Howard Hodgkin

Howard Hodgkin (Londres, 1932), es uno de los artistas británicos en activo más importantes del panorama internacional. Hodgkin describe su obra como “pinturas que representan situaciones emocionales”, con las que intenta recrear la intensidad de la experiencia. El artista trabaja con su memoria y revela y oculta los temas a través de superposiciones de capas de vivos colores y marcas distintivas, un proceso que puede durar varios años.

Hodgkin ha seguido una trayectoria personal diferente a la de sus compañeros de generación ligados al Arte Pop. En sus pinturas tempranas retrata a sus amigos artistas de forma poco convencional para captar su sentimiento, o bien refleja espacios donde acontecen reuniones sociales mediante formas fragmentadas y símbolos pictóricos. A finales de los años sesenta, experimenta con diferentes formatos y soportes, como su característico marco pintado, que encaja el tema y atrae la atención a las obras como objetos. Hodgkin se aleja de referencias figurativas evidentes. Sus temas se abren a la naturaleza y los ambientes relacionados con sus viajes. En 1964 hace su primer viaje a la India donde queda impresionado por sus colores audaces.
Su obra de finales de los setenta alcanza un nuevo nivel de intensidad emocional con temas más íntimos y utiliza el color puro para expresar momentos transitorios, con referencias a momentos de enfado, celos o situaciones eróticas. Sus pinturas presentan la realidad mediante vislumbres, revelan tanto como ocultan. En 1984 Hodgkin representa a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia con una serie de pinturas de pequeño tamaño que captan la iluminación cambiante de esta ciudad con una exactitud extraordinaria. En esta etapa continúa experimentando con la escala y consigue que las obras grandes parezcan íntimas y las pequeñas, obras épicas. En los noventa despliega un estilo más expresivo y gestual con temas más complejos y pincelada más suelta. En obras más recientes, Hodgkin expande y construye su vocabulario visual, mientras continúa a la búsqueda de nuevas formas de expresión.

Mark Tansey

Yo no soy un pintor realista. En el siglo XIX, la fotografía sustituyó la función tradicional de los pintores realistas, ya que iba a hacer interpretaciones fieles de la "realidad". A continuación, el proyecto realista se convirtió en abstracción modernista, como más adelante se evidencia en el  libro de Hans Hofmann "search for the real". El Minimalismo trató de eliminar la brecha entre el arte y lo real. Después de eso, el proyecto en sí  se desmaterializó. Pero el problema de la representación es encontrar las otras funciones además de la captura de lo real.

En mi trabajo, estoy en busca de funciones pictóricas que se basan en la idea de que el cuadro pintado sea que  metafórico, retórico, de transformación, de ficción.  Yo no estoy  haciendo fotos de las cosas que realmente existen en el mundo. Los relatos en realidad nunca se produjeron. En contraste con la afirmación de una realidad, mi trabajo investiga cómo interactúan las diferentes realidades. Y que se  entienda que las abrasiones comienzan en el propio medio.
Pienso en la imagen pintada como una realización del mismo problema al que nos enfrentamos con la idea de "realidad". El problema o la pregunta es, ¿que es  la realidad? En un cuadro pintado, ¿es la realidad representada, o la realidad del plano de la imagen, o la realidad multidimensional que existen en el artista y en el espectador? Que los tres están involucrados y apuntan al hecho de que las imágenes son inherentemente problemáticas. Este problema no  puede o no debe ser erradicado con soluciones reduccionistas o  puristas. Sabemos que para lograr lo real   es necesario destruir el medio, no es más que lograrlo utilizandolo mediante su destrucción 

Mark Tansey - On realism and representation

Ryūsei Kishida

1891-1929. Pintor nacido en Tokio, es uno de los pintores japoneses más famosos del siglo XX. Más conocido por los retratos de su hija Reiko. A los 17 años estudió pintura en un estudio  muy conocido- Yöga- de pintura occidental, dirigido por el artista Seiki Kuroda. Dos años despues tuvo la oportunidad de exhibir su obra en una exposición organizada por el Ministerio de Educación. Siguió creando retratos, paisajes y bodegones hasta su muerte temprana a los 38 años de edad

OSAKA CITY MUSEUM OF FINE ARTS

Neo Rauch

Neo Rauch es un artista nacido en Alemania Oriental en  1960. Quizás tuvo una infancia triste porque sus padres murieron en un accidente de tren cuando el tenía 4 años. 

Hoy en día sus obras son requeridas por museos y coleccionistas de todo el mundo. Se le considera el pintor mas destacado e influyente de la Academy of Visual Arts de Leipzig, que es famosa por ser la meca del realismo socialista antes de la reunificación alemana. Las huellas de este estilo siguen siendo evidentes en la obra figurativa de Rauch, en las cuales compiten imagenes de ensueño con un transfondo de reflexión, introspección y ensimismamiento. La extrañeza de su arte surge de la inesperada combinación de elementos iconográficos y visuales de diferentes mundos: el comic, la publicidad, el cine, la arquitectura, el diseño, la cultura alemana, la historia del arte y la historia en general... 

Musée d'art contemporain de Montréal

RUFINO TAMAYO

25 de agosto de 1899, Oaxaca-24 de junio de 1991 Ciudad de México
Rufino Tamayo nació el 25 de agosto de 1899 en Oaxaca, México.  Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. En 1921 fue dibujante en el Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía. De esa etapa afirmaría:
 “A todo lo hermoso que encontré en el museo le debo lo que he hecho de mi carrera; fue la reafirmación de mi vocación”.
Tras el éxito de su primera exposición individual en México, en 1926 parte a Nueva York, con la convicción de abrirse camino en el extranjero. Ese mismo año tiene una primera exposición individual en la Weyhe Gallery. En 1928 vuelve a México; en esta etapa fue profesor en la Escuela de Bellas Artes después Jefe del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública.
En 1936 comisionado por la SEP, Tamayo viaja a Nueva York y se queda en Estados Unidos por muchos años. A partir de 1949 Tamayo reside en París alrededor de una década. En 1950 participa en la xxv Bienal de Venecia; a partir de ese momento  empieza a ser considerado a nivel mundial como uno de los artistas prominentes del siglo xx.
Su obra de caballete se ha expuesto prácticamente en todo el mundo. Tienen obras suyas los museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York y Río de Janeiro, la Galería Nazionale de Arte Moderna de Roma, el Royale de Bruselas, los de Cleveland, San Luis Missouri, Filadelfia, Arizona, San Francisco, Cincinnati y Dallas, The New York Public Library, entre otros.
Durante la primera fase de su actividad creativa, Tamayo se apegó a la perspectiva lineal. En el curso de la segunda tuvo fuerte influencia de Braque. Y en la tercera se libró de ataduras y desarrolló su propio estilo. Refiriéndose a la obra de Tamayo, Paul Westheim dijo: “No es posible traducir una idea en pintura de manera más sencilla, más precisa y más expresiva”.
En septiembre de 1952 recibió el segundo premio de la Pittsburgh International Exhibition y terminó su primer mural en el Palacio de Bellas Artes de México. En 1953 se le otorgó el gran premio de pintura en la II Bienal de Sao Paulo, junto con Alfred Mannesier de Francia. Ese mismo año hizo el mural “El Hombre”, para el Museo de Bellas Artes de Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas Artes.
En 1974 se inauguró en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y donadas por el artista; y el 29 de mayo de 1981 se abrió al público el Museo Rufino Tamayo en el Bosque de Chapultepec.

En 1987 Rufino Tamayo cumple 70 años como pintor y se le rinde un gran homenaje nacional. Ingresó en El Colegio Nacional a título de miembro honorario el 21 de mayo de 1991. El 24 de junio de 1991 fallece víctima de un infarto agudo. Sus restos reposan en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

Ref-Universidad de Guadalajara- Méjico

Ernst Ludwig Kirchner

Y dijo Picasso antes de morir "La pintura está todavía por inventar" y yo veo sus cuadros o los de Ernst Ludwig Kirchner y de unos pocos más y me pregunto "¿Que más se puede hacer?" Pero se ve que la imaginación del hombre es inagotable...Yo que no pinto, ni canto ni tengo nada de artista, por lo menos disfruto viendo sus obras, aunque sea "on line", con una buena música de fondo- 

Bueno, al grano, hablemos de ERNST LUDWIG KIRCHNER. Estoy ahora analizando los pintores que se suicidaron.  El caso de Kirchner que se disparó directamente al corazón el 15 de junio de 1938 contando 58 años de edad. Se dijo que la causa había sido porque sus obras habían sido retiradas de los museos alemanas por ser consideradas "degeneradas" pero hoy en día se cree que la verdadera causa fue por su adicción a la morfina.  Kirchner se alistó voluntario para participar en la Primera Guerra Mundial y despues sufrió una depresión nerviosa. A consecuencia de ello se hizo adicto a los medicamentos...Ahora vamos a la biografía que edita

Aschaffenburg, 1880 – Frauenkirch – Wildboden (Suiza), 1938

Pintor y grabador alemán.

Estudia arquitectura en Dresde (1901 1905), interrumpiendo sus estudios en 1903 para pasar una temporada en Munich, donde estudia pintura, descubre el arte moderno y comienza a interesarse por el grabado en madera. Tras recibir en Dresde su diploma, decide dedicarse a la pintura fundando el grupo Die Brüke. a los miembros del grupo les transmite su entusiasmo por el arte de los pueblos primitivos, reflejando su pintura las influencias postimpresionistas. 

Su admiración por Munch le lleva a desarrollar un estilo cercano al fauvismo, con un dibujo simplificado y colores muy contrastados, desarrollando entre 1907 y 1910 un estilo próximo a Matisse: los cuadros de esta época tratan de expresar la atmósfera emocional que envolvía la vida del circo y del teatro, sirviéndose para ello de formas violentamente simplificadas, incluso distorsionadas. 

En 1911 marcha a Berlín donde pinta una serie de escenas callejeras que constituyen la muestra más extrema del expresionismo alemán; entre 1913 y 1915 elabora una serie de cuadros que tienen como tema Mujeres en la calle (Museum Ludwig, Colonia), caracterizados por sus formas alargadas y angulosas. 

Tras la I Guerra Mundial sufre una grave crisis nerviosa que le lleva a ser internado en Suiza, donde vive hasta su muerte. A principios de los años veinte pinta monumentales paisajes montañosos y escenas cotidianas de los habitantes de la zona, adquiriendo la atmósfera atormentada de su obra anterior una nueva serenidad.

 A partir de 1928 su obra se hace más abstracta desempeñando la representación directa un papel secundario influenciado, sin duda, por las ideas experimentales de Picasso sobre la creación de un guión pictórico abstracto para la expresión visual de la experiencia. En 1938 se suicida tras sufrir un trastorno mental provocado por la condena de su arte y por los acontecimientos políticos de Alemania.

Nicolás de Staël

El pintor francés de origen ruso Nicolas de Stäel ha pasado a la posteridad por haber sido capaz de aunar figuración y abstracción en un momento en que ambos conceptos parecían irreconciliables

De. origen aristocrático, su familia se vio obligada a exiliarse en 1919 tras la Revolución rusa. Tras la muerte de sus padres, Nicolas de Staël y sus hermanas fueron criados desde 1922 por una familia de Bruselas, donde en 1933 comenzó sus estudios de decoración y diseño en la Académie Royale des Beaux-Arts, y de arquitectura en la Académie de Saint Gilles. Durante el verano de 1936 realizó un viaje a Marruecos, del que se conservan muy pocas obras, pero que, según las cartas que escribió, fue decisivo para encontrar el camino hacia un estilo propio. En 1937 conoció a Jeannine Guillou, que se convirtió en su compañera hasta la muerte de ésta, en 1946, y con ella viajó por Argelia e Italia
 

Fue. llamado a filas tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, pero al ser desmovilizado en 1940, se reunió con Jeannine en Niza, donde coincidieron con un grupo de artistas entre los que se encontraban Sonia Delaunay, Alberto Magnelli y Henri Goetz. Su pintura, influida por estos contactos, tendió por primera vez a la abstracción. En 1944, ya de vuelta en París, la Galerie L’Esquisse expuso por primera vez su obra en solitario. A través de la galerista Jeanne Bucher, a la que había conocido antes de la guerra, entró en contacto con el pintor ruso André Lanskoy y le influyeron notablemente sus superficies texturadas de gran carga matérica.
 

A finales de la década de 1940, Stäel comenzó a consolidar su reputación y su mejorada situación económica le permitió trabajar en un estudio de mayores dimensiones. Como consecuencia, sus obras aumentaron de tamaño y paralelamente perdieron corporeidad, ganaron luminosidad y tranquilidad. En 1950 expuso por primera vez en Nueva York y en 1953 firmó un contrato de exclusividad con el galerista francés afincado en esta ciudad americana Paul Rosenberg
 

A. partir de 1953 Stäel orientó de nuevo su pintura hacia la figuración de carácter no realista. Realizó series de paisajes, de futbolistas, de bodegones y, aunque recibió algunas críticas, él nunca consideró abstracción y figuración como conceptos opuestos y defendió la posibilidad de que los fenómenos de la naturaleza fueran la base para sus obras. Durante los últimos años de su vida, Staël aceleró el ritmo de producción de obras. Aun así, la presión que sintió ante el aumento de demanda de sus pinturas parece haber sido la causa de su suicidio en 1955, en el mejor momento de su carrera artística

Museo Thyssen-Bornemisza

Este artista Nicolas de Stael se suicidó tirándose al vacio desde el balcón de su estudio  en Antibes-despues de haber abandonado a su mujer e hijos para empezar una nueva vida en el sur de Francia. Un hombre atormentado durante toda su vida...  he buscado algo sobre su historia personal y he encontrado en el

PAIS un artículo de ROBERTA BOSCO Barcelona 26 JUN 2007- que me parece muy bueno

Nicolas de Staël fue un hombre atormentado. Hizo de la pintura su patria y su familia, y cuando la presión creativa y intelectual se le hizo insoportable acabó con su vida. 

Nacido en 1914 en San Petersburgo, en el seno de una familia aristocrática fiel al zar, Nicolas de Staël tenía tres años cuando estalló la Revolución de Octubre. El exilio y el repentino fallecimiento de sus padres le marcaron de por vida. Fue adoptado con sus hermanas por una familia belga que le proporcionó un hogar culto y calido, pero se opuso a él desde la adolescencia rehusando seguir los pasos de su tutor en el campo de la ingeniería.
 

Su rebelión se concreta en 1934 con un viaje iniciático en bicicleta por España, en donde reencontró a los maestros del pasado que ya había admirado en Holanda, y con un periplo de más de un año por Marruecos. En tan sólo 13 años realiza más de 1.600 óleos y unos 1.500 dibujos, tiene dos mujeres, varios hijos y un amor imposible. Éste protagoniza una de sus últimas y más sobrecogedoras obras: Desnudo de Jeanne, un cuerpo hecho de luz, apenas esbozado, casi fantasmal, como si se resistiera a ser apresado por el lienzo. En la exposición le acompañan dos estudios de desnudos a carboncillo, casi a tamaño real, que realizó unos meses antes de su muerte: Jeanne no posó para ellos, son dibujos de ausencia. "Como si la mujer que imaginabas de pie ante ti sólo hubiera dejado al irse -para provocar constantemente tu imaginación- las sombras de lo que antes fuera su cuerpo", escribe John Berger, en una carta imaginaria dirigida al pintor.

La danza, de 1946, la obra que marca su consagración en el ámbito de la abstracción y continúa con las Composiciones, que se caracterizan por una paleta reducida, basada en grises y verdes, y una técnica original, que combina brocha y espátula. Pero su inquietud intelectual, que trasciende la simple dicotomía entre abstracción y figuración y le impulsa a establecer un diálogo continuo con la tradición, vuelve a dar un giro a su obra. Sus telas se vuelven más figurativas y regresan los paisajes y las naturalezas muertas, dos géneros prácticamente abandonados por la pintura de la época.

 

También su paleta cambia y los colores apagados de sus comienzo dejan paso a colores violentos y contradictorios: si antes sus cuadros se asemejaban a una sinfonía ahora son piezas de jazz. Es la época de los Futbolistas, pintados después de un histórico partido nocturno entre Francia y Suecia y también de los paisajes de Sicilia. Sus obras se venden bien y los marchantes le presionan cada vez más: la leyenda cuenta que en 1954 se vio obligado a pintar 280 obras.

 

Para olvidar sus tormentos personales, se encierra en la pintura, trabaja incansablemente en varios lienzos a la vez y en nuevas xilografías para los poemas de René Char, su gran amigo junto con Braque. A finales de 1954 se instala en Antibes, donde prepara una gran exposición para el Museo Grimaldi. De regreso de un concierto pide prestado el fuerte de la Punta del Cabo para representarlo en una gran tela: Le gran concert, que dejará inacabada el 16 de marzo de 1955 cuando, tras cerrar su estudio con llave, subió a la terraza que había encima del tejado y se lanzó al vacío.

JAVIER PAGOLA

Pagola, Javier

San Sebastián, 1955

Pintor español.

Realiza estudios de Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, entre los años 1974 y 1978. Posteriormente se establece en Cuenca, donde se dedica a la pintura. A lo largo de su carrera ha sido becado en diferentes ocasiones; así en 1993 obtiene una beca Endesa para las Artes Plásticas, en 1997 una beca de la Academia de Bellas Artes de Roma y en 1999 la beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín. A su labor pictórica hay que añadir los trabajos dentro del campo de la ilustración de libros como Gargantúa de Rabelais e incursiones en el mundo de la estampa. Su personalidad creadora le mantiene alejado de grupos y movimientos concretos. Su obra se basa en el dominio del dibujo, y en ella podemos observar una evolución desde la aplicación gestual del trazo en consonancia con el expresionismo abstracto hasta la utilización, en la década de los noventa, de una iconografía de carácter lúdico. Estos personajes que se encuentran a caballo entre el mundo surrealista y el infantil, pueblan de manera anárquica toda la superficie del lienzo y en ellos algunos autores ven una inspiración proveniente del mundo del cómic. Ha realizado numerosa exposiciones individuales desde que lo hiciera por primera vez en 1980 en la sala Ikusmira de San Sebastián. También participa en importantes colectivas y está presente en las ediciones de Estampa´95 y 96 y Arco´94, 98 y 2000.