Bridget Riley (nacida en Londres, Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.
Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward. Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto. La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.
Graham Vivian Sutherland (Londres, 24 de agosto de 1903 – íd., 17 de febrero de 1980) fue un artista británico.
Nació en Streatham, Londres.Estudió en Epsom College, Surrey y en el Goldsmith's College de la Universidad de Londres, desde 1921 hasta 1926. En 1927 se casó con Kathleen Barry.
No empezó a pintar en serio hasta que tenía treinta y tantos años, después de la caída del mercado del grabado, al que se había dedicado. Sus obras son principalmente paisajes, que muestran una afinidad con la obra de Paul Nash. Sutherland se centra en la inherente extrañeza de las formas naturales, y abstraerlas, a veces dando a su obra una apariencia surrealista; en 1936 expuso en la Exposición Surrealista Internacional de Londres.
Desde 1940 Sutherland fue contratado como artista oficial en la Segunda Guerra Mundial como parte del proyecto de artistas de guerra. Trabajó en el frente doméstico, representando las minas, la industria, y los daños de los bombardeos.
Se convirtió al catolicismo en 1926, y desde alrededor de 1950, hasta su muerte estuvo profundamente implicado en la religión. Después de la guerra produjo varias obras religiosas, incluyendo una Crucifixión (1946) para la iglesia de san Mateo, Northampton y el tapiz Cristo en la gloria (1962) para la catedral de Coventry. También siguió produciendo obras basadas en formas naturales, y consiguió fundir parte de ellas -como por ejemplo las espinas- en su obra religiosa. Desde 1947 hasta los años 1960 su obra se inspiró en el sur de Francia, y adquirió una villa en Menton en 1955. Sutherland también pintó una serie de retratos, siendo el primero y uno de los más famosos, el que hizo de Somerset Maugham (1949). Su cuadro de Winston Churchill (1954) fue destruido por orden de Lady Churchill; han sobrevivido estudios para este retrato.
ANDREW SALGADO 1982, Canada Mis pinturas presentan una perspectiva de un cuerpo masculino en estados elevados de brutalidad melodramática. Estoy interesado en la representación de temas banales y alegóricos, en que las representaciones se refieren a su propio físico y - a través de la aplicación de la pintura gestual - .
El enfoque visceral y emotivo hacia mis pinturas se debe en gran medida, en parte, a partir de un incidente de catarsis en el año 2008, a raíz de que me sentí fascinado por ideas en torno a la masculinidad y comencé a explorar la relación entre los líquidos corporales (es decir, sangre, pus) y las propiedades físicas de la pintura. La mayor parte de mi trabajo, desde entonces ha entrado en un dialogo de sensualidad, identidad, y la confrontación de la comprensión conceptual del yo / y el otro.
A través de mi tratamiento de la forma y el contenido, le pido al espectador que considere los aspectos técnicos de mis pinturas, y también el papel metafórico que los medios de comunicación suponen en mi trabajo, y, finalmente, la relación de mis cuadros con una narrativa más grande y la mitología, en la que cada tema se relacione con las ideas de la psique y la convalecencia. Como resultado, en mi trabajo, a menudo utilizo la historia personal para abordar temas universales, y una política que yo considero muy personal, pero rotundamente humana.
Estoy interesado en como las lujosas, sedosas cualidades de la pintura al oleo predominan en una forma fundamental de acercamiento. Mi trabajo intenta distanciarse de la figuración literal y comprometerse con la explicación con el color, reducción de las formas y el triunfo de la sustancia como manifiestamente seductora y divertida. Mediante la reducción de la literalidad de la imagen prefiriendo una pintura de superficie sensual, espero crear una obra que se relacione con un lenguaje representativo de la pintura.
Al llamar la atención sobre las propiedades puramente tangibles de la pintura, mi objetivo es sacar al espectador de las suturas de los sujetos representados. Con cada trabajo sucesivo, espero llamar la atención sobre lo pictórico en comparación con lo formal, predominando el medio como parte integral de la comprensión y la formación de mi trabajo, y la pintura como referencia tanto de "acto" como de "medio".
Euan Uglow Ernest Richard ( 1932- 2000) fue un pintor Inglés figurativo.
Uglow nació en Londres. Se crió en el sur de Londres, durante la segunda guerra mundial, al convertirse en una zona peligrosa, los niños fueron evacuados primero a Cornwall y luego a Gales, antes de reunirse con su familia en Surrey . La nueva casa de los Uglows en Ewell East fue bombardeada, y regresaron a West Norwood, en 1944, con la madre de Euan, que residió allí hasta su muerte en 1991. Al regresar a West Norwood Euan completó su educación primaria en la Strand senior school in upper Tulse Hill antes de estudiar en Camberwell College of Arts 1948 a 1950.
A continuación recibió una beca para estudiar en la Slade School of Art donde tuvo como profesor a William Coldstream y fue muy influenciado por los pintores de la Euston Road School. Trabajaba directamente del modelo en su estudio de Londres y nunca cambió su forma tradicional. Sus pinturas son únicas e inmediatamente reconocibles por su técnica meticulosa y observación analítica.
La principal preocupación de Uglow era representar la naturaleza en el arte. Entendía el color como fundametal, y pintores como Matisse y los venecianos le influyeron en toda su vida artística, aunque quizás Cézanne, Morandi, Poussin e Ingres estaban más cerca de su corazón.
En 1972 ganó el Premio de Pintura John Moores. En 1982 fue invitado por Uglow Paraskos Stass a pasar algún tiempo en la Escuela de Arte de Chipre , que se tradujo en una serie de paisajes y temas de Chipre.
En 1987 Uglow fue invitado a enseñar en China, donde completó un exitoso programa de siete semanas de tutorial. Euan Uglow fue diagnosticado de cáncer de riñón y murió poco después en el sur de Londres el 31 de agosto de 2000
Nació en Vigo en 1978. Estudios diseño y publicidad. Hasta ahora yo solo me limitaba a "robarle" su dibujos para adornar mi blog pero he pensado que por ser una parte muy importante en mi vida no hay razón para que no la incluya entre "mis artistas preferidos".
Daniel Enkaoua nació en 1962 en Meaux, Francia a una familia judía ortodoxa. A la edad de 19 años, emigró a Israel y se establecieron en Jerusalén, donde estudió el Talmud. Dos años más tarde se trasladó a un kibutz y comenzó a estudiar pintura en el Instituto Avni en Tel Aviv. Pinta las personas que conoce, sus amigos y familiares, y los objetos en su propia casa. Enkaoua ha logrado alcanzar un estilo único y distintivo, destaca por su percepción de la luz y el color.
1960 Nacido en el País de Gales En los últimos 20 años, David Dawson ha sido testigo de algunas de las pinturas más célebres de nuestra época. Dawson se convirtió en ayudante de Lucian Freud - además de ser el modelo para muchos de sus cuadros.
Pero, cada tarde, después de su trabajo con Freud, Dawson regresa a casa para seguir con su propia pintura. Ha capturado escenas de la calle, paisajes urbanos y, más recientemente, el cul-de-sac en los suburbios de noroeste de Londres , donde vive, y el cielo es testigo del cambio desde la ventana de su estudio.
John Davies nació en Cheshire en 1946. Estudió pintura en Hull y Manchester College of Art (1963-67), tras lo cual pasó dos años en la Slade School of Fine Art , Londres. Se le concedió una beca de escultura en Gloucester College of Art en 1989 y al año siguiente ganó el premio Sainsbury. La exposición individual más importante en su carrera tuvo lugar en la Whitechapel Art Gallery de Londres, en 1972, seguida por otra en el mismo lugar tres años después. Una exposición más reciente fue en la galería de arte Whitworth , de la Universidad de Manchester , en 1995-96. Sus esculturas y dibujos han sido incluidos en numerosas exposiciones colectivas en el Reino Unido, Europa, América, India, Australia y Japón. La Escultura de John Davies y los dibujos se centran en la figura humana. Ha escrito: «Las personas son nuestro mundo, el sol, la luna y las estrellas." El gesto sigue siendo importante en sus esculturas, donde una mano extendida o con una ligera inclinación de cabeza pueden indicar la presencia de otro.
La presencia de los demás también puede ser sugerido por una pequeña mano contra un gran cara o varias manos unidas. Cabezas, desde pequeñas piezas que se pueden coger entre dos dedos a cabezas gigantes como enormes rocas erosionadas por el viento y el mar, demuestran su habilidad con la escala y el dibujo. Características finamente delineadas y texturas bien trabajadas indican el carácter y el sentimiento y muchos otros aspectos de la condición humana. El propio artista habla de su fascinación por la exploración de la forma humana: "Mi trabajo me ha llevado a acercarse a la gente - en una especie de círculo. Mi escultura parece que tiene esa función para mí. Si se hace lo mismo con otras personas que significan mucho para mí. " John Davies vivió y trabajó en Salónica, al norte de Grecia, a mediados de 1990, pero ahora vive en Londres.
Jean-Louis Forain (Reims, 23 de octubre de 1852 - † 11 de julio de 1931) fue un pintor e ilustrador francés en la órbita de Toulouse-Lautrec, a quien en realidad precedió como observador de la vida moderna. Es considerado el benjamín (miembro más joven) del grupo impresionista. Nació en el seno de una modesta familia de artesanos. Trasladado a París a los once años de edad, contó con la protección del escultor Jean-Baptiste Carpeaux y estudió por un tiempo en la École des Beaux-Arts, en el estudio de Jean-Léon Gérôme, si bien su formación fue autodidacta en gran medida. Forain entró a trabajar con el caricaturista André Gill. Destacaría como ilustrador para publicaciones como Le Monde parisien y Le Rire. Representaba principalmente el mundo del teatro y los cafés, pero buscó el humor en todos los contextos, y sus dibujos más satíricos son los de jueces y abogados de hacia 1900, en lo que conectó con un ilustre predecesor: Honoré Daumier.
Bajo influencia de Manet y Degas, Forain abordó temas recurrentes en ellos: el teatro, las carreras de caballos, los cafés, la ópera y también las casas de alterne. Rechazado en el Salón de 1874, en años posteriores se integró en el denostado grupo impresionista. Entre 1879 y 1886 participó en cuatro exposiciones impresionistas, invitado por Degas, y llegó a participar en una colectiva de la galería Durand-Ruel en Nueva York. Pero finalmente, se aceptaron obras suyas en los Salones oficiales de 1884 y 1885 (entre ellas, El viudo del Museo de Orsay de París). Su primera muestra individual tuvo lugar en 1890, en la galería Boussod et Valadon, dirigida por Theo van Gogh, hermano del célebre pintor.
Su despegue como autor popular arrancó en la década de 1890, con sus caricaturas satíricas. Admirador de Goya, visitó Madrid en 1894 y 1900, la segunda vez para visitar una exposición sobre el pintor español.
En 1913 se le dedicó una exposición con 390 piezas en el Museo de Artes Decorativas de París, y cuatro años después se exhibió otro amplio conjunto (75 obras) en la Exposición de Arte Francés celebrada en Barcelona.
Forain es considerado un precursor de Toulouse-Lautrec. Se cree así mismo que una caricatura suya inspiró a Edward Hopper su famoso cuadro Habitación de hotel (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza).
En 1921, por compromiso a su ciudad natal, ofrece al museo de Reims un importante lote de dibujos.
Muere el 11 de julio de 1931, su tumba se encuentra en Le Chesnay, cerca de Versalles en donde poseía una propiedad.
Stephen Conroy nacido en 1964 en Helensburgh, Escocia, es un pintor de retratos. Estudió en la Escuela de Arte de Glasgow. Su trabajo fue incluido en la muetra The Vigorous Imagination, en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, Edimburgo, 1987 y en la pintura británica New Scientist, que recorrió cinco ciudades estadounidenses entre 1988-1990. Hizo una exposición individual en la Marlborough Fine Art, de Londres, en 1989, que viajó a Manchester y Glasgow en 1992. Expone nuevamente en Marlborough Fine Art en 2000.
Steven Campbell ( 1953- 2007) fue un pintor de Gran Bretaña .
Campbell nació en Glasgow y trabajó como ingeniero antes de estudiar en Glasgow School of Art de 1978 a 1982.
Campbell nació en Glasgow y trabajó como ingeniero antes de estudiar en la Glasgow School of Art, 1978- 1982.
Al finalizar la carrera recibió una medalla de oro - Bram Stoker gold medal-, y una beca que le permitió irse a Nueva York. Campbell regresó a Glasgow en 1986, y ese mismo año su pintura The Dangerous Early and Late Life of Lytton Strachey fue adquirida por la Tate . Al año siguiente fue incluido en una exposición colectiva, The Vigorous Imagination New Scottish Art en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno de Edimburgo, como parte del Festival de Edimburgo , en la que cimentó su estatus dentro del mundo del arte moderno de Escocia por ser uno de los artistas más importantes. 1987 fue también el año de su primera exposición en London art gallery Marlborough Fine Art
A finales de 1990 Campbell se retiró de la vida pública por las preocupaciones sobre su salud. Realizó una exposicion en 2002, que resultó ser su última gran muestra, en la Galería de Talbot Rice, en Edimburgo.
Campbell murió de una apendicitis el 15 de agosto de 2007, con 54 años. Estaba casado y tenía tres hijos. El estilo de Campbell es figurativo, utilizaba colores fuertes que tienen a ser dominados por una luz azul-verde. Su temática ha sido descrita como centrada en la ridiculez surrealista del caballero Inglés. Sin duda, una serie de sus pinturas muestran hombres vestidos con trajes de tweed, unas ropas consideradas "pasadas de moda". Una de los fuentes de esta inclinación narrativa en la obra de Campbell es la Neue Sachlichkeit de los años 1920 en Alemania. De especial relevancia parecen ser las pinturas del artista de la Neue Sachlichkeit Otto Dix.
Las pinturas de Campbell incluyen muchos motivos recurrentes, como calaveras, pájaros y plantas antropomórficas, también patrones recurrentes, tales como el Paisley patrón que vuelve a aparecer en varias de sus pinturas finales. Ciertamente, la importancia de Campbell para el renacimiento en el arte de Escocia en la década de 1980, que vio Glasgow convertido en uno de los principales centros internacionales de arte contemporáneo en ese momento, se reconoce que es muy grande. De acuerdo con John McKechnie, el director de la Glasgow Print Studio, en la que Campbell exhibió en 2004, "Si no fuera por Steven Campbell, Glasgow no sería ahora un foco de atención en el arte, antes de Steven no había en realidad ninguna expectativa de que tuvieramos un artista de talla internacional"
References
^ Bill Hare, Obituary to Steven Campbell, in The Independent (London newspaper), 4 September 2007 ^ Obituary to Steven Campbell, in The Times, 21 August 2007 ^ John Russell, 'Summertime Discoveries at the Galleries', in The New York Times, 24 June 1983 ^ Angus Calder claims not in Angus Calder, 'Art for a New Scotland', in Circa, no. 64, Summer 1993, pp.27-8 ^ , Alexander Moffat, New Image Glasgow, exh. cat. (Glasgow: Third Eye Centre, 1985) ^ See Angus Calder, 'Art for a New Scotland', in Circa, no. 64, Summer 1993, p.26 ^ Calendar, in The Burlington Magazine, vol. 127, no. 987, June 1985, p. 422 ^ Calendar, in The Burlington Magazine, vol. 127, no. 982, January 1985 p. 64 ^ Tate Gallery image ref. T04137 ^ Angus Calder, 'Review of The Vigorous Imagination: New Scottish Art', in The New Statesman, 14 August 1987. ^ Tony Godfrey, Steven Campbell' (London: Marlborough Fine Art, 1987) ^ Richard Shone, 'Selected Recent Exhibitions of Twentieth-Century Art' in The Burlington Magazine, vol. 129, no. 1010, May 1987 p. xxxi ^ National Galleries of Scotland image ref. GMA 3049 ^ Arts Council of England image ref. GMA 3049 ^ British Council image ref. P5483 ^ Leeds Museums and Art Galleries image ref. 17/1989 ^ Phil Miller, 'Glasgow Boy Campbell dies at 53', in The Herald (Scottish newspaper), 17 August 2007 ^ Obituary to Steven Campbell, in The Times, 21 August 2007 ^ Clare Henry, 'Remembering Steven Campbell' in Studio International, 24 January 2007 ^ Tate Gallery image ref. T04137 ^ Alexander Moffat, New Image Glasgow, exh. cat. (Glasgow: Third Eye Centre, 1985) ^ Angus Calder claims not in Angus Calder, 'Art for a New Scotland', in Circa, no. 64, Summer 1993, pp.28 ^ Otto Dix, To Beauty, oil on canvas, 1922, in Von der Heydt-Museum, Wuppertal, Germany. ^ Rachelle Money, 'Last portrait of Glasgow Boy Campbell revealed', in The Herald (Scottish newspaper), 18 August 2007. ^ Moira Jeffrey, 'From Here to Eternity', in The Scotsman (Scottish newspaper), 24 August 2008 ^ Quoted in Clare Henry, 'Remembering Steven Campbell' in Studio International, 24 January 2007 ^ Quoted in Clare Henry, 'Remembering Steven Campbell' in Studio International, 24 January 2007 ^ Moira Jeffrey, 'Dr Jekyll, Mr Campbell,' in The Herald (Scottish newspaper), 14 August 2004 ^ Quoted in Phil Miller, 'Rare Hornel painting for sale at art fair', in The Herald (Scottish newspaper), 27 March 2008
Christopher Bramham (nacido en 1952) es un pintor de Gran Bretaña .
Bramham nació en Bradford , Yorkshire. Estudió en la Escuela de Arte de Bradford desde 1970 hasta 1971, despues en la escuela de arte Kingston-upon-Thames desde 1971 hasta 1973. De 1975 a 1986 trabajó como profesor a tiempo parcial en varias escuelas de arte en Londres antes de la celebración de su primera exposición individual, en la Fine Art Society de Londres en 1988.
Bramham es amigo del artista Lucien Freud, a quien conoció en 1982. Freud pintó su retrato en 1989, y otra vez con los hijos de Brahman, Polly y Barney, en 1990. Expusieron juntos en la Browse and Darby Gallery en Londres en 2007, junto con el pintor Duncan Wood. Antes Bramham había expuesto en Marlborough Fine Art en Londres en la década de 1990, y nuevamente en 2002.
Bramham es predominantemente un pintor paisajista, aunque también ha pintado interiores y naturalezas muertas, y paisajes .
Sus imágenes se construyen lentamente, con varias capas de pintura, de acuerdo con el crítico de arte Lambirth Andrew, casi emulando la velocidad a la que crece una planta. Sin embargo, de acuerdo con Jonathan Clark, este no es resultado de la idealización de la naturaleza, sino que más bien es que Bramham pinta las cosas que están cerca pero el tema es secundario para él. En este aspecto se puede ver alguna conexión con otros pintores asociados con la Escuela de Londres, ya que existe un acoplamiento entre lo que pintan y el mundo en que viven, y esto sucede en artistas como Lucian Freud y Frank Auerbach . En este sentido Bramham es esencialmente un pintor realista.
Tony Bevan es un pintor británico nacido en 1951. Nació en Bradford , Yorkshire. Estudió en la Escuela de Arte de Bradford 1968 a 1971, en el Goldsmiths College, Londres desde 1971 hasta 1974, y en la Slade School of Fine Art desde 1974 hasta 1976. Fue elegido miembro de la Royal Academy of Arts de Londres como académico en 2007. En 2006, Bevan fue invitado a explorar la técnica de grabado de monotipos , una técnica que él no había intentado anteriormente, en la Scuola de Grafica de Venecia. Esto se tradujo en más de 80 imágenes que se muestran posteriormente en la Marlborough Fine Art en Londres, y marcó en Bevan el comienzo de un interés por grabado que conserva hasta el momento.
Bevan centra principalmente su temática en la figura humana. Al hacerlo, utiliza un estilo lineal, que ha sido descrito como gráficos. Según escribió la crítica de arte Sarah Kent en 1985, es un reflejo de los tiempos sociales en los que Bevan se encuentró a sí mismo, un clima muy politizado, de mediados de los 1980 en Gran Bretaña, bajo el gobierno de Margaret Thatcher , lo que provocó a artistas como Bevan a "darse por muerto para huir hacia la fantasía, o levantarse y luchar". La implicación del análisis de Kent fue que Bevan decidió resistir y luchar. Esto dió lugar a que Bevan produjo imágenes de personas cargadas de psicología en el borde de una sociedad respetable, en un estilo con influencias que van desede los artistas de la Nueva Objetividad de principios del siglo XX, Frances Bacon, los pintores de la Escuela de Londres , los efímeros graffitis de las calles a la cultura popular. El crítico de arte David Cohen cuando visitó una exposicion de Devan en la Whitechapel comentó al ver unos de los autorretratos de Devan como "un cruce enre Lucian Freud y Daniel el travieso...que despierta asociaciones de delincuencia y malestar social"
Además de sus "líneas ásperas e irregulares, el trabajo de Bevan se caracteriza por una limitación impuesta en su paleta de colores, y la suma de grava o arena a la pintura acrílica que utiliza. Aunque algunos críticos lo asocian a la escuela de Londres, esto ha sido cuestionado, sobre todo por Grace Glueck en el New York Times. Por lo tanto, es posiblemente más preciso vincular a Bevan a artistas como Steven Campbell, Ken Currie y Peter Howson , que también saltó a la fama en la década de 1980, y como Bevan trabajó bajo una marcada influencia "expresionista" del arte alemán. Hay que tener en cuenta que Bevan realizó su tesis sobre el gran escultor expresionista alemán Franz Xaver Messerschmidt, y reconoció la gran influencia que ejercía sobre su arte. Al igual que en los artistas escoceses Campbell, Currie y Howson, hay un claro interés en tratar de representar una realidad interna o psicológica en las pinturas de Bevan, intentando encontrar equivalentes visuales del estado de la mente del sujeto. También es importante que el tema más frecuente de Bevan en su pintura es él mismo, que a su vez, añade peso al argumento de que él está tratando de crear "retratos psicológicos". De hecho, Devan admite que fue muy influenciado cuando era un estudiante por un libro "PSYCHOANALYTIC APPROACHES TO ART".
References
^ Sandy Nairne, Before it hits the floor (London: Institute of Contemporary Arts, 1982) ^ Sarah Kent, Problems of Picturing (London: Serpentine Gallery, 1982) ^ Thomson et al, The British Art Show: Old Allegiances and New Directions, 1979-1984 (London: Arts Council of Great Britain, 1984) ^ Marco Livingstone, Tony Bevan (Venice, CA: LA Louvre, 1998) ^ Marco Livingstone, Tony Bevan: Monotypes (London: Marlborough Fine Art, 2007) ^ Micky Donnelly, 'Review: Tony Bevan, Orchard Gallery Derry 31 March - 26 April 1988' in Circa, no. 40, June/July 1988, pp.40-41 ^ Sarah Kent, 'Critical Images', in Flash Art March 1985 ^ David Cohen, 'Review: Recent Exhibitions of British Figurative Painting, London' in The Burlington Magazine, vol. 134, no 1075, October 1992, pp.679-80 ^ Alfred Hickling, 'Tony Bevan: Abbot Hall Gallery, Kendal,' in The Guardian (London newspaper), 21 April 2003 ^ David Cohen, 'Review: Recent Exhibitions of British Figurative Painting, London' in The Burlington Magazine, vol. 134, no 1075, October 1992, pp.679-80; also Richard Kendall, 'Review: The School of London, New Haven', in The Burlington Magazine, vol. 143, no. 1174, January 2001 ^ Grace Glueck, 'A Catchall School, Devoted to Human Forms, Has a Show', in The New York Times, 30 March 2001. ^ Doretta Lau, 'Tony Bevan and His Self-Portraits', in The Wall Street Journal', 3 March 2011 ^ Doretta Lau, 'Tony Bevan and His Self-Portraits', in The Wall Street Journal', 3 March 2011 ^ Marco Livingstone, Tony Bevan: Monotypes (London: Marlborough Fine Art, 2007)
