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Ron Mueck

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Giuseppe Gallo

Giuseppe Gallo

Nato a: Rogliano Italia 1954
Giuseppe Gallo, nato a Rogliano (provincia di Cosenza) è residente a Roma sin dagli inizi degli anni Ottanta. Il suo lavoro è stato esposto in alcuni tra le più importanti manifestazioni internazionali come la XLIV Biennale di Venezia e la Quadriennale D’ Arte Roma. Ha tenuto molte mostre personali e partecipato a esposizioni internazionali in numerosi musei all’estero e in Italia come al PS1 di New York, al Palazzo dell’Esposizioni di Roma e alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna. Ha inoltre esposto alla Galleria Annina Nosei e alla Sperone Westwater di New York, alla Galleria Di Meo a Parigi, alla galleria Triebold di Basilea, alla Gian Ferrari Arte Contemporanea di Milano, alla Galleria Bagnai di Siena.

Franz West

Born 1947, Vienna, Austria.

Franz West lives and works in Vienna, where he was born in 1947. West began his career in mid-1960s Vienna when a local movement called Actionism was in full swing. West's earliest sculptures, performances, and collages were a reaction to this movement, in which artists engaged in displays of radical public behavior and physical endurance meant to shake up art-world passivity. In the early 1970s, West began making a series of small, portable sculptures called "Adaptives" ("Paßtücke"), awkward-looking plaster objects that were only completed as artworks when the viewer picked them up and carried them around, or performed some other inherently slapstick action with them. In many ways, his large-scale aluminum sculptures are simply overgrown versions of the "Adaptives." But they also relate directly to his installations, where west makes furniture. West has the ability to make comfortable and colorfully upholstered couches and chairs which transform galleries, museums, and public spaces into lounge-like, sociable environments for viewing art.

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RAFAEL ALBERTI

Camaron de la Isla y Tomatito___(ALEGRIAS)







Nació en el Puerto de Santa María (Cádiz) en 1902. En 1912 ingresará en el Colegio San Luis de Gonzaga, de los jesuitas.

En 1917 se traslada con su familia a Madrid. Esto le dará la oportunidad de visitar, ese mismo año, el Museo del Prado, hecho que marcará definitivamente su vida y vocación.
En 1920 concurre con su pintura en el Salón Nacional de Otoño de Madrid. Sin embargo, también comienza a seducirle la literatura, especialmente la poesía, publicando sus primeros versos en la revista "Horizonte" (1922).

Posteriormente, por motivos de salud se traslada a la sierra de Guadarrama en donde escribirá "Mar y Tierra", con el obtiene, publicado en 1924 como "Marinero en Tierra", el Premio Nacional de Literatura exaequo con Gerardo Diego.

Ese mismo año conoce en Madrid, en la Residencia de Estudiantes, a García Lorca, Salinas, Jorge Guillén, Buñuel, Aleixandre, Gerardo Diego y Dámaso Alonso.

En 1930 se casa en Madrid con la escritora María Teresa León y al año siguiente estrena sus primeras obras teatrales;"El hombre deshabitado" y "Fermín Galán". Esta última en homenaje a un héroe republicano fusilado al fracasar la sublevación de Jaca.


Afiliado al Partido Comunista desde 1931, publica en 1933 "Consignas" y "Un fantasma recorre Europa", sus primeros poemas revolucionarios. En 1934 funda junto a su esposa la revista "Octubre".

Al concluir la Guerra Civil se exilia de España junto con su esposa. En un primer momento reside en París, en la casa de Pablo Neruda y Delia del Carril. Trabajará como locutor en Radio París-Mondiale. De esta época es su famoso poema "Se equivocó la paloma".

Posteriormente, en 1940, se traslada a Argentina donde es recibido por intelectuales y artistas de aquel país y donde residirá durante más de veinte años e iniciará su etapa posiblemente más prolífica y completa; llena de viajes, publicaciones, exposiciones y estrenos teatrales. Un año después nacerá en Buenos Aires su hija Aitana.

En 1942 publicará "La arboleda perdida" (primer libro de memorias). En 1963 abandona Argentina y regresa a Europa. Fija su residencia en Roma donde permanecerá durante quince años, y que, en 1988, lo nombrará "Ciudadano de Honor", la más alta condecoración que concede dicha ciudad.



El 27 de abril de 1977 regresa a España en donde pronuncia su famosa frase "me fui con el puño cerrado y vuelvo con la mano abierta."Ese mismo año es elegido Diputado por el Partido Comunista en Cádiz, pero renuncia a su escaño para seguir siendo, según sus propias palabras, "un poeta en la calle".

En 1978 donará sus obras y recuerdos más valiosos a El Puerto de Santa María. En 1981 recibe el Premio Nacional de Teatro y el Premio Salinas otorgado por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. En 1983 se le concede el Premio Cervantes.


En 1989 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en la de Bellas Artes de Santa Cecilia.

A partir de 1992 comienza a vivir, junto a su segunda esposa María Asunción Mateo, largas temporadas en la casa de Puerto Santa María cedida por el Ayuntamiento.

En 1994 se constituye en esta localidad la Fundación Rafael Alberti, que el poeta preside. En 1996 es nombrado Hijo Predilecto de la Provincia de Cádiz y Alcalde Perpetuo de la ciudad de Puerto de Santa María, donde fallecerá el 27 de octubre de 1999.
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MI COMENTARIO: No entiendo este título, mas bien debiera ser "PICASSO Y ALBERTI, MANO A MANO CONTRA FRANCO"


Picasso y Alberti, mano a mano en la España de Franco.

Robert Gober

Robert Gober is a uniquely American artist. His images evolve from our everyday domestic lives and are transformed into haunting objects that live in the twilight separating the actual from the dreamed. In his sculptures, the ordinary becomes slightly strange, and a subtle dose of unease is injected into the mundane.

Born in Wallingford, Connecticut, in 1954, the artist attended Middlebury College in Vermont before moving to Manhattan in 1976. While his original ambition was to be a painter, he abandoned this goal in 1983 and turned his attention to sculpture. He first came to prominence as an artist in the mid-1980s, with a body of work that explored countless variations on the form of a simple domestic sink. Since then his work has rarely strayed from the portrayal of easily recognizable subjects, such as drains, doors, children's furniture, and the human body. However, Gober's sculpture is never precisely what it appears to be, and he uses its apparent simplicity to explore such complex themes as childhood, home, sexuality, victimization, religion, and transcendence.

Robert Gober: Sculpture + Drawing examines the artist's vocabulary of forms, and the recurrence of certain images throughout his entire body of work. While this exhibition provides a visible link between his use of sculpture and drawing, it also brings into focus his unique personal archive of subject matter and the tenacity with which he expands upon it. By repeatedly reworking his source imagery, Gober transposes his iconic forms from the realm of the recognizable into that of the profoundly enigmatic.

Tom Sachs

Tom Sachs is a contemporary artist who lives and works in New York.

Born in New York City in 1966, Sachs grew up in Westport, Connecticut and attended Greens Farms Academy for high school. He attended Bennington College in Vermont. Following graduation, he studied architecture in London before deciding to return to the States and started making sculpture and other art objects. In 1994, Sachs created a Christmas scene for the windows at Barneys New York entitled "Hello Kitty Nativity" where the Virgin Mary was replaced by Hello Kitty dressed in Chanel and Nike. This contemporary revision of the traditional nativity scene received great attention and demonstrated Sachs' interest in the phenomenona of consumerism, branding, and the cultural fetishization of products. In 1997, with the perspective that all "products" are equal, Sachs created Allied Cultural Prosthetics - thereby giving his studio a formal name - and began to utilize logos and design elements from major fashion houses and other instantly recognizable brands in his work.

Interested from the beginning in "bricolage" or "do-it-yourself" in French, Sachs organized an exhibition at Sperone Westwater in 2000 entitled "American Bricolage" that featured the work of 12 artists from Alexander Calder to Tom Friedman. The exhibition's catalogue describes the "bricoleur" as one "who hobbles together functional contraptions out of already given or collected materials which he re-tools and re-signifies info new objects with novel uses, but more importantly, which he regenerates into a new, oscillating syntax: one of loss, gain, and more than anything, one of play.

After several solo exhibitions in New York and abroad, Sachs showed his major installation "Nutsy's" at the Deutsche Guggenheim in 2003. According to one art critic who experienced the installation: "Like Grand Theft Auto, Tom Sachs' current installation for the Deutsche Guggenheim in Berlin offers a miniature likeness of a reality steeped in the laws of consumerist society. It comes as no surprise that Sachs, a video game enthusiast, ignores the boundaries between "high" and "low": without comment, modernist icons stand as equals next to the flagships of global consumerism and symbols of contemporary leisure culture. Just like in a computer game, visitors to the exhibition get a chance to relinquish the passive role ordinarily accorded to them and become actors in this gigantic bricolage by driving one of the racing cars through the installation."

In 2006, the artist had two major survey exhibitions mounted in Europe, first at the Astrup Fearnley Museet for Moderne Kunst and next at the Fondazione Prada, Milan. His work can be found in major museum collections worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, the Whitney Museum of American Art and the Centre Georges Pompidou, Paris.

As Germano Celant writes in his recent monograph on the artist published by the Fondazione Prada, Milan, "The images and objects that make up the militarized space of consumption and fashion are at the very heart of Tom Sachs's visual passion."

The Des Moines Art Center is currently hosting a solo exhibition titled LogJam featuring the artist. It ran through August 26, 2007.

Less than a month later, on September 25, 2007, the exhibit moved to the Rose Art Museum, located on the Brandeis University campus in Waltham, MA.

Sachs is represented by Sperone Westwater, New York and Thaddaeus Ropac, Paris and Salzburg.

Matthew Barney

Matthew Barney (25 de marzo de 1967 en San Francisco, California), artista realizador de vídeos.

Si bien nació en San Francisco, a partir los seis años vivió en Boise, Idaho donde más tarde sus padres se separarían. Barney permaneció junto a su padre en Idaho donde jugaba al fútbol americano en el equipo de la preparatoria y visitaba a su madre que vivía en Nueva York, ciudad en la que se interesó en el arte y los museos. Las bellas artes y el deporte lo llevaron a interesarse en la escultura y la realización de vídeos. Asistió a la Universidad de Yale donde primero estudió medicina, pero más tarde, obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en 1989 y en 1991 se graduó de la Universidad; más tarde se mudó a Nueva York donde vive actualmente. Actualmente es pareja de la cantante islandesa Björk, con la que ha colaborado en su último proyecto multimedia.

Desde las primeras etapas de su trabajo, Matthew Barney ha explorado la trascendencia de las limitaciones físicas en el arte multimediático que comprende películas, instalaciones de vídeos, escultura, fotografía y dibujo. En sus primeras exhibiciones, Barney presentó instalaciones esculturales muy elaboradas que incluían vídeos de él mismo interactuado con varios objetos y desempeñando proezas físicas como escalar el cielorraso suspendido de cables de acero. Su trabajo está influido por el arte barroco y las instalaciones de vídeos incluyen imágenes que se contraponen en significado y que, con interiores cargados de decorados complejos, motocicletas y actuaciones en vivo, sobrecogen al espectador. En sus trabajos también refleja su interés por la anatomía representando seres inexistentes.

A partir de 1992, Barney empezó a introducir criaturas fantásticas en su trabajo, lo que sería una premonición sobre la temática de películas narrativas posteriores.

En 1994 Barney empezó a trabajar en su ciclo épico Cremaster, un proyecto fílmico dividido en cinco partes sin orden especificado, el cual es acompañado de esculturas, fotografías y dibujos interrelacionados.
Un trabajo anterior a Cremaster fue el vídeo Field Dressing en 1989, donde ya había volcado lo que más tarde desarrollaría en su trabajo actual.

El título de su trabajo hace referencia al cremáster, es decir, el músculo que sostiene a los testículos y hace que éstos se muevan a hacia arriba y abajo de acuerdo a los cambios de temperatura, la estimulación externa o el miedo. Como productor y creador de Cremaster, Barney también participó activamente en el desempeño de personajes tan variados como enigmáticos: un mago, Harry Houdini y un reconocido asesino: Gary Gilmore, entre otros.

En los films que integran a Cremaster, Barney muestra el enfrentamiento del hombre con su sexualidad y para ello hace uso de metáforas y analogías fantásticas

El conjunto de films están integrados por una mezcla de autobiografía, historia, mitología y un universo muy íntimo donde las imágenes y los símbolos están interconectados entre sí. El ambiente creado es complejo y hermoso. El orden de exhibición de los films no sigue un orden, así pues, Cremaster 4 exhibido en 1994, Cremaster 1 en 1995-96, Cremaster 5 en 1997, Cremaster 2 en 1999, y Cremaster 3 en 2002. Matthew Barney ganó con Cremaster el prestigioso premio Europa 2000 en el 45° Bienal de Venecia de 1993.

El trabajo de Matthew Barney ha generado fuertes controversias: por un lado, quienes aclaman su trabajo se basan en la riqueza y carga de las exposiciones como así también en su complicado entendimiento y significado de las obras. Quienes lo critican, argumentan que con las series Cremaster, lo que intenta es impresionar.

The Cremaster Cycle, fue una exhibición organizada por el Guggenheim Museum, fue premiada en el Ludwig Museum, Colonia, Alemania en junio de 2002. En octubre del mismo año fue presentada en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, y después fue presentada en Nueva York.
El 4 de octubre del mismo año, se convirtió en padre cuando su pareja, la cantante islandesa Björk dio a luz a una niña llamada Ísadóra.

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John Singer Sargent

Saludo a Emilio. Un nuevo visitante del blog y artifice de un nuevo diccionario de ARTE en GALLEGO

Un beso














Sargent, John Singer
Nacionalidad: Estados Unidos
Florencia 1856 - londres 1925

Miembro de una familia acomodada, su padre era médico y se trasladó a Italia, naciendo el futuro pintor en Florencia. La estancia italiana de la familia le llevará a realizar su formación en la Academia de Florencia, acudiendo posteriormente a París para completar su aprendizaje. En la capital francesa acudirá al taller de Carolus Durán y se pondrá en contacto con los impresionistas, interesándose especialmente por Manet.
En 1884 se estableció en Londres donde se especializará en el retrato, teniendo a Velázquez como principal maestro. Sus obras gozarán de gran prestigio entre la aristocracia y la alta burguesía, tanto europea como norteamericana. Su fama le llevará a realizar importantes ciclos decorativos en Estados Unidos, especialmente murales para edificios públicos.

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MARY CASSATT

Estadounidense
Pittsburgh 1844 - Le Mesnil-Théribus 1926


Mary Cassatt era hija de un banquero norteamericano que nunca se mostró favorable a su deseo de llevar una carrera artítica. Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania.


En 1861 Mary estudia en la Pennsylvannia Academy of Fine Arts de Filadelfia durante cuatro años, donde obtendrá un acento académico que llevará consigo a París cuando en 1868 esté en el taller de Chaplin, aunque tampoco influyera este pintor académico excesivamente en su estilo.


En estos años encontramos en ella cierta atracción hacia la pintura de Courbet. Inicia un viaje por Italia en 1871, descubriendo una profunda admiración por Velázquez y Rembrabdt lo que le motivará a viajar a España y a Holanda.


Instalada definitivamente en París en 1877, se inicia su relación con Degas - algunos la llegan a considerar como su alumna - quien le recomienda integrarse en el grupo impresionista.



A partir de ese momento su estilo se acerca más a Renoir y a Degas, participando en cuatro de las ocho exposiciones impresionistas con sus cuadros de niños y mujeres, temas que serán sus favoritos. En 1891 empezó su andadura en solitario en la galería Durand-Ruel, quien se convirtió en su marchante.

Debido a su desahogada situación económica, Mary compró un buen número de obras a sus compañeros e incluso animó a algunos millonarios norteamericanos a que invirtieran en pintura impresionista. Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio


A partir de 1912 se pone de manifiesto en Mary una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura desde ese momento en el que empieza a recibir honores como la Legión de Honor francesa o la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art. Gracias a su trabajo, el Impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa.

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Winslow Homer

Winslow Homer (24 de febrero de 1836 - 29 de septiembre de 1910) fue un pintor naturalista estadounidense, considerado junto con Thomas Eakins como uno de los más grandes artistas de su país en el siglo XIX.

Homer nació en Boston el 24 de febrero de 1836 y su formación como pintor fue, en su mayor parte, autodidacta. En 1857 comienza a trabajar como ilustrador de revistas, convirtiéndose en un colaborador asiduo de la conocida Harper's Weekly.


Sus ilustraciones, sobre todo los grabados, se caracterizaron por sus contornos nítidos, formas sencillas, acentuado contraste de luces y sombras y por sus grupos de personajes llenos de vida. Tales características se convirtieron en una constante de su producción a lo largo de toda su carrera artística.

Durante la Guerra Civil, Homer visitó en repetidas ocasiones el frente de Virginia donde habría de pintar su primer cuadro al óleo importante, Los prisioneros del frente (1866, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York), obra notable por su fría objetividad y su vigoroso realismo.


En 1856 se traslada a Francia durante un año pero, aunque su interés en las posibilidades pictóricas de la luz natural se desarrolla de forma paralela al de los primeros impresionistas, nunca sufrió la influencia directa del impresionismo o del arte francés.


En 1873 comenzó a utilizar la acuarela, medio de expresión tan importante en su obra como el óleo. Durante la década de 1870 los temas predominantes de sus obras fueron los de inspiración rural o idílica: escenas de la vida agrícola, niños jugando y escenas de lugares conocidos poblados de mujeres elegantes. De estas últimas el ejemplo más conocido es Long Branch, Nueva Jersey (1869, Museum of Fine Arts, Boston).

El año transcurrido en Inglaterra (de 1881 a 1882), durante el cual Homer vivió en un pueblo de pescadores, provocó un cambio definitivo en la temática de su obra. A partir de entonces se concentró en escenas de la naturaleza a gran escala, en particular escenas marinas, de pescadores y sus familias. Después de fijar su residencia en solitario en Prout's Neck, en la costa de Maine (donde moriría el 29 de septiembre de 1910), produjo obras maestras del realismo tales como Eight Bells (1886, Addison Gallery, Andover, Massachusetts). En esta obra el dramatismo de la escena marina está imbuido de una cualidad épica y heroica que representa el tema dominante de su madurez: la lucha del hombre con las fuerzas de la naturaleza.

A partir de 1884, Homer pasó muchos inviernos en Florida, en las Bahamas y en Cuba. Gran parte de las muchas escenas que pintó del trópico son acuarelas ejecutadas con un estilo muy avanzado para su época: fresco, suelto, espontáneo, casi impresionista, pero sin perder jamás su relación básica con el naturalismo.



De 1899 es una de sus obras más impactantes, La corriente del Golfo (Museo de Arte Metropolitano de Nueva York), en la que un solitario marinero negro navega en una pequeña y destrozada embarcación, rodeado de tiburones e incomunicado en medio de un mar encrespado con fuerte oleaje.

La grandiosidad de su temática y la fuerza expresiva de sus obras ejercieron una influencia dominante en la pintura realista de Estados Unidos.