Richard Lindner

Richard Lindner, 1901 – 1978- nació en Hamburgo. Su madre, Mina Lindner, era estadounidense, hija de padres alemanes. En 1905, la familia se mudó a Nuremberg, donde la madre de Lindner era propietaria de un negocio de corsés a medida y Richard Lindner creció y estudió en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). De 1924 a 1927 vivió en Munich y estudió allí desde 1925 en la Kunstakademie.

 En 1927 se mudó a Berlín y se quedó allí hasta 1928 que regresó a Munich para convertirse en director de arte de una editorial. Permaneció allí hasta 1933, cuando se vio obligado a huir a París, donde se involucró políticamente, buscó contacto con artistas franceses y se ganó la vida como artista comercial.  Cuando estalló la guerra en 1939  sirvió en el ejército francés. En 1941 viajó a los Estados Unidos y trabajó en la ciudad de Nueva York como ilustrador de libros y revistas, estableciendo contacto con artistas de Nueva York y emigrantes alemanes (Albert Einstein, Marlene Dietrich, Saul Steinberg).  

 Se retiró paulatinamente de su profesión de ilustrador y se convirtió en pintor. A su inconfundible estilo pictórico, que responde a un trabajoso proceso de elaboración, calificado acertadamente por Werner Spies como «collage mental», hay que añadir todo un entramado de diferentes influencias. En sus obras, inspiradas en el ambiente urbano de Nueva York o en la cultura de masas norteamericana, se hace explícita la huella de la sátira social de George Grosz, la simplificación formal de los autómatas de Oskar Schlemmer y de las monumentales figuras mecanizadas de Fernand Léger.

Sus fondos de formas abstractas y las frases de tipografía nos remiten a la estética cartelista y al mundo de la publicidad; las asociaciones psicológicas entre los objetos y sus personajes, le acercan al surrealismo; la descomposición formal, está tomada del cubismo; y, finalmente, su lenguaje pictórico y su paleta brillante y colorista, le vinculan al pop, del que es considerado precursor. 

   En 1948 se convirtió en ciudadano estadounidense. Desde 1952 enseñó en el Instituto Pratt, Brooklyn, desde 1967 en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale, New Haven. En 1957, Lindner obtuvo el Premio Fundación William y Norma Copley. En 1965 se convirtió en Profesor Invitado en la Akademie für Bildende Künste, Hamburgo. Sus pinturas en este momento utilizaron el simbolismo sexual de la publicidad e investigaron las definiciones de los roles de género en los medios. Richard Lindner murió en 1978.

WILLIAM N. COPLEY

WILLIAM N. COPLEY- Nueva York 1919- Florida 1996 -fue un pintor, escritor, galerista, mecenas, editor y emprendedor de arte. Copley abrió un camino singular a través de numerosos estilos de arte de la posguerra,  trazando un vínculo  entre el surrealismo europeo y los movimientos del arte pop estadounidense.Su obra aparece en importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluido el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo de Arte de Filadelfia. Numerosas exposiciones internacionales de la obra de CPLY incluyen una gran retrospectiva en la Kunsthalle de Berna, en Suiza, que viajó al Centro Georges Pompidou, París, y al Stedelijk Van Abbesmuseum, Amsterdam, en 1980-81. La obra de Copley ha sido expuesta en varias exposiciones colectivas importantes, incluida la prestigiosa Documenta 5 y Documenta 7. Recientemente, Copley fue objeto de una exhaustiva retrospectiva itinerante organizada por The Menil Collection y Fondazione Prada.

Carolus-Duran

Lille, Francia, 4.7.1837 - Paris, 18.2.1917

Pintor francés. Hijo de un posadero, se formó en Lille con François Souchon, un discípulo de David. Establecido por primera vez en París en 1853, hizo copias en el Louvre y conoció a través de Astruc, antiguo amigo, a Courbet. Después trabaría amistad en la Academia Suiza con Fantin-Latour y conocería a Berthe Morisot y a Manet, al que le unió también una amistad íntima. Entre 1862 y 1866 estuvo en Roma gracias a una pensión del Ayuntamiento de Lille. La medalla que obtuvo en el Salón de 1866 con "El asesinado" (Palais des Beaux-Arts, Lille), comprado por el Estado, le permitió viajar a España, donde vivió entre 1866 y 1868. El éxito que alcanzó en el Salón de 1869 con

 "La dama del guante" ( Musée d'Orsay, París), un retrato de su mujer, le permitió asentarse definitivamente en París, donde siguió en adelante una brillante carrera como retratista y obtuvo todo tipo de distinciones, aunque al precio de perderse en una pintura cada vez más superficial, caracterizada por un virtuosismo y una facilidad engañosos. Como sucede con otros artistas de su tiempo, es probable que el interés de Carolus-Duran por la pintura española procediera de su asiduidad, en la década de 1850, a los círculos realistas parisinos.

 En todo caso, parece haber descubierto realmente a Velázquez en Roma ante el retrato de "Inocencio X" (Galleria Doria Pamphilj, Roma), que copió al óleo y del que, al parecer, llevaba siempre consigo una fotografía. Su estancia en España, de la que apenas se tienen noticias pese a que duró más de dos años, que pudo estar alentada por los comentarios que le hicieran Astruc y Manet, quienes habían estado en Madrid en los años anteriores, hay que contemplarla como «un viaje a Velázquez», al que debió de copiar repetidamente, aunque su nombre solo aparece en el registro de copistas del Prado entre el 10 y el 19 de diciembre de 1866. Se conocen una copia de "El bufón don Diego de Acedo, «El Primo»" (Senado, París) y otra de "El bufón Calabacillas" (1879, Ministère des Finances, París), pero se sabe que Gautier tenía otra de un Nain barbu (seguramente "Don Sebastián de Morra") y las huellas que se encuentran en cuadros suyos posteriores muestran que debió de hacer varias más. Por lo demás, a partir de su estancia en Madrid, la admiración de Carolus-Duran por Velázquez cobró caracteres de práctica exclusividad. 

Al parecer, para justificar sus pretensiones de ser el legítimo continuador de Velázquez en su época, alardeaba de una lejana ascendencia española y le gustaba repetir identificándose con el maestro: «Velázquez y yo». Por otro lado, el consejo que repetía a sus alumnos era siempre el mismo: «Velázquez, Velázquez, estudiad sin descanso a Velázquez». Las huellas de éste en sus propias pinturas se circunscriben, sin embargo, a algunos retratos realizados en España, como el "Retrato del pintor Matías Moreno" (Palais des Beaux-Arts, Lille), en el que éste adopta una pose similar a la de Velázquez en "Las Meninas" y que le valió en Madrid una medalla de tercera clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1866, su propio "Autorretrato" (1867, Prado, catalogado en el Museo como "Retrato de Matías Moreno") de cromatismo cercano al velazqueño, y algunos otros hechos ya en Francia en los años inmediatamente posteriores a su vuelta. Entre éstos, el "Retrato de Hector Brame niño" (1871, colección particular), en el que siguió literalmente la pose de "El príncipe Baltasar Carlos como cazador", de Velázquez, y empleó una sutil gama de grises, pardos y verdes, es quizá el más cercano al espíritu del maestro y uno de los pocos en que utilizó las enseñanzas de éste en sentido moderno. En cambio, "La dama del guante", un cuadro en el que el tratamiento espacial y cromático de los retratos velazqueños es utilizado para revitalizar, «modernizándola», la tradición académica del retrato elegante, mostraba ya, pese a estar realizado justo tras su vuelta de España, las limitaciones de su acercamiento a Velázquez. Su labor como maestro en L'Atelier des Élèves de Monsieur Carolus-Duran, que abrió en la primavera de 1873 y en el que se formaron, entre otros, Stevenson (autor de una trascendental monografía sobre Velázquez, publicada en 1895, en la que se presentaba a éste como padre de la pintura moderna) y Sargent (quien, siguiendo sus pasos, vino a Madrid en 1879 para estudiar las obras del sevillano), sería, sin embargo, básica en el aprecio de la pintura española en el último tercio del siglo XIX 

Museo del Prado

-

Pierre Klossowski

Pierre Klossowski (París, 1905 - 2001)   fue temporalmente sacerdote, autor de importantes textos filosóficos y de arte teórico. Miembro de una peculiar familia polaca de estirpe aristocrática, su madre fue, por lo menos, confidente íntima de Rilke y  el  era el hermano mayor del artista Balthus. En la década de 1930, en París, Klossowski desarrolló conceptos interdisciplinarios dentro del entorno impetuoso de importantes surrealistas como Georges Bataille o André Breton. 

Después de una crisis religiosa a principios de la década de 1940, ingresó en el seminario de Saint-Maximin, que abandonó definitivamente una vez concluida la Segunda Guerra Mundial despues de haberse unido a la Resistencia. 
  En 1946 se convirtió en sacerdote católico, hasta que poco después conoció a su esposa y musa, Denise Marie Roberte. 

 Su primera obra narrativa, publicada en 1950, es fruto de esta experiencia: La vocación suspendida (La vocation suspendue). Aunque escrita en tercera persona, la novela presenta nítidos rasgos autobiográficos y refleja los dos polos entre los que transcurren las obsesiones del autor, gran conocedor y estudioso de la obra del marqués de Sade: la religión y el erotismo. El protagonista abandona sus estudios eclesiásticos y se enfrenta a un mundo agitado por grandes paroxismos ideológicos y sociales.

El dogmatismo del pensamiento cristiano se ha mantenido como un punto de referencia (algo crítico) en su trabajo. Así, sus novelas, cuadros y escritos filosóficos, creados desde la década de 1950, giran alrededor del catolicismo  erótico, pero el erotismo de Klossowski es más bien una actitud mental: una simbiosis de la obsesión, del santo y la lujuria; y un sistema de tabúes y reglas, en el que la lujuria surge de la transgresión de las prohibiciones. Siguiendo un pensamiento no dogmático del arte y la moralidad, Klossowski, al referirse al Marqués de Sade, aborda continuamente el tema del deseo, del éxtasis espiritual al sexual. A través de esta complejidad, la obra de Klossowski ha resumido las ideas modernas y sus escritos han influido en el postestructuralismo de pensadores

Jaume Morera i Galícia

(Lérida, 1854-Madrid, 1927). Pintor español. Hermano del político y poeta Magín Morera, estudió pintura de paisaje en la Escuela de San Fernando de Madrid con Carlos de Haes. Después marchó pensionado a Roma en 1874. Allí pintaría paisajes italianos dentro de las normas del academicismo clasicista como Pinos de Frascati. En Italia entabló amistad con Francisco Pradilla y Mariano Fortuny y pasó una temporada a orillas del lago Trasimeno, donde pintó Tormenta de nieve o Perros en la nieve, Orilla ne­vada del lago Trasimeno y El anochecer. A su regreso a España, en 1877, volvió temporalmente a su ciudad natal, con la que mantendría relación a lo largo de toda su vida crean­do, en 1917, el Museo de Arte Moderno Jaime Morera. No obstante, se instaló definitivamente en Madrid, desde donde viajó a Holanda, Bélgica y Francia, siguiendo los pasos de su maestro. De estas estancias es el cuadro ­Orillas del Waht ­(Holanda), que presentó a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1878 y, después, a la Exposición Universal de París. ­Representa una corriente paisajista opuesta al impresionismo y luminismo, partidaria de la experiencia directa del ­natural y atraída por los paisajes nórdicos y, en España, por el País Vasco, donde pasó largas temporadas en la villa Jardingane de Algorta (Vizcaya). A estas estancias ­corresponden Mar Cantábrico o Costa de Santoña. También recorrió exhaustivamente la sierra madrileña a partir de 1890, siendo muy celebrada su serie del Guadarrama, a la que pertenecen dos cuadros del Museo del Prado. Morera pintó la sierra, que había sido descubierta años antes por la Sociedad de Estudios del Guadarrama y por la Institución Libre de Enseñanza, ­pero transmitió la visión de una montaña blanca y gris de grandeza romántica que coincidía con posturas neorrománticas europeas muy en boga. Expuso sus ideas en el libro En la sierra del Guadarrama. 

Museo del Prado

Emile Chambon

Nació en Ginebra en  Collonge-Bellerive, cath.,  en 1905. Tres años después de su nacimiento, su madre dio a luz a una hija, Julia Mathilde, que ayudaría a Emile a lo largo de su vida, siguiéndolo y apoyándolo, anotando cuidadosamente en su diario la agenda y las actividades de su ilustre hermano hasta su muerte en Octubre de 1993.

  No le gustaba que lo compararan con Balthus, a pesar de que sentía un gran respeto por el "maestro" de Rossinière. Se consideraba autodidacta a pesar de  haber asistido a la Escuela de Bellas Artes   y   al taller de Jean-Louis Gampert en Ginebra.

 En 1928, le concedieron una beca  lo que le permitió emprender su segundo viaje a París. Esta vez, se quedó diez semanas para descubrir el Museo del Louvre. Allí, ejecutó numerosas copias, esencialmente en forma de dibujos, de Rembrandt, Rubens y Géricault. También visitó el Museo Guimet, el Petit-Palais y los grandes monumentos de París, en particular la Iglesia Saint-Sulpice, donde admiró los frescos de Eugène Delacroix. Desafortunadamente, su estadía terminó más rápido de lo que había previsto, ya que sus finanzas estaban en un estado crítico. Dejó atrás a sus amigos Edmond Chauvet y Jean Van Berchem, con quienes se había embarcado en su viaje, y regresó a Ginebra.

El padre de Chambon murió en febrero de 1946, y su muerte afectó gravemente  su salud ya que siempre había mantenido una relación muy fuerte con él, y solo se recuperaría parcialmente de esta pérdida.

Desde principios de la década de 1950 su obra  estuvo presente en un número considerable de exposiciones colectivas, la mayoría de las cuales se realizaron en la región alemana de Suiza y, a menudo, se centraron en un tema específico. Su nombre también comenzó a aparecer, de vez en cuando, en las paredes de las galerías en el extranjero, principalmente en París, donde expuso en tres ocasiones en el Salon de l'Art Libre en el Palais de Tokyo.

En 1965 participó en la exposición Künstler, Sammler en Aargauer Kunsthaus, junto con una nueva presentación colectiva de obras de artistas suizos titulada Pittura Contemporanea Svizzera en Villa Olma, en Italia, en los bancos del lago de Como.
En enero de 1966, se organizó una última gran retrospectiva en el Musée Rath. .


En los últimos años de su vida, los pensamientos de Chambon se centraron principalmente en la perpetuación de su obra. La Fondation Emile Chambon se creó oficialmente dos años después de la muerte de Emile Chambon el 28 de octubre de 1993 en Collonge-Bellerive

Lisa Brice

Lisa Brice nació en 1968 en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Ahora vive y trabaja en Londres, también pasa tiempo en Trinidad después de una residencia en 2000.La práctica de Brice se concentra en el retrato inquietante y emotivo. El trabajo de Brice fue incluido recientemente en la muy aclamada exposición 'Making and Unmaking' comisariada por Duro Olowu, en el Camden Arts Centre de Londres el año pasado.Sus exposiciones individuales notables incluyen: 'Well Worn', Goodman Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica (2015); 'Corta tu abrigo', French Rivera, Londres, Reino Unido (2014).Las exposiciones colectivas más destacadas incluyen: 'La Diablesse' Tramps, Londres, Reino Unido '(2016),' Home Truths: Domestic Interior in South African Collections 'comisariada por Michael Godby, South African National Gallery, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2016),' Making & Unmaking ', Camden Art Center, Londres, Reino Unido (2016),' New Revolutions ', Goodman Gallery, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2016),' Puppet Show ', comisariado por Tom Bloor y Celine Condorelli, Gavle Konstcentrum, Kultur & Fritid Gavle, Suecia, realizó una gira por Grundy Art Gallery, Blackpool, Reino Unido (2014).Las obras de Brice están incluidas en importantes colecciones a nivel internacional, que incluyen: el Museo Nacional Smithsoniano de Arte Africano, Washington DC, EE. UU .; Colección BHP Billiton, Johannesburgo, Sudáfrica; SABC Collection, Sudáfrica; Johannesburg Art Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica; Galería Nacional de Sudáfrica, Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Michaelis Cabinet, Universidad de Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Galería Frank Haenel, Frankfurt, Berlín, Alemania; Comisión Superior de Sudáfrica, Londres, Inglaterra; Sindika Dokolo - Colección Africana de Arte Contemporáneo, Luanda, Angola.

Patrick Heron

Patrick Heron (1920-1999) fue uno de la media docena de pintores británicos más importantes del siglo XX. Muchas cosas contribuyeron al despertar tardío de este país al poder y la importancia del arte moderno después de la segunda guerra mundial, pero entre ellos el trabajo de Heron como pintor  y crítico fue un factor clave.
 Su pintura y sus escritos fueron fundamentales para acabar con una tradición inglesa de pintura figurativa. Consideraba a Matisse como el mejor maestro del siglo y le encantaría elevar a Bonnard al segundo lugar: estos eran los dos pintores que más le influían.

Nació en Headingley,  hijo de Tom Heron, un empresario que se mudó a Cornualles cuando Patrick tenía cinco años para establecer una fábrica de ropa en tres cabañas de pescadores  con vistas al puerto de Newlyn.  Patrick, que todavía era un colegial, hizo algunos diseños notablemente exitosos para las telas. 

  Su asma crónica lo habría excluido del servicio militar, pero insistió en inscribirse como objetor de conciencia y trabajó como trabajador agrícola durante tres años hasta que los médicos le ordenaron que desistiera. Regresó a Cornualles y trabajó para Bernard Leach durante los últimos 14 meses de la guerra. Uno de sus amigos era el periodista de The Guardian Mark Arnold-Forster, quien, unos años más tarde, le vendió Eagle's Nest, una casa con un famoso jardín sobre Zennor, cerca de St. Ives, donde Heron había pasado sus vacaciones infantiles.

El traslado permanente de Heron a Eagles Nest en 1956 coincidió con su compromiso con la pintura no figurativa y dio como resultado un período muy productivo de su trabajo. Desde ese momento, la casa iba a ser el centro de su existencia imaginativa; fue, escribió mucho más tarde, "casi la mayor pasión de mi vida". Animado por la personalidad de Delia, su esposa, Eagles Nest se convirtió en un centro mágico de hospitalidad para la brillante y en ocasiones turbulenta compañía de artistas y escritores que hizo de St. Ives y sus alrededores un lugar de vitalidad artística extraordinaria durante los años cincuenta, sesenta y setenta. Cuando murió Delia, de repente, en 1979, Heron quedó devastado y durante muchos meses no pudo trabajar.

Patrick Heron visitó Sydney, Australia, entre 1967 y 1973, y expuso en la Galería Bonython. Durante los años sesenta y setenta, dio  conferencias alrededor del mundo que culminó en un libro, 'The Shape of Color', en 1978. 

 En 1989, regresó a Sydney, Australia, y trabajó en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur. Hizo más de 50 pinturas mientras trabajaba como artista residente en la galería de arte de Nueva Gales del Sur en Sydney . En 1996 colaboró ​​con su yerno Julian Feary en la instalación de una obra de arte al aire libre titulada Big Painting Sculpture. Continuó pintando hasta el día antes de morir en 1999 en Cornwall, Inglaterra. Sus obras se pueden ver en museos de todo el mundo.

Niels Reyes

Niels Reyes (Santa Clara, Cuba,1977) Graduado de Nivel Medio en Artes Plásticas en la Escuela Profesional de Arte “Oscar Fernández Morera, Trinidad, 1998 y Graduado de Nivel Elemental de Artes Plásticas en la Escuela Vocacional de Arte (EVA) “Olga Alonso”, Santa Clara en 1992. Graduado en 2006 de nivel superior de la especialidad de Pintura en el Instituto Superior de Arte (ISA), La Habana. Desde el año 2002 ha participado en numerosas exposiciones personales y colectivas en diferentes países como Cuba, Austria, México, Estados Unidos, Alemania, etc. En el año 2012 obtuvo el reconocimiento de K.K.A in residence programme, Viena, Austria.                                

Alex Stevenson Díaz

Alex Stevenson Díaz, nació en Codazzi, Cesar, Colombia el 2 de marzo de 1962, viviendo desde muy niño en Barranquilla capital del departamento del Atlántico.
Artista plástico colombiano que desde muy pequeño demostró sus dotes artísticas, estudió Publicidad y diseño publicitario en la Universidad Litoral de Barranquilla 1990. Realizó estudios de Escultura, vitral, escultura y dibujo y pintura. Expuso en: Concejo de Bogota (Bogota 2008), Universidad los Libertadores, (Bogota 2007), Taller de Artes Claudia Olano (Bogota 2005) y Hotel puerta del Sol, (Barranquilla 2002).

ENRIQUE GRAU

El pintor y escultor colombiano Enrique Grau falleció el 1 de abril 2004 en Bogotá a los 83 años de edad tras una corta enfermedad pulmonar. Grau, uno de los artistas plásticos más prolíficos de Colombia, hizo estudios de pintura y artes gráficas en el Art Students League de Nueva York y de Pintura Mural en diferentes técnicas en la Escuela de Bellas Artes de San Marcos, en Florencia, Italia, entre otras.

Junto a Fernando Botero, David Manzur y el fallecido Alejandro Obregón, Grau integraba lo más destacado de la pintura y la escultura en Colombia, destacándose su comprensión de la anatomía, de las sutilezas del claroscuro, su vitalidad luminosa y su hábil manejo del contraste cromático.
En declaraciones a la radio Caracol, el pintor Manzur -gran amigo del fallecido- dijo que "Grau fue ante todo un maestro que enseñó sin egoísmos". "Fue un artista expresionista figurativo, tenía un contacto directo con la cotidianidad del ser humano, y mezclaba en su obra el humor y la trascendencia", precisó Manzur.
Para el pintor, Grau tuvo a lo largo de su obra tres posturas conceptuales ligadas a la misma tendencia: la manifestación expresionista del medio, un segundo momento que prescinde de la figuración y se acerca a la abstracción, y un tercero en que vuelve a la figuración.

Su última serie de 22 obras entre óleos, dibujos a lápiz y carboncillo, y cuatro piezas tridimensionales, muestra una sociedad en conflicto y expresa una denuncia contra la violencia, que alude más a las víctimas que a los verdugos. Sobre dicha obra, Grau decía que "la vida humana es sagrada".
El maestro Grau fue velado en la sede del Congreso de la República, y luego llevado al puerto caribeño de Cartagena, en donde vivió durante toda su vida y a la que consideraba la ciudad de sus entrañas, a pesar de haber nacido en Panamá. El presidente Álvaro Uribe ofreció un breve homenaje a Grau en el colonial teatro Heredia. El presidente invitó a las autoridades del departamento de Bolívar y su capital, Cartagena, a que junto al Gobierno central unan "voluntades para cumplir el doble deseo del maestro: tener ese gran museo y convertirlo en un sitio de concurrencia de toda la patria".
Grau anunció a mediados de 2003 que donaba sus colecciones privadas de arte y arqueología, además de su biblioteca, para un museo en esta ciudad. Unas 350 piezas, incluidas de creación propia, y más de 4.000 libros conforman el legado del pintor y escultor. El claustro de la Merced, edificación colonial propiedad de la Universidad de Cartagena, había sido señalado por el artista como el edificio más adecuado para la nueva entidad cultural.

Información, EL PAIS

JUAN ANTONIO RODA

 

Juan Antonio Roda (1921-2003): Nació en Valencia, España, y se formó en París, el artista vivió en Colombia desde 1955. Sus primeros trabajos fueron figurativos y su tema preferido fue el retrato del cual dejó numerosos ejemplos en pintura y dibujos. Entre 1961 y 1963 realizó una serie de cuadros no figurativos, dentro de los cuales sobresalieron los denominados “Tumbas”. Estas obras, con grafismos y muchas texturas, pueden considerarse expresionistas, próximos a las pinturas de la segunda escuela de París. Roda tuvo en cuenta para la elaboración de las “Tumbas” la idiosincrasia de los personajes a los cuales estaban dedicados. En esta forma, a base de colores y de manchas, el artista nos presentó una sutil referencia de escritores como Shakespeare o Miguel Hernández y de reyes como Agamenón o Felipe II. En 1964, Roda retornó a la figuración con la serie de doce óleos de Felipe IV, tema que realizó no por Velázquez que lo retrató muchas veces, sino por el personaje triste y solitario. Vinieron los “autorretratos” de 1967 y los “Cristos” de 1968.
 

 En 1970 inició su producción gráfica de la que existen numerosos ejemplos realizados en series: “Retratos de un desconocido”, “Risas”, “Delirios de las monjas muertas”, “Amarraperros” y “La tauromaquia”, sin duda algunos de los mejores grabados del arte colombiano. Sin haber abandonado la pintura, el artista presentó los óleos “Los objetos del culto” en 1979, en los que con visos surrealistas hizo referencia a su vida y a su relación con personajes cercanos. Luego de muchos dibujos y óleos con más “autorretratos” de 1979 a 1983, Roda volvió a los grabados, y cuando estaba en España, en 1984, hizo la serie “Flora”. Estas técnicas mixtas de aguafuertes y aguatintas abrieron el camino a numerosos cuadros semifigurativos: “Flores” –1987–, “Montañas” –1989-99–, “Ciudades perdidas” –1990-91–, “Tierra de nadie” –1992-1993– y a numerosos óleos abstractos como “La lógica del trópico”, de 1998, y la hermosa serie “El color de la luz” de 2001, los lienzos no figurativos más bellos del arte colombiano de comienzos del nuevo milenio.