(nacido en 1923). Escultor y pintor abstracto estadounidense célebre por sus experimentaciones cromáticas.
Muchas de sus pinturas de la década de 1950 consisten simplemente en una única mancha abstracta y muy definida de un color brillante sobre fondo neutro.
También realizó algunas obras que se hallan entre las primeras de formato irregular, en las que el lienzo se extiende sobre un marco tridimensional para crear la forma deseada.
Las obras más conocidas de su último periodo son sus paneles pintados, que consisten en la unión de varios lienzos que en alguna ocasión han llegado a 64; cada lienzo está pintado de un color intenso y diferente, que crea un todo vibrante de cuidado equilibrio.
San Francisco, Estados Unidos, 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Estudió Literatura en la Universidad de Berkeley, entre 1957 y 1961. Posteriormente estudió Arte en la Universidad de Yale. Mientras vivía en la costa oeste, se mantenía trabajando en una acerería, actividad que lo influyó en su trabajo.
El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable.
En 1981, Serra instaló el Tilted Arc, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en New York City. Hubo una gran controversia sobre la instalación a partir del día uno, en gran parte debido a que los trabajadores de los edificios que rodeaban la plaza se quejaron debido a que la pared de acero obstruía el paso a través de la plaza. Una audiencia pública en 1985 votó a favor de que el trabajo fuera removido, pero Serra alegó que la escultura estaba en su sitio específico y que no se podía colocar en cualquier otro lugar. Serra publicó una declaración famosa donde dijo, “Quitar el trabajo sería destruirlo.” Finalmente, el 15 de marzo de 1989, la escultura fue desmontada por los trabajadores federales y desechada posteriormente.
Otro trabajo famoso de Serra es gigantesca escultura Snake, un trío de sinuosas hojas de acero que crean una trayectoria curva, fue establecido permanentemente en la galería más grande del museo Bilbao de Guggenheim. En 2005, el museo montó una exposición de más trabajos de Serra. Sin embargo, no siempre le ha ido tan bien en España. También en 2005, el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, de 38 toneladas, “había sido perdida.”
En el verano de 2005, Serra volvió a San Francisco para instalar su primer trabajo público en esa ciudad. Dos láminas de acero de 50 pies de altura de 160 toneladas en el espacio abierto principal del nuevo campus de la universidad de California en San Francisco.
En 2000 él instaló el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de alto ubicada en la nueva central de Gap Inc., en San Francisco. Para animar la oxidación, los aspersores fueron ordenados inicialmente hacia las cuatro losas hechas de acero que componen el trabajo. En el bienal de Whitney, 2006, Serra demostró un dibujo simple de crayón de un preso de Abu Ghraib con el subtítulo “STOP BUSH.” Esta imagen fue utilizada más adelante por el museo Whitney para hacer los carteles para la bienal. Los carteles ofrecieron una versión alterada del texto en que se leía “STOP B S.”
Oklahoma, 1952) es un pintor estadounidense. Se le ha adscrito a diversas tendencias del arte postmoderno norteamericano, como el Neoexpresionismo, el Simulacionismo, el Bad painting o la New Image Painting.
Salle estudió en el California Institute of the Arts, donde fue alumno de John Baldessari; aquí empezó a utilizar en su pintura técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida. Tras terminar sus estudios, se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja, y donde ha cosechado un enorme éxito de crítica y público.
Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; se nutre por igual del arte clásico (artistas barrocos como Velázquez y Bernini, románticos como Géricault, impresionistas como Cézanne, expresionistas como Solana, surrealistas como Magritte y Giacometti), como del contemporáneo, en especial del pop-art, recibiendo sobre todo la influencia de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como la de europeos como Sigmar Polke. Asimismo, muchos aspectos compositivos de Salle recuerdan a la obra de Francis Picabia que desarrolló en los años 40.
La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Suele recurrir en sus imágenes a la inserción de texto o signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Sus imágenes tienen un cierto aire ingenuo, torpe, están expresamente mal pintadas, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.
Salle utiliza cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. Su producción incluye asimismo escultura, cine (la película Search and Destroy) y decorados para los ballets de inspiración punk coreografiados por Karole Armitrage.
Edward Ruscha (pronunciado "roo-SHAY") ( * diciembre de 1937 Omaha, Nebraska) es un artista estadounidense asociado con el movimiento Pop. Su trabajo abarca desde la pintura a la fotografía, pasando por el grabado.
Ed Ruscha nació en una familia católica de tres hermanos, la mayor, Shelby, y su hermano menor, Paul. El padre de Edward fue auditor para la compañia de seguros Hartford. La madre de Ruscha fue un apoyo para los intereses y habilidades artísticas de su hijo desde el principio. Durante la adolescencia a Ruscha le atraían los comics. Aunque nació en Nebraska, Ruscha vivió 15 años en Oklahoma City antes de trasladarse a Los Angeles donde estudió en el Instituto de Arte Chouinard (ahora conocido como Intituto de Arte de California) desde 1956 a 1960. Después de graduarse, Ruscha trabajó como diseñador para la agencia de publicidad Carson-Roberts en Los Angeles. Estuvo casado con Danna Knego de 1967 a 1972.
En los primeros 60 era muy conocido por sus cuadros, collages, y fotografías, y por su relación con el grupo de la galería Ferus, que incluía artistas como Robert Irwin, Edward Moses, Ken Price, and Edward Kienholz. La primera exposición individual de Ruscha en la galería Leo Castelli de New York se inauguró en febrero de 1973. Enseño en UCLA como profesor invitado en 1969 y trabajó como diseñador para la revista Artforum bajo el seudónimo de “Eddie Russia” de 1965 a 1969. Tuvo dos hijos, Edward "Eddie" Ruscha y Sonny Bjornson Ruscha.
En 2006, Ruscha fue nombrado administrador del Museo de Arte Contemporáneo MoCA en Los Angeles junto con Susan Gersh y David Johnson. Participó en ocho exposiciones del museo, y treintaytres de sus obras fueron incluidas en la colección permanente
En 1962 el trabajo de Ruscha fue incluido, junto con Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine, y Wayne Thiebaud, en la histórica exposición "New Painting of Common Objects", comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena. Esta exposición es considerada como una de las primeras exposiciones "Pop Art" en America.
Obtuvo reconocimiento por sus pinturas que incorporaban palabras y frases y por sus libros de artista de fotografías, en los se ponía de manifiesto la influencia del inexpresivo Arte Pop .
Entre las influencias de Ruscha podemos destacar los trabajos de Jasper Johns, Arthur Dove, Alvin Lustig y de Marcel Duchamp. Las obras de estos artistas fueron una fuente de inspiración para Ruscha y le movieron en su cambio de interés desde el diseño gráfico hacia la pintura. En un viaje por Europa en 1961 Ruscha descubrió más trabajos de Johns, Robert Rauschenberg, R. A. Bertelli y Sir John Everett Millais(Ophelia ). Algunos críticos se apresuraron a ver la influencia de la obra "Gas" de Edward Hopper en el óleo de Ruscha de 1963: "Standard Station, Amarillo, Texas."En cualquier caso "el arte tiene que ser algo que te produce un chirrido en tu cabeza", decía Ruscha.
Aunque Ruscha niega en sus entrevistas la contribución de los paisajes de Los Angeles y el sur de California al estilo y los temas de la mayoría de sus cuadros, dibujos y libros, un ejemplo de esto lo constituye Every Building on the Sunset Strip, un libro de fotografías ininterrumpidas de 2 millas y media de las 22 millas de ese bulevar. Además, pinturas como Standard Station, Large Trademark, y Hollywood ejemplifican la afinidad de Ruscha con el lenguaje visual del sur de California.
Ruscha terminó Large Trademark with Eight Spotlights en 1961, un día después de graduarse. Entre sus primeras obras (Su, Sweetwater, Vicksburg) esta es la más conocida y ejemplifica el interés de Ruscha en la cultura popular, los letreros y los anuncios que continuarán nutriendo su trabajo a lo largo de su carrera. Large Trademark fue seguido por Standard Station y Wonder Bread.
En 1966, Ruscha reproduce Standard Station en una impresión sobre seda utilizando la técnica del aerógrafo introduciendo una gradación del tono en el fondo de la impresión.
Desde 1964, Ruscha ha estado experimentando con pinturas y dibujos con palabras y frases, a menudo frases extrañamente cómicas o irónicas.
Cuando se le ha preguntado de dónde sacaba esta ispiración para sus obras, Ruscha responde "Bueno, simplemente se me ocurren, a veces la gente dice algo y yo lo escribo y más tarde lo pinto. Otras veces uso un diccionario." De 1966 a 1969, Ruscha pintó sus cuadros de "palabras líquidas".
Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.
Inició sus estudios artísticos en la Phillips Academy y en la Universidad de Princeton, viéndose influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con colores planos o bandas monocromas. Se dió a conocer con la exposición «Sixteen Americans», que organizó el MoMA en 1959. Al renunciar al expresionismo abstracto, Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.
A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.
En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el Dartmouth College de New Hampshire.
Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo, «Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «Systemic Painting» (Museo Guggenheim de Nueva York, 1966).
Participó en la VIII Bienal de Sao Paulo (1965) con otros artistas norteamericanos. Ese mismo año participa del Premio Internacional Torcuato Di Tella, en Buenos Aires, con tres de sus pinturas de marcos recortados. En 1968 participó en la documenta 4 de Kassel con los grabados hechos en Gemini GEL junto al maestro impresor Kenneth Tyler, con quien seguirá trabajando hasta la actualidad. En 1969 expone en el Museo Metropolitano de Nueva York. En 1970 se celebró una retrospectiva en el MoMA. Estuvo en la Bienal de Venecia en 1972 y en 1977, en la documenta 6 de Kassel.
Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares, curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología digital.
En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de Toronto, que incluye un enorme mural.
El artista vive y trabaja en la Manhattan, Nueva York.
Arthur Garfield Dove (1880-1946), pintor estadounidense, considerado uno de los primeros artistas abstractos de su país. Sin embargo, muy pocas de sus primeras obras, basadas por lo general en formas naturales como hojas o nubes, pueden considerarse totalmente abstractas. Sería más adelante cuando Dove se dedicó a pintar en dos estilos diferentes, realizando obras de una rigurosa abstracción —normalmente con rígidas formas geométricas— y fantasías surrealistas como Salida de la luna llena (1937, Colección Phillips, Washington), en la que transforma el paisaje en un cíclope y la luna en uno de sus ojos.
Mel Ramos es un pintor estadounidense que nació en Sacramento (California) en 1935. Integrante del Arte pop norteamericano de los años 60 del siglo XX.
Frente al grupo de Nueva York formado por Warhol, Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.
Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en la Galería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.
