FELIZ 2013
 

 

Aurelio Arteta

      Aurelio Bibiano de Arteta y Errasti (Bilbao, 2 de diciembre de 1879- México, 10 de noviembre de 1940)  Nació en la bilbaína calle Askao, hijo de Eusebio Arteta y labrador, de profesión ferroviario, y de Petra Errasti y Zabala.
Comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao. En 1894 toda la familia se trasladó a Valladolid. Posteriormente viajó a Madrid, estudiando en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. No queriendo ser una carga para su familia, Arteta simultaneó sus estudios con los más diversos trabajos, tales como pintor de brocha gorda, ilustrador, dibujante de bordados, litógrafo e incluso como aplaudidor en teatros.

En 1902 obtuvo una beca de la Diputación vizcaína, junto con Ángel Larroque, Echevarría, Nemesio Mogrobejo y Quintín de Torre. La beca le fue concedida por la obra Accidente de trabajo en una fábrica de Vizcaya. Este hecho le permitió viajar a París, donde completó su formación. En la capital francesa recibió la influencia de las revisiones de la pintura impresionista a través de Gauguin y Toulouse-Lautrec. Un posterior viaje a Italia permitió a Arteta conocer el Renacimiento italiano, y más específicamente, con la pintura mural.

   En 1906 se estableció en Bilbao, abriendo estudio. Alternó la labor puramente pictórica con el diseño de carteles y labores litográficas. Realizó su primera exposición en la bilbaína galería Delclaux.
En 1911 fundó, en compañía de otros insignes artistas la "Asociación de Artistas Vascos". Con ocasión de la nueva decoración de la sede de la Sociedad Bilbaína, Arteta realizó una de sus obras más recordadas, la conocida como Eva arratiana, en 1921.     En 1921 comenzó en los frescos del Banco de Bilbao, en Madrid. En 1924 fue nombrado primer director del recién creado Museo de Arte Moderno de Bilbao. Esta labor no estuvo exenta de polémica ya que el ayuntamiento de Bilbao censuró a Arteta las adquisiciones realizadas. La dimisión de Arteta provocó una oleada de apoyos de intelectuales de toda España, que acabó por convertirse en una crítica a la política de la dictadura de Primo de Rivera desde el campo del arte.
En 1930 recibió el Premio Nacional de Pintura.
        El inicio del conflicto sorprendió al pintor en su domicilio madrileño. El primer día del mes de diciembre del año 36 sale hacia Valencia en compañía de entre otros, Gutiérrez Solana. En esa ciudad realizó un cartel de colaboración con el gobierno de Euzkadi. De Valencia se trasladó a Barcelona, primero, para pasar luego definitivamente a Francia. Allí realizó un periplo por varias ciudades (Biarritz, Burdeos), librándose de los habituales campos de refugiados. Finalmente, y a bordo del vapor Sinaia se trasladó a México. Una de sus últimas obras fue la decoración del comedor de la residencia de Indalecio Prieto en la capital mexicana.

 

El 10 de noviembre de 1940 falleció a causa de un accidente de tranvía cuando se dirigía, en compañía de su esposa a Coyoacán. Según el testimonio posterior de Indalecio Prieto, Arteta y su mujer se dirigían a pasar una temporada en el campo, para reponerse de la noticia recibida del fusilamiento el día anterior de Julián Zugazagoitia.
        Su pintura, un tanto idealizada, y teñida de una gran melancolía, cultiva con preferencia el tema vasco, tanto el eminentemente rural como la transformación de esa sociedad a la industrialización, con paisajes urbanos centrados en el entorno de la ría del Nervión. El crítico Juan de la Encina dijo de él, en relación al cuadro Pescadores, enviado por Arteta a la exposición de la Asociación de Artistas Vascos, realizada en Madrid en 1916: «En tiempos en que el charlatanismo y la vanidad son y han sido haciendas en explotación, por una parte, no podemos por menos de aplaudir el recogimiento de Arteta; pero por otra parte, lamentamos que artista de tanto talento huya temeroso de darse al público dictamen». También se dedicó a la ilustración de libros, como en el caso de la obra Divagaciones de un transeunte de Alejandro de la Sota.         Entre los años 1917 y 1923 Arteta realizó varios paisajes urbanos, en los que la influencia de Lautrec es patente. La inclinación realista del pintor le hizo elegir en numerosas ocasiones barrios obreros de ese Bilbao industrial, o rincones deprimidos. Obras como El puente de Burceña, Barrio obrero o La calle son buenos ejemplos de ese realismo social de Arteta que tuvo como escenario la ciudad de Bilbao.
También abundan los lienzos en los que Arteta se limitó a reflejar rincones más burgueses de la ciudad, como El Campo Volantín desde mi estudio.
 

Según la crítica moderna. la pintura de Arteta, entre épica, melancólica y silenciosa refleja el paso y el tránsito de una sociedad agrícola a una industrial, de una sociedad rural a una sociedad urbana, el comienzo de la construcción del Gran Bilbao como espacio urbano señorial y proletario.
Con ocasión del centenario de su nacimiento, en 1979, el Banco de Bilbao celebró una doble exposición en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y en la sala de exposiciones de la propia entidad bancaria. Se consiguieron reunir 70 obras de primera magnitud, a las que acompañaron textos de entre otros, Manuel Llano, Edorta Kortadi, Kosme Barañano e Indalecio Prieto.
     Tras la bonanza económica experimentada por la burguesía bilbaína a caballo de la Primera guerra mundial, los accionistas del Banco de Bilbao decidieron establecer en Madrid una nueva sede. En 1919 se convocó un concurso de proyectos para la construcción del nuevo edificio, ganándolo el arquitecto Ricardo Bastida. Él mismo se hizo cargo del desarrollo de las obras, que comenzaron en 1920, concluyéndose tres años. Las irregularidades que presentaba el solar obligó al arquitecto a disponer dos edificios que quedarían unidos por una rotonda cubierta, mientras que la fachada principal se dispuso con columnas, capiteles y entablamentos de órdenes clásicos gigantes, estética que se había convertido en la habitual en la construcción de edificios bancarios. Se eligió a Quintín de Torre para la elaboración de la decoración escultórica y a Higinio de Basterra para la realización de las dos cuádrigas que coronan el edificio.
 

En 1921 Arteta recibió el encargo más importante de su carrera profesional, cuando le fue encomendada la decoración del vestíbulo.
Arteta preparó concienzudamente la realización de las pinturas, y solicitó el asesoramiento de Manuel Losada, quién le asesoró sobre aspectos técnicos y materiales. También viajó a Italia para asesorarse sobre los materiales a emplear y para conocer la obre de los maestros antiguos. A modo de experimento realizó una pequeña obra: En la romería (actualmente en el Museo de Bellas Artes de Bilbao), para la casa que Bastida tenía en la localidad de Ondárroa, que le ayudó a familiarizarse con la exigente técnica del «buon fresco».
 

 

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Arthur Garfield Dove

 

 

 

 

 

 

Arthur G. Dove nació en    1880 en Canandaigua, Nueva  York, U.S.—murió en 1946,  en Huntingdon, Nueva  York. 
Dove   Se graduó en  Cornell University en 1903.  Empezó su carrera como ilustrador de revistas y sus primeros trabajos aparecieron  en Scribner’s, Collier’s,  y en el  The Saturday Evening Post. En 1907–08 viajó a  Paris para estudiar.  En París se hizo amigo de otros artistas americanos como Max Weber y  Alfred Maurer,  y se influencia del impresionismo y del fauvismo y de la obra de Paul Cézanne. Expuso dos veces en el Salón de Otoño.  En 1909 volvió a los Estados Unidos y conoció al fotografo Alfred Stieglitz, a John Marín y  a Georgia O´ Keeffe.  

 
La obra de Dove  refleja su creencia en que el color y la forma son instrumentos con los que expresar la esencia  del exterior de las cosas.   A pesar de su estilo no objetivo, su pintura a menudo sugiere paisajes ondulantes.  Tambien creó collages irónicos como Goin’ Fishin’ (1925), realizados con diferentes materiales.   En la década de 1920 se separó de su mujer e hijos y se trasladó a Long Island  para centrarse en la pintura  

 La abundante obra de este periodo tiende hacia el abstracto y los temas sugieren connotaciones místicas, con temas sobre el mar y la costa.   En 1922 encontró un patrocinador (Duncan Phillips,  fundador de   Phillips Collection en Washington, D.C.) pero nunda tuvo una base financiera sólida. A finales de  1930  enfermó, pero continuó pintando y la mayoría de los críticos considera que su mejor obra es la de la década de  1940.


Información- Britannica Online Encyclopedia

Pierre Bonnard

Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, 3 de octubre de 1867 - Le Cannet, 23 de enero de 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística.

Se le suele considerar líder del movimiento de los Nabis, grupo del que también formaron parte Paul Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Xavier Roussel o Félix Vallotton. Todos fueron influidos por Paul Gauguin y el japonismo. La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta, al menos en alguna de sus variantes.

Su padre presidía el Ministerio de Asuntos Belicistas (Defensa). A pesar de que le encantaban la filosofía y la literatura, estudió derecho en la Universidad de París después de educarse en colegios de prestigio pagados por su padre.
En 1887 decidió dedicarse a la pintura y siguió cursos en la Academia Julian y la Escuela de Bellas Artes de París, momento en que conoce a los artistas con los que impulsaría el movimiento nabi.

En 1899 se consagra como artista publicitario (con un anuncio de champán) y conoce a una muchacha de origen humilde llamada Maria Boursin, que cambia su nombre a Marthe de Méligny para parecer más aristocrática. Bonnard se casa con ella y tuvieron dos hijos: Charles, químico, y Andrée, música.
La trayectoria pictórica de Bonnard se fue decantando hacia el naturalismo y el simbolismo movido por su interés por la magia y las ciencias ocultas.

En 1900, el marchante Ambroise Vollard publica su primer libro de artista, el poemario Parallèlement, de Paul Verlaine, con ilustraciones de Bonnard. Su mayor originalidad radica en los abundantes desnudos femeninos, con alusiones lésbicas, para los que el pintor tomó fotografías de su entorno íntimo. La edición fue un fracaso comercial, pero Vollard siguió apoyando al artista.

Su especialidad en interiores reposados, con figuras femeninas en actos cotidianos como el aseo y la lectura, explica que su pintura fuese llamada «intimista». Aunque las texturas esfumadas pueden recordar al Impresionismo, Bonnard no plasma la realidad inmediata y fugaz, sino que elabora escenas subjetivas, con encuadres y colorido nada casuales. Al contrario de lo habitual hasta entonces, elige tonos cálidos para los fondos y fríos para los elementos en primer término, alterando en cierta medida la percepción de las distancias.

En 1910 Bonnard dejó París por el sur de Francia. Vivió en Francia y el Norte de África. Su longevidad le permitió conocer la etapa del Cubismo y del Surrealismo, aunque no se aproximó a ninguna de ambas estéticas.
Como casi todos los maestros franceses de la época, carecía de presencia en los museos españoles hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que posee el Retrato de Misia Godebska (1908), futura esposa del pintor catalán Sert. 

Posteriormente, el Museo Reina Sofía sumó otro retrato de Bonnard, de 1906, donde posan Misia y su esposo entonces, Thadée Natanson. La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza debe de contar con algún otro ejemplo suyo, al igual que la Colección Juan Abelló (en este caso, dibujos).

 

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John Kørner

John Korner  nació en  1967 en  Aarhus, Dinamarca, vive en Copenhagen.  Su pintura es una mezcla entre figurativo y abstracto, realizada en acrílico.  Sus tematica va desde la gente, animales, barcos, árboles y la guerra. Además de la pintura tambien hace cerámica.  Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Copenhagen.

Martin Assig

Artista alemán nacido en Schwelm en 1959. admirador de  Goya y Velazquez.  Martin Assig está representado por tres de las galerías de arte contemporáneo más prestigiosas a nivel mundial, como son Tanit de Munich, Volker Diehl de Berlín y Jablonka de Colonia. Aunque también ha colaborado, en España, en galerías tales como Senda en Barcelona y Vanguardia en Bilbao así como con el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid. En el extranjero, Assig también ha participado en galerías como la Michael Kohn de Los Ángeles o Vidal-Saint Phalle en París.

ANTONIO QUIRÓS

 

 

 

 Por trayectoria y obra artísticas, Antonio Quirós (Santander, 1914-Londres, 1984) es un caso de muy difícil clasificación, una de esas figuras universalmente respetadas, pero que no caben en los esquemas. Formado en ese Santander cosmopolita de antes de la guerra civil, discípulo de un pintor local totalmente académico -Camollano-, emparentado con María Blanchard y dotado de una precoz personalidad, no es fácil, desde luego, determinar qué y cómo maduró Quirós su peculiar universo plástico, en el que se mezclan un virtuosismo técnico prodigioso y un mundo imaginativo alucinante. Interpretando algunas de sus raíces pictóricas, cabe aludir a ciertas huellas de la propia María Blanchard y de Vázquez Díaz, lo que nos facilita la pista de su apetito juvenil de modernidad; pero ni la dureza cristalina de estos pintores figurativos poscubistas, ni la correspondiente coloración mineral con que rellenaban los contornos tallados, ni tampoco, en fin, por otra parte, la apropiación de cierta atmósfera superrealista permiten el encasillamiento de Quirós.

 

Alma metafísica

Enrolado en el Ejército republicano durante la guerra civil, conocedor de la derrota, los campos de concentración, la resistencia y el exilio, Quirós es un solitario introvertido que mantiene aristocráticamente la compostura mientras su aguda sensibilidad absorbe, como un secante, la realidad empapada de desdicha. En la posguerra reside en París, en cuyas academias de La Grande Chaumière y Julien había estudiado pintura, pero no se puede decir que allí formara escuela como otros artistas españoles, a pesar de que estuvo en la capital francesa durante 12 años seguidos, desde 1939 hasta 1951.Una vez configurado su personalísimo estilo, que se puede seguir bien a partir de los años cuarenta, no hay grandes cambios en la pintura de Quirós, que, sin embargo, se mantiene activo. No es un creador dúctil, de rápidas variaciones superficiales, sino un alma metafísica, concentrada y profundamente silenciosa. Los personajes de sus cuadros tienen la dolorosa rigidez de cuerpos convulsos retorciéndose en el espacio indefinido de la soledad. Haber situado a estas criaturas, casi consumidas, en medio de una atmósfera de vaporosa indeterminación, con lo que parecen flotar en una desolación patética, proporciona una inmediata sensación de absurdo.

Con la tragedia en ciernes, cuidadosamente solapada, Quirós interpone entre la percepción inmediata de lo grotesco y su representación una sutil capa de frío distanciamiento; diseca las efusiones y mete el corazón en un estuche transparente. Hay, pues, en él algo de esa corriente estética española de ardores helados que se reconoce en El Escorial, en Velázquez, en Juan Gris... Distrae sus humores visionarios, que pueblan su imaginación con fantasmas quevedescos, con la aplicación de una perfección técnica maniaca, apurada al máximo y enterrada con los elegantes brillos del barniz. Y esa mezcla de gritos ahogados y refinamientos manieristas es la que refuerza hasta lo insoportable la sensación de inquietante desazón que proporcionan sus cuadros.

De buen porte, como de oficial británico del viejo imperio, Quirós tenía una presencia gallarda y no necesitaba meter ruido para hacerse notar. Su personalidad, como su pintura, emanaba un aura reverencial que imponía respeto. Realizó últimamente exposiciones personales importantes en Madrid y Santander. También, siendo ministro de Hacienda García Añoveros, se le encargó y llevó a cabo un impresionante retrato del Rey. Miraba con despego a la fama y ha muerto con la misma discreta dignidad con la que siempre había vivido.

 Francisco Calvo Serraller EL PAIS

Philipp Fröhlich

Philipp Fröhlich, Schweinfurt (Alemania)1975, afincado en Madrid desde 2005.La obra de este pintor desprende una gran fuerza en su lenguaje plástico. La temática es el paisaje, desnudo de figuras humanas, pero con una evidente acción antrópica en muchos de sus lienzos. Así podemos observar tendidos eléctricos, cables que arrancan de un vertedero o de un montón de escombros, viviendas o construcciones que rompen el fondo de un agreste rincón, caminos que surcan idílicos espacios naturales. Todo ello es utilizado para incidir en que la perspectiva de la composición sea más evidente. 

Sus pinceladas, sueltas e independientes entre sí, nos recuerdan el puntillismo. Su cadencia se va haciendo mayor conforme avanza hacia el exterior del cuadro, creando un efecto de desenfoque en el primer plano que nos conduce a adentrarnos en su interior, a pasearnos por la naturaleza que preside su obra, es decir, nos convierte en involuntarios protagonistas de ésta. Su maestría en el color hace que las arriesgadas combinaciones de tonalidades que suele utilizar no resulten, pese a su acentuado efectismo, estridentes, sino valientemente armónicas.

 El gran formato de sus lienzos contribuye a generar la sensación de que el artista ha construido, para nosotros, unos amplios y bellos escenarios, dentro de los cuales es el espectador quien tiene que desenvolverse y crear su propia vivencia, partiendo desde una reflexión ecológica, e incluso, quizás, desde una ensoñación poética.

 lacomunidad.elpais.com/leozelada