Avati es un importante grabador. Artísticamente, se forma en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de Niza, para pasar después a estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de París.
La trayectoria artística de Pello Azketa, nacido en 1949, merecería quizás, ella sola, la atención de un relato, un relato intempestivo, que tendría el valor de una parábola.
Su búsqueda pictórica es un caso especial de dedicación y tenacidad. Al final de esa búsqueda está el logro de una técnica personalísima, que sólo le sirve a él y que obliga a replantear los presupuestos de lo que es mirar y ver, de lo que es objeto y sujeto, obviados en cualquier tratado básico de pintura.
Durante los años 70, Pello Azketa formó parte de una fructífera generación de pintores de vanguardia que dio en llamarse Escuela de Pamplona y que desarrolló su investigación en diferentes direcciones (desde el expresionismo abstracto, caso del desaparecido Mariano Royo, hasta la simplificación minimalista y poética de un Pedro Salaberri).
Azketa, sin embargo, persiguió siempre la exploración de un hiperrealismo aplicado al paisaje urbano y a los objetos humildes de la vida cotidiana, logrando en pocos años una colección de cuadros virtuosos de una técnica acabada y una poesía extraña y verdadera.
A comienzos de esa década, el pintor empezó a sufrir una enfermedad ocular que derivó en pocos años en una ceguera “prácticamente” completa. En 1992, tras siete años de consultas médicas, el pintor volvió a situarse frente a un lienzo. Conservaba aún un resto de visión y una enorme, casi intacta, memoria visual y pictórica.
Desde 1993, que señala el comienzo de esta segunda época del pintor, Pello Azketa no ha dejado de preparar exposiciones, cada uno o dos años. Generalmente se trata de colecciones monográficas que resultan después de hacer un viaje, del material fotográfico y de los apuntes in situ hechos en su transcurso.
Sheikh personaliza los conflictos y los narra a través del rostro de sus protagonistas. Él busca representar a sus retratados con plena dignidad y serenidad, como personas y no como símbolo de aquello de lo que han sido víctimas. Él pasa tiempo con ellos, los escucha, pide su colaboración, se gana su confianza y, en ese momento, aborda sus retratos. Sus protagonistas posan relajadamente ante a la cámara, de manera frontal, sobre sencillos fondos que hacen que toda la atención de espectador se detenga en ellos. Así, la mirada del retratado se encuentra serenamente con la del artista y éste la traslada al espectador.
Ayamonte, de actividad pesquera, situado en la desembocadura del Guadiana, frontera con Portugal, es elemento fundamental en la obra de un pintor que ha convertido su paisaje y sobre todo su luz, en principal objeto pictórico. El hecho de que Joaquín Sorolla se encontrara en esta localidad en el año 1919, realizando su obra "Hombres alijando atunes en el muelle", hizo que el padre de Florencio entablara amistad con el pintor valenciano, e incluso trabajara como su ayudante.
Florencio pasa su infancia impregnado de las sensaciones de aquel lugar y motivado por la afición de su padre a la pintura. Su primer cuadro, un bodegón, data de 1961, periodo en el que tenía que compaginar sus labores en el mundo del comercio con sus escapadas a la playa de San Bruno, donde pintaba con avidez. Desde 1966, se va dedicando cada vez más de lleno a la pintura, y en 1971 ya había realizado cinco exposiciones individuales.
En la década de los setenta, descubre el que va a ser su otro principal objeto de interés temático: La Tauromaquia, y en los ochenta, comienza su despegue internacional, con estancias por toda Europa y el norte de África, que culmina en Estados Unidos, durante los años noventa.
En la actualidad continua su labor creadora y su obra se exhibe en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
José Aguiar, nació en 1895 en Vueltas, pueblo de la provincia cubana de Santa Clara al que habían emigrado sus padres y muere en Madrid en 1976. Fue bautizado en la parroquia de San Marcos (Agulo). Siendo joven marcha a Madrid para estudiar Derecho y Filosofía y Letras, pero termina matriculándose en la escuela de Bellas Artes de San Fernando, para seguir su carrera vocacional que era la artística, convirtiéndose en uno de los pintores más importantes de Canarias. De sus obras destaca la "Romería de San Juan", que esta en el salón de plenos del Cabildo Insular de la Gomera o los frescos de la Basílica de la Candelaria, en Tenerife.
Estrenaré una noche de luna innecesaria, recordaré momentos implacables. Subiré por la escalera del olvido a apaciguar los fantasmas que me hicieron tal como soy y tal como pudieron. Otros hombres enarbolan banderas justificaciones,excusas y destinos. Yo apenas si me atrevo a construír el mío. Estrenaré adioses que seguramente merezco . llevaré por los días y la ausencia gritos,aullidos,silencio aterrador,ternuras sin saber siquiera para qué sirvieron. Una esperanza alumbra este camino incierto: alguien en algún lugar comprenderá mis sueños, y en algún momento de la vida de otros se creará de nuevo. Así una y otra vez,poema tras poema voz multiplicada luz que enciendo en otros que como yo, alguna vez pudieron,se atrevieron y creyeron.
Gjon Mili fotógrafo de LIFE visitó a Picasso en 1949. Mili el artista mostró algunas de sus fotografías con luces diminutas. La serie de fotografías de Picasso-que sigue a la luz de los dibujos-se hicieron con una pequeña linterna en un cuarto oscuro, las imágenes casi desaparecidas en el momento en que fueron creadas
Gjon Mili was born in Kerce, Albania. He emigrated to the USA in 1923 and studied electrical engineering at MIT. He carried out research in lighting at Westinghouse Electric in Cambridge (1928-1938) and worked on experiments in high-speed photography with Harold E Edgerton at MIT. Self-taught in photography, Gjon Mili was the first to use electronic flash and stroboscopic light to create photographs that had more than scientific interest. Since the late 1930s, his pictures of dance, athletics, and musical and theatrical performances have astonished and delighted millions of viewers, revealing the beautiful intricacy and graceful flow of movement too rapid or too complex for the eye to discern. His portraits of artists, musicians, and other notables are less visually spectacular, but equally masterful. In 1939, Mili became a freelance photographer working for LIFE and other magazines. He lived in New York City and his work was frequently exhibited. In the course of more than four decades, literally thousands of his pictures were published by LIFE as well as other publications. Gjon Mili is the one photographer who has formed our contemporary visual understanding of movement, both in the direct example of his pictures and in the influence his work has had on all action photographers who have come after him. His book Photographs and Recollections is a summary of his fifty years of work in photography.
LA PREGUNTA DEL MILLON ¿ES BANKSY UNA SOLA PERSONA?
En 2004 el colectivo de anarquitectos Space Hijackers repartió octavillas frente a una exposición de Banksy para resaltar el irónico uso que el artista hace del imaginario anticapitalista y de protesta, mientras trabaja para grandes empresas y galerías de arte.
El retrato que pegó Banksy en el museo Brooklyn. (Foto: REUTERS)
Banksy es el pseudónimo de un popular artista del graffiti inglés. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. El hijo de un ingeniero de fotocopiadoras, entrenó como un carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante en boom del aerosol en Bristol de finales de los 80's". Su trabajo, en su gran mayoría piezas sátiras sobre política, cultura pop, moralidad y etnias. Combina escritura con graffiti con estarcidos con plantilla. Su arte urbano, que combina escritura con una técnica de stencils muy distintiva similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con stencils en 1981 en París, y miembros de la banda de anarco-punk Crass que mantuvieron una campaña con stencils en las instalaciones del metro de Londres a finales de los 70's e inicios de los 80's. Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks" ("robando bancos" en inglés).
Simon Hattenstone de Guardian Unlimited fue una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como "una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner" y "un hombre de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata"
Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años. Recientemente fue capturado por el objetivo de un telefono móvil trabajando en una de sus obras en Bristol, Inglaterra.
Hombre desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, en la pared de una clínica de enfermedades sexuales, Bristol, Inglaterra. Según consulta popular efectuada, El ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada
Banksy también es conocido por haberse introducido disfrazado, en famosos museos de todo el mundo, para colgar algunas de sus obras de manera clandestina.
Deep in the heart of my loneliness, I think of the art of my lioness.î German Fluxus artist Dieter Rothís enigmatic (and sometimes singsong) mail art for his lover, the artist Dorothy Iannone, was matched only by her responses and the sexually loaded non-mailable art she made featuring the two of them. Roth and Iannone met in 1967, broke up in 1974, and remained friends and lively correspondents until Rothís death. He painted over and dimmed the subjects of postcard photos to make himself the central figure; she needed no prompting to cast him in a starring role in her autobiographically based oeuvre. From ìmy dear old baby, will you please bring this check to the bank so we have some money when I come back,î to ìremember me?î they were a fascinating couple; now readers can encounter that passion themselves.
Daily Mirror, 1961; Artist's Book, 2 cm x 2 cm.
Dieter Roth ( 1930- 1998) fue un artista suizo-alemán conocido por realizar obras con productos alimenticios en descomposición. También es conocido como Dieter Rot y Diter Rot.
El trasfondo oscuro, la energía obsesiva por su trabajo, le separaba de muchos de los artistas Fluxus.
Insel, 1968; foodstuffs, including yoghurt, and screw and wire on blue panel, covered in plaster and left to rot.
Rabbit-Shit-Rabbit, 1972; Edition of 250.
Picadilly Circus, 1969; From the portfolio Untitled (Five Overpainted Picadilly Prints).
Dorothy Iannone inaugura masturbándose un espacio a la última en el museo londinense (2005)
Nació en USA, vive en Berlin por su relación con el artista alemán Dieter Roth (1930–1998)a quien siempre consideró "su muso". A los 75 años hará su primera exposición en una institución americana. Desde los años 60 Iannone hace un retrato en primera persona de una mujer sexual en unión con una experiencia espiritual transcendente.
Con más de veinticinco años de carrera a sus espaldas, Annie Leibovitz es una de las fotógrafas más importantes y prestigiosas de nuestro tiempo. Sus magistrales retratos son un importante catalizador de la cultura de las celebrities de fin de siglo. No hay nadie, ya sea famoso o desconocido, que ose rechazar el objetivo de su cámara.
Annie Nació en 1947 en el estado de Connecticut. Después de vivir durante un año en Israel, comenzó su carrera fotográfica como freelance en la revista Rolling Stone, publicación en la que pronto ascendió a editora jefe. A partir de este momento comenzó a trabajar para revistas tan importantes como Vanity Fair, Vogue o Allure.
Esta fotógrafa ha conseguido crear un estilo propio en sus retratos que imprime en cada uno de sus disparos. Leibovitz ha reconocido ser menos conocida que sus fotos, algo lógico si consideramos los nombres que rellenan la infinita lista de rostros inmortalizados por su objetivo. Desde el famoso retrato de John Lennon abrazado a su esposa un año antes de que éste falleciese, hasta la actriz Demi Moore desnuda y embarazada, pasando por Hillary Clinton en la Casa Blanca, son cientos las imágenes que su cámara nos ha regalado. Pero por encima de todo y como muestra en su trabajo "Women", es la fotógrafa de las mujeres: famosas o anónimas, actrices o soldados.
Ha sido merecedora de importantes premios de instituciones tan relevantes como la American Society of Magazine Photographers (1984, "Fotógrafo del año", 1987 "Premio a la innovación en fotografía"). También ha fundado su propio estudio en Nueva York. Hoy, es uno de los escasos fotógrafos vivos que han expuesto sus obras en el National Portrait Gallery. Mariu G. Bermejo
