JOSE LOUREIRO

Enfrentarse por primera vez a la pintura formalista -de tanta síntesis y refinamiento-- del portugués José Loureiro (Mangualde, 1961), puede provocar un cierto desconcierto. Porque… ¿de dónde arranca la tensión que “estira” tanto estos cuadros?, ¿ a qué poética responde este arte singular -entre la pintura y el diseño, el plano y la profundidad, el estatismo y el movimiento- que viene a desembocar ahora en una producción purista, de tan especial estructuración geométrica y tan aparentemente monocromática, como lo son los cuadros que presenta esta primera exposición del pintor en España? Por eso, para ajustar posiciones, conviene consultar el interesante libro que hace las veces de catálogo de la muestra, cuyas claves visuales y textos facilitan una lectura comprensiva del conjunto del proyecto, así como del alcance de su proceso. Toda una trayectoria, efectuada desde finales de los ochenta, al margen de las querencias y “emergencias” del mundo del arte más reciente.


Tres son las claves conceptuales sobre las que viene actuando, desde sus comienzos, la práctica de Loureiro. Resalta que toda su trayectoria se haya acogido al sentido idealista, místico, del suprematismo de Kasimir Malevich, primer oficiante de la “visión pura” y de la “supremacía del sentimiento puro” en la creación pictórica. De ahí se desprende el empeño que la obra actual de Loureiro demuestra por “perder la mano para salvar el espíritu, liquidar la imagen para ganar urgencia, y radicalizar para fundar una cosa diferente, por más que no se sepa lo que esa otra cosa es”. En cualquier caso, el propósito parece consistir ahora en la superación de la visión empírica y del espacio perspectivo, por medio de una mirada que busca sólo la esencia trascendente de la forma y de la estructura, así como la sensación de infinitud del espacio moderno.


Sin embargo, Loureiro ha recurrrido en determinadas ocasiones -como en las series No-Objetivo y Crucigramas (1993-1995)- a asumir de manera explícita la actitud profundamente modernista de Piet Mondrian, con su capacidad de convertir la abstracción geométrica en “la apoteosis de lo real”, constatando que la pintura “es” exclusivamente “lo pictórico”, o sea, la realidad literal -aunque resulte sugeridora- de los elementos plásticos. De ahí se desprende la relevancia que Loureiro confiere a la pintura como “oficio”, a cuyo través el arte es capaz de establecer ecuaciones plásticas entre lo verdadero -el plano, la línea, la rectitud de la forma- y lo aparente -la profundidad, la sombra, el movimiento-, dentro de un mismo cuadro.



Un tercer elemento de la tradición modernista del que se ha servido Loureiro para introducir cambios en su práctica pictórica ha sido el carácter “de diseño” que va implícito en la obra “pop” de Roy Lichtenstein, con su tratamiento neutro de la imagen, sus colores limitados, su dibujo de arista muy precisa, y con su empleo pictoricista de la trama de puntos de las industrias gráficas. Aquel influjo fue directo en los cuadros de líneas de puntos que Loureiro realizó entre 1995 y 1997, cuya técnica le ayudó a diluir -hasta hacerlos desaparecer- los elementos de figuración que aún eran visibles en su producción


En su obra actual sigue presente el influjo del diseño, con todo su rigor dibujístico y estructural. En consecuencia, en los cuadros de esta exposición la reconocida voluntad diseñadora de su autor -vivamente renovada a partir de 2005- es notoria en su interés por la construcción de la imagen geométrica, que aparece dialogando con su voluntad de practicar la pintura-pintura, evaluando los matices -aquí casi invisibles- del color, ya que estas pinturas no son exactamente monocromáticas, sino espacios coloreados -de blanco, rojo, amarillo, azul- que vibran con sutiles modificaciones producidas por transparencias, variaciones de espesor del óleo, veladuras, e inclusive imperfecciones y errores de realización, cuyos resultados el artista sabe aprovechar a la perfección.



Los resultados de este proceso son excelentes, y confieren un efecto de fuerte presencia “objetual” -o sea, de objeto rotundo, de volumen regular tridimensional que funciona como relieve- a estos cuadros, haciéndolos destacar de modo acusado sobre la pared. La elegancia es otro de sus caracteres, y se desprende del hecho de que Loureiro sabe establecer su arte como un juego de espaciosos campos de color en los que la figura se desplaza casi siempre a los costados, al límite, creando una suerte de “estructura de frontera” que ocasionalmente se desestabiliza proyectándose “hacia el fondo” del cuadro a través de los efectos visuales de sus sombras. Se trata, así, de establecer un juego de figuras constructivas doblemente dibujadas, conformando una red de siluetas de arista dura, a las que acompaña la proyección en perspectiva de su “doble”: esa sombra lineal que se realiza con trazo blando, deslizándose ligeramente en el espacio

Ref EL CULTURAL -José MARIN-MEDINA

Geoff Diego Litherland

Geoff Litherland Diego es un artista nacido en1979 en Tehuacan, Mexico. Después de haber vivido en Bolivia y Ecuador se trasladó a Inglaterra y se graduó en Falmouth College of Arts en 2002 en Bellas Artes. Geoff es actualmente Profesor Asociado en Bellas Artes por la Universidad de Nottingham Trent University y está realizando un MFA a tiempo parcial en Bellas Artes en Goldsmiths University of London.

Paul Cezanne

Cézanne procede de una familia adinerada, su padre, de origen italiano, poseía un establecimiento bancario en Aix-en-Provence. Allí nació el pintor en 1839. Recibió una esmerada educación y unos conocimientos humanísticos en el colegio de Bourbon, donde conoció a Emile Zola, uno de sus amigos más íntimos.

Cézanne empezó los estudios de Derecho para complacer a su padre y más tarde decidirá dedicarse a la pintura. Con el apoyo materno se traslada a París en 1861 para comenzar su carrera como pintor. Asiste a la Academia Suiza para ejercitarse en el dibujo, allí conoce a Pisarro, también visitará el Louvre para estudiar las obras de los grandes pintores del pasado.

Cézanne nunca se acomodó en París, se sintió como un forastero. Era un hombre de provincia, de aspecto tosco, de carácter huraño y desconfiado. Sus amigos siempre lo vieron como a alguien extraño. Hasta sus últimos años, alternó las estancias en la capital con largas temporadas en la casa de campo de su familia, cerca de Aix y otros lugares del sur de Francia como L´Estanque.

Tras unos primeros lienzos de concepción romántica, el tratro con Pisarro condicionó su pintura. Le ayudó a aclarar su paleta, a interesarse por el bodegón y el paisaje. Le enseñó a pintar como un impresionista. En esta época, Cézanne ya apuntaba hacia la exaltación de los volúmenes, rasgo que lo diferencia de los demás impresionistas. Su presencia en la primera exposición de los impresionistas (1874) con su Olimpia moderna y La casa del ahorcado, provocó rechazos, ya que ni los miembros del grupo acababan de entender su obra. Lo volvió a intentar en la tercera muestra (1877) repitiéndose las críticas. No se aceptó su estilo de pintura, por lo que abandonó el grupo y se trasladó a Aix.



El Impresionismo fue para Cézanne una práctica, una técnica que tratará de acomodar a sus intenciones, donde la pincelada pierde espesor y el colorido gana pureza. En 1878 supera definitivamente la pintura impresionista. Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Retirado en Aix-en-Provence, aislado de la sociedad, tras romper con la profunda amistad que lo unía a Emile Zola al encontrarse representado por el personaje de un pintor fracasado en una de sus novelas, empieza a plantearse un modo de pintar que responda a la esencia de la realidad, a la esencia propia de los objetos, pero a través de su propia experiencia. Prescinde de la emotividad y del sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje pictórico, meditando sobre las relaciones entre la forma y el color.


Se concentrará en el bodegón esforzándose por encontrar el color exacto, ya que cuanto más se ajuste el color, con más precisión aparecerá la forma. No aplicó el sistema de claroscuro tradicional y tampoco recurrió al modelado ni al dibujo.
Una de sus ideas era:

"El dibujo y el color no son diferentes, a medida que se pinta se va dibujando; cuanto más armonioso es el color, más se precisa el dibujo. Cuando el color es más rico, la forma está en plenitud. Los contrastes y la relación de las formas constituyen el secreto del dibujo y del contorno. La línea y el modelado no existen. El dibujo es producido por el contraste o por la relación de los tonos. El dibujo sin colores es una abstracción. Dibujo y color no son diferentes. En la naturaleza todo tiene color".

El propósito de subrayar la forma mediante el color, en vez de diluirla como los impresionistas lo detectamos en El muchacho de casco rojo, donde el color marca por sí solo los volúmenes y la atmósfera del cuadro. El retrato pierde el componente psicológico y emotivo. Lo único que importa es la presencia física y el análisis volumétrico.

En Cebollas y botellas prescinde de todo lo superfluo para concentrarse en las formas. Elige los objetos por su entidad volumétrica, cada uno de ellos se pinta con un punto de vista diferente. La luz y el color les da entidad física.

En Los jugadores de cartas, obra plenamente figurativa, donde los protagonistas son campesinos de Aix-en-Provence, llega a una pintura despojada de la anécdota. Las formas se representan simples y contundentes, los colores sobrios, los contornos de las figuras en negro las aíslan del entorno en que se encuentran, los personajes parecen ensimismados.

Cézanne busca en la naturaleza las formas esenciales, que para él son las figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide y en consecuencia, plasma lo que contempla. Así, al representar un objeto, no lo hace de un lado solamente, sino que lo muestra desde posiciones diferentes. Realizó algunos paisajes y antes de trasladar al lienzo el motivo, se sentaba ante él y lo estudiaba cuidadosamente.

La montaña de Santa Victoria, es un tema que trató en serie. Escalonaba los planos sucesivos subrayándolos con el colorido. Concibe los árboles como cilindros y las casas, construidas a base de planos, enfatizan la geometrización del cuadro.

A menudo trabajó el tema de las bañistas, que ya había sido tratado con anterioridad en la pintura europea, pero Cézanne lo retoma abordándolo con planteamientos diferentes. Les grandes baigneuses, es una obra construida íntegramente sobre el módulo geométrico del triángulo. Tanto la composición del cuadro como cada una de las figuras pueden ser reducidas a un triángulo. Las figuras se encuentran compuestas a base de contrastes entre colores cálidos y fríos. Prescinde de la perspectiva lineal y el claroscuro, alcanzando mediante el color la superposición rítmica de planos, lo cual puede interpretarse como un anuncio del Cubismo.

Cézanne puede ser considerado como uno de los principales artistas del postimpresionismo y como precursor la pintura cubista.

Eugeniusz Zak

Eugeniusz Zak (15 de diciembre 1884 Mogilno, Bielorrusia - 15 de enero 1926 París) fue un artista polaco.


Eugeniusz Zak nació en una familia de Judios polacos en Mogilno, Minsk (hoy Bielorrusia). De niño se trasladó a Varsovia, donde se graduó en una escuela secundaria no clásica. En 1902, se fue a París para realizar estudios, primero en la École des Beaux-Arts en el estudio del viejo maestro de academicismo Jean-Léon Gérôme, y luego en la Académie Colarossi en el estudio de Albert Besnard. En 1903, viajó a Italia y hacia el final del año a Munich, donde entró en una escuela privada dirigida por el esloveno Anton Azbe.

En 1904 regresó a París. En el mismo año su debut tuvo lugar en el Salón de Otoño y dos años más tarde fue aceptado como miembro del jurado en la sección de dibujo de esta institución. En el año 1906-1908 realizó viajes a Bretaña (Pont l'Abbé, entre otros lugares). En Seine se vio involucrado en la vida de la colonia polaca, que participaba en la Sociedad de Artistas de Polonia en París, entre otras organizaciones. Se hizo amigo de muchos artistas polacos que, como romano Kramsztyk, Borowski Waclaw, Gottlieb Leopold, Jerzy Merkel, Elie Nadelman, Muter Mela, Czyzewski Tytus y Menkes Zygmunt.

FUENTES

Wikipedia article Eugeniusz Żak, licensed under CC-BY-SA

Ralston Crawford

1906 Canada, 1978

Hijo de un capitán de barco, la vida de Ralston Crawford y su carrera estuvo marcada por la pasión por los viajes. Trabajó en varios empleos antes de convertirse en marinero, desde 1926 hasta 1927. Después de estudiar arte en Los Angeles, tuvo un breve trabajo como ilustrador en el estudio de Walt Disney. Crawford pasó la siguiente década viajando extensamente para estudiar arte, en contrandose con un éxito inmediato en la primera exposición de su trabajo. Su estilo se describe como precisionismo, un estilo muy popular en los años 1920 y 1930 y se caracteriza por la representación de formas muy definidas.

Crawford se aficionó a la fotografía alrededor de 1937 y continuó con la fotografía durante sus viajes, haciendo el mismo tipo de imágenes fuertemente centradas lo mismo que hizo en sus pinturas. En 1950 comenzó a fotografiar y documentar la vida de los músicos de jazz negros en Nueva Orleans, Louisiana, un tema y una ciudad a la que con frecuencia volvería. Además desempeñó varios cargos en la enseñanza a lo largo de su carrera, desde Honolulu a Buffalo. En 1969, estrenó el primero de varios cortometrajes,Various Depths . Un hombre enérgico a pesar de la aparición del cáncer descubierto en 1971, Crawford continuó viajando extensivamente y siguió creaando hasta su muerte a la edad de setenta y un años.

GUETTY MUSEUM

Charles Sheeler

El pintor estadounidense Charles Sheeler estuvo adscrito a la estética del precisionismo. Este movimiento norteamericano, que se centraba en temas urbanos e industriales, fue definido por el propio Sheeler con las siguientes palabras: «En estas pinturas trato de reducir las formas naturales a sus fronteras abstractas, reteniendo sólo aquellas que considero indispensables en el diseño del cuadro»




Estudió. en la Philadelphia School of Industrial Design (1900-1903) y en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts con William Merrit Chase (1903-1906). Entre 1908 y 1909 viajó a Europa, donde descubrió la obra de artistas como Paul CézanneHenri, Matisse y Georges Braque, y se interesó por la obra de los maestros antiguos, especialmente por Piero della Francesca. Su participación en el Armory Show de 1913 demostró su evolución hacia postulados influidos por el arte de Cézanne. Durante los años siguientes se acentuó su tendencia geometrizante en unas obras compuestas a base de planos, como las que realizó en Bucks County (Pennsylvania), en las que los protagonistas eran los graneros de piedra típicos de la comarca


Sheeler. trabajó como fotógrafo comercial desde la década de 1910. En torno a 1915, animado por Alfred Stieglitz, pasó a considerar la fotografía como un medio de expresión artística. Su obra más destacada en este campo se debió a un encargo recibido en 1927 para fotografiar la fábrica de Ford de River Rouge (Michigan). La buena aceptación por parte de la crítica de este conjunto de imágenes contribuyó a que la fotografía comenzase a ser aceptada como expresión artística. A partir de entonces Sheeler combinó la pintura y la fotografía en numerosas ocasiones. Las pinturas realizadas durante la década de 1920 y los fotomontajes de la década de 1930 hicieron aún más difusa la frontera entre ambos medios. Muchas de sus pinturas se basaron en fotografías y su evolución le llevó al final de su carrera a crear imágenes que simulaban superposiciones de diapositivas.

La temática de Sheeler se centró en representar paisajes urbanos, industriales y agrícolas en los que primaba el interés por captar la esencia de lo americano. Su sensibilidad se acercó a la vida moderna y utilitaria, en la que las máquinas cumplían nuevas funciones que contribuían a la veloz transformación de la sociedad

En. 1959 dejó de trabajar tras sufrir una apoplejía

museo thyssen

Franz Marc

Franz Marc (Múnich, 8 de febrero de 1880 – Braquis, cerca de Verdún, 4 de marzo de 1916), pintor alemán. Fue uno de los principales representantes del movimiento expresionista alemán.

Comenzó sus estudios en 1900, en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Sus primeras creaciones fueron de estilo naturalista, pero en su viaje a París en 1903 descubre el impresionismo y, sobre todo, la obra de Vincent Van Gogh. En 1910, hizo amistad con los pintores August Macke y Wassily Kandinsky, con quienes fundó, junto a otros pintores, el movimiento artístico Der Blaue Reiter. Murió en una acción de guerra durante la Primera Guerra Mundial.

Fue influenciado por el uso del color de Robert Delaunay. Cada vez se acercó más al futurismo y al cubismo. Su obra evolucionará con el tiempo hacia una mayor abstracción y sobriedad, hasta culminar en la abstracción expresiva.

La parte de su obra más conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, el cubismo, la simplicidad y un profundo sentido de la emoción. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificación formal y cromática de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual,amarillo para la alegría femenina, y el rojo para la violencia.

Charles Demuth

Charles Demuth (Lancaster (Pensilvania), 8 de noviembre de 1883 - ibíd., 23 de octubre de 1935) fue un pintor estadounidense. Aunque inicialmente se dedicó a las acuarelas, posteriormente se inclinó por los óleos. Formó parte del movimiento precisionista.

Demuth residió en Lancaster durante la mayor parte de su vida. La casa que compartía con su madre es un museo de su obra actualmente. Demuth se graduó de la Franklin & Marshall Academy antes de estudiar en la Drexel University y en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA). Mientras estudiaba en la PAFA, conoció a William Carlos Williams, con quien mantuvo una amistad por el resto de su vida.

Demuth también estudió en la Académie Colarossi y la Académie Julian en París, en donde formó parte de la escena vanguardista.

Mientras estaba en París, Demuth conoció al pintor Marsden Hartley quien lo invitó a formar parte de un grupo de amigos artistas estadounidenses. A través de Hartley, Demuth conoció a Alfred Stieglitz. En 1926, Demuth tuvo una exposición individual en las Anderson Galleries en Nueva York, administradas por Stieglitz.

Su pintura más famosa, I Saw the Figure Five in Gold, fue inspirada por el poema de William Carlos Williams The Great Figure. Esta fue la primera de nueve pinturas que Demuth creó en honor a sus amigos artistas. Las otras ocho pinturas fueron inspiradas por Georgia O'Keeffe, Arthur Garfield Dove, Charles Duncan, Marsden Hartley, John Marin, Gertrude Stein, Eugene O'Neill y Wallace Stevens

En 1927, Demuth inició una serie de siete pinturas que mostraban fábricas de Lancaster. En 1933 terminó la última pintura de la serie, After All. Demuth murió dos años más tarde en Lancaster. Seis de estas pinturas formaron parte de la exhibición Chimneys and Towers: Charles Demuth’s Late Paintings of Lancaster en una retrospectiva del trabajo de Demuth en el Amon Carter Museum en 2007.

Demuth sufrió una lesión en la cadera cuanto tenía cuatro años que lo dejó cojo y lo obligó a usar un bastón por el resto de su vida. Posteriormente, desarrolló diabetes y fue uno de los primeros pacientes en los Estados Unidos en recibir insulina. Demuth murió en Lancaster a los 51 años debido a complicaciones de la diabetes.

Demuth era homosexual y la temática homoerótica se refleja en varias de sus obras, en especial las que describen escenas en baños públicos y otras en las que aparecen marineros en actitudes eróticas.

Georges Hugnet

El surrealista francés Georges Hugnet (1906-1974). Poeta, pintor, editor y encuadernador, Georges Hugnet estuvo estrechamente vinculado al círculo de André Breton, aunque el pope del surrealismo acabó expulsándole del grupo en 1938. Amigo de Duchamp, Man Ray, Picasso, Cocteau y Max Ernst, Hugnet publicó varios libros de artista, entre ellos L"arbre des voyageurs de Tristan Tzara con cuatro litografías de Miró. En 1934 empezó a crear sus collages, fotomontajes y decalcomanías, en los que plasmó sus irónicas fantasías oníricas


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