transforma” (Eva Wilson, Espacios Implícitos, 2007). Paalen era consciente de que nuevos principios de pensamiento generan una nueva forma de hacer arte.
Paalen se deslindó de Breton y el grupo surrealista para formar la revista Dyn, la que sirvió como plataforma para el desarrollo y promulgación de sus ideas. Dyn viene del concepto aristotélico kata tú dynaton, lo que potencialmente “es”, o lo posible. Para Paalen, los avances de la física y la crisis de la modernidad, significaron la posibilidad de adentrarse en un universo “de lo imaginable”, y no sólo de las tres dimensiones del mundo visible. Criticaba los conceptos del materialismo, pues concebía las cosas que lo rodeaban como partículas en constante y salvaje movimiento, que le permitían adentrarse en ellas y atravesarlas en un nivel microfísco, y así visualizar como surgen los fenómenos.
 
 Pensaba la pintura como una mera resonancia de las apariciones internas, lo pensable y lo posible. La pintura no representa, sino que mira al espectador y lo cuestiona sobre lo que él representa. En su serie Les Cosmogones, Paalen consideraba que la pintura sólo se representa a sí misma, no narra ni declara nada, aparece y desaparece como una alucinación que ayuda a alinear al espectador hacia un evento esencial que sólo el espectador puede significar. Paalen prefiguraba lo posible, veía el potencial de “un nuevo orden de las cosas”, sin referencia a lo que ya “son”. Sus ideas fueron tema constante de conversación entre los grupos de artistas de Nueva York en los años 40-50, y ayudó a fundamentar la transición del surrealismo al expresionismo abstracto.
 Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)

Artur Nikodem

 Trento 1870 – 1940 Innsbruck
Artur Nikodem nació el 6 de febrero de 1870 en Trento. Asistió a la Academia de Munich con Franz von Defregger y Wilhelm Kaulbach, como profesores y a la Academia en Milán. Las estancias en el extranjero le llevaron a Florencia y París. En 1893 se trasladó a Merano, donde pasó 14 años. Allí se unió a Meraner Künstlerbund y exhibió regularmente en sus exposiciones. En 1908 Regresó con su familia a Innsbruck, donde permaneció hasta el final de su vida.  

Trabajó como artista  en Innsbruck y realizó numerosas exposiciones. Su obra representa   una parte importante del modernismo del Tirol del período de entreguerras, que se caracteriza  por la confrontación con las nuevas corrientes de la escena de  Múnich y sigue la tradición de la pintura del paisaje del Tirol.  

Sin embargo, las raíces de su pintura se encuentran en el arte nouveau de Viena y el secesionismo.  Nikodem también trabajó como fotógrafo. 

 Sus fotografías  han sido presentadas en  exposiciones muy vistas en Nueva York, Munich, Bochum, etc. Durante el nacionalsocialismo, fue expulsado de varias asociaciones artísticas, declarando su arte "degenerado". Partes de su obra fueron destruidas en Nuremberg.  Nikodem entra en una especie de "emigración interior", sólo personas muy cercanas a él tenían  la posibilidad de ver sus obras.

 En 1952 tuvo lugar la última gran exposición conmemorativa  que se celebró en Innsbruck.
No fue hasta 1990, con motivo del 50 aniversario de la muerte del artista, cuando  la Galería Stadtturm de Innsbruck celebró una exposición de obras del artista.
En el año 2000 el Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum Innsbruck le dedicó una amplia exposición.