Agustín Reche Mora

Agustín Reche Mora (Guadix, Provincia de Granada, 1954). Ubicado en el hiperrealismo español, es definido como "pintor realista, cronista de la ciudad dedicado a captar las vistas de Bilbao" ciudad en la que reside desde 1967. A partir de 1979 y hasta la actualidad, imparte clases como profesor en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, departamento de pintura.
En el contenido de su obra se encuentra latente la pérdida de importancia del presente, lo escurridizo del tiempo y la impotencia del ser humano de no poder controlarlo. Aunque proviene de una tradición pictórica realista academicista, sus escaparates por la forma de reconstruir el espacio, nos acercan al mundo de la abstracción.

 Si bien se ha podido establecer un orden cronológico que ha situado la totalidad de las obras en tres periodos, las tipologías de los estilos y lenguajes practicados por Reche, no participan exactamente de ese mismo orden pues se simultanean en el tiempo. Esta diversidad de estilos y lenguajes pictóricos la encontramos también en Henri Matisse, Pablo Picasso , Giorgio de Chirico y Gerhard Richter. Aún así, tras el análisis de las obras y la detección de los aspectos constantes que conforman los grupos, podemos establecer un orden cronológico en la aparición de las tendencias practicadas: Naturalista,Expresionista, Pop, Surrealista e Hiperrealista.
 

 Etapa autodidacta, temas naturalistas con un carácter expresionista. El pintor explora la representación de los diferentes motivos del natural - seres, objetos y sitios- dentro de un respeto por las formas y colores locales. Ya se puede apreciar su visión analítica del arte, desde la influencia postimpresionista y por su interés de plasmar la realidad con un estilo constructivo y descriptivo de la forma. Practicará también la tendencia expresionista y experimentará en esos tipos de deformaciones, exageraciones, o manipulaciones subjetivas en la representación del referente exterior.
 

 Las obras naturalistas evolucionan hacia el realismo. Este segundo periodo, en cuanto a las selecciones que realiza el pintor dentro del mundo del arte, a la consolidación de su carácter investigador y al alcance de su nivel de representación de análisis, comienza su desarrollo profesional. Expone por primera vez individualmente, y consigue varios premios en concursos de rango nacional en Bilbao, Alicante, Valladolid, Granada. También participa en numerosas exposiciones colectivas, en el Palacio de Velázquez, Centro Cultural de la Villa, actualmente Teatro Fernan Gómez Madrid y el Museo de Bellas Artes de Bilbao Museo de Bilbao. En los primeros años de este periodo el pop-art será otro de los lenguajes que adopte, tematiza las cualidades gráficas bidimensionales de la imagen. Dentro de la tendencia surrealista, el pintor construye imágenes con referentes no reales, muy subjetivos, composiciones con lenguajes derivados del cubismo.
 

 Reche /(Página de Reche) comienza su compromiso como pintor hiperrealista con la obra "Cafetería Windsor" el año 1986, al optar por este estilo contemporáneo, el hiperrealismo, consigue expresar aspectos de la realidad, sobre todo a través de los motivos urbanos actuales. Esta representación ofrece un alto grado de visión del referente, gran claridad visual, y una enorme densificación de la superficie del plano de representación. Mantiene este lenguaje, aunque simultáneamente pueda representar en pequeños tamaños otros lenguajes, siempre afines al realismo. Para conseguir el máximo aspecto de realidad Reche persigue la representación del motivo con un alto nivel de iconicidad, que procede de la documentación fotográfica, representándolo dentro de una pensada composición formal.

 
La temática del paso del tiempo se aborda dentro del lenguaje hiperrealista  retratando imágenes contemporáneas en la conciencia de que van a desaparecer, lo que supone la pérdida de importancia del presente. En alguna de sus obras se hace patente el tema de "la Vánitas"  a través de la representación de las obras en la ciudad, como en "Euskalduna en ruinas" y de "la fugacidad de la vida" como en "Obras del Metro".
En algunos cuadros ha representado versiones imaginarias del paso del tiempo como ocurre en "El nuevo San Mamés" y en "Crepúsculo".Otro aspecto importante en su pintura es la incorporación imaginaria de reparaciones en la calle, que podemos observar en muchas escenografías de sus cuadros, como en "Ercilla hacia la Plaza Moyua".
 

La estética de la arquitectura, siempre referida a un momento concreto de la historia, expresa su relación atemporal con el hombre: el entorno en el que se vé inmerso, el que verá comenzar y después desaparecerá, dentro de unos espacios que le son ajenos, ya vividos por otros en el pasado y que otros viviran en el futuro; la arquitectura como un marco donde suceden diversos ciclos vitales. Los edificios en construcción, las obras en la ciudad, son un retrato del paso del tiempo. La destrucción o la ruina son la huella que queda con el transcurso de los años. Los coches suponen su relación biográfica con el tiempo, son una posibilidad, la huída y la libertad. Debido a su carácter escultórico, como representación del diseño contemporáneo, también los utiliza para concentrar el interés visual en algunas partes de la composición compensando las masas arquitectónicas y que en sí mismas tienen el mayor atractivo del cuadro.
 
 El motivo del espacio urbano no sólo refleja un interés arquitectónico y documental sobre este tipo de espacio, (biográfico, desde el interior de la ciudad con sus edificios) sino que subraya varios aspectos: la importancia de su arquitectura -edificios que estuvieron allí en ese momento y hoy pueden haber sido derribados-, planteando al espectador nuevas maneras de contemplar la ciudad.
 El carácter se expresa a través de tres elementos plásticos que más se alejan de la expresión fotográfica y que más la corrigen: el color. el espacio y la luz, a través de los cuales podemos detectar las dos influencias pictóricas fundamentales en este artista: Richard Estes   y Canaletto , dos caracteres diferentes dentro de la representación de motivos urbanos. Otros pintores de influencia menor, pero no menos importante en la representación del paisaje son: Bernardo Bellotto y Jan van der Heyden dentro de la corriente dieciochesca, De Chirico, Delvaux, Ernest, Dalí... desde el surrealismo. Otras influencias contemporáneas son Gerhard Richter (en lo referente a la tematización de lo visual), Edward Hopper (soledad) y Ralph Goings  (reflejos).
 

 El color en sus imágenes, expresa efectos subjetivos, forzados hacia diferentes expresiones, mostrando un determinado momento de la luz solar y una determinada armonía cromática
Utilizando siempre una amplia paleta, la superficie adquiere una especial vibración, que se acerca a la organización del impresionismo con abundancia de fragmentaciones de los campos cromáticos, y con numerosos matices que en ellos encontramos.

La luz

Se expresa a través de diseños de claroscuro claros sin llegar al sistema de luces barroco (máximo contraste). La gran cantidad de detalles de las formas en las zonas en sombra, hacen que resulten visualmente más claras, alejándole del carácter fotográfico.

 

Basado en imágenes que vuelven la mirada al pasado como fuente de inspiración, recordando la estética y valores del pasado y cuya finalidad es plasmar la pérdida de importancia del presente. Ese acercamiento al pasado se realiza o bien por los aspectos formales: motivo, composición, armonía... "Bilbao. La Naja 1902", "Reparaciones en el muelle" o por el contenido, "Museos Capitolinos. Roma" y "Reche. Museo de reproducciones y D Manuel Balsa 1999".

Realismo objetivo-fotográfico

Retrata imágenes contemporáneas en la conciencia de que van a desaparecer. El objetivo perseguido es la identificación entre cuadro y realidad, no entre cuadro y fotografía. El pintor no imita, escoge, selecciona, ordena y traduce informaciones gráficas de la realidad. Esta operación abstracta se condensa en un cuadro de aspecto fotográfico, donde la manipulación es evidente. Se debe observar también la densidad y variedad de formas, objetos o signos que utiliza y que dan al conjunto una expresión barroca. Las imágenes están llenas de efectos lumínicos, reflejos, penumbras con gran cantidad de detalles, metales, transparencias, brillos, destellos... . La textura del lienzo es imperceptible, permite la contemplación de la realidad con una nitidez máxima. La ocupación espacial, en el reparto de masas son los edificios los que ocupan la mayor parte de la extensión del lienzo, seguidos por el suelo y el cielo. Los pesos visuales están representados por contrastes cromáticos y acromáticos.

• En algunos de sus cuadros Reche sitúa connotaciones relativas a la "Historia de la Pintura" o a la pintura misma, así como a lugares que contienen connotaciones sentimentales.
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• En 1984 la cafetería y sala de exposiciones Windsor, realizó una exposición colectiva de artistas contemporáneos, con motivo de homenajear al pintor vasco Aurelio Arteta. Reche coloca en el escaparate de "Cafetería Windsor 86" un cuadro de Arteta perteneciente a la serie de "Pescadores".

• En Algorta II, muestra en primer plano un portal que hace las funciones plásticas de escaparate. En el mismo, Reche coloca un cuadro de Brueghel con temática invernal, contrastando con la representación del paisaje veraniego que aparece en el cuadro. En el escaparate de "Galería Bay Sala", muestra obras del pintor vasco Elías Garralda, junto a un libro dedicado al mismo pintor. Es una galería muy frecuentada por Reche, especializada en obras de artistas relacionados con el impresionismo y el postimpresionismo.

En "Ercilla" 86, coloca un cuadro de Giorgio de Chirico en el escaparate del primer plano, pintor metafísico que compone espacios con mezclas de perspectivas y escalas diversas significativas estudiadas por Reche., en el kiosco central se exponen numerosos ejemplares del cómic Tintín de Hergé  y el árbol estratégicamente colocado nos indica, mediante una rama, el domicilio donde vivió el pintor por última vez con sus padres. Este cuadro recuerda al vedutismo, siglo XVIII, por la manera de ver el espacio: desde arriba, con un punto de vista elevado, como algo que informa de un territorio "vista del lugar", utiliza como recurso espacial una marcada perspectiva lineal, plantea dos fachadas escorzadas estableciendo las distancias escalonadas suavemente desde el primer plano hasta un punto en la lejanía que detiene la mirada.
 

El escaparate marca una dinámica espacial: el contraste de la perspectiva lineal con este espacio cubista, formado por superposiciones e intersecciones y cruzamientos de paredes, suelos, planos de cristal de ventanas o puertas, y los reflejos y dobles reflejos de todo ello entremezclado, recuerdan los planos transparentes interseccionados de la cuarta dimensión, al mismo tiempo nos sitúa en un espacio donde se da la circunstancia de que lo que tenemos delante, al mismo tiempo está también detrás.
 

El ojo al mirar un reflejo sobre un cristal solo es capaz de de enfocar una imagen, el reflejo o el interior, pero el pintor tiene en su mano plasmar en un cuadro ambas miradas a la vez, convirtiendo la realidad en una fantasía, planteando el juego de realidad/irrealidad.
"La realidad y los reflejos de realidad se hacen indistinguibles los unos de los otros, incluso la realidad se convierte en una fantasía, en vez de ser detalles que objetivamenten expliciten la realidad."

Las figuras en los cuadros permiten al espectador construir historias a su alrededor, al prescindir de ellas , es más pura la experiencia visual sobre el espacio urbano, sin renunciar nunca a ellas, su presencia se hace más notoria en las últimas obras.
Los cuadros presentados, además de la riqueza pictórica y del nivel de iconicidad que contienen, presentan un valor documental que puede interesar a otros ámbitos que no son sólo el artístico como: el arquitectónico, el histórico... ya que dejan constancia de los cambios acontecidos con el paso del tiempo.
La modificación de un reflejo, un traslado, la posición de una luz, o el poner o quitar un automóvil, son cambios demasiado sutiles para alterar sustancialmente a uno su respuesta hacia las pinturas, se deben al sentido intuitivo del propio pintor, al equilibrio y a la tensión que, obviamente, no puede ser considerado tan simple como una confirmación de veracidad o una reproducción de la realidad

 

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