sábado, 10 de agosto de 2013

Margaret Preston






Preston, Margaret (1875 - 1963)

(Nacida en 1875 en Adelaida, Australia del Sur, murió en  Sydney, en 1963)
Margaret estudió arte en Sydney bajo W. Lister Lister, en la National Gallery School, Melbourne, y en la Escuela de Diseño de Adelaide. En 1904 se fue a Munich para estudiar en   la Escuela de Arte del Gobierno  para la Mujer, va a París, donde estudió en el Musee Guimet y exhibió bodegones. Después de un breve regreso a Adelaide en 1907 se fue otra vez a Europa,  para  ayudar a  soldados discapacitados en Devon. En 1919, después de regresar a Australia a través de Estadps Unidos, se casó con William George Preston, un hombre de negocios, y se estableció en Sydney. La pareja viajó extensivamente a través de Australia, Oriente Medio, África, Europa y las islas del Pacífico.
Aunque es   conocida por sus bodegones decorativos, también era  una  habilidosa  grabadora en madera  e impresora en  linograbado. Sus grabados en madera y linóleo  que muestran plantas nativas australianas se han hecho muy populares en los últimos años. Escritora  y profesora de arte,  fue influenciada por  las  pinturas sobre corteza de los aborígenes. Fue miembro de la Sociedad de Artistas, de la Asociación de Arte de Australia y del Grupo Contemporáneo, de Sidney. En la Exposición Internacional de París en 1937 fue galardonada con la medalla de plata.






An Australian Government Initiative

viernes, 9 de agosto de 2013

Alice Bailly





Nació en Ginebra, Suiza, en  1872. Estudió en  la Escuela de Bellas Artes de Ginebra y en Munich. Aproximadamente en 1906 se trasladó a Paris donde conoció importantes artistas fauvistas y se sintió inspirada por este estilo. 


Cuando cumplió 39 años desarrolló su propio estilo, esta vez influenciada por el cubismo.  En 1902 la incluyeron en una exposición itinerante que recorrió varios paises. Volvió a Suiza  e inventó "Wool paintings", obras de técnica mixta en las que insertaba hilos de lana de colores que imitaban pinceladas. Entre 1913 y 1922 hizo unas 50 obras con esta técnica.


Al inicio de WW1 regresó a Suiza e inventó "pinturas de lana," obras de técnica mixta en la que hebras cortas de hilo de color imitaban pinceladas. Ella hizo (aprox.) 50 de ellos entre 1913 y 1922. Más tarde recibió un premio por esto y les había mostrado en París en 1925. Fue premiada por ellas y fueron mostradas en Paris en  1925-



En 1923 se trasladó a Lausanne y vivió allí hasta su muerte en  1938.   En 1936 pintó ocho grandes murales  en el vestíbulo del Teatro de lausanne, una tarea gigantesca que la llevó al agotamiento. Se cree que ese trabajo la hizo mas vulnerable a la tuberculosis, enfermedad que le causó la muerte dos años despues.  En su testamento dejó un fondo fiduciario para ayudar a jovenes artistas suizos.  Pasó a la historia como una de las artistas más radicales  en Suiza en el siglo XX

miércoles, 7 de agosto de 2013

Marie Bracquemond




Marie Quivoron nació en  1840  en Artenton, cerca de Quimper.  Su padre, un capitan mercante, murió  poco despues de nacer ella y su madre se volvió a casar con M. Pasquiou.   Pasó su juventud en  la región de Jura en Suiza y en Auvergne.  Empezó a estudiar arte con M Wasser y pronto progresó así que en  1857 envió un cuadro al Salón, que fue aceptado. Expuso esporadicamente en el Salon hasta mediada la década de 1870.

Cuando se trasladó con su familia a París se interesó por la pintura. Se convirtió en una artista de talento y visitaba a menudo el Louvre.  Estando un día de visita en el museo conoció a Félix Bracquemond, un artista que ya había entrado en la élite del círculo artístico parisino.  Se casaron en  1869 y al año siguiente tuvieron un hijo, Pierre.

 En 1879 expuso con otras dos mujeres, Mary Cassat y Berthe Morisot.  En 1991 viajó a Londres donde realizó una exposición en Dudle Gallery. En 1886 participó de nuevo en una exposición impresionista. Marie Bracquemond tambien  hizo cerámica y varios dibujos para La Vie moderne. No pintó durante los últimos  veinte años de su vida.   Su hijo Pierre organizó una exposición retrospectiva en su honor, en la Galerie Bernheim-June en Paris, despues de su muerte

lunes, 5 de agosto de 2013

Marianne von Werefkin

Marianne von Werefkin nació el 29 de agosto de 1860 en Tula. El padre, comandante del regimiento Ekaterinenbourg, pertenecía a una antigua familia aristocrática de Moscú, y su madre  descendiente de una antigua raza cosaca principesca, pintora de iconos y retratos,  inculcó en  su hija,  una educación artística sólida. En 1880, Marianne estudió con Ilya Repin, el más famoso exponente del realismo ruso, en 1883 se matriculó en la Academia moscovita bajo la dirección de Prjanisnikov Mikhailovich. En 1886 el padre de Marianne, que ya era general, fue nombrado comandante de la fortaleza de Pedro y Pablo en San Petersburgo. Allí conoció, en  1892, a Lexej Jawlensky,  un joven oficial, cuatro años más joven que ella, que seguía las clases nocturnas en la Academia de Repin. Fue el comienzo de una relación extraordinaria por la cual Werefkin renunciaría a su pintura durante diez años para dedicarse por completo a la promoción del arte de Jawlensky. En 1896, se mudó con él a Mónaco de Baviera.


Su salón se convirtió en un punto de encuentro animado por la vanguardia intelectual y artística internacional.  Se reunían en acalorados debates sobre temas de actualidad del arte,   Kandinsky, Gabriele Münter, Franz Marc, Paul Klee, Kubin, Nolde, el compositor y pintor Schönberg, el bailarín Alexander Sacharoff, Diaghilev y muchos otros. Werefkin era el centro de los debates,  pródiga de gran cultura, alimentada por lecturas actualizadas, so solo en temas artísticos y literarios, sino también científicos. Su conocimiento de las nuevas teorías y tendencias artísticas francesas (cloisonnisme, Pont-Aven, Nabis) estaban claramente por delante de los de sus amigos. De que sus ideas se adelantaron  lo demuestra el "Lettres à un inconnu", diario apasionado, escrito desde 1901 hasta 1905, en que el Werefkin confiesa a un interlocutor imaginario su aspiración hacia un nuevo arte que reconcilia al individuo con el mundo, en  resumen, lo visible y lo invisible, lo sensible y lo trascendente.



El texto es una mina de reflexiones filosóficas y estéticas que muestran la profundidad y la modernidad del pensamiento de Werefkin. En 1906, comenzó a pintar de nuevo. En 1909 se  encuentra con el co-fundador de la "Neue Künstlervereinigung München". Participa en exposiciones del Jinete Azul, sobre todo en la famosa galería Der Sturm Herwarth Walden de Berlín. Con el estallido de la Guerra de 1914 ella y  Jawlensky se vieron obligados a abandonar precipitadamente Alemania. Se establecieron primero en Saint Prex, a continuación, en 1917, en Zurich, donde participan en  el ambiente Dada.  Werefkin expuso en la Galería Coray.  Para curar una "gripe" de Jawlensky, se instala con él en Ascona. Estamos en 1918, en 1921 se consuma la ruptura entre los dos. Jawlensky se va a  Wiesbaden, con un fuerte apoyo de Emmy Scheyer que mientras tanto había comenzado a organizar exposiciones de sus obras en Alemania, y se casó con Helene Nesnakomoff.  En 1921 Werefkin participa en la Bienal de Venecia. En 1922 fue co-fundadora del Museo de la Ciudad,  creado con la donación de sus obras y de artistas vinculados a Ascona. En 1924 fundó junto a otros seis artistas extranjeros, el grupo de "Osa Mayor" y en 1928 expuso con algunos de ellos en Berlín, Ginebra, Basilea y Lucerna. Permanecería en Ascona hasta su muerte en  1938

Fundación Marianne Werefkin



Escribió Rosalía Sánchez | corresponsal del MUNDO en Berlín

"¡Volveré a pintar!" fueron las últimas palabras que Marianne Von Werefkin (1860-1938) dijo, despechada, a Jawlensky, del que se separaba definitivamente en 1921 después de casi dos décadas de apasionada y tormentosa relación. Eclipsada por el genio brillante y posesivo del pintor expresionista alemán, von Werefkin había renunciado a su propia obra pictórica para servir únicamente de soporte y aliento del arte de Jawlensky, víctima de la fascinación o de una relación de pareja que hoy en día no dudaríamos en calificar de maltrato psicológico. En cuanto se produjo la separación, ella se quedó en Ascona, Suiza, y él se trasladó a Wiesbaden, en Alemania, la obra de la pintora rusa floreció con un especial énfasis creativo y permaneció fiel al lienzo hasta diez años antes de su muerte, sólo cuando su salud le impidió seguir pintando.


En 1924 fundó, junto con otros artistas, el grupo La Osa Mayor. Siguió relacionándose con los expresionistas alemanes, tanto con los integrantes del Der Blaue Reiter como con los pertenecientes a Die Brüke. Fue precisamente junto a los artistas de este último, Karl Schmidt-Rottluff y Christian Rohlfs con los que celebró su última exposición en la Galería Nierendorf de Berlín.

domingo, 4 de agosto de 2013

Markus Lüpertz

"Tengo el deseo de la luz, pero estoy en la sombra"


"My pictures are coded secrets for a future that I do not understand and that the viewer does not understand."

“The general opinion of my art is that it is rejected. I attribute this to a lack of intelligence among the people.”

 “When you decide on making a sculpture that depicts, let’s say Daphne, the most beautiful in her time, so beautiful that even Apollo fell in love, you expect beauty. When you depict Mozart, who died young, you expect a hero of youth, of beauty. And what Lüpertz offers is the ugliness of the beauty.”

“You cannot understand the artist in his time, you can only love or hate him”






Lüpeertz nació en 1941 en Liberec, lo que es ahora la república Checa.  Cuando tenía  7 años su familia escapó a Alemania occidental.   Estudió arte, trabajó en una mina, volvió a estudiar arte, trabajó como peón caminero, durmió en la calle en París, se alistó en la Legión francesa...

En 1962 se trasladó a Berlín occidental, donde abrió una galería  con Bernd Koberling.  Empezó a pintar pero en un estilo contrario a la abstracción, que era la tendencia del momento. Su  obra de estilo representativo atrajo la atención del público. En un manifiesto de 1966 tituló su estilo como "dithyrambische Malerei" su trabajo atrajo la atención del público. En 1970 empezó a pintar imagenes de cascos militares y otros símbolos de los que Alemania no se sentía muy orgullosa. Fue duramente criticado por propaganda fascista.

En 1970 recibió el premio Villa Romana y pasó el año con una beca en Florecia.  Desde 1977 comenzó a pintar con tendencia abstracta y ese mismo año presentó una exposición de su obra  en  Hamburgo, seguida de otras en Berna en el Kunsthalle y en Eindhoven en el Stedelijk Van Abbe Museum.

Lüpertz es pintor, escultor, diseñador y escritor. En  1982 tomó parte en  documenta VII en Kassel.  Desde 1988 es  miembro de la Academia de Bellas Artes en  Düsseldorf. En 1990 recibió el premio Lovis- Corinth

Información obtenida de

New York Times

sábado, 3 de agosto de 2013

Patrick Moya






Hoy he estado en Vilanova de Cerveira, donde se está celebrando la 17 ª Bienal de Arte y uno de los artistas invitados es  Patrick Moya, así que lo muestro.


"Parabens" a nuestros vecinos portugueses. Me sorprenden siempre, y en estos tiempos que ya es dificil sorprender...




Patrick Moya pertenece a una nueva generación de un movimiento artístico llamado "escuela de Niza". Es un artista multifacético y prolífico,  hace cerámica, fotografía, diseño, escultura, pintura, cine etc.   Está considerado como un pionero en mundos virtuales. Quizás influido por   Mcluhan´s Global Village  (aldea global)  creó "La Isla Moya" concebida como una "obra de arte global" diseñada como una inmersión artística.  (dejo aqui el enlace por si te interesa entrar en second life)
http://www.livestream.com/moya
"Estás  entrando en una isla dedicada completamente al arte, donde todo está hecho con obras reales y virtuales del artista francés Patrick Moya."

Al artista le gusta jugar con las letras de su nombre y nos hace adentrarnos en un universo poblado de osos de peluche, ovejas, elefantes y diablos alados

La realidad no es suficiente para Moya, por esa razón pidió a Moya Janus, su avatar en Second Life, que le construyese una carroza en el mundo virtual y todo se está convirtiendo en máscaras de avatares

Su obra ha sido plasmada en trenes,  autobuses de transporte público, en tarjetas inteligentes como las emitidas por los hoteles, en ropa de diseño y hasta en la guía Michelin.  Ha diseñado muñecas para UNICEF y sus frescos se pueden encontrar en edificios publicos de Monaco o en la iglesia católica de San Juan Bautista de Canes





viernes, 2 de agosto de 2013

Antonio Recalcati





Nacido en  1938 en Bresso.  En 1957 realiza su primera exposición en la galería Totti de Milan. Recibe el premio Mochetti "Tavolozza D´Agento".   Empieza a trabajar la cerámica que pronto la abandona y volverá a reemprender el trabajo con ella en  1990. En la década de  1960 expuso en Venecia y en Bruselas.  Sus primeras pinturas, el ciclo "Huellas"- donde obtiene las mismas imprimiento imágenes de su cuerpo y de su ropa directamente sobre el lienzo, con las que expresa su deseo de ir más allá de esos límites
En 1963 se trasladó a París, donde conoció a los pintores Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo y Pablo Rebeyrolle.  En los años 70 comienza con temas de compromiso social, como las batallas de los estudiantes o sobre las condiciones de la clase obrera en las periferias de las grandes urbes. En está década tambien realizó numerosos viajes a Nueva York, Venezuela, Méjico,  Cuba, Brasil y al lejano Oriente

En 1980 se fue a Nueva York, donde permaneció hasta el verano de 1985. Su interés por la vida de Nueva York, sus calles, aceras, reflejos en los charcos, canchas de baloncesto quedan reflejados en sus series de los años 80

En 1988 presentó "After de Storm" en la Galeria Philippe Daverio en Milán
En 1992 comienza su obra escultórica en Carrara y más tarde en el taller de Angeli Querceta, aunque en  1996 vuelve a la pintura



En 2007 expone una gran tela inspirada en la última cena de Leonarda da vinci, en la galería Gruppo Credito Valtellinese, Palazzo delle Stelline en Milan





jueves, 1 de agosto de 2013

Baldomero Romero Ressendi





Siempre me he preguntado como este pintor, siendo bueno, siempre ha sido visto como un artista  maldito.  He leído en ABC una entrevista que le hacen a la hija y encuentro las razones.  En una España franquista, ser considerado escandaloso era cerrar muchas puertas, aunque recordando yo llegué al conocimiento de su obra a través de un escritor que se consideraba "muy del régimen"..."la hipocresía del momento"...


Baldomero Romero Ressendi (Sevilla, 20 de enero de 1922 - Madrid, 11 de abril, 1977) fue un pintor español. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla



La actriz y productora de teatro Paloma Vosselle, evoca la figura del controvertido pintor que se labró fama de excéntrico en los más oscuros años del franquismo.
-¿Su padre fue un excéntrico?
-Si ser excéntrico es no querer pintar marinas ni paisajes, sacar en los retratos los defectos y verdades, tener un libro de anatomía en su mesilla y estudiarlo cada día, hacer yoga, coleccionar piedras, limpiar todos los días cincuenta jaulas de pájaros, entrar en su estudio a las siete de la mañana, tomarse veinte cafés, y salir a las doce de la noche, no ser adulador, montar a caballo, ir a Casa Carreras a comprar pinturas un lunes, y volver dos días después, pues sí... debía serlo.


-¿Y es por todo eso que fue una persona problemática?
-No lo creo. Era una persona especial, sensible y con grandes problemas, como todos los creadores, para buscar la verdad de su obra. Pero si su pregunta se refiere a la vida social.....pues....la verdad, si todas las anécdotas atribuidas a mi padre fueran ciertas, hubiera vivido ciento veinte años, y desgraciadamente murió a los cincuenta y seis.


-Manolo Sanlúcar, que le dedicó una obra, dice que Romero Ressendi fue un genio ¿está usted de acuerdo?
-Manolo es un genio de la guitarra, y sabe perfectamente lo que se sufre para crear una obra, y lo considera un genio, como casi todos los que me hablan de él y su pintura. Otros muchos, tal vez lo piensan, pero no lo dicen.
-Por cierto que fue muy aficionado al flamenco, ¿qué otras aficiones le conoció?
-El flamenco...y las flamencas...y la lectura, los caballos, beber, fumar, los pájaros, las piedras, divertirse con sus amigos, las antigüedades, el yoga, los fósiles, nadar, pescar...


-Quien parece que no le tuvo en tan alta estima fue el cardenal Segura ¿verdad?
-¡Ese sí que sería un excéntrico hoy en día!
-¿Aquella ex comunión de Segura cree que le perjudicó o le benefició?
-¡Con la Iglesia hemos topado, Sancho! Le perjudicó. Expresar lo que uno siente, molesta casi siempre.
-¿A qué se debió la excomunión?
--Según tengo entendido, al cardenal le pareció, que el cuadro «Las tentaciones de San Jerónimo» no reflejaba tales «tentaciones», ya que, según su Ilustrísima, el pobre San Jerónimo, tenía claramente la cara de haber sucumbido al pecado.
-¿Y qué decía su padre de aquello?
-Mi padre sólo se sonreía cuando le hablaban del tema.



-¿Cree que su proximidad al régimen anterior ha influido en que se minusvalore su obra?
-Sí lo creo. Pero no por su proximidad, que no la tuvo, más que en lo que se refiere a sus compradores, «su proximidad» sólo está en la cabeza de algunos cretinos que así lo creen.
-¿Los intelectuales han sabido valorar la obra de su padre?
-Creo que la obra de mi padre les da un poco de miedo. Tal vez esto tenga que ver con la pregunta de antes... A lo mejor piensan que no deben opinar. Porque si opinan bien, quedarían mal, y si opinan mal, quedarían peor.


-¿Le escuchó a su padre algún juicio de valor sobre las vanguardias?
-El se consideraba un pintor de vanguardia. Y así le consideraron los pintores de su entorno, que le admiraban, le respetaban, le querían, o le temían. Picasso, era uno de sus pintores favoritos. Él mismo de vez en cuando indagaba en esos temas en su pintura. Pero no es fácil investigar con facturas de pájaros, caballos, flamencos, flamencas, libros de yoga, paquetes de Ideales, anticuarios... y veinte clientes a la puerta del estudio, pidiendo un retrato de su señora.


-Se dice que los artistas no son buenos padres ¿fue eso cierto, en su caso?
-Ni padre, ni hijo, ni Espíritu Santo.
-¿Qué era lo que más le gustaba de Sevilla?
-Paquita, Alcalá de Guadaíra y «El Guajiro».
-¿Le gustaba viajar?
-No.
-¿Su tarea artística, como actriz y como mujer de teatro, se ha podido ver determinada por la actividad de su padre?
-No.
-¿Cuántos cuadros suyos conserva en su casa?
-Algunos retratos, bocetos y dibujos, que mi madre conservó, con gran cariño.
-¿Su obra está catalogada o hay una parte dispersa?
--Gran parte sí, y lo demás está todo en colecciones privadas.
-¿Hay mucha obra suya en el extranjero?
-Lo desconozco.
-¿Existe alguna tesis o estudio en marcha sobre la obra de Romero Ressendi?
-Sí.

Entrevista hecha por Alfredo  Valenzuela el 27 de mayo de 2007 a la hija del pintor con motivo de una exposición en el Museo de Alcalá de Guadaira