Giacomo Manzú, pseudónimo de Giacomo Manzoni, nació en la ciudad de Bérgamo en 1908. Desde muy joven trabajó en talleres de talla y doradura, y se diplomó en plástica decorativa en el Instituto Fantoni. Durante el servicio militar en Verona (1927-1928) asistió de vez en cuando a los cursos de la Academia Cignaroli. Desde el 1928 se dedicó exclusivamente a la escultura. Se estableció en Milán en 1929 y allí recibió su primer encargo: la decoración de la capilla de la Universidad Católica, que ejecutaría entre 1931 y 1932. En 1933, expuso en la Trienal de Milán una serie de bustos. En los años siguientes realizó las primeras versiones de la Niña sobre la silla (1933) y del Cardenal (1936). En 1939 inició la producción de una serie de bajorrelieves de bronce inspirados en temas religiosos, el Descendimiento y las Crucifixiones, en las que, a través de la simbología del sacrificio de Cristo, evocaba los horrores de la guerra y la violencia del régimen fascista. En 1940, Manzú, fue profesor de escultura en la Academia de Brera de Milán y, más tarde, en la Academia Albertina de Turín. Al estallar la guerra se trasladó a Clusone. Ejerció como profesor en la Academia de Brera desde la posguerra hasta 1954 y en la Academia de Salzburgo hasta 1960. En este periodo empezó a trabajar en la realización de la Puerta de la muerte para la Basílica de San Pedro del Vaticano (ejecutada en 1964). Entre 1965 y 1968 realizó la Puerta de la Paz y de la Guerra para la iglesia de San Lorenzo de Rotterdam. En los años setenta volvió a tratar la figura entera con bronces de figuras femeninas y grupos de temática amorosa a los que imprime una particular fuerza plástica.
A finales de los años 60 se dedicó a la escenografía preparando algunas de las obras más importantes de Igor Stravinskij, Goffredo Petrassi, Claude Debussy, Richard Wagner y Giuseppe Verdi. En los años setenta realizó dos grandes altorrelieves para la Cajas de Ahorro de las provincias lombardas en Milán y para el Palacio de Justicia de la Unión Europea con sede en Luxemburgo (1970 y 1973, respectivamente). En el 1973 expuso en el Museo de Arte Moderno de Tokio. En 1989 se inauguró en Nueva York, ante la sede de Naciones Unidas, la última de sus grandes realizaciones públicas, una escultura de bronce de seis metros. Desde 1964 Manzú residió en Ardea, cerca de Roma, donde hoy se encuentra el museo que alberga toda la colección donada al estado italiano en 1979. El artista murió en 1991.
Eduardo Gruber nació en Santander en 1949. Cursa estudios en la Escuela de Ingenieros de Caminos de Santander, carrera que abandona en 1969 para matricularse por libre en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Posteriormente estudia Grabado, técnica muy utilizada por el artista a partir de los años ochenta. Comienza sus trabajos dentro de la figuración, realizando obras hiperrealistas en las que con gran destreza técnica se plasman puertas, ventanas, fachadas, que tienen como elemento aglutinador la decadencia que presentan debido al paso del tiempo. Posteriormente evoluciona hacia una pintura en la que convive la figuración y una leve abstracción. Se trata de lienzos cargados de sutileza y misterio que podríamos calificar de 'realismo mágico' y en los cuales existe un gran lirismo debido al cromatismo empleado y la atmósfera conseguida. Sus obras más recientes son abiertamente informalistas, poniéndose mayor énfasis en los materiales empleados y en el trabajo de los mismos sobre la superficie del lienzo.
(Madrid, 1922) Pintor español. Miembro destacado de lo que se ha dado en llamar tercera escuela madrileña, en sus paisajes se combinan el realismo tradicional con un decorativismo cromático fauve siguiendo una evolución caracterizada por la experimentación con la materia que lleva al límite mismo de la no figuración.
Nació en Beirut en 1951, cosmopolita de pensamiento internacional, Mohamad Rawas a menudo introduce imagenes del arte europeo y fotografías- desde Michelangelo a Peter Blake, de Vermeer a Nadar – asi como de sus raíces del medio-oriente. Palabras y ensamblajes tridimensionales se encuentran en muchos de sus cuadros para extender más posibilidades expresivas a su obra. Mohamad Rawas es uno de los más innovadores artistas libaneses comtemporaneos. Su arte es multifacético y dinámico; utiliza simbolos y referencias para crear mundos ambiguos que parecen estar fuera de una época en particular.
Warren Brandt, un pintor cuyo coqueteo con el expresionismo abstracto dio paso a un estilo de realismo de calor interno, murió 05 de mayo 2002 ... Tenía 84 años y vivía en Nueva York ... Brandt nació en Greensboro, Carolina del Norte, y se mudó a Nueva York después de la preparatoria, asistendo al Pratt Institute por las noches ... estudió con Yasuo Kuniyoshi en la Art Students League y, después de cinco años como retratista oficial en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, continuó su educación en el marco del proyecto de ley GI ...
Estudió con Philip Guston y Max Beckmann en la Universidad Washington en St. Louis .. todo el tiempo mantuvo estrechos vínculos con expresionistas abstractos de Nueva York, y su arte refleja su influencia ... Con su esposa, Carolyn Coker, viajó ampliamente en la década de 1950, en toda Europa y de ida y vuelta desde Nueva York a Carolina del Norte y Mississippi, donde ocupó cargos en la enseñanza ... En 1960, después de que él y su esposa se divorciaron, se casó con Grace Borgenicht, una distribuidora de música y arte en Nueva York que tenía una galería en la calle 57 y era una antigua defensora del arte americano contemporáneo ... Brandt se mudó a Nueva York e hizo un radical cambio en su arte, desarrollando un estilo Matissesque en desnudos, naturalezas muertas y escenas de su estudio ..
Pierre Tal-Coat ( Pierre Louis Jacob) fue un artista francés considerado uno de los fundadores del tachismo. Nació el hijo de un pescador, en el pueblo de Clohars-Carnoët , Finisterre en 1905. Asistió a la escuela primaria desde 1912 hasta 1914. En 1915, durante la Primera Guerra Mundial, su padre murió en combate en el frente de Argonne. Aprendiz de herrero en 1918, comenzó a estudiar diseño y escultura y le concedieron una beca nacional y entró en la escuela superior en Quimperlé . Comenzó su vida laboral como empleado de un notario en 1923 en Arzano . En 1924, encontró trabajo como decorador en la fabrica de porcelana Keraluc en Quimper en 1924, creando personajes y paisajes del campo de bretaña
Al llegar a París en 1924, Tal-Coat modeló para la Académie de la Grande Chaumière, era un moldeador en la manufactura de Sèvres y allí conoció al pintor Émile Compard.
En 1925 y 1926 cumplió el servicio militar en París. Conoció a Auguste Henri y a Fabre Bénézit y exhibió en su galería con el nombre de Tal-Coat que usó toda su vida para evitar la homonimia con el poeta Max Jacob . De regreso a París en 1930, después de una estancia en casa en Bretaña desde 1927 hasta 1929, se relacionó con personas notables tales como Francis Gruber, André Marchand , Gertrude Stein , Francis Picabia , Ernest Hemingway , Giacometti , Balthus , Artaud , Tzara y Paul Émile- Víctor . Desde 1932 fue miembro de las "Forces Nouvelles". En 1936, protestó contra la Guerra Civil española con su serie "masacres". Fue reclutado por el ejército en 1939 en Saint-Germain-en-Laye y posteriormente Ermenonville y desmovilizados en 1940 en Montauban . Se instaló en Aix-en-Provence , que se había convertido en el refugio de muchos artistas, incluyendo André Marchand , Carlos Alberto Cingria y Cendrars , participó en la exposición "Veinte jóvenes pintores de la tradición francesa", organizada por Jean Bazaine en 1941 y expuso más adelante en la Galerie de France en 1943. De regreso a París en 1945, participó en la primera exposición del Salón de Mai . Regresó el año siguiente a Aix, alojándose en el Castillo Negro, donde Cézanne habia estado cuando pintó en Tholonet y conoció a André Masson , al filósofo Henri Maldiney y al poeta André du Bouchet , que se convirtieron en sus amigos íntimos. Sus cuadros ya se habían convertido en no-figurativos. Junto con los artistas de la nueva Escuela de París expuso en la Galerie de France (de 1943 a 1965), la Galerie Maeght (de 1954 a 1974), Benador (de 1970 a 1980), la galería de Su Majestad, la galería de Clivaje y la Berthet Aittouarès. En 1956 seis de sus cuadros fueron exhibidos en la Bienal de Venecia con los de Jacques Villon y Bernard Buffet . En 1963 colaboró junto a Joan Miró y Ubac en la creación de la Fundación Maeght. Diseñó un mosaico para la pared de la entrada en 1968 y recibió el Gran Premio Nacional de las Artes. Una gran exposición retrospectiva dedicada a su trabajo, se celebró en el Grand Palais de París en 1976.
Pintor y diseñador belga.Sus fuentes iniciales de inspiración fueron los frascos que veía en la perfumería de su padre en Ostende. Luego estudió en una academia de arte en Brujas que pronto abandonó porque como el mismo dijo "odiaba los estudios ecadémicos". Fue esencialmente autodidacta. Sus primeras obras muy influenciadas por el simbolismo asimilado por las lecturas de Friedrich Nietzsche y Maurice Maeterlinck, por ejemplo. Desde febrero de 1903 hasta enero de 1904 trabajó para Edmond Deman, un editor de Bruselas asociado con Emile Verhaeren, que lo animó mucho. En 1904 Spilliaert estuvo en Paris, donde estuvo en el círculo de Picasso y descubrió la obra de Munch y de Toulouse-Lautrec, que le influenciaron mucho. Continuó visitando Paris varios inviernos para mantenerse en contacto con la vida cultural de la ciudad. Una úlcera de estómago le provocó insomnio y lo convirtio en un descontrolado trabajador nocturno y realizó cantidad de obras: acuarelas, pastel, tintas chinas... etc. En estos trabajos reveló la belleza de Ostende de noche: calles desiertas, muelles, tiendas, las lamparas de la calle con un brillo atravesando la niebla. Entre 1907 y 1913 desarrolló una forma original de simbolismo, tocado por el expresionismo y con una estricta capacidad de sintesis. Pintor numerosos autorretratos con un aire misterioso y melancolico. Desde 1912 pintó grandes pasteles de escenas de puertos y figuras humanas esquemáticas.
Ángel Mateo Charris conocido como Charris (Cartagena (Murcia), 1962) es un pintor español. Su obra se engloba en la línea figurativa que se ha dado en llamar “neometafísica” y a la que pertenecen otros artistas de su generación como Gonzalo Sicre, Dis Berlín y Joel Mestre entre otros.
Charris nació en Cartagena el 10 de mayo de 1962 y se licenció por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1985. Durante los 80 expone en diversas colectivas. En 1988 realiza un primer viaje a Nueva York adentrándose en la pintura de Edward Hopper y los artistas de la Escuela del río Hudson. En 1989 es premiado en el Certamen Nacional de Jóvenes Fotógrafos del Instituto de la Juventud.
En 1997 edita junto a Gonzalo Sicre el libro Tras las huellas de Hopper. En el 99 el IVAM valenciano le dedica una gran muestra en su Centro del Carmen. El estilo de Charris está muy influenciado por el cómic, el Arte pop,lenguajes visuales del cómic el cine negro americano y ciertos autores clásicos, destacando entre ellos especialmente Edward Hopper. También es muy habitual en sus obras la referencia a la Historia del Arte, así como ciertos nexos literarios. Sus obras se caracterizan también por plantear citas constante a la Historia del Arte es una constante en su producción, participa de los planteamientos del postmodernismo. Entre sus referencias pueden mencionarse Spilliaert, Ruscha , Rothko , Morandi , De Chirico y de manera especial la literatura de viajes
Su obra forma parte de colecciones como Fundación Argentaria, Fundación Coca-Cola, Colección Bancaixa, Colecció Testimoni La Caixa, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM, y el Artium de Vitoria entre otros.
Mario Sironi (Sassari, 12 de mayo de 1885 – Milán, 13 de agosto de 1961) fue un pintor italiano.
Estudió ingeniería en Roma, dejando los estudios para dedicarse a la pintura. Se formó en el estudio de Giacomo Balla, donde conoció a Gino Severini y Umberto Boccioni. Con este último realizó un viaje por Francia y Alemania en 1908. Sus primeras obras se enmarcaron en el futurismo, con una temática relativa a la vida urbana y la era industrial (El camión, 1914; Composición con hélice, 1915). Tras una corta etapa en la pintura metafísica (Caballo blanco, 1919), desembocó en un expresionismo personal, influido por la pintura tradicional italiana, con cierto aire arcaico, de formas geométricamente reducidas. Siguió con sus representaciones urbanas, a las que otorgaba un curioso aspecto de evocación histórica, a la vez que un aire de angustiosa soledad, en escenas de ciudades industriales que absorben al individuo, reflejado por figuras solitarias de obreros inmersos en los escenarios de grandes fábricas y barrios industriales cruzados por trenes, camiones y tranvías Hacia mediados de los años 1920 se adhirió al estilo Novecento, que propugnaba el retorno al clasicismo de tradición italiana, movimiento que contó con el patrocinio del régimen fascista de Mussolini. Sus nuevas temáticas fueron el paisaje, el retrato y el desnudo, con una base de inspiración en la antigüedad y en el carácter mediterráneo del arte italiano. Propuso el retorno a técnicas tradicionales, como el fresco, el mosaico y el bajorrelieve, y se aproximó al diseño vinculado a la arquitectura (pabellones de la Fiat para la Feria de Milán) y a la escenografía teatral.
Nació en Vigo, estudió Bellas Artes en Pontevedra y comenzó a pintar en la calle en 1991. Trabaja como ilustrador y diseñador gráfico cuando le dan libertad y expone en galerías como Ad Hoc (Vigo) y Montana (Barcelona). Se mudó a la capital para currar en la tienda-galería Subaquatica y se quedó para dar color a la calle: "Me resisto a colgar un cuadro y esperar a que se venda. Necesito implicarme físicamente en la obra", dice. En sus dibujos hay influencias del cómic, la animación clásica y la cultura popular. ¿Por qué te da repelús el término street art? Se usa para dar un aire de novedad o modernez a algo que lleva décadas. Desconfío de la etiqueta porque aglutina a gente con planteamientos muy distintos y con su auge se subieron al carro muchos sin nada que aportar, saturando la movida. Cuando empecé no existía el término, era más natural y espontáneo, las referencias venían del graffiti tradicional y pretendíamos darle una vuelta. ¿Las facilidades técnicas propician la creatividad? No necesariamente. Cuanto más fácil, más gente; y cuanta más gente, más te tienes que esforzar. Aunque también permite mayor capacidad de experimentación, menores tiempos de producción o trabajar internacionalmente.
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París. Modigliani es el arquetipo del artista bohemio: una vida marcada por una mezcla de drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad. Sólo alcanzó la fama después de muerto, pero mereció la pena lo que su extraordinario talento ha legado a la posteridad.
Artísticamente, es uno de los más grandes pintores europeos de todos los tiempos y, sin duda, auténtico exponente de la verdadera inspiración como fuente creativa, evidencia que aguarda a los verdaderos pintores de enraizada vocación.
Fue el cuarto hijo de Eugenia Garsin, una francesa nativa de Marsella, y de Flaminio, nacido en Roma. El padre de Amedeo se dedicó a una profesión tradicional de los judíos europeos: el préstamo. Pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes, y muy pronto debió recurrir él mismo a otros prestamistas.
Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida. Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.
A los 14 años, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a tomar clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufre un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista. En 1902, Amedeo se inscribe en la escuela libre del desnudo, Scuola libera di Nudo en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.
En 1906 se traslada a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.
En 1909, pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por su modo de vivir. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi. Mujer en el cuello blanco, 1917, Museo de Grenoble, Francia Retrato de Jeanne Hébuterne, 1917, colección privada, Washington. Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud.
Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau.
Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.
Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour". Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror ("Les Chants de Maldoror") libro del que siempre tiene cerca un ejemplar. En 1916, conoce al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski y a su mujer Anna. Modigliani lo retrata en varias ocasiones, cobrándole sólo diez francos por retrato.
El siguiente verano, la escultora ucraniana Chana Orloff le presenta a su amiga Jeanne Hébuterne, una estudiante de 18 años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica. Sus tormentosas relaciones se hicieron aún más famosas que sus borracheras.
El 3 de diciembre de 1917 se celebra su primera exposición, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos
En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.
Los más importantes artistas de Monmartre y Montparnasse siguen los funerales. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso, después del funeral de Modigliani.
La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Ésta escribirá una importante biografía de su padre titulada: Modigliani: Hombre y mito.
