Una fuerte influencia de Brancusi y de Stella, con el que comparte taller; le lleva hacia 1958 a una escultura sin zócalo y sin intervención sobre el material. Es uno de los nombres claves del arte minimal, un arte frío y reduccionista que marca el panorama artístico americano de finales de los años cincuenta. A partir de entonces utiliza siempre el material tal y como lo produce la industria (ladrillos, troncos de madera, placas de metal, bloques de cementos sintético, etc). Su trabajo en la red ferroviaria de Pensilvania (1960-64), donde utiliza unidades estandarizadas e intercambiables, se ve reflejado en los "Element series" (1960), en los que se combinan elementos idénticos superpuestos o yuxtapuestos cuyo desarrollo en el espacio define el lugar donde se ubican. Al principio levanta pirámides y a partir de 1956 sus piezas se desarrollan horizontalmente sobre el suelo y utiliza un proceso repetitivo y sistemático siempre en relación con el espacio circundante. Unas veces reune ordenadamente módulos parejos y delgados a ras de suelo que dan origen a una especie de alfombras rectangulares y cuadradas, a largos caminos o a construcciones en esquina. "La función de la escultura - afirma Carl Andre en 1965- es apoderarse del espacio y ocuparlo". En 1966 realiza las "Floor series", consistentes en placas metálicas reunidas en cuadriláteros de poco espesor que terminan integrándose en el piso hasta que desaparecen del campo visual del espectador.
JORGE MARTIN MEANA Habiendo vivido 18 años en Gijón, se trasladó a Valladolid a estudiar arquitectura, lugar donde ha ejercido cinco años la profesión. Participa en la Asociación cultural "El planeta de los comics" y en su proyecto "Los Diálogos del Sr. Boliche". A partir de ahora vuelve al norte del norte...una nueva etapa.
---------------------- Buenos días Inés, muchas, muchas gracias por el video resumen de mis dibujitos. Muchos bicos del que sigue siendo tu fan o si cabe más. Bicossssssssssss
RESPUESTA- De gracias nada, me encanta hacerlo, ademas, sinceramente- "aqui hay madera"- disfruté haciendo el vídeo
Se inició en un estilo modernista, en sintonía con la Sezession vienesa, con influencia de Gustav Klimt, pero desde 1905 inició una línea más personal, cercana al expresionismo.
Realizó retratos de gran introspección psicológica, como los efectuados a la familia del compositorArnold Schönberg, que era amigo suyo. Se mudó a su apartamento y entabló un romance con Mathilde, la mujer del compositor, quien abandonó a su marido fugándose con el. Al regresar a Schönberg en octubre de 1908, Richard quemó gran parte de su obra y cartas y el 4 de noviembre se ahorcó en su estudio.
Su obra cayó en el olvido hasta los años 1930, en que fue reivindicada por el marchand Otto Kallir.
De las 66 pinturas y los 8 dibujos clasificados que sobrevivieron, muchas se hallan en el Museo Leopold de Viena.
MIKHAIL GUBIN nacio en Kharkov, Unión Soviética, ahora Ucrania, en 1953.
Nací en la primavera de 1953. Fue la primavera en la que Stalin murió. Eso no me afectó, yo estaba ocupado con las cosas que hacen los niños: comer, dormir y, perdonenme, ensuciandome. Yo estaba ganando peso.
Un día, cuando estaba tumbado, de repente abrí los ojos y descubrí un bonito mantel rojo. Era de una fina seda china y cubierto por una multitud de maravillosas imágenes. Había gente pequeñita que llevaban sombreros en forma de cono, árboles, montañas, pájaros y casas con unos simples tejados curvos, fueron las primeras intensas impresiones en mi niñez. Me quedé alli examinando el mantel en una anticipación del momento en que yo pudiera coger un lapiz y papel. Parece ser que mis primeros garabatos causaron alguna impresión en la gente que me rodeaba y empece a recibir regalos de pinceles y pintura. El mantel pronto desapareció.
Desde aquel momento, nuestra casa se llenó de papeles y lápices de colores. Pronto se pudieron ver pisadas de pintura y manchas por todas partes
Las clases de arte no estaba en sitios exclusivos, donde yo solía dibujar era en la escuela. Todos mis cuadernos estaban llenos de dibujos. Eso no contentaba mucho a mis profesores, pero a mis padres les gustaba menos. Además todas las caricaturas de los profesores me las atribuían a mi. Sufri las injusticias. Como consecuencia me convertí en un reclamente de justicia.
Empecé mi educación autodidacta. Consistía en pintar y dibujar, visitar museos, y "coleguear" con artistas. El realismo sovietico era exclusivamente la única forma de arte que se aceptaba en aquella epoca. Todo intento de mostrar algo nuevo era condenado por el gobierno contemporaneo. Esa táctica política produjo que los artistas no conformistas se organizaran en la clandestinidad en las llamadas "exposiciones de apartamento". De todos modos la búsqueda de algo nuevo, algo que pudiese llamarse propio se realizó en aquellas exposiciones. Yo fui uno de ellos.
La Perestroyka me dio la oportunidad de exponer legalmene durante algún tiempo. Yo fui uno de los artistas jóvenes que expuso en el Kharkov Art Museum. Nosotros, los jovenes, al haber inhalado el soplo de aire puro queríamos más. Mis amigos, mi familia, y yo decidimos emigrar. Nuestra decisión no fue bien aceptada por las autoridades. Siguieron meses de huelgas de hambre y arrestos.
Al fin, en 1989 las autoridades se rindieron y nos dieron permiso para abandonar el país. Hicimos la ruto hacia los Estados Unidos a través de Viena y Roma. Ahora, vivo en Nueva York, continuo trabajando, participo activamente en exposiciones y en la vida artística
“El sueño es como un cuadro, pero hay que cuidarse de desmembrarlo de acuerdo a un sistema moral o psicológico para encontrarle una interpretación: es preferible permitirle al espectador que subsista en su genuina pureza simbólica porque la visión visible y creadora es más fuerte y fecunda que su prolijo análisis.” Alfred Kubin.
Kubin nació en Leitmeritz, Bohemia, que entonces era parte del Imperio austrohúngaro. Desde 1892 hasta 1896 estudió fotografía. Entre 1898 y 1901, Kubin estudió en la escuela de arte Schmitt Reutte y en la Academia de Munich. En 1902 comenzó a colaborar con la revista satírica Simplicissimus. Ese mismo año expone en Berlín y publica su primera recopilación de dibujos el año siguiente. Produjo un pequeño número de pinturas al óleo entre 1902 y 1910 pero pronto comenzaron a predominar en su producción otras técnicas, el dibujo con pluma a tinta china se convirtió en su medio favorito, también realizó acuarelas, y litografías. Viaja, sobre todo a París, y emprende una gran amistad con Franz Kafka.
Se considera un importante representante del Expresionismo, destacando por sus fantasías oscuras, espectrales y simbólicas (normalmente relacionadas por series temáticas). Se han encontrado influencias, especialmente en sus obras tempranas de artistas como Francisco de Goya, James Ensor y Max Klinger.
Como Oskar Kokoschka y Albert Paris Gütersloh, Kubin compartió el talento para las artes plásticas con el literario. Ilustró obras de Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, Fyodor Dostoevsky, entre otros. Es también autor de numerosos libros, el más conocido de ellos es su novelaDie Andere Seite (El otro lado, comúnmente traducida como La otra parte) (1909), una distopía apocalíptica de atmósfera claustrofóbica y absurda, con reminiscencias de los últimos escritos de Kafka. Esta novela es considerada como una de las obras maestras de la literatura fantástica en lengua alemana; así la han calificado reputados autores, como Hermann Hesse que la sitúa a medio camino entre Meyrink, Poe y Kafka.
Desde 1906 hasta su muerte, estuvo llevando una vida retirada en un castillo del siglo XII en Zwickledt. Kubin fue galardonado con el premio del Gran Estado Austriaco en 1951, y con la condecoración Austriaca de las Ciencias y las Artes en 1957.
Kubin ha sido una influencia determinante en uno de los cineastas más innovadores y representativos del expresionismo: Murnau. Sentía una fascinación por la obra de Kubin y en especial por su utilización irreal de la luz. La magia de muchos de sus grabados y dibujos está de hecho en la iluminación porcedente de fuentes de luz imposibles e ilógicas. En una escena del Fausto de Murnau se copia literalmente una de las ilustraciones de la novela de Kubin "La otra parte": la casa de la madre de Margarita extrañamente iluminada por la noche. Algo similar sucede en una escena de la calle en Nosferatu, también copia de otra ilustración del mismo libro.
Por su capacidad onírica Kubin ha sido considerado también de gran influencia en los pintores surrealistas, entre otros en Dalí.
Su padre era jefe de estación; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.
En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.
En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.
En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).
Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.
Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos.
Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zurich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. En febrero de ese año también acabó la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.
Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.
El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.
Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte es una especie de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte.
Nace en Tulln, Austria en 1890 Su breve etapa creativa dura solo diez años, desde 1908, año en que expone por primera vez, hasta 1918, cuando despues de haber alcanzado la fama muere a consecuencia de la gripe española.
Su encuentro con Klimt en 1907 marca e impulsa su carrera artística- Muestra tambien interés por Kokoschka, kubin y Gerstl.
Desde 1909 desarrolla un estilo muy original, caracterizado por una linealidad elegante. Despues introduce un trazo nervioso, el uso de colores oscuros, figuras retorcidas en composiciones donde acentúa el dramatismo, el gusto por lo grotesco y una intensa carga erótica- En su época esta fuerte carga sensual se consideraría pornografía, lo que hizo su vida en Krumau muy dificil y llegó incluso a ser acusado de corrupción de menores y fue encarcelado.
Schiele experimentó una nueva forma de representar el cuerpo humano, deformado, torturado por el sufrimiento y encerrado centro de un contorno cortante.
Al estallar la primera Guerra Mundial es llamado a filas y destinado a Praga. Son años dificiles, mitigados por la presencia de su mujer Edith Harms, a la que convierte en modelo de su obra. Los horrores de la guerra y la enfermedad de su mujer producen en el una tensión entre la vida y la muerte que quedará reflejada en sus ultimas obras
Giovanni Boldini (Ferrara, 31 de diciembre de 1842 - París, 11 de enero de 1931), fue un pintor italiano.
Fue el octavo de 13 hijos de Antonio y Benvenuta Caleffi. Su padre, nativo de Spoleto, era pintor de matriz purista, alumno de Tommaso Minardi (1787 - 1871), y restaurador; se dice que, dotado de notable técnica, hacía buenas copias de obras de Rafael y de paisajistas venecianos; de su padre recibió Zanin (como era conocido familiarmente Giovanni) las primeras enseñanzas de dibujo.
En Ferrara frecuenta desde 1858 los cursos de pintura de Girolamo Domenichini (1813 – 1891), autor de los frescos, de tradición académica, del Teatro local, y de Giovanni Pagliarini (1809 – 1878), que se impartían en el Palacio de los Diamantes; tuvo también la oportunidad de conocer bien a los grandes pintores ferrareses del Quattrocento, además de Dosso Dossi y el Parmigianino.
Verdi
Su primera obra importante fue Il cortile della casa paterna, (El patio de la casa paterna), un óleo fechado en el año 1855; le siguen, fechados a fines de la década de 1850, un Autorretrato a los dieciséis años y los retratos de su hermano Francesco, de Maria Angelini y de Vittore Carletti.
En 1862 se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde fue alumno de Stefano Ussi (1822 - 1901) y de Enrico Pollastrini (1817 - 1876). Frecuenta el conocido lugar de encuentro de los artistas florentinos, el Caffè Michelangiolo, donde conoce Giovanni Fattori, Odoardo Borrani, Telemaco Signorini, Cristiano Banti, del cual es huésped en sus villas de Montorsoli y de Montemurlo, y Michele Gordigiani (1830 - 1909) y ya manifiesta su interés, que no abandonará jamás, por los salones elegantes de la aristocracia y de la burguesía, siendo huésped de la familia Falconer, para los que decora con témpera en seco, entre 1867 y el 1870, las paredes de una salita de su villa en Pistoia, "La Falconiera"; la villa será comprada en 1938 por la viuda del pintor y en ella se guardan aún un centenar de sus obras.
En el 1866 marchó a Nápoles con Banti, a quien retratará en varias ocasiones; en 1867 hace un viaje a Francia, con los Falconer: en Montecarlo pinta el Generale spagnolo ("Una de las mejores cosas de mi juventud", dirá). En París visita la Exposición Universal y conoce a Edgar Degas, Alfred Sisley y Édouard Manet.
Se establece en Londres en 1870, invitado por William Cornwallis-West, a quien había conocido en Florencia; este pone a su disposición un estudio en el centro de la ciudad, frecuentado por la alta sociedad, pero a fin de año se encontraba nuevamente en Florencia.
En octubre de 1871 se establece en forma estable en París, abriendo un estudio en la Avenida Frochol y luego a la Plaza Pigalle, donde vive con la modelo Berthe. Trabaja para el marchante más importante de París, Goupil, para quién trabajaban ya pintores de gran éxito como Mariano Fortuny y Ernest Meissonier, además de los italianos Giuseppe Palizzi y Giuseppe De Nittis. Pinta una serie de cuadros de género al gusto dieciochesco, muy de moda en la época.
Henri de Toulouse-Lautrec
En 1874 expone con éxito en el Salón de París su cuadro Las Lavanderas. Termina su relación amorosa con Berthe e inicia una con la condesa Gabrielle de Rasty, de quien expone un retrato en el Salón de 1875; en mayo retorna brevemente a Ferrara a causa de la muerte de su madre. En 1876 viaja a Alemania, donde conoce y retrata al gran pintor Adolph von Menzel, y a Holanda, donde admiró las obras de Frans Hals.
Por esos años ya estaba muy solicitado por el llamado bel mondo: en 1886 retrata por primera vez a Giuseppe Verdi sobre tela; le regalará el retrato siete años después en Milán, pero no satisfecho con el resultado lo retratará nuevamente utilizando pastel sobre papel, en 5 horas. El pintor guardó este retrato para sí, presentándolo a la Exposición de París del 1889 y en el 1897 a la Primera Bienal de Venecia, donándolo finalmente a la Galería de Arte Moderna de Roma en el 1918.
El 5 de febrero de 1887 asiste en el Teatro alla Scala de Milán al estreno del Otello de Verdi, habiendo sido invitado al palco. En 1889 es nombrado "Comisario" de la sección italiana de la Exposición Universal de París, exponiendo tres de sus retratos, uno de los cuales es el famoso Retrato de Emiliana Concha de Ossa, sobrina del embajador chileno ante el Vaticano, Luis Subercaseuse.
Su decisión de aumentar el tamaño de sus telas se atribuye a la influencia del pintor sueco Anders Zorn, a quien conoce en los años 1890. En 1892 atiende al pedido de la Galería de los Uffizi de un Autorretrato para su famosa colección de este tema, a cambio de un busto berniniano del Cardenal de Medici. Vuelve a París, donde por un año dio clases de pintura a la joven y rica Ruth Sterling.
En la primavera del 1900 fue huésped, en Palermo, de la familia Florio, para pintar el retrato de Donna Franca. La pintura no satisfizo a su marido, a causa del amplio escote y de las piernas descubiertas un poco debajo de las rodillas. El retrato fue modificado y vendido después (1928) por el enorme monto de un millón de liras. Posteriormente, el cuadro fue robado por los ocupantes nazis en París, y llevado a Alemania, donde sufrió serios daños que obligaron a cortarle su parte inferior.
En 1904 Boldini pide la mano de Alaide Banti, hija de su amigo pintor Cristiano, pero la boda no se llevó finalmente a cabo, y en París inicia una relación con la señora de Joss de Couchy.
En el inicio de la Primera Guerra Mundial, en 1914 se traslada a Niza en compañía de su modelo Lina, hasta el 1918; ya enfermo, con la vista débil, en el año 1926 conoce a la joven periodista Emilia Cardona, con quien se casa el 29 de octubre de 1929.
Murió en París, el 11 de enero de 1931. Sus restos descansan junto a los de su familia en el cementerio de Certosa de Ferrara.
Nació en la ciudad de Antheit, provincia de Lieja, hijo de un abogado. Estudió entre 1920 y 1924 pintura y arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde siguió los cursos de Constand Montald.
El joven Delvaux recibió clases de música, estudió griego y latín, absorbiendo la ficción de Jules Verne y la poesía de Homero. Toda su obra resultó influida por estas lecturas, comenzando por sus primeros dibujos con escenas mitológicas.
Estudió en la Academia real de Bellas Artes de Bruselas, aunque en el departamento de arquitectura debido a que sus padres desaprobaban su deseo de ser pintor. A pesar de ello, consiguió su objetivo, acudiendo a clases de pintura de Constant Montald y Jean Deville. Los pintores Frans Courtens y Alfred Bastien también le animaron. Sus obras de este periodo fueron sobre todo paisajes naturalistas.
Fue nombrado director de la Academia real de bellas Artes en 1965.
Es padre del importante cineasta belga André Delvaux.
En 1982 se inauguró el Museo Paul Delvaux en San Idesbaldo. Delvaux murió en Veurne en 1994.
Acabó unos ochenta cuadros entre 1920 y 1925, siendo este último año el de su primera exposición individual. Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el impresionismo y por el expresionismo alemán que conoció a través de Gustave de Smet.
En 1934 participó en la exposición Minotauro de Bruselas junto con René Magritte, Salvador Dalí, Max Ernst, Joan Miró y Balthus, operándose en él un cambio que le llevó a destruir la mayor parte de su obra primitiva.
Las pinturas de Delvaux de finales del los años veinte y principios de los treinta, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influidos por expresionistasflamencos como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo alrededor de 1933 refleja la influencia del «arte metafísico» de Giorgio de Chirico, a quien había conocido por vez primera en 1926 o 1927.2 A principios de la década de los treinta, Delvaux encontró más inspiración en sus visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantenía un stand en el que se mostraban esqueletos y una figura de Venus mecánica en un escaparate con cortinas de terciopelo rojo. Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían a lo largo de su obra posterior. A mediados de los años treinta comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compatriota belga René Magritte, así como el estilo inexpresivo de dicho pintor al presentar las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios. Encontró en James Ensor y, sobre todo, en René Magritte y Giorgio de Chirico, la inspiración de un estilo al que permanecería fiel hasta el final de su vida, calificado como realismo mágico.
Delvaux reconoció sus influencias, diciendo de Chirico, "con él me di cuenta de que era posible, el clima que tenía que desarrollarse, el clima de calles silenciosas con sombras de personas que no pueden verse, nunca me he preguntado si es surrealista o no." Aunque Delvaux se asoció durante un tiempo con el grupo surrealista belga, no se consideraba a sí mismo "un surrealista en el sentido escolástico de la palabra."6 Tal como dice Marc Rombaut: "Delvaux... siempre mantuvo una relación íntima y privilegiada con su infancia, que es la motivación subyacente de su obra y siempre consigue que salga a la superficie. Esta 'infancia,' que existe dentro de él, le llevó a la dimensión poética en el arte."
La fuite (1936) fue una de las primeras obras pintadas con este nuevo estilo, enriquecido durante su viaje a Italia en 1938 y con referencias a la arquitectura antigua y al tema de los paisajes desiertos con ruinas (La ville endormie, 1938).
Las pinturas de Delvaux se hicieron famosas al representar mujeres desnudas que miran fijamente como si estuvieran hipnotizadas, con gestos misteriosos, a veces reclinadas de manera incongruente en una estación de ferrocarril o vagando por edificios clásicos. A veces las acompañan esqueletos, hombres con sombreros hongos, o científicos asombrados tomados de las historias de Jules Verne. Delvaux repetiría variaciones sobre estos temas durante el resto de su larga vida, aunque pueden reconocerse algunos alejamientos. Entre ellos están sus pinturas de 1945-47, realizadas en un estilo aplanado de efectos de perspectiva forzada y distorsionada, y la serie de crucifixiones y deposiciones de la Cruz protagonizadas por esqueletos, pintada durante los años 1950.
A finales de los años cincuenta produjo una serie de escenas nocturnas, en las que hay trenes que mira una niña vista desde atrás. Estas composiciones no tienen nada que sea abiertamente surrealista, y aun así la claridad de detalle a la luz de la luna tiene un efecto de alucinación. Los trenes han sido siempre un tema de interés para Delvaux, quien nunca olvidó lo maravilloso que le pareció, siendo un niño pequeño, cuando vio los primeros tranvías eléctricos en Bruselas.
En 1959 ejecutó un mural para el Palais du Congrès en Bruselas, uno de los encargos decorativos a gran escala que emprendió Delvaux.
La técnica de Delvaux es precisa y seca. Su academicismo, voluntariamente anacrónico, acentúa por su falsa ingenuidad el erotismo latente en sus obras. En ellas se representan cuerpos femeninos estereotipados, mudos y estáticos dentro de un marco estrictamente definido, al que a veces se añade una penumbra misteriosa e inquietante, un hombre vestido (tal vez el doble del artista) que les ignora o les mira impasible.
Recibi elMFA en Bellas Artes enel California Institute ofthe Artsdemediados de los setenta.He trabajadocomo unaartista de collageydiseño gráfico.Mitrabajo ha sido desarrolladoparamurales, libros, revistas, telas ydiseños de envases.En1984, fuiuna de los 12artistas seleccionadospara crearun cartel deserie de la firmade los JuegosOlímpicos de Verano enLos Angeles.Desde mediados de losaños 80he seguidomi otra pasióncentradaen el diseño arquitectónico.Despuésde una ausencia de25 años dela creación artística,en 2008regresé al collagey grabado, yse hanmezcladomis dos pasiones visuales felizmentedesde entonces.Actualmente trabajoen el estudiousando una prensa pararealizar monotipos.Creo impresiones deediciónlimitada las que me gustapersonalizar con toques depintura.Siempre meatraen las imágenesgráficas, sencillas que tengan humor y belleza.
Locura
