jueves, 22 de agosto de 2013

Zdzisław Beksiński




Zdzisław Beksínski (24 de Febrero 1929, Sanok, Polonia – 21 de Febrero de 2005, Varsovia, Polonia) fue un renombrado pintor, fotografo y escultor polaco. Ejecutó sus dibujos y pinturas de un género que él mismo llamó baroco o gótico. El primer estilo es dominado por la representación, los mejores ejemplos vienen de su periodo de Realismo fantástico, cuando pintó imágenes distorsionadas de un ambiente surrealista y de pesadillas. El Segundo estilo es más abstracto, siendo dominado por la forma, y está tipificado por las últimas pinturas de Beksínski.


Beksínski nació en el pueblo de Sanok, en el sur de Polonia. Después de estudiar arquitectura en Cracovia, regresó a Sanok en 1955. Posterior a esta formación, trabajó varios años como supervisor de construcción, labor que odiaba profundamente. En esa misma época, se estaba empezando a interesar en la fotografía, el fotomontaje, la escultura y la pintura. Realizó sus esculturas de plástico, metal y alambre. Su fotografía tuvo varios temas que además aparecerían en sus futuras pinturas, presentando rostros arrugados, paisajes y objetos con texturas agitadas, en los que enfatizó (especialmente para manipular luces y sombras). Su fotografía además describía imágenes inquietantes, tales como muñecas mutiladas con sus caras arrancadas, retratos de personas sin rostro o con la cara envuelta en vendajes. Más tarde, se concentró en la pintura. Sus primeras pinturas fueron de arte abstracto, pero a los largo de las década de 1960 sus inspiraciones surrealistas fueron más visibles.


Beksínski no tuvo entrenamiento formal como artista. Sus cuadros fueron principalmente creados usando pintura al óleo en paneles de aglomerado que el mismo preparaba, aunque también experimentó con pintura acrílica. Escuchaba música clásica mientras pintaba, ya que el silencio le molestaba.

En 1964, una prestigiosa exhibición en Varsovia probó ser su primer éxito, pues todas las pinturas fueron vendidas.Beksiński se arrojó de lleno en la pintura, y trabajó prolíficamente en esta actividad (siempre al agobio de música clásica). Pronto se convirtió en la figura líder del arte contemporáneo polaco. En los tardíos años sesenta, incursionó en lo que el mismo llamó su “periodo fantástico”, en el que duró hasta mediados de la década de los ochenta. Este es su periodo más conocido, durante él creó imágenes perturbadoras, mostrando un mundo surrealista y post-apocalíptico, pormenorizando escenas de muerte, putrefacción, paisajes repletos de calaveras, figuras deformadas y desiertos. Estas pinturas fueron bastante detalladas, demostrando su marcada precisión y perfeccionismo. Al tiempo Beksínski expresaba, “Deseo pintar de la misma forma como si estuviese fotografiando los sueños”.


Pese al tono sombrío de su arte, Beksínski afirmaba que algunos de sus trabajos eran indescifrables; en su opinión, estos guardaban un tema optimista e incluso humorístico. En ocasiones expresaba que no sabía el significado de sus propias obras y no le interesaba en lo posible hacer interpretaciones. Siendo consecuente con esto, se rehusó a proporcionarle títulos a sus pinturas y dibujos.


Antes de mudarse a Varsovia en 1977, quemó una selección de su trabajo en el patio trasero de su casa, sin dejar documentación alguna. Lo hizo porque consideraba que estas obras eran demasiado personales o insatisfactorias para que fueran públicas.

La década de los ochenta marcó un periodo de transición para Beksínski. Durante este tiempo, sus obras se volvieron famosas en Francia debido al esfuerzo de Piotr Dmochowski, lo que le proporcionó significativa popularidad en Europa Occidental, Estados Unidos y Japón. A finales de los ochenta y principios de los noventa se enfocó en imágenes tipo-escultura prestas en una restringida paleta de colores, incluyendo una serie de cruces. Las pinturas en este estilo parecen a menudo haber sido bosquejadas densamente en líneas coloreadas, fueron menos esplendidas que las conocidas en su “periodo fantástico”, pero igual de intensas. Su último periodo, a finales de los noventa, estuvo influenciado por la imagen y la manipulación computarizada.

El último tercio de los años noventa fue un periodo severo para Beksínski. Su esposa, Zofía, murió en 1998. Un año más tarde, en la navidad de 1999, su hijo Tomasz (un popular presentador de radio, periodista musical y traductor de cine) se suicidó. El mismo Beksínski descubrió el cuerpo de su hijo. Incapaz de aceptar la muerte de este, colgó de la pared de su alcoba un sobre que decía, “Para Tomek (diminutivo de Tomasz) en caso de que yo fallezca".


El 21 de Febrero de 2005, Beksínski fue hallado muerto en su apartamento en Varsovia con 17 puñaladas en su cuerpo, dos de ellas fatales. Robert Kupiec (el hijo adolescente del conserje del edificio), quien más tarde se declaró culpable, y un amigo fueron arrestados poco después del crimen. El 9 de Noviembre de 2006 Robert Kupiec fue condenado a 25 años de prisión, y su cómplice, Łukasz Kupiec, a 5 años por la corte de Varsovia. Antes de su muerte, Beksínski se había negado a prestarle dinero a Robert (unos pocos cientos de złotys, apenas 100$).


Pese a que el arte de Beksínski era a menudo lúgubre, el mismo era conocido como una persona agradable que gustaba de la conversación y que poseía un agudo sentido del humor. Era excepcionalmente modesto y algo tímido, eludía los eventos públicos tales como las aperturas de sus propias exhibiciones. Él daba crédito a la música como el principal origen de su inspiración. Afirmaba no estar muy influenciado por la literatura, el cine o el trabajo de otros artistas, y casi nunca visitaba museos o exhibiciones. Beksínski evitaba el análisis del contenido de su obra y fue especialmente desdeñoso de los que intentaron u ofrecieron respuestas simples a lo que esta significaba.



  • En el pueblo de Sanok, existe una casa museo dedicada a Beksínski.
  • En 2006 se dio a apertura al Museo Beksínski en Częstochowa, Polonia, que alberga 50 pinturas y 120 dibujos de la colección de Dmochowski.
  • Una “Cruz Beksínski”, en la forma T frecuentemente empleada por el artista, se halla en el desierto de Nevada, Estados Unidos.
  • Nunca le puso titulo a sus obras.
  • Es el único artista polaco moderno con exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Japón.
  • Siempre que trabajaba lo hacía con música clásica, uno de sus músicos favoritos era Zbigniew Preisner
  • Sus obras aparecen en las portadas de la banda The Legendary Pinks Dots, en honor a su hijo que era fan de la banda.
  • Una de sus obras aparece en la película Jennifer's Body, cuando Needy, hojea un libro sobre Posesiones. En una de estas páginas se ve la pintura.

miércoles, 21 de agosto de 2013

Alice Neel






Alice Neel fue una de las grandes pintoras americanas del siglo XX. Fue una pionera entre las mujeres artistas. Una pintora de personas, paisajes y bodegones.  Neel nunca estuvo ligada a los movimientos de vanguardia.  Conectaba con el espíritu  de los expresionistas del norte de Europa y los pintores del "claro-oscuro"  españoles.  Pintaba de una forma propia.

Nació en ´filadelfia en  1900 y estudió en Philadelphia School of Design para mujeres. Se hizo pintora con una fuerte conciencia social y pensamiento de izquierda. En la década de 1930 vivió en Greeenwich Village, Nueva York y se afilió al Works Progress Administration para el que pintó escenas urbanas. Sus retratos de esa  época representan a escritores, artistas y sindicalistas de partidos de izquierdas

En 1938 abandonó Greenwich Village para irse al  Spanish Harlem para apartarse del enrarecido ambiente de la colonia artística.  Alli pintó la comunidad Portoricense, amigos, vecinos y a la gente que encontraba por la calle.  En 1960 se mudó para Upper West Side e hizo un esfuerzo para  reintegrarse en el mundo del arte. Esto la llevó a  hacer dinámicos retratos de artistas, propietarios de galerías de arte, entre ello Frank O´Hara, Andy Warhol y el joven Robert Smithson. Tambien mantuvo la práctica de pintar personalidades políticas, incluyendo  activistas negros y participantes en movimientos feministas



En la década de  1970 empezó a pintar retratos de su extensa familia y unas series de desnudos.  Sus desnudos juegan entre el erotismo y un punto de vista feminista.

Durante la década de 1970 hizo muchas exposiciones, en 1974 el Whitney Museum of American Art ofreció una exposicion retrospectiva en Nueva York.  A menudo era invitada a dar conferencias y se convirtió  en icono del movimiento feminista.  Fue elegida miembro del National Institute of Arts and Letters, el mayor reconocimiento al mérito artístico en los Estados Unidos, y recibió un número de premios incluyendo el International Women´s Year Award en 1979.  Murió en  1984.  Su centenario se celebró con una gran exposición itinerante ofrecida por    Whitney Museum of American Art, New York y the Philadelphia Museum of Art, entre otros.


 de la página de la artista



martes, 20 de agosto de 2013

Jaune Quick-To-See Smith





JAUNE QUICK-TO-SEE SMITH 1940

Jaune Quick-to-See Smith nació en la Mision India de la reserva Flathead. Es miembro  de Flathead Salish de la confederación Salish y de las tribus Kootenai de la nacion india Flathead en Montana.  Estudió en el Olympic College en Bremeton Washington y tiene un master de la Universidad de Nuevo Méjico.  

Es  la artista india mas famosa  hoy en cía. En los 30 años de carrera ha realizado mas de 90 exposiciones y ha dado conferencias en más de 185 universidades y museos, recientemente en cinco universidades en China.  Ha hecho varias obras  públicas como el diseño para el  suelo del vestibulo del nuevo aeropuerto de Denver.  una escultura en Yerba Buena Park, San Francisco y un paseo histórico de una milla de largo en West Seattle



Ha recibido premios y doctorados honoríficos y su obra está representada en los muesos de Arte Moderno de Quito, Viena, Austria, Minneapolis, the Metropolitan y The Whitney Museum, etc.

Se define a si misma como "una trabajadora cultural de arte". Es una defensora de los derechos humanos, del medio ambiente y  principalmente de los derechos de los nativos americanos




lunes, 19 de agosto de 2013

Nancy Grossman





Nació en Nueva York en 1940 y se crió en una granja de trabajo en Oneonta, Nueva York.  La vida en una granja,
con sus padres en la industria del vestido, formaría en Grossman visiones artísticas y una fuerte influencia  en la inclusión en sus obras de tela y cuero.  Estudió en  el Pratt Institute con Richard Lindner y obtuvo su BFA en 1962. Inmediatamente comenzó a recibir becas y premios como  Pratt´s Ida C. Haskell  para una residencia en el extranjero y una del John Simon Guggenheim Foundation.  Las ayudas han continuado a lo largo de su carrera como una beca de la National Endowment for the Arts, otra de la New York Foundation for the Arts, a Joan Mitchell Foundation y a Pollock-Krasner Foundation

Se hizo famosa en la decada de 1960 por sus esculturas de cabezas cuidadosamente talladas en madera de postes telefónicos desechados, recubiertas con cuero y adornadas con cremalleras, ojos de vidrio, narices de esmalte, y con clavos y correas.  El tamaño, la forma y los rasgos faciales evocan masculinidad, pero Grossman se refiere a ellas como autorretratos, lo que implica la inestabilidad de la identidad del género y tambien demuestra como toda la obra nos ofrece, al menos, una visión de la artista.  Esta diversidad de género no fue bien entendida hasta una una exposición retrospectiva  organizada por el Museo  Hillwood que reveló el alcance de su trabajo. Desde que comenzó a hacer arte, en el década de 1950, Grossman ha explorado collage, escultura y ensamblaje. 

Gran  Parte de su obra se refiere al aspecto físico del cuerpo pero obras en papel como Tough Life Diary y Poliza de Tourismo son collages, trozos extraidos de periodicos y colocados formando composiciones que mezclan elementos caóticos que dan la oportunidad a la artista de organizar una composición. En 1999 fue obligada a dejar su estudio en la calle Eldridge de Chinatown, el cual había ocupado durante 35 años, y se trasladó a sus sede actual en Brooklyn.  Su obra tambien cambió y comenzó a hacer ensamblajes escultóricos que parecen salir de la arqueología e implican violencia y trastorno de movimiento-  Su obra figura en museos en todo el mundo.

domingo, 18 de agosto de 2013

SIBYLLE RUPPERT






1942-2011
Sibylle Ruppert nació durante un ataque aéreo el 8 de septiembre de 1942. Fue la noche del primer bombardeo masivo de Frankfurt durante la Segunda Guerra Mundial. Con una etiqueta numerada en el cuello, Sibylle fue, de inmediato, llevada a la sala de maternidad hasta el refugio antiaéreo en el sótano, mientras que su madre fue trasladada a un lugar seguro bajo una columna de apoyo de la escalera del  hospital.

Pasó su infancia entre la guardería y un refugio  improvisado. En la primavera de 1944 sus padres decidieron huir de Frankfurt para el campo.Sus primeros recuerdos eran  las multitudes a empujones y gritos en el andén de la estación de tren tratando desesperadamente de subir a los vagones  hacinados.

Aunque la familia pasó el resto de la guerra en relativa seguridad, fueron sometidos a malos tratos y sufrieron la  codicia por parte de los agricultores que les dieron refugio. Después de la guerra fueron acogidos por una familia aristocrática  que  poseía un castillo, y Sibylle pasó sus primeros años de vida  en un mundo de ensueño. Su padre era  diseñador gráfico y la joven Sibylle pasaba horas y horas cerca de su escritorio mirando mientras el  dibujaba. Un día cogió su mano y le prometió que iba a pintar bonitos cuadros coloridos como él. Su primer dibujo sorprendió a todos, fue un ejemplo brutal de un puño golpeando el centro de una cara - ella tenía 6 años de edad.

A los 10 años tuvo una iluminación religiosa e insistió en ser monja. Sólo los grandes esfuerzos de sus padres lograron disuadirla de tomar un noviciado. En la escuela no era la  mejor, excepto en  clase de arte en la que  superaba con creces todos los otros estudiantes en un grado tal que sus profesores no podían creer que ella pintaba aquellas  imágenes. Secretamente, hizo el examen de ingreso en la  Städel Akkademie y  lo pasó con brillantez. Con el apoyo del Prof. Battke trabajó sin descanso y creaba
hasta 20 dibujos al día.

Sentada inmóvil, de forma continua, delante de la mesa de dibujo le hizo ganar peso, por lo que su madre la inscribió en la escuela de ballet del barrio. Sibylle abordó su nueva actividad con la misma energía y fuerza de voluntad como lo hizo con  el dibujo, lo que llevó a las autoridades de  la escuela a que optara: o  arte o  danza, pero no ambas al mismo tiempo. Tan pronto como cumplió 18 años  resolvió el problema a su manera al huir a París, la ciudad de sus sueños, donde se matriculó en una escuela de baile en Clichy. Durante el día que seguía el estricto régimen de sus clases, pero por la noche  vagaba por las famosas calles  de Pigalle y Montmartre, fascinada por los personajes inusuales en estos barrios.

Como era demasiado alta para el ballet clásico se unió a la famosa compañía de danza de Georges Rech. Este fue el comienzo de una vida aventurera como corista de gira por toda Europa y el Medio Oriente. Pero mientras sus colegas se relajaban, Sibylle visitaba todos los museos y galerías locales y continuó dibujando cada minuto libre. De repente, en Nueva York, decidió abandonar su carrera de baile. Volvió con su familia en Frankfurt y comenzó a trabajar como profesora de dibujo en la escuela de arte fundada por su padre.
Además de la enseñanza, por  las noches siguió con  su propio trabajo personal, inspirada por el "divino" Marqués de Sade y su universo espantoso. Animado por los intelectuales alemanes notables como Peter Gorsen, Theodor Adorno y Horst Glaser (quien más tarde se casó), sus dibujos comenzaron a ser conocidos. Las exposiciones organizadas por la Galería  Sydow - Zirkwitz  de Frankfurt consternaron tanto al público del arte tradicional, y sorprendieron a  los intelectuales.

En 1976 se trasladó a París y expuso sus dibujos  de gran formato al carboncillo, inspirados por los escritos de Sade, Lautréamont y Georges Bataille y sus collages y pinturas en la Galería de Bijan Aalam. Intelectuales franceses y grandes mentes como Alain Robbe-Grillet, Pierre Restany, Henri Michaux y Gert Schiff estaban fascinados por su trabajo y trataron de interpretar su mundo infernal. Cuando la galería cerró en 1982, regresó a la enseñanza de dibujo y  pintura. Comenzó a dar clases de arte en  prisiones, hospitales mentales y centros de rehabilitación de adicciones. Actualmente,  Pasó los últimos años de su vida  en París, retirada de la vida pública.



sábado, 17 de agosto de 2013

ISABEL GUERRA





Isabel Guerra nació en Madrid en 1947. Procede de una
 familia culta y acomodada. En la actualidad vive en
 Zaragoza, desde los 23 años que ingresó en el convento 
cisterciense del Monasterio de Santa Lucía. Ha sido 
nombrada miembro de dos Reales Academias de Bellas 
Artes: Académica de Honor de la Real Academia de Bellas
 Artes de San Luis y Académica Correspondiente de la 
Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de 
Toledo. Comenzó a pintar a los 12 años, emborronando 
cuartillas, hasta que le regalaron una caja de óleos.

viernes, 16 de agosto de 2013

PILAR ALONSO


La Diva está triste ¿Que tendrá la Diva?  




¿Se va la Diva? Imposible!!!... Solo es un "transtorno pasajero"







Pilar Alonso nace en Vigo, se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Becada como pintora pensionada en el Paular de Segovia. Cursa estudios de postgrado becada por la Fundación Pedro Barrié de la Maza en la Städelschule de Frankfurt con Per Kirkeby. Expone en galerías y espacios de España y Alemania como El Castillo de Sta. Catalina en Cádiz, el Kunstraum Bethanien de Berlín, La fundación Nova Caixa Galicia de Vigo, galería Benot de Cádiz, galería Barbara von Stechow, Frankfurt am Main, Espacio Nolde, Madrid, galería Ana Vilaseco, A Coruña, etc.
También ha desarrollado proyectos escenográficos con motivo del Concierto extraordinario 40 aniversario: ciclo de becarios, para el concierto de Cristina Pato de apertura del Seminario The 5th EFC Summer Academy on Philanthropy ambas en las sedes de Vigo de la Fundación Pedro Barrié de la Maza. Interviene en la pieza “Corpos son creación” de la compañía experimenta danza.

Tiene obra en colecciones como la de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, Fundación Nova Caixa Galicia o Caja de Segovia.

martes, 13 de agosto de 2013

Clara Gangutia




Pintora y grabadora. En 1968 inició sus estudios, que no llegaría a terminar, en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, donde tuvo como maestro a Antonio López, quien tanto influyó en la definición de su estilo y que le transmitiría temáticas como los paisajes urbanos madrileños. En 1973 conoció al que se convertiría en su marido, el también pintor Jesús Ibáñez. Una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores le permitió seguir su formación en la Academia de Bellas Artes de Roma en 1974, tiempo que aprovechó para recorrer Italia y conocer la pintura veneciana, de la que era una rendida admiradora. Posteriormente amplió sus conocimientos con becas de la Fundación Juan March (1977), y del Ministerio de Cultura (1979).


Su obra es de un realismo crudo y aplastante, en el que el objeto más cotidiano adquiere rasgos inusitados, hasta el punto en que adquiere un matiz surrealista, pero no como evocación romántica, sino a modo de análisis frío. Un estilo autobiográfico, desarrollado en torno a su propia vida: su familia, sus amigos, las ciudades y paisajes en que ha vivido, por los que ha pasado con el tiempo suficiente para entablar un diálogo visual fecundo, o a los que le unen vínculos afectivos.
Su primera participación en una exposición fue en el I Concurso Nacional para Artistas Jóvenes "Blanco y Negro", celebrado en 1970. Un año después participó en la exposición "Jóvenes realistas" en la Galería Seiquer de Madrid, movimiento al que siempre ha estado asociada. Sus exposiciones individuales y las participaciones en colectivas han permitido que su obra se viera en ciudades como Madrid, Bilbao, San Sebastián, Milán, Montreal, Glasgow, Berlín,... Además de formar parte de la colección permanente de importantes pinacotecas como el Museo Reina Sofía de Madrid, o el Bellas Artes de Bilbao, o de colecciones como la de UEE, para la que inmortalizó en 1998 un rincón de la planta de "Galdakao".

La búsqueda de luces y sombras extremas es una constante en su obra, pero sobre todo en los últimos años, en que va cobrando importancia el detalle, el matiz en los medios tonos. Se interesa cada vez más por los conceptos de grandeza y monumentalidad, por lo vertical y lo amplio, aquello que da sentido al conjunto de elementos que aparecen en los cuadros.
El también pintor Juan Antonio Tinte dice sobre ella que "...conoce bien la realidad, su extensión, sabe que a cada paso el horizonte se dilata del mismo modo que el sabio o el científico está en la certeza de la imposibilidad de aglutinar todo el saber en un mismo orden disciplinar. Por eso, en ella la realidad tiene esos dos aspectos que marcan la trayectoria de una artista comprometida con la pintura: contención en la disciplina que trabaja por un lado, y por otro, ilimitada propuesta plástica, dentro de un lenguaje, que nos acerca de la mejor forma posible al cómo es la realidad que ocupamos vista por otra persona distinta a nosotros".


lunes, 12 de agosto de 2013

Maya Lin







Nacida en  1959 en Athens, Ohio, Maya Lin  se hizo famosa cuando, ya licenciada en la universidad de Yale,  ganó el concurso para un Monumento a los veteranos de la guerra de Vietnam, que sería construído en  Washington. Es artista, arquitecta, y sus esculturas, parques, monumentos y proyectos arquitectónicos van siempre unidos a su ideal de hacer de un lugar para la gente dentro de un paisaje. Lin procede de una familia culta y artística, su padre era decano de la universidad de Bellas Artes de Ohio y su madre es catedrática de literatura en la Universidad de Ohio.  Lin dice "como hija de inmigrantes, tienes la sensación de ¿Quien eres? ¿Donde está tu casa?.. e intentas hacer un hogar". Las fuentes de su inspiración para la escultura y la arquitectura son diversas, como  las jardines japoneses,  los montículos de tierra indios etc

Links
Maya Lin's website
The Pace Gallery, New York
Maya Lin on the Art21 Blog

sábado, 10 de agosto de 2013

Oda Krohg






1860-1935. Fue una pintora noruega, figura central del movimiento político y cultural  "The Christiania bohemians"- Se convirtió en la mujer de su profesor y colega Christian Krohg.  A pesar de su deseo de convertirse en escritora, publicó muy poco durante su vida