Frederick William MacMonnies

(1863-1937)

Pintor y escultor nacido en Nueva York. Estudió en la Academia Nacional de Diseño y en la Art Students League de Nueva York. En 1884 viajó a París para estudiar escultura en la facultad de Bellas Artes. En 1888 abrió un estudio en París y comenzó a crear algunas de sus esculturas más famosas, que presentaría anualmente en el Salón de París. Ese mismo año, con la intervención de Stanford White, consiguió dos encargos para Estados Unidos y se casó con María Fairchild, una colega americana con quien compartía estudio. Se trasladaron a Giverny, donde había una colonia floreciente de artistas. Las sucesivas relaciones de ambos unido a largas ausencias del hogar, los llevó al divorcio en 1909


En 1889 recibió una mención de honor en el Salón de París. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial viaja anualmente a los Estados Unidos para encargarse de los pedidos. En  1891 hizo una fuente para la Feria Mundial de Chicago.  Fue  muy bien recibido y agasajado en su país pero pronto su estilo se quedó obsoleto. Murió a los 73 años, totalmente arruinado por la caida de la bolsa de 1929. Ahora, renovada la apreciación por la escultura y el diseño americano MacMonnies ha regresado a un lugar prominente en la historia del arte

Yiannis Moralis

YANNIS MORALIS (1916-2009) nació en Arta, 
Grecia. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Atenas con Dimitris Geraniotis, Costas Parthenis y Umbertos Argyros y grabado con Yannis Kefallimos. Con una beca que consiguió en la universidad, estudió mosaico y frescos en Roma. Tambien recibió clases de fresco en París, en la Escuela de Bellas Artes y de mosaico en la Ecole des Arts et Métiers. Celebró su primera exposición en Atenas en 1959. Hizo grabados, libros ilustrados y diseños para escenarios  de teatro y danza. Tiene numerosos murales y le dieron el premio Pan-Hellenic. Recibió la medalla de oro en la Muestra internacional de Munich de 1973. En 1947 fue nombrado profesor de la escuela de Bellas Artes.Murió en Atenas en 2009

LA SAGA DE LOS ROUART

                      Henri Rouart retratado por Degas

 Henri Rouart (1833-1912) nació, literalmente, en el corazón del Impresionismo: un año antes que Edgar Degas, con quien estudió, y un año después de Edouard Manet, tío de su futura nuera.  Siempre le gustó la pintura y la practica  como aficionado- Henri, ingeniero brillante, inventa y patenta, entre otros, el correo neumático, un sistema de refrigeración industrial y sobre todo la técnica de hierro hueco, un proceso metalúrgico que le hará rico.

 Henri Rouart and His Son Alexis, 1895-1898 - Edgar Degas

Este hombre, brillante empresario, se encuentra con su amigo de la infancia, el carismático y caustico Edgar Degas y a los 40 años deja de ser pintor aficionado para dedicarse al arte a tiempo completo. 

Inmensamente rico colecciona arte y llena de cuadros todas las paredes de sus mansiones de Lisboa y París. En su colección tiene obras de Delacroix, Jongkind, Courbet, Daumier, Degas, Corot, Velázquez, Poussin, Gauguin etc. Su querido Degas, encuentra en Henri Rouart y sus cinco hijos mucho más que amigos íntimos, una familia.

  autorretratos de Henri y Ernest  Rouart

Ernest Rouart (1874-1942) es el cuarto hijo de Henri. Nacido el año de la primera exposición impresionista. Crece en el medio de una fabulosa colección, rodeado de pintores sin embargo, Ernest hace ingeniería como su padre, que veía en él un perfecto sucesor como jefe del imperio industrial. Pero antes de la graduación  optó por dedicarse por completo a la pintura.

 Julie Manet, 1894

 Ernest se convierte en  alumno de Degas y éste se hace casamentero. Un día vió en una exposición a Julie Manet, hija de Berthe Morisot y Eugene Manet, hermano menor de Edouard Manet. Degas tomó a Julie por el brazo y le dijo "ven que te voy a presentar a tu futuro marido"

Julie Manet, Paul Valéry, Paule Gobillard, Ernest Rouart and Jeannie Gobillard.


 En 1900 se celebró una doble boda, Ernest Rouart y Julie, y la de su prima Jeannie Gobillard con un joven llamado Paul Valéry, Degas acertó totalmente, los cuatro fueron inseparables  toda su vida, compartiendo el mismo edificio parisino, el mismo castillo en el verano y el mismo amor absoluto por el  arte.

Ernest Rouart

Ernest Rouart -París 1874-1942.  Uno de los cuatro hijos de Henri Rouart. Se casó con Julie Manet, hija de Berthe Morisot y Eugene Manet.  Despues de estudiar matemáticas, pensando en entrar en la empresa de su padre, decidió dedicarse a la pintura. Edgar Degas, amigo de la familia, le dio clases y además fue el que le presentó a Julie Manet. 

Ernest Rouart contribuyó mucho al desarrollo del movimiento impresionista organizando grandes exposiciones, especialmente de Manet, Degas y Berthe Morisot. Su hija, Julie Manet tambien fue pintora y uno de sus nietos, Denis Rouart, fue conservador del Museo de Bellas Artes de Nancy. Ernest también se ocupa de proteger mejor la colección de su padre, que con su dispersión en 1912,  tratará de comprar ciertas obras.

 Apasionado por el arte y exigente pintor, expuso por primera vez en  1899 en el Salon de los Independientes, donde conoció  a Bonnard, Vuillard, Maurice Denis y a Henri Rousseau.  

Augustin Rouart

Los Rouart -Una dinastía de artistas: Henri Rouart, fundador, ingeniero,  industrial,  inventor, pero también pintor, amigo de Degas y coleccionista de arte. Uno de su hijos, Ernest, también pintor, se casa con Julia Manet, hija y sobrina del gran Eugène Manet de Berthe Morisot. Será tutores Mallarmé y Renoir.  Otro hijo de Henri, Louis, se casará con Christine Lerolle, a menudo retratada por Renoir, que le  da un hijo, Augustin Rouart. 

Augustin Rouart (1907-1997)

  Augustin es el cuarto hijo de Louis y Christine. Heredó el gusto por el arte de su abuelo y por parte de su abuela materna el amor por la música.Bajo la sombra del omnipresente Degas, Augustin Rouart se convirtió en un pintor que se desliza suavemente en una burbuja fuera del tiempo, lejos de la atmósfera impresionista  de su infancia.

Stanislas Lépine

Stanislas Lépine

Caen, 1835-París, 1892 

 Victor Edouard Stanislas Lépine nació en Caen en 1836. Al comienzo de su carrera artística adopta el estilo del pintor de marinas Johan Barthold Jongkind y se especializa en la ejecución de este tipo de paisajes, como se puede apreciar en Veleros en el puerto de Caen. En 1855 el pintor se traslada a París y en 1859 acude por primera vez al Salon, exponiendo una obra titulada Puerto de Caen a la luz de la luna. Stanislas Lépine se especializó en la ejecución de paisajes urbanos pintorescos, eligiendo con frecuencia las orillas del Sena y las viejas calles de París. 

En 1860 Lépine se decantó por un aprendizaje más profesional bajo la dirección de Jean Baptiste-Camille Corot, en cuyo estudio conoció al pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904). Buena prueba de la amistad entre ambos es que en numerosas ocasiones Fantin-Latour ayudó económicamente a Stanislas. En el estudio de Corot, Lépine desarrolló un estilo personal a mitad de camino entre el planteamiento pastoral tradicional, típico de las composiciones de su maestro, y los paisajes atmosféricos propios de los impresionistas, cuyo prototipo pueden ser algunas obras como Montmartre, Rue Saint Vincent (1878) y Le Pont de Mondo (1880), ambas en el Musée d'Orsay. 

Aunque Lépine nunca alcanzó la popularidad de otros pintores de su misma época, lo invitaron a participar en la primera exposición impresionista de 1874, en la que mostró la obra titulada Orillas del Sena. A lo largo de su vida, participó con regularidad en el Salon (Grove Dictionary of Art). Los cuadros de Stanislas Lépine se apreciaron tanto por sus delicados efectos lumínicos como por su carácter contemplativo; en la actualidad la crítica lo considera precursor del movimiento impresionista.

 Museo Thyssen-Bornemisza

José Manuel VIDAL SOUTO

 
 José Manuel Vidal Souto (Ourense, 1948)  
Su pintura tiene, originariamente, una profunda relación con la sencillez y la ruralidad, una intencionada búsqueda de la esencialidad de la tierra fértil y nutricia de nuestras aldeas, desde los ojos de alguien ansioso de aprender, dispuesto a dejar a un lado los convencionalismos de urbanita y a concentrar su gran fuerza física en la delicadeza expresiva de los pinceles. Los sucesivos descubrimientos que, en ese terreno, ha ido haciendo con su arte, pueden seguirse, desde luego, recorriendo la geografía de sus productivas soledades en los diferentes lugares en que se fue asentando, siempre provisionalmente hasta que logró encontrar relativa tranquilidad en una aldea próxima a Leiro. 
 
 Tojos y retamas, piornos y acacias, con sus floraciones verdes y amarillas intensas, junto a sombreros de paja campesinos, iban inundando de color las telas. Como objeto único de atención, en un estilo entre impresionista y expresionista, con una factura pictórica densa  que acentuaba fuertemente el lado escultórico con que se le imponía aquella realidad absorbente. Por entonces, le quedaba tiempo y energía suficientes como para desarrollar ensayos con el volumen, que le permitía la labra de diversas rocas que poblaban el patio de aquella casa.


Información Faro de Vigo

Wayne Thiebaud

Wayne Thiebaud  1920- conocido por sus cuadros de pasteles, barras de labios, latas de pintura, helados, etc.  Se le asocia al pop art por su interes en objetos de cultura de masas.

 Nació en una familia de mormones en Mesa, Arizona, Estados Unidos. Su familia se trasladó a Long Beach, California, cuando el tenía seis meses. Un verano, cuando aún estaba en la escuela, fue aprendiz en los estudios de Walt Disney. Al verano siguiente estudió en Frank Wiggins Trade School en Los Angeles. Desde 1938 hasta 1949, trabajo como dibujante y diseñador en California y Nueva York. Desde 1942 hasta 1945 sirvió como artista en las Fuerzas Armadas. Eb 1949 se matriculó en la Universidad del estados de San José y despues en la de Sacramento.

 Realizó su primera exposición en Crocker Art Gallery en Sacramento y desde 1954 a 1957 produjo once peliculas educativas por las que recibió una beca. Fue profesor en el departamento de arte en la universidad de Sacramento hasta 1959 y despues en la universidad de California

Utiliza pigmentos fuertes para exagerar los colores y destacar los temas

Álvaro Caruncho

 1948-.2011
Nacido en a Coruña en 1948, Caruncho comenzó su carrera artística como ilustrador y diseñador gráfico, tras cursar sus estudios en la Escuela de Artes Pablo Picasso. En 1972 comenzó a colaborar con la histórica revista satírica La Codorniz, en la que destacó gracias a unas ilustraciones en las que el surrealismo se entremezclaba con la crítica política.
Abelenda, que también trabajó en el semanario fundado por Miguel Mihura, destaca la versatilidad de la que hizo gala Caruncho durante toda su carrera: "Tenía una gran capacidad de trabajo: hizo publicidad, grabados y serigrafías, y deja detrás una gran obra, muy buena y abundante. Tenía una gran capacidad de trabajo, y trabajó hasta el último día".
Fue precisamente su compromiso durante su trayectoria en la ilustración lo que hizo que Caruncho fuera galardonado con un premio internacional de humor antifascista en Atenas. También relacionado con el humor fue otro de sus trabajos más populares, los Poemas de golf, con los que el escritor Francisco Xavier de la Colina satirizó sin piedad la sociedad coruñesa de los años 70, en los que Álvaro Caruncho colaboró ocupándose de la parte gráfica de la obra.
El premio que recibió en Grecia fue el primero de los reconocimientos internacionales del artista coruñés, que expuso sus creaciones en galerías de todo el territorio nacional y en el extranjero, además de participar en eventos como la segunda Bienal Internacional del Arte Contemporánea de Florencia, y la décima edición de la Feria de Arte Contemporánea de Innsbruck, en Austria.
En sus últimos años, Álvaro Caruncho se centró en su faceta como pintor, dejando de lado su vertiente humorística y sustituyéndola por sus coloristas lienzos, que expuso en numerosas instalaciones en la ciudad, tanto individuales como colectivas. "Era muy suyo -recuerda Abelenda-, y tenía un carácter muy independiente y particular. Le gustaba hacer la guerra por su cuenta".

Fuente- La opinión a Coruña

ELENA GAGO

1940-2011
Gago formó parte de la generación de la que partió la renovación de la pintura gallega en los años sesenta.

Inició su formación en su ciudad natal y después se trasladó a Madrid, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y en el Círculo de Bellas Artes. Comenzó a exponer en 1959.

Después de su paso por la capital de España realizó numerosos viajes al extranjero para ampliar sus conocimientos y cursó estudios de música y danza. La década de los setenta supuso para María Elena Fernández-Gago una gran repercusión internacional, con exposiciones en países como Estados Unidos, Japón, Bélgica, Suiza o Alemania -además de numerosas ciudades españolas-, en las que recibió elogios por parte de la crítica.

Su pintura realista, ejecutada siempre con una minuciosidad casi obsesiva, ha merecido críticas favorables de personas como Miguel González Garcés, Camilo José Cela, José Hierro, Fernando Mon o Álvaro Cunqueiro. Es la única pintora que ha colgado sus cuadros en dos ocasiones en el Kiosco Alfonso coruñés, la última de ellas, en el año 2007. Además, Elena Gago es autora de diversos ensayos sobre temas relacionados con el arte.

Manuel Mendive

Nació en La Habana, el 15 de diciembre de 1944.
Se graduó en la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1962. También realizó estudios en el Departamento de Etnología y Folklore, de la Academia de Ciencias de Cuba, y de Historia del Arte en la Facultad de Humanidades, Escuela de Letras, de la Universidad de La Habana.
Pintor de gran cubanía, con una fuerte expresión de las raíces africanas, en especial del panteón Yoruba, este artista mezcla diversas técnicas, estilos y colores, sobre variados soportes y texturas. Lienzo, madera, piel de animales y hasta el propio cuerpo humano, le sirven para dar riendas sueltas a la creatividad de sus extraordinarios mitos y narraciones pictóricas. 

Con apenas once años, resultó premiado en un certamen de pintura infantil en Japón y posteriormente ha recibido una infinidad de premios, tales como el del Salón Nacional de Dibujo (La Habana, 1967); el del Salón de Mayo (París, 1967); el del II Festival de Pintura Internacional Cagnes-sur-Mer (Francia, 1970); la Medalla Alejo Carpentier del Consejo de Estado de La República de Cuba (La Habana, 1988); el Premio Nacional de Artes Plásticas (La Habana, 2001), y la medalla de los Cinco Continentes de la UNESCO, (2009). 

Sobre él, Rogelio Martínez Fouré expresó: “Es difícil clasificar dentro de una escuela o tendencia determinada la obra de Mendive. No es simbolista ni primitivo, en el sentido europeo.” Más que un pintor es un creador termino que permite englobar al pintor, dibujante, escultor, instalacionista, grabador, muralista, escenógrafo, diseñador y artista del performance que es Mendive. Según la opinión de Israel Castellanos: “Creador de un universo y un estilo muy personales, habitados por orishas, deidades fundidas con la naturaleza e iluminadas por una pródiga imaginación, Mendive es una suerte de demiurgo representacional que de cierto modo ha atendido las señales dejadas por esos dos grandes hitos del llamado arte afrocubano: Wifredo Lam (1902-1982) y Roberto Diago (1920-1957).” 

FLAVIO GARCIANDÍA

FLAVIO GARCIANDÍA
VILLA CLARA, CUBA, 1954

 

Flavio Garciandía de Oraá ingresa en 1967 a la Escuela Provincial de Arte de Rolando Escardó, Cienfuegos, y luego concluye los estudios en 1973 en la Escuela Nacional de Arte .

Se desempeña como profesor de dibujo y pintura en la Escuela de Artes Plásticas Leopoldo Romañach de Santa Clara, donde cumple el servicio social. De 1973 a 1980 cursa el nivel superior en el ISA. Trabaja como especialista de la Dirección de Artes Plásticas y Diseño del Ministerio de Cultura y profesor de pintura del ISA.

Utiliza la fotografía como punto de partida en la realización de muchas de sus pinturas. Entre sus obras principales se encuentran Todo lo que usted necesita es amor, la que figura en la colección del Museo de Bellas Artes, en La Habana, y la serie titulada Apuntes para un estudio de la conquista.

Obras suyas se encuentran expuestas además en el Museo de Arte Moderno de Lods, Polonia; en el  Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali, Colombia; y muchas forman parte de colecciones privadas en Cuba y el extranjero. Ha mostrado sus obras de forma individual en Cuba y fuera del país.

Entre sus exposisiciones individuales más relevantes se encuentran: Galería L, La Habana (1973), Casa de Cultura de Plaza (1979); Vereda Tropical (1982); Obra reciente (1983); Museo Nacional (1989 y 1990).

Entre sus exposisiciones colectivas más relevantes se encuentran: Centro Cultural José‚ Martí, México (1981); Amelie A. Walace Gallery, Nueva York, Estados Unidos (1985) y Worth Hall Gallery, Massachusetts Colloge of Art, Boston, Estados Unidos.

Museo Carrillo Gil