(1863-1958) Jens Ferdinand Willumsen fue el artista danés
que causó escándalo en su tiempo. Pocos
artistas trabajaron de forma tan consciente en la creación
de novedad, y pocos estuvieron expuestos a tanto desprecio e irritación
como él cuando exhibió sus obras. Willumsen era
un excepcional conocedor de las nuevas tendencias del arte francés
de los años 1890, de donde recibió gran inspiración.
No obstante, se esforzó con gran determinación en
crear su propia forma de expresión. Willumsen recibió enseñanza en
la Academia de Arte de Copenhague de 1883 a 1885, pero se mudó
a la Escuela Libre de Estudios para Artistas, donde fue alumno
de Krøyer,
y con el cual pronto entró en oposición. A pesar
de ello, Willumsen participó activamente en la planificación
de la Exposición Libre en 1891, donde sus trabajos fueron
objeto de críticas muy duras y ridiculización.
En
sus primeras pinturas hay fuerte influencia del realismo social;
después de una estancia en Francia en el invierno 1888-1889
y más adelante 1890-1894, modificó su forma de expresión
hacia el simbolismo. Su encuentro con el arte de Paul Gauguin
y su estancia junto con el pintor francés en Bretaña
en el verano de 1890 dejó huellas significativas en el
arte de Willumsen, quien también se puso a trabajar en
tallado de madera y cerámica. Sin embargo, la influencia
de Gauguin fue de corta duración. El artista danés
se esforzó en la creación de un lenguaje formal
más auténtico, original y carente de compromisos,
y marcado por sus impulsos hacia lo heroico y lo grandioso.
Después, emplearía a su hija como modelo para el anuncio
de una compañía lechera. Trabajó también para las revistas Le Rire, Gil Blas, L'Assiette au Beurre y Les Humouristes, entre otras. Fue un artista prolífico que empleó seudónimo en ocasiones para evitar problemas políticos.
La tournée du Chat Noir avec Rodolphe Salis (1896).
Hiro YamagataHiromichi Yamagata, nacido el 30 de mayo de 1948, en Maibara Japón. Ahora vive y trabaja en Los Angles, California Se le considera uno de los artistas más famosos por el uso de vivos colores, aunque tambien recientemente como un artista contemporaneo pionero en el uso del laser y la técnica del holograma Tercer hijo en una familia de cinco. Mientras realizaba estudios de secundaria entre 1964 y 1967 ganó algunos premios y empezó a prepararse con Masachika Sugimura antes de trasadarse a Tokio, donde trabajó por horas en una tienda de materiales para artistas y más tarde como ilustrador y diseñador en una agencia de publicidad
En 1972 viajó a Milan para vivir con una chica y cuando la relación acabó se trasladó a Paris. Su primera exposición individual tuvo lugar en Viena en 1973- La mayoría de sus primeras obras estaban realizadas con óleo y pintura al agua. Se quedó fascinado por elJazzy organizó varios espectaculos. En 1974 hizo una instalación, utilizando lasers en el teatro de Paris
Muchos recordamos el momento de la noticia. Una interrogante recorrió el pensamiento de toda una generación: ¿por qué? En 1999 la pintora y grabadora Belkis Ayón decidió poner fin a su
vida, solo tenía 32 años y ya era una de las artistas plásticas más
talentosas y reconocidas de la isla. ¿Acaso Belkis sabía algo que no podía revelarnos? La pregunta sigue
angustiando a muchas personas: críticos, pintores, amigos, familiares.
Están expuestas varias obras de gran formato, algunas de hasta 4 x 3
metros que le merecieron la condición de pionera en el desarrollo del
grabado en grandes dimensiones en Cuba. La Cena puede ser vista por primera vez, junto a la versión
en blanco y negro de 1991 que hiciera la artista, y a la matriz original
de la obra. La muestra incluye, además, documentación fotográfica de
eventos donde participara Belkis, textos y fotografías de la artista
impresos en gigantografías sobre lona. El blanco y el negro han tomado el espacio del Convento San Francisco
de Asís hasta el 28 de noviembre. Oportunidad para adentrarnos en la
personalidad de Sikán, especie de obsesión de Belkis, a quien representa
constantemente intentando narrar el mito.
Ojos que recorren la sala, rodillas sobre la tierra, la mujer y el
hombre adorando al Dios, peces que se esconden o saltan. Imágenes
fuertes que contrastan con títulos tiernos: Mi alma y yo te queremos, Aunque vayamos al cielo siempre se acordarán de nosotros. Sikán descubre el secreto que tanto añoraban los hombres y del que se
adueñan luego de sacrificarla. A partir de esa leyenda, Belkis se
pregunta sobre lo humano, la lucha por la supervivencia, el amor y el
desamor, la muerte y la vida. La utiliza para cuestionar sus vivencias
personales, sentimientos o emociones difíciles de expresar.
La artista incorpora en su obra simbologías diversas que refleja en la colografía, la xilografía y la litografía. Es probable que Belkis huyera de su destino, o que sintiera un
llamado desde algún sitio lejano donde podía reunirse con Sikán, o que,
simplemente, no quisiera que descubriéramos su secreto. Lo cierto es
que su obra y su vida nos abren las puertas de la imaginación para
sumirnos en el misterio.
Nació en el seno de una familia burguesa arruinada. Recibió sus primeras
clases de sus propios padres, quienes a los trece años lo enviaron a
vivir con un tío suyo, que tenía una propiedad rural. En 1871 se
traslada a Cracovia,
donde estudia en el liceo y asiste como oyente a los cursos de la
escuela de Bellas Artes (más tarde Academia de Bellas Artes). El
director de la escuela, Jan Matejko, se percató del talento del joven y le animó a consagrarse a las artes plásticas y a terminar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de París.
En 1896, Malczewski regresó a Cracovia, donde trabajó como profesor en
Bellas Artes durante los periodos de 1896 a 1900 y de 1912 a 1921. En
1897 se adhirió a la Stuzka, confraternidad de artistas de Cracovia.
Desde el principio de su carrera, Malczewski pintó escenas campesinas y
cuadros históricos, religiosos y alegóricos, con un espíritu romántico. Su paleta muestra la influencia de Artur Grottger. A partir de 1890 se interesa por el Simbolismo. Algunas de sus obras más notables son La muerte de Helena (Śmierć Ellenai, 1883, Museo Nacional de Cracovia), Vigilia en Siberia (Wigilia na Syberii, 1892, Museo Nacional de Cracovia), Melancolía (Melancholia, 1890-94, Museo Nacional de Poznań), El círculo del diablo (Błędne koło, 1895-97, Museo Nacional de Poznań), Hamlet polaco. Retrato de Aleksander Wielopolski (Hamlet polski. Portret Aleksandra Wielopolskiego, 1903, Museo Nacional de Varsovia) o su ciclo de pinturas campesinas Zatruta studnia
(1905-1906, Museo Nacional de Poznań). También realizó numerosos
autorretratos. Visitó y residió en varios países extranjeros (Francia,
Alemania, Austria, Italia, Grecia y Turquía), pero siempre permaneció
fiel al paisaje, el estilo y los temas polacos.
Hodler nació en Berna pero se trasladó a Ginebra a los 18 años de edad para comenzar su carrera como pintor. Sus primeras obras fueron paisajes, composiciones figurativas y retratos, tratados con un vigoroso realismo. En la última década del siglo XIX su obra evolucionó para combinar influencias de diversos géneros, entre ellos el simbolismo y el art nouveau.
Desarrolló un estilo que él llamaba «Paralelismo», caracterizado por
agrupaciones de figuras simétricamente colocadas en poses que sugerían
un ritual o una danza.
La obra de Hodler en su fase final adoptó un aspecto expresionista
con figuras fuertemente coloreadas y geométricas. Los paisajes quedaron
reducidos a lo esencial, a veces consistiendo en una franja de tierra
entre el cielo y el agua. No obstante, las pinturas más famosas de
Hodler representan escenas en las que los caracteres están implicados en
actividades cotidianas, como el famoso leñador (Der Holzfäller, Museo de Orsay, París). Este cuadro acabó apareciendo en el dorso del billete de 50 francos suizos emitido por el Banco Nacional de Suiza.
En 1889, Hodler se casó con Berthe Jacques. En 1914 condenó las atrocidades alemanas que usaron artillería en Reims. Como represalia, los museos de arte alemanes excluyeron la obra de Hodler.
Su amante, Valentine Godé-Darel, fue diagnosticada de cáncer en 1914,
y Hodler pasó muchas horas junto a ella, resultado de las cuales fueron
una notable serie de pinturas que documentaban su desintegración. Ella
murió en 1915, lo que afectó muchísimo a Hodler y murió el 19 de mayo de 1918 en Ginebra, dejando tras de sí una serie de obras inacabadas que retrataban la ciudad.
En 1881 se instala en París, donde permanecerá durante nueve años pintando obras ambientadas en el siglo XVIII con un notable éxito. En 1890 se instala en Madrid y cambia la temática de sus obras pintando escenas de la vida cotidiana, es decir, se inclinara hacia el costumbrismo en esta etapa de su vida.
La muerte de su mujer e hija en 1892
hace que se instale definitivamente en su ciudad natal donde es
nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes, donde se convertirá en
profesor de su escuela en 1897 empleó que conservará hasta su muerte ocurrida el 6 de mayo de 1903. Daniel Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso, Ricardo López Cabrera, Manuel González Santos y Sanz Arizmendi fueron discípulos suyos de esta época en Sevilla. Entre sus obras más destacadas se encuentran "Una desgracia", "Un lance en la plaza de toros" y "Una esclava en venta". Fue también un notable dibujante e ilustrador, faceta esta en la que
destacan los 689 dibujos que realizó para la edición del centenario del
"Quijote".
Remitió sus obras a las exposiciones nacionales e internacionales de Bellas Artes, obteniendo:
Mención honorífica en las Nacionales de Bellas Artes
de 1864 y 1866, así como dos terceras medallas en las ediciones de 1871
y 1878, respectivamente una medalla por edición, por sus pinturas "Un lance en la plaza de toros" y "El guardacantón".
Su infancia fue un continuo ir y venir rodeado de miseria: sus padres
carecían de ingresos económicos y apenas podían mantener a Carl y a su
único hermano, Johan. De hecho, Carl tuvo que acudir a una escuela para
pobres, la posterior escuela primaria de Ladugårdsland. El cólera, la
enfermedad, la vida en los barrios bajos y la suciedad eran constantes
en el entorno del joven Larsson. Por suerte, en 1866
tuvo la oportunidad de ir a la Academia de Arte de Estocolmo; en este
curso preparatorio obtuvo hasta 12 medallas por su calidad como
dibujante, pudiendo así optar a un curso de dibujo antiguo. En 1871,
simultaneando sus estudios en la Academia, trabaja en el estudio
fotográfico de los hermanos Roesler, y como dibujante en la revista
humorística Kasper. Durante de la década de los setenta del siglo XIX, estuvo realizando
numerosas ilustraciones para libros; sin embargo, alrededor de 1877, tras viajar a París por primera vez, se ve sumido en la pobreza e incluso piensa en el suicidio.
Sin embargo, dos años después cambia su suerte al conocer a la que será
su musa y gran apoyo moral para el resto de su vida, la también artista Karin Bergöö;
después de conocerla y casarse con ella, comienza a recibir encargos,
como el de decorar el techo y las lunetas del Palacio Bolinder, en
Blasieholmshammen; además, realiza varios viajes que ayudan a conformar
su talante artístico, visitando sucesivamente Suecia, Italia y Londres. En 1888 la familia Larsson se establece en la idílica 'Lilla Hyttnäs, una villa en Sundborn,
aún hoy en pie, la cual reflejó innumerables veces en sus acuarelas,
como símbolo de la felicidad familiar y de la prosperidad, premio a su
infancia y adolescencia miserable y empobrecida. El estilo de Carl Larsson, que bebe del realismo de Barbizon, de la tarjeta postal y del Modernismo
a partes iguales, cautivó a la época por la ternura que evocan sus
numerosísimas ilustraciones donde representaba a su esposa y a los siete
hijos que tuvo con ella: Suzanne, Ulf, Pontus, Lisbeth, Brita, Kersti y
Esbjörn, nacido en 1900. Estos niños llegaron a ser tan populares que casi fueron tomados como personajes con identidad propia del arte de entonces.
Su principal objetivo como artista era representar el "lado amable de
la vida", después de toda una época de penurias: escenas cotidianas,
cargadas de ternura y calidez, de su esposa con sus hijos, los niños
jugando, los veranos en la playa, interiores del hogar, etc. El personal
estilo de decoración de Karin y de Larsson dio como fruto una manera
completamente moderna de acondicionar y estructurar una casa, de forma
que fueron considerados verdaderos "diseñadores" de interiores,
adelantados a su tiempo: colores cálidos, interiores plenos de luz,
vajillas sencillas y demás detalles contrastaban con el estilo oscuro,
recargado y victoriano de otros hogares de la misma época.
Larsson trabajó principalmente a la técnica de la acuarela, siendo más del noventa por ciento de sus trabajos totales. Su existencia plácida y tranquila en familia fue plasmada en diferentes álbumes, que publicó con gran éxito de ventas en toda Europa.
Josep Cusachs i Cusachs (Montpellier, 1851 - Barcelona, 1908) fue un militar y pintorespañol. Nació en Montpellier (Francia) de forma accidental, estando sus
padres de viaje, pero toda su vida transcurrió entre Barcelona y Mataró. En 1865 ingresó en la Academia Militar de Artillería de Segovia,
pero en 1882 abandonó el ejército para dedicarse al arte. Se
especializó en temas militares, sobre todo de caballería, debido a su
pasión por los caballos.
Estudió con Simó Gómez, y en París con Édouard Détaille, experto en temática militar. En 1884 expuso su obra en la Sala Parés
de Barcelona, donde desde entonces expondría regularmente, con gran
éxito de venta y críticas. En 1887 participó en la Exposición de Madrid, con la fortuna de que una de sus obras, En el campo de maniobras, fue adquirida por la reina María Cristina. En 1891 ganó la Medalla de Oro de la Exposición de Berlín con Maniobras de división.
Además de los temas militares, destacó como retratista, realizando obras del rey Alfonso XIII, el general Prim y el presidente mexicanoPorfirio Díaz. También trató la temática religiosa, como su célebre lienzo La huída a Egipto, que se encuentra en el Monasterio de Montserrat. En cambio, su poca experiencia con el paisaje provocó que a menudo la parte paisajística de sus obras la confiase a otros pintores, como Joaquim Vancells.
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