El padre de Ricardo Cavolo (Salamanca, 1982) era pintor, y él siempre se recuerda en su estudio, atento a sus enseñanzas y rodeado de colores y pinceles. Dos décadas más tarde, lo sigue estando. “Utilizo tintas caligráficas, que son más intensas que la acuarela. Mi trabajo es clásico: utilizo el pincel y la pluma, y solo recurro al ordenador para digitalizar la obra y ajustar los colores para que queden como en el original”.
Tener al profesor en casa fue una suerte, dice. “Nunca me impuso un estilo, algo que sí hacen en la facultad, sino que me enseñó las herramientas. E hizo mucho hincapié en el color”. Sus inconfundibles ilustraciones son un estallido de colores primarios. “Quizá por eso siempre creen que soy mexicano o brasileño. No asocian ese colorido a un europeo”.
Tras ocho años en Madrid, desde hace uno vive en Brighton, ciudad que nunca había visitado antes, pero reunía tres atributos: “Tiene mar, es tranquila y pequeña”. Aunque aún le quedan multitud de rincones por explorar. “Trabajo de lunes a domingo de 8.00 a 12.00. He aprendido que, al menos en esto, o eres un genio o tienes que trabajar mucho. No soy lo primero, pero lo segundo funciona”. Y viaja mucho. Acaba de regresar de Hong Kong, donde ha pintado un mural, y pronto hará lo propio en Moscú.
Junto a sus libros de arte folk y outsider, en su mesa de trabajo todavía reposan las ilustraciones que ha creado para una baraja de tarot —“ya en la carrera, un profesor me decía que, con mi estilo, tenía que hacer unas cartas así”— que veremos este otoño. Además, prepara dos libros —uno en solitario y otro en compañía— y exposiciones en Montreal y en Ámsterdam. “Me froto las manos cuando tengo esperas en aeropuertos: veo películas, temporadas completas de series, leo cómics…”. Cuando llega a destino, solo hay tiempo para el trabajo.
El quehacer, tanto pictórico como literario, de José Gutiérrez
Solana (Madrid, 1886-1945) hunde sus raíces en un profundo conocimiento
de España, de sus tipos y paisajes, de sus costumbres, sus luces y sus
sombras. Coetáneo de las generaciones del 98, del 14 y del 27, Solana es
considerado por los miembros de esta última generación parte de su
paisaje vital, pues el artista fue uno de los pilares de la tertulia del
madrileño Café de Pombo. Esta tertulia fue inmortalizada por el propio
Solana en la que es una de sus obras maestras que se conservan en el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Solana fue un artista
solitario. Ya en la década de los años veinte aparece como una
personalidad al margen de su tiempo que refleja en sus pintura oscuras
atmósferas populares: tabernas, comedores de pobres, rastros, coristas y
cupletistas, puertos de pesca, crucifixiones, procesiones, arrabales
atroces, carnavales, gigantes y cabezudos, tertulias de botica o de
sacristía, prostíbulos, despachos atiborrados de objetos o ejecuciones.
Partiendo de la obra de Darío de Regoyos y de Ignacio Zuloaga, Solana
lleva la crítica de la situación social en España al extremo, sin
imaginar una posible solución redentora. La paleta de Solana es más
oscura y sórdida si cabe que la de Goya, porque la propia realidad
española se había convertido en tal. Su obra es, en el fondo, una
metáfora de la imposible modernización de España, una España que
recorrió incansablemente y que tan bien reflejó en sus libros. Pese a
que no tuvo discípulos ni apenas imitadores, la fascinación que Solana
ejerció tanto en vida como posteriormente sobre artistas, coleccionistas
y escritores, fue enorme. MUSEO REINA SOFIA
Formado como arquitecto y especialista en artes aplicadas en sus país natal, pero afincado en Barcelona desde hace décadas, tiene un profundo conocimiento del mundo del grabado.
Nació en 1947 en Yamanashi, Japón. Grabador, pintor y escultor. Tiene obra expuesta en las colecciones permanentes del Kushinaga Shunsen Museum of Art de Japón, el Museo Nacional de la Estampa de México, el Museum of Fine Arts de Florida o el Museo de Calcografía Nacional Madrid. Ha ilustrado libros de poetas catalanes como Joan Brossa, Pere Gimferrer o Juan Bufill.
Tras licenciarse en arquitectura en el Chiba Institute of Technology, en Japón, Yama decidió que lo suyo eran las artes plásticas. Hizo las maletas y se trasladó a Paris, la cuna del arte. Allí conoció a Kouji, un pintor catalán que le invitó a pasar un mes en Barcelona. “Me enamoré de la ciudad al momento. Volví a París para recoger mis trastos y decidí matricularme en la Escola d’Arts Aplicades. Era el año 1971”.
P. S. Krøyer Los países nordicos son la cuna de un lenguaje pictórico que a finales del siglo XIX y principios del XX se traducía en obras de extraordinaria belleza poética, de escenas domésticas silenciosas, paisajes de luz blanca y atardeceres tempranos. La armonía también gestaba un estilo que, aunque en consonancia con las corrientes del resto de Europa, comenzaba a ser propio.
Bruno Walpoth es un escultor nacido en Bressanone, Italia, en 1959. Entre 1973 y 1978 fue escultor aprendiz con Vincezo Mussner, y hasta 1984 estudió en la academia “Der Bildende Künste” en Múnich con el profesor Hans Ladner. Entre 1985 y 2008 fue profesor en la escuela vocacional para escultores en Selva Val Gardena. En 1996 fundó, junto con Willy Verginer y Walter Moroder el grupo “Trisma”. Desde 2000 es miembro del “Südtiroler Künstlerbund”.
Proveniente de una familia de escultores de madera, Bruno Walpoth honra simultáneamente una tradición centenaria y la moderniza para el siglo XXI.Walpoth talla figuras humanas de tamaño natural de bloques de madera y termina las esculturas con pintura acrílica.
Repetidamente cubre y lija las superficies para enmascarar la evidencia del grano de madera y lograr una apariencia translúcida, similar a la piel.Walpoth ocasionalmente recubre sus esculturas con plomo y ha producido obras de bronce y retratos dibujados, pero continuamente se siente atraído por la madera debido a su sensualidad natural.Inspirado en la escultura de madera del gótico tardío y del renacimiento italiano temprano, Walpoth enfatiza la sensibilidad humana sobre la forma.Él elige capturar un solo momento en lugar de contar una historia completa a través de cada trabajo.
Christian Skredsvig ( 1854 - 1924) fue un pintor y escritor noruego. Empleó un estilo artístico que refleja el naturalismo. Es especialmente conocido por sus representaciones pintorescas y líricas del paisaje
Hijo de un molinero, creció
en un ambiente rural noruego en condiciones modestas. A una edad
temprana fue tomado bajo la protección de mecenas benefactores,
que se dieron cuenta de su talento para el dibujo y le enviaron
a una escuela de arte, primero en Christiania y, luego, en Copenhague.
En 1874-1875 estudió con Léon Bonnat en París y despues se fue a Múnich
durante cuatro años.
Skredsvig se familiarizó más
con el incipiente realismo francés que con el esquemático
y pardusco arte del retrato y el paisajismo de la escuela de Múnich.
En consecuencia, de 1879 a 1885 vivió principalmente en
la zona alrededor de París, haciendo breves viajes de estudio
a España e Italia.
Expuso en la Exposición Universal de París en 1878. En 1881, como el único artista noruego, ganó la medalla de oro en el Salón de la Academia de Bellas Artes de París.
Durante esos años realizó
una serie de grandes obras en un estilo que puede ser caracterizado
como de un realismo de Salón. Pintó
estudios de paisajes al aire libre.
En 1885 se estableció en
Noruega. Después del verano en 1886. Su nuevo hogar se convirtió en un lugar de encuentro para pintores, poetas y músicos. A finales de siglo, Skredsvig se instaló en la aislada
aldea de Eggedal, de la que tomó la mayoría de sus
motivos.
Harriet Backer 1845 - 1932) fue una pintora noruega pionera entre las artistas tanto en los países nórdicos como en Europa en general.Conocida por sus escenas de interiores detalladas, con colores vivos y una iluminación exquisita.
Su padre, Nils, era comerciante de barcos, y su madre provenía de una familia acomodada.Su estatus permitió a sus hijas tener una educación culta, con enfoque a la música y a las artes.La hermana menor de Harriet, Agathe (Backer Grøndahl), se convirtió en una conocida pianista de concierto y es considerada la mejor compositora de Noruega.
Harriet inicialmente tenía un gran interés en escribir novelas y cuentos y convertirse en autora.Cuando su familia se mudó a Christiania (Oslo) en 1856, asistió a la Escuela Nissen, que en ese momento era una educación abierta para las mujeres.Asistió a una clase en una escuela de pintura local, que la introdujo al mundo del arte.
Comenzó a acompañando a su hermana Agathe en los conciertos y como acompañante durante sus viajes al extranjero tuvo tiempo de visitar museos. Organizó clases privadas de arte con una variedad de maestros.Poco a poco, este pasatiempo la ayudó a decidir que quería ser educada como pintora.Regresó a Christiania (Oslo) y entre los años 1870-1874, fue alumna en la escuela de pintura de Knud Bergslien.
En 1874 decidió estudiar más formalmente en Munich, Alemania.Su determinación de sobresalir había crecido a medida que continuaba concentrándose en copiar a los Viejos Maestros y los temas históricos.En esos años, Munich era el lugar donde se reunían los pintores de élite noruegos, y aquí se convirtió en amiga de Kitty Kielland.Sin embargo, al ser mujer, no tenía derecho a asistir a cursos regulares, pero recibió instrucción privada.
Después de pasar algún tiempo desarrollando sus pinturas en Munich, se mudó a París, donde continuó estudiando y pintando, principalmente interiores históricos.Muy influenciada por la pintura impresionista, siempre fue considerada como más realista.Su modelo en la pintura era Asta Nørregard, otro famoso pintor noruego.
Harriet pasaba los veranos en Noruega y comenzó a centrarse en el interior de la granja como un nuevo tema.En ese momento muchas ideas nacionalistas se estaban desarrollando.El crítico de arte Andreas Aubert observó que las habilidades técnicas del artista se podían aprender en el extranjero, pero la profunda implicación personal y la comprensión de las formas noruegas solo se podrían lograr si el artista volvía a estudiar en su propio país.
En 1888, regresó a Noruega de forma permanente y se estableció en Sandvika, a las afueras de Christiania (Oslo).Algunas de sus mejores pinturas fueron creadas en los siguientes cinco años.Comenzó a pintar interiores a la luz de la lámpara, lo que daba a las habitaciones una sensación de misterio.
Recibió muchos premios y es considerada una de las más grandes pintoras noruegas, una de las pocas artistas femeninas que logró reconocimiento mientras aún estaba viva.
Peder
Severin Krøyer (a menudo conocido como PS Krøyer) tenía 14 años cuando
se matriculó por primera vez en la Real Academia de Bellas Artes de
Copenhague. Desde muy joven, fue un artista de talento, y muy respetado como retratista, un género muy prestigioso. Al comienzo de su carrera fue muy buscado y trabajó en muchos encargos.
Esta era la forma común en que los pintores trabajaban en aquel
entonces, hasta la revolución artística de los pintores impresionistas.
Cuando Krøyer llegó a Skagen por primera vez en 1882, ya era un pintor
famoso, por lo que su presencia ayudó a construir la reputación de la
ciudad como colonia de artistas.
Krøyer estaba fascinado con la vida de la ciudad, y cuando se casó con
Marie Krøyer, se establecieron permanentemente en Skagen desde 1891. En Skagen retrató la vida de los artistas.
Escenas como caminar por la playa, cenar juntos y la magnífica
atmósfera de las tardes a la luz de la luna fueron sus motivos elegidos.
Una de las obras maestras más emblemáticas de Krøyer La noche de verano en Skagen Sønderstrand de 1893 es una de las obras más famosas de este período. La pintura fue vendida a la alemana Lilli Lehman y, por lo tanto, estuvo ubicada durante mucho tiempo en Alemania. Por razones desconocidas, la pintura terminó en una subasta en 1978, donde había muchos compradores potenciales. El mejor postor fue el alemán Axel Springer, y el precio fue el más alto para una obra de arte danesa.
Springer entendió la agonía de los amantes del arte danés, por lo que
hizo los arreglos para donar la pintura a Skagens Kunstmuseer después de
su muerte.
A principios del siglo XX, Krøyer enfermó y fue ingresado en un hospital psiquiátrico. En consecuencia, su esposa pidió el divorcio para poder casarse con su nuevo esposo. Marie Krøyer se mudó a Suecia y dejó a su hija, Vibeke Krøyer en Skagen. Krøyer murió en 1909, solo tenía 58 años y fue enterrado en Skagen.
El Museo Skagens alberga la colección de obras de arte más grande del
mundo de Krøyer, incluidas muchas de sus pinturas más famosas..
Bruno Liljefors fue un artista sueco ampliamente considerado como uno de los pintores de vida salvaje más importantes del siglo XIX. Sus representaciones de aves en particular se consideran icónicas por su innovadora combinación de pinceladas impresionistas y realismo cuidadosamente observado.
A menudo pintaba de la naturaleza, para eso mantenía a muchos animales vivos en un recinto en su casa para usar como modelos, incluidos zorros, águilas y liebres. Su pintura de 1908, Winter Hare, con una representación realista de una liebre saltando a través de la nieve, es una de sus obras más conocidas.
Nacido el 14 de mayo de 1860 en Uppsala, Suecia, en el seno de una familia pobre, su talento para el dibujo fue reconocido desde una edad temprana, y según se informa, los comerciantes locales le daban materiales de arte para apoyarlo. Luego estudió en la Real Academia de las Artes de Suecia en Estocolmo, y más tarde también produjo narraciones secuenciales de imágenes, que se ven como ejemplos de la primera forma de cómics suecos. A fines de la década de 1890, expuso en el prestigioso Salón de París. Murió el 18 de diciembre de 1939 en Estocolmo, Suecia.
Hjalmar Eilif Emanuel Peterssen nació el 4 de septiembre de 1852 en Christiania (conocido como Oslo desde 1925) y pasó sus primeros años en el barrio de Frogner en Christiania. Asistió a las escuelas locales y a la edad de 17 años se matriculó en la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg de la ciudad. Esta escuela, en Lille Grensen en Christiania, se había establecido en 1859 por el artista noruego, Johan Fredrik Eckersberg. Después de la muerte de Eckersberg en 1870, dos pintores noruegos Knud Bergslien y Morten Müller se hicieron cargo del funcionamiento de la escuela.
A partir de ahí, en 1871, Peterssen fue a Dinamarca y estudió brevemente en la Academia de Arte de Copenhague.Más tarde ese año, viajó a la ciudad alemana de Karlsruhe, donde asistió a la Academia de Bellas Artes y fue alumno de Ludwig des Coudres, el pintor de historia y retrato alemán y primer director de la academia, y el pintor paisajista alemán, Wilhelm Riefstahl.El profesor residente de la Academia también fue Hans Gude, considerado uno de los pintores paisajistas más importantes de Noruega.Otro pintor que influyó en Peterssen durante su estadía en Karlsruhe fue el Carl Friedrich Lessings pintor de paisajes ricamente ajardinados con escenas históricas.Lessings fue director de la Academia.
El retrato de Eilif Peterssen se hizo muy popular y, además de sus trabajos por encargo, pintaría muchos otros.
Eilif Peterssen fue uno de los seis pintores que pasaron el verano de 1886 en Fleskum Farm en Bærum a las afueras de Kristiania;los otros cinco eran Christian Skredsvig, Gerhard Munthe, Erik Werenskiold, Kitty Kielland y Harriet Backer.Inspirados en las brillantes noches del verano noruego, crearon una serie de pinturas de paisajes atmosféricos.Este fue el comienzo del neo-romanticismo, que demostraría ser uno de los principales enlaces del arte noruego hasta el cambio de siglo.
A diferencia de la mayoría de los pintores
noruegos, Peterssen no fue a París a comienzos de la década
de 1880, prefiriendo Italia, donde pintó una serie de cuadros
de género realista en gran escala, en Roma y en Capri.
En 1886 participó en el famoso verano de
Fleskum, en las inmediaciones de Christiania. En la última década del siglo pintó
una serie de obras neorrománticas, incluidas algunas de
Normandía. Pintó asimismo cierto
número de excelentes retratos. A principios del nuevo siglo,
su obra exhibió en gran medida una forma de expresión
sobriamente realista.
Erik Theodor Werenskiold ( 1855 - 1938) pintor, dibujante e ilustrador noruego.
Erik Theodor Werenskiold nació en Eidskog , en Granli Gaard, al sureste de Kongsvinger en el condado de Hedmark , Asistió a la escuela nacional Kongsvinger y poco tiempo después empezó a tomar clases de dibujo con Julius Middelthun en la Academia de Arte y Artesanía de Cristianía (Oslo). En el otoño de 1875 partió aMúnich, donde permaneció durante cuatro años.
Su contacto con la pintura al aire libre francesa, particularmente la de Charles-François Daubigny , en una exposición de arte francés en Munich en 1879, lo convenció a de la superioridad sobre la pintura de estudio alemana.En la primavera de 1880, Werenskiold quedó paralizado del brazo derecho.Después de medio año de hospitalización en Suiza recuperó su salud.
En 1881 viajó aParíspara continuar sus estudios artísticos.En 1883 regresó a Noruega pero regresó a Francia en 1884-1885 y estudió con Léon Bonnat (1888-1889).En la primavera de 1895 realizó un viaje de estudios a Roma y Florencia .
Hizo varias pinturas de campesinos, paisajes rurales, además de retratos de gente famosa, ilustraciones de cuentos de hadas ycuentos populares noruegos
