Dorothea Rockburne

Born 1932

Contemporary artist Dorothea Rockburne, part of an influential 1960s circle of artists and performers, became known for austere, yet complex and referential works.

While bouts of pneumonia often confined her in early childhood, Rockburne soon became an avid attendant of weekend art classes at Montreal’s Ecole des Beaux-Arts. Her formal art training continued at Black Mountain College in North Carolina, where Rockburne found her work influenced by peers Robert Rauschenberg, Cy Twombly, and modern-dance pioneer Merce Cunningham.

In New York City, Rockburne participated in various dance classes and joined innovative performing artists Steve Paxton, Carolee Schneemann, and former classmate Rauschenberg in the Judson Dance Theater Collective. Rockburne's first one-woman exhibition, held in New York in 1970, launched her career as a full-time visual artist.

Since then she has produced numerous series of largely monochromatic works known as painted structures, inspired by such diverse sources as the Golden Section, Italian Renaissance frescoes, and Mandelbrot's ideas about fractals. Rockburne’s body of work is unified by her desire to reveal processes; her creations are neither drawings nor paintings nor sculptures, but reside amid these categories.

Rockburne has taught in New York, Maine, and Rome; won awards from the Guggenheim Foundation and the National Endowment for the Arts; and had important solo shows in Europe, Canada, and the United States, including a major 1989 retrospective at Brandeis University.

- See more at: http://www.nmwa.org/explore/artist-profiles/dorothea-rockburne#sthash.WYiFOSdT.dpuf

Dorothea Rockburne

Nació en Montreal, Canadá, en 1932. Vive y trabaja en Nueva York.  Estudió en Montreal Museum School y en Black Mountein College.  Cuando estaba en Black Mountain College, la enseñanza de Max Dehn, un famoso matemático y amigo de Abert Einstein, causó un gran impacto en la obra de Rockburne.  Dehn le enseño la geometría de Pitágoras y de Euclides, teoría y topología, y los conceptos de los intervalos armónicos. La enseñaza de Dehn emergía del mundo matemático y llevó a Rockburne a complejos acercamientos a la astronomía, cosmología y a una fascinación por el uso de los antiguos egipcios de la proporción y de la luz . Trabajó con distintos materiales, incluso con pintura industrial, papel carbón, metal y varios materiales naturales como lino, papel, etc.

Se trasladó a Nueva York en  1955 donde conoció a muchos artistas y poetas -

Ha dado clases  en Nueva York, Maine y Rome y ha recibido premios de la Guggenhein Foundation y de National Endowment for the Arts-  Ha expuesto en Europa, Canada y en los Estados Unidos

  Es miembro de la American Academy of Arts and Letters y de la National Academy of Design

Dorothea Rockburne

Born 1932

Contemporary artist Dorothea Rockburne, part of an influential 1960s circle of artists and performers, became known for austere, yet complex and referential works.

While bouts of pneumonia often confined her in early childhood, Rockburne soon became an avid attendant of weekend art classes at Montreal’s Ecole des Beaux-Arts. Her formal art training continued at Black Mountain College in North Carolina, where Rockburne found her work influenced by peers Robert Rauschenberg, Cy Twombly, and modern-dance pioneer Merce Cunningham.

In New York City, Rockburne participated in various dance classes and joined innovative performing artists Steve Paxton, Carolee Schneemann, and former classmate Rauschenberg in the Judson Dance Theater Collective. Rockburne's first one-woman exhibition, held in New York in 1970, launched her career as a full-time visual artist.

Since then she has produced numerous series of largely monochromatic works known as painted structures, inspired by such diverse sources as the Golden Section, Italian Renaissance frescoes, and Mandelbrot's ideas about fractals. Rockburne’s body of work is unified by her desire to reveal processes; her creations are neither drawings nor paintings nor sculptures, but reside amid these categories.

Rockburne has taught in New York, Maine, and Rome; won awards from the Guggenheim Foundation and the National Endowment for the Arts; and had important solo shows in Europe, Canada, and the United States, including a major 1989 retrospective at Brandeis University.

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Dorothea Rockburne

Born 1932

Contemporary artist Dorothea Rockburne, part of an influential 1960s circle of artists and performers, became known for austere, yet complex and referential works.

While bouts of pneumonia often confined her in early childhood, Rockburne soon became an avid attendant of weekend art classes at Montreal’s Ecole des Beaux-Arts. Her formal art training continued at Black Mountain College in North Carolina, where Rockburne found her work influenced by peers Robert Rauschenberg, Cy Twombly, and modern-dance pioneer Merce Cunningham.

In New York City, Rockburne participated in various dance classes and joined innovative performing artists Steve Paxton, Carolee Schneemann, and former classmate Rauschenberg in the Judson Dance Theater Collective. Rockburne's first one-woman exhibition, held in New York in 1970, launched her career as a full-time visual artist.

Since then she has produced numerous series of largely monochromatic works known as painted structures, inspired by such diverse sources as the Golden Section, Italian Renaissance frescoes, and Mandelbrot's ideas about fractals. Rockburne’s body of work is unified by her desire to reveal processes; her creations are neither drawings nor paintings nor sculptures, but reside amid these categories.

Rockburne has taught in New York, Maine, and Rome; won awards from the Guggenheim Foundation and the National Endowment for the Arts; and had important solo shows in Europe, Canada, and the United States, including a major 1989 retrospective at Brandeis University.

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Yvonne Jacquette

Ivonne Jacquette, nacida en Pittsburgh, Pensilvania, en 1934, es una pintora y grabadora conocida por sus paisajes aereos, especialmente tomados a baja altitud, vistas de ciudades, pintadas normalmente con una distintiva técnica puntillista

Se crió en Stamford, Conneticut y estudió en Rhode Island School of Desigh. Dio clases en el Moore College en Arland. en la Parsons School of Design y  en la universidad de Pensilvania

En 1969, durante un vuelo a San Diego, las imágenes aéreas despertaron en ella un enorme interés, así que empezó a volar en aerolíneas comerciales. Pronto empezó a hacer diseños para pinturas desde el aire, como los veía desde arriba y así empezó a desarrollar el definitivo elemento de su arte. 

Durante las décadas de 1980 y 1990 alquiló vuelos charter desde New Jersey para sobrevolar la ciudad de Nueva York y poder hacer bocetos de lo que veía. Tambien trabajó desde el Empire State Building y desde 2001 uso a menudo oficinas vacías

Ha pintado escenas aereas  de  San Francisco, Chicago, Minneapolis, Filadelfia, Vancouver, Tokio y más recientemente Nueva Orleans etc.

Su  obra figura en colecciones de mas de  40 museos como el Brooklyn Museum, NY Hirshhorn, Sculpture Garden en Washington, the Metropolitan museum of Art, Nueva York, The Museum of Mordern Art, Nueva York, Philadelphia Museum of  Art y el Whitney Museum of American Art, Nueva York, entre otros

Kiki Kogelnik

1935-1997- Pintora, escultora y grabadora. Nació en Bleiburg, Austria. Estudió  en la Academia de Bellas Artes  en Viena. Sus pinturas estaban influenciadas por artistas como Serge Poliakoff y Karel Appel.  Despues de conocer a Sam Francis durante un viaje a Venecia, se trasladó a Nueva York en  1961. Poco despues de su llegada dio un cambio radical a su pintura, renunció a la abstracción gestual y comenzó a hacer composiciones figurativas afines al arte Pop Se movió en los círculos del arte pop de Nueva York y se hizo amiga de Claes Ondenburg y de Roy Lichtestein y fue asidua visitante de la Factory de Andy Warhol. Como muchas mujeres de su generación le resultaba dificil conseguir el respeto y atención en el mundo del arte, dominado por hombres. 

Ademas de este desafío tambien estaba el hecho de que su trabajo  no tenía fácil clasificación. Realizó una serie de pinturas y dibujos hechos con la creencia que el arte "viene de lo artificial" Esto la llevó a explorar las posibilidades formales y conceptuales de la pintura. el dibujo, la escultura y el grabado. Tambien experimentó con materiales sintéticos apropiados para producir efectos sorprendentesEn 1966 se casó con un médico radiologo, George Schwarz en Londres, pero volvió a Nueva York al año siguiente. Su obra, a partir de mediados de la década de  1960,  investiga en la ciencia, tecnología y en el potencial de la era espacial.   En  1969, con motivo del lanzamiento del Apolo 11 hizo un happening lunar en  la galería Nachst St Stephan en Viena, donde realizó una serie de obras "lunares" durante la retransmisión del acontecimiento. sus pinturas y dibujos son complejas meditaciones sobre superficies pictóricas, una estratificación multivalente de imágenes y construcciones sociales de género. En el centro de todo ello está la práctica de una sutil comprensión de como las representaciones dan forma a la indentidad del yo individual.  Este reconocimiento de la espetacularidad de la cultura contemporánea y su impacto en el propia subjetividad encuentra correspondencia en la forma que ella jugó con su propia imagen en un contexto público. De vez en cuando se filmaba en su estudio o en las calles de Nueva York y asistía a fiestas con una variedad de trajes sorprendentes

JOSE MARIA BARREIRO GOMEZ

«En los años 60 el Eligio era el verdadero centro cultural de Vigo»

Barreiro afirma que sentir nostalgia de vivencias pasadas «es una de mis mejores riquezas». Valora especialmente los cuatro años que compartió piso con Lugrís

Desde edad bien temprana demostró José María Barreiro sus dotes para la pintura. «En el colegio hacía los exámenes de dibujo a los compañeros», afirma. Éstos se limitaban a dar el cambiazo y, claro, aprobaban. Mal se imaginaba él (ni su madre, que solía quejarse de que le dejaba la casa «hecha un cristo»), que un día su obra estaría colgada en instituciones, museos, galerías y casas de coleccionistas de todo el mundo. El último escenario en el que descubrió una fue en el vestíbulo del hotel Sheraton de El Cairo.

Puesto en la tesitura de elegir rincón se decanta por el Eligio, aunque también le gusta la zona de la Travesía de Vigo en la que se levanta una de sus contadas esculturas. Asegura que «en los años sesenta la taberna de Eligio era el verdadero centro cultural de Vigo». Recuerda que allí nacieron iniciativas como la exposición de pintura de la plaza de la Princesa.

Barreiro sigue siendo cliente de la taberna que un día fue escenario habitual de encuentro, entre otros, de Blanco Amor, Celso Emilio, Don Valentín, Don Paco, Oroza, Pousa, Mariño, Lodeiro, Mantecón, Massó, Alfageme... que, en torno a una taza de vino, hablaban (o discutían si se terciaba) sobre lo humano y lo divino.

Apenas había cumplido los 18 cuando realizó su primera exposición. Su ilusión era viajar a París. Trabajó como escaparatista -«está mal que yo lo diga pero soy un buen decorador»- para poder cumplir dicha ilusión. En la capital del Sena, bajo cuyos puentes durmió más de una vez, pudo pagarse el alquiler de una buhardilla compartida precisamente ejerciendo de escaparatista en Lafayette.

Pasado un año le reclamaron desde Vigo. Los mejores comercios de la ciudad se rifaban su trabajo, así es que siguió compartiendo pintura y decoración. Prácticamente recién llegado conoció en el Eligio a Urbano Lugrís. Éste no estaba en su mejor momento personal, apenas pintaba y prácticamente vivía en la indigencia. «Me lo llevé a casa. Estuvo conmigo cuatro años. Es imposible contar con palabras lo enriquecedor que resulta tener una persona como él a tu lado», asegura.

Otro pintor que influyó en la vida de Barreiro fue Laxeiro. Se conocieron durante un viaje del de Lalín, que entonces residía en Argentina, a Vigo. «Cuando vio mi pintura me invitó a exponer en Buenos Aires». Aceptó la invitación. Para abonar el pasaje a bordo del Pasteur (11.000 pesetas) tuvo que recurrir a un prestamista, al que dejó en prenda un cuadro del propio Laxeiro. «Iba por tres meses y me quedé cuatro años». El cambio de planes empezó cuando nada más llegar tuvo que ponerse a pintar porque se había quedado sin obra durante la travesía. «El capitán me invitó a hacer una exposición a bordo y vendí buena parte de los cuadros», relata.

No lo tuvo fácil en Buenos Aires, cuya efervescencia cultural le fascinó. De la pintura no podía vivir y como no tenía papeles no le daban trabajo. Pidió en Harrods que le dejaran hacer una prueba de escaparatismo mientras preparaba los papeles. Esa misma noche, cuando llegó a casa de Laxeiro, tenía un recado del director para que se presentara en su despacho. «Dos días después tenía el permiso de residencia», cuenta.

Cuando en 1973 regresó de América la mayor tristeza fue encontrar hospitalizado a Lugrís, que murió ese año. «Estábamos en la habitación Antón Patiño y yo. Le enterramos un día lluvioso, triste, en una tumba prestada... Sentir nostalgia de todas las vivencias es una de mis mejores riquezas», dice.

Barreiro, que está preparando la exposición que a finales de año abrirá en A Coruña, no es un artista metódico. Su única rutina diaria es ir al estudio nada más levantarse y encender la luz. Prefiere no poner etiquetas ni a su pintura ni a su escultura, disciplina que empezó a explorar hace unos años. «La obra del artista habla por sí sola y no precisa de representaciones teatrales de su creador», afirma. Añade que la mayoría de los genios pecaron de sencillez y de inocencia.

• LA VOZ DE GALICIA

Barbara Hepworth

• 1903–1975

Escultora británica, una de las figuras mas importantes del desarrollo del arte abstracto en Gran Bretaña. Nació en Wakefield, Yorkshire.  Consiguió una beca por la Leeds School of Art y otra para  el Royal College of Art. Henry Moore fue compañero suyo en ambos centros y se hicieron amigos para toda la vida.  En 1924 se quedó en segundo puesto en el concurso, tras Skeaping,  para el Prix de Rome, pero consiguió una beca y pasó los años 1924  y 1925 en Italia, donde se casó con Skeaping en Roma en 1925, divorciandose en 1933.  Sus primeras esculturas tenían mucho en común con las de Moore pero con una tendencia a simplificar más las formas, y a mediados de la década de  1930 su obra ya era más abstracta. En esta época trabajaba tanto en piedra como en madera, y describió un importante aspecto de sus primeras obras como " la emoción  de descubrir la talla" (había aprendido el corte de piedra en Italia).  En esta preferencia por la talla directa estaba unida a Moore, pero mientras que las abstracciones del él siempre mantenían las formas naturales, las de ella, a menudo, no eran representativas.

Hepwortyh profesó siempre una actitud romántica de afinidad emocional con la naturaleza, al hablar de la talla como "una necesidad biológica"  y  como " una extensión de las fuerzas telúricas que moldearían el paisaje". En 1931 conoció a Ben Nicholson y empezaron a vivir juntos al poco tiempo, se casaron en  1938 y se divorciaron en 1951. A través de  él fue consciente  del desarrollo del arte contemporaneo europeo y el compromiso con la abstracción. Se unieron a "abstraction-Creation" en  1933 y a "Unit One" el mismo año

Fue nombrada Dama en 1965, diez años antes de su fallecimiento durante un fuego en su taller de St Ives en Cornualles, a los setenta y dos años de edad. El taller y su casa forman actualmente el Museo Barbara Hepworth.

 Source: A Dictionary of Modern and Contemporary Art (Oxford University Press)

Zdzisław Beksiński

Zdzisław Beksínski (24 de Febrero 1929, Sanok, Polonia – 21 de Febrero de 2005, Varsovia, Polonia) fue un renombrado pintor, fotografo y escultor polaco. Ejecutó sus dibujos y pinturas de un género que él mismo llamó baroco o gótico. El primer estilo es dominado por la representación, los mejores ejemplos vienen de su periodo de Realismo fantástico, cuando pintó imágenes distorsionadas de un ambiente surrealista y de pesadillas. El Segundo estilo es más abstracto, siendo dominado por la forma, y está tipificado por las últimas pinturas de Beksínski.

Beksínski nació en el pueblo de Sanok, en el sur de Polonia. Después de estudiar arquitectura en Cracovia, regresó a Sanok en 1955. Posterior a esta formación, trabajó varios años como supervisor de construcción, labor que odiaba profundamente. En esa misma época, se estaba empezando a interesar en la fotografía, el fotomontaje, la escultura y la pintura. Realizó sus esculturas de plástico, metal y alambre. Su fotografía tuvo varios temas que además aparecerían en sus futuras pinturas, presentando rostros arrugados, paisajes y objetos con texturas agitadas, en los que enfatizó (especialmente para manipular luces y sombras). Su fotografía además describía imágenes inquietantes, tales como muñecas mutiladas con sus caras arrancadas, retratos de personas sin rostro o con la cara envuelta en vendajes. Más tarde, se concentró en la pintura. Sus primeras pinturas fueron de arte abstracto, pero a los largo de las década de 1960 sus inspiraciones surrealistas fueron más visibles.

Beksínski no tuvo entrenamiento formal como artista. Sus cuadros fueron principalmente creados usando pintura al óleo en paneles de aglomerado que el mismo preparaba, aunque también experimentó con pintura acrílica. Escuchaba música clásica mientras pintaba, ya que el silencio le molestaba.

En 1964, una prestigiosa exhibición en Varsovia probó ser su primer éxito, pues todas las pinturas fueron vendidas.Beksiński se arrojó de lleno en la pintura, y trabajó prolíficamente en esta actividad (siempre al agobio de música clásica). Pronto se convirtió en la figura líder del arte contemporáneo polaco. En los tardíos años sesenta, incursionó en lo que el mismo llamó su “periodo fantástico”, en el que duró hasta mediados de la década de los ochenta. Este es su periodo más conocido, durante él creó imágenes perturbadoras, mostrando un mundo surrealista y post-apocalíptico, pormenorizando escenas de muerte, putrefacción, paisajes repletos de calaveras, figuras deformadas y desiertos. Estas pinturas fueron bastante detalladas, demostrando su marcada precisión y perfeccionismo. Al tiempo Beksínski expresaba, “Deseo pintar de la misma forma como si estuviese fotografiando los sueños”.

Pese al tono sombrío de su arte, Beksínski afirmaba que algunos de sus trabajos eran indescifrables; en su opinión, estos guardaban un tema optimista e incluso humorístico. En ocasiones expresaba que no sabía el significado de sus propias obras y no le interesaba en lo posible hacer interpretaciones. Siendo consecuente con esto, se rehusó a proporcionarle títulos a sus pinturas y dibujos.

Antes de mudarse a Varsovia en 1977, quemó una selección de su trabajo en el patio trasero de su casa, sin dejar documentación alguna. Lo hizo porque consideraba que estas obras eran demasiado personales o insatisfactorias para que fueran públicas.

La década de los ochenta marcó un periodo de transición para Beksínski. Durante este tiempo, sus obras se volvieron famosas en Francia debido al esfuerzo de Piotr Dmochowski, lo que le proporcionó significativa popularidad en Europa Occidental, Estados Unidos y Japón. A finales de los ochenta y principios de los noventa se enfocó en imágenes tipo-escultura prestas en una restringida paleta de colores, incluyendo una serie de cruces. Las pinturas en este estilo parecen a menudo haber sido bosquejadas densamente en líneas coloreadas, fueron menos esplendidas que las conocidas en su “periodo fantástico”, pero igual de intensas. Su último periodo, a finales de los noventa, estuvo influenciado por la imagen y la manipulación computarizada.

El último tercio de los años noventa fue un periodo severo para Beksínski. Su esposa, Zofía, murió en 1998. Un año más tarde, en la navidad de 1999, su hijo Tomasz (un popular presentador de radio, periodista musical y traductor de cine) se suicidó. El mismo Beksínski descubrió el cuerpo de su hijo. Incapaz de aceptar la muerte de este, colgó de la pared de su alcoba un sobre que decía, “Para Tomek (diminutivo de Tomasz) en caso de que yo fallezca".

El 21 de Febrero de 2005, Beksínski fue hallado muerto en su apartamento en Varsovia con 17 puñaladas en su cuerpo, dos de ellas fatales. Robert Kupiec (el hijo adolescente del conserje del edificio), quien más tarde se declaró culpable, y un amigo fueron arrestados poco después del crimen. El 9 de Noviembre de 2006 Robert Kupiec fue condenado a 25 años de prisión, y su cómplice, Łukasz Kupiec, a 5 años por la corte de Varsovia. Antes de su muerte, Beksínski se había negado a prestarle dinero a Robert (unos pocos cientos de złotys, apenas 100$).

Pese a que el arte de Beksínski era a menudo lúgubre, el mismo era conocido como una persona agradable que gustaba de la conversación y que poseía un agudo sentido del humor. Era excepcionalmente modesto y algo tímido, eludía los eventos públicos tales como las aperturas de sus propias exhibiciones. Él daba crédito a la música como el principal origen de su inspiración. Afirmaba no estar muy influenciado por la literatura, el cine o el trabajo de otros artistas, y casi nunca visitaba museos o exhibiciones. Beksínski evitaba el análisis del contenido de su obra y fue especialmente desdeñoso de los que intentaron u ofrecieron respuestas simples a lo que esta significaba.

• En el pueblo de Sanok, existe una casa museo dedicada a Beksínski.
• En 2006 se dio a apertura al Museo Beksínski en Częstochowa, Polonia, que alberga 50 pinturas y 120 dibujos de la colección de Dmochowski.
• Una “Cruz Beksínski”, en la forma T frecuentemente empleada por el artista, se halla en el desierto de Nevada, Estados Unidos.
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• Nunca le puso titulo a sus obras.
• Es el único artista polaco moderno con exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Japón.
• Siempre que trabajaba lo hacía con música clásica, uno de sus músicos favoritos era Zbigniew Preisner
• Sus obras aparecen en las portadas de la banda The Legendary Pinks Dots, en honor a su hijo que era fan de la banda.
• Una de sus obras aparece en la película Jennifer's Body, cuando Needy, hojea un libro sobre Posesiones. En una de estas páginas se ve la pintura.

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Alice Neel

Alice Neel fue una de las grandes pintoras americanas del siglo XX. Fue una pionera entre las mujeres artistas. Una pintora de personas, paisajes y bodegones.  Neel nunca estuvo ligada a los movimientos de vanguardia.  Conectaba con el espíritu  de los expresionistas del norte de Europa y los pintores del "claro-oscuro"  españoles.  Pintaba de una forma propia.

Nació en ´filadelfia en  1900 y estudió en Philadelphia School of Design para mujeres. Se hizo pintora con una fuerte conciencia social y pensamiento de izquierda. En la década de 1930 vivió en Greeenwich Village, Nueva York y se afilió al Works Progress Administration para el que pintó escenas urbanas. Sus retratos de esa  época representan a escritores, artistas y sindicalistas de partidos de izquierdas

En 1938 abandonó Greenwich Village para irse al  Spanish Harlem para apartarse del enrarecido ambiente de la colonia artística.  Alli pintó la comunidad Portoricense, amigos, vecinos y a la gente que encontraba por la calle.  En 1960 se mudó para Upper West Side e hizo un esfuerzo para  reintegrarse en el mundo del arte. Esto la llevó a  hacer dinámicos retratos de artistas, propietarios de galerías de arte, entre ello Frank O´Hara, Andy Warhol y el joven Robert Smithson. Tambien mantuvo la práctica de pintar personalidades políticas, incluyendo  activistas negros y participantes en movimientos feministas

En la década de  1970 empezó a pintar retratos de su extensa familia y unas series de desnudos.  Sus desnudos juegan entre el erotismo y un punto de vista feminista.

Durante la década de 1970 hizo muchas exposiciones, en 1974 el Whitney Museum of American Art ofreció una exposicion retrospectiva en Nueva York.  A menudo era invitada a dar conferencias y se convirtió  en icono del movimiento feminista.  Fue elegida miembro del National Institute of Arts and Letters, el mayor reconocimiento al mérito artístico en los Estados Unidos, y recibió un número de premios incluyendo el International Women´s Year Award en 1979.  Murió en  1984.  Su centenario se celebró con una gran exposición itinerante ofrecida por    Whitney Museum of American Art, New York y the Philadelphia Museum of Art, entre otros.


 de la página de la artista

Jaune Quick-To-See Smith

JAUNE QUICK-TO-SEE SMITH 1940

Jaune Quick-to-See Smith nació en la Mision India de la reserva Flathead. Es miembro  de Flathead Salish de la confederación Salish y de las tribus Kootenai de la nacion india Flathead en Montana.  Estudió en el Olympic College en Bremeton Washington y tiene un master de la Universidad de Nuevo Méjico.  

Es  la artista india mas famosa  hoy en cía. En los 30 años de carrera ha realizado mas de 90 exposiciones y ha dado conferencias en más de 185 universidades y museos, recientemente en cinco universidades en China.  Ha hecho varias obras  públicas como el diseño para el  suelo del vestibulo del nuevo aeropuerto de Denver.  una escultura en Yerba Buena Park, San Francisco y un paseo histórico de una milla de largo en West Seattle

Ha recibido premios y doctorados honoríficos y su obra está representada en los muesos de Arte Moderno de Quito, Viena, Austria, Minneapolis, the Metropolitan y The Whitney Museum, etc.

Se define a si misma como "una trabajadora cultural de arte". Es una defensora de los derechos humanos, del medio ambiente y  principalmente de los derechos de los nativos americanos