Juan Bordes nace en 1948 en Las Palmas de Gran Canaria. Entre 1957 y
1960 realiza cursos de escultura con el también Abraham Cárdenes
(1907, Tejeda, Gran Canaria - 1971). Se traslada a la península en 1963,
recibiendo clases de dibujo del natural en las clases libres del Círculo
de Bellas Artes de Madrid e iniciando sus estudios de arquitectura. Entre
los años 1972, en el que concluye la carrera, y 1974, trabajo en el
estudio de García de Castro.
En 1976 inicia su labor como profesor en la ETSA (Escuela Técnica
Superior
de Arquitectura) de Madrid, obteniendo el doctorado con la tesis
"a escultura como elemento de composición en el edificio. Su
normativa en la tratadística española, francesa e italiana",
dirigida por
Juan Navarro Baldeweg.
Es profesor titular del Departamento de Composición Arquitectónica del
ETSA de Madrid y Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de
Bellas Artes de San Miguel Arcángel con la lección: "Siempre estuvieron
ahí... (la escultura clásica del Museo del Prado a la luz de la escultura
moderna)".
Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) inició sus
estudios de arte en Barcelona explorando el campo del dibujo y la
cerámica, formación que completó en la School of Arts de Londres a
principios de los años ochenta. Es durante esta década cuando su carrera
emergió dentro de la institución artística favorecida por la presencia
en eventos como la Bienal de Venecia, en la que es seleccionada para
representar a España en los años 1986 y 1993. Posteriormente, la
exposición individual que le organizó el Guggenheim Museum de Nueva York
en 1997 supuso su definitiva consagración en el ámbito internacional. A
esta le seguirán otras muestras en significativos espacios artísticos y
una atención hacia sus trabajos por parte de las colecciones de algunos
de los principales museos del mundo.
Cristina Iglesias ha mostrado un decidido interés por redefinir lo
escultórico como un campo expandido que sirve para cuestionar lo
objetual en sus relaciones con lo espacial y lo arquitectónico. Sus
esculturas se integran con la arquitectura del lugar en el que se
ubican, estableciendo un juego en el que la realidad y la apariencia se
entrelazan. Creaciones que generan de este modo sugerentes mundos
ficticios y abandonan sus fines utilitarios para convertirse en
escenografías que propician una observación reflexiva. Intersecciones
entre lo natural y lo cultural, sombras, cascadas, remolinos y follajes,
en las que la idea de refugio resulta la metáfora más recurrente.
La trayectoria de esta artista se caracteriza por una
incesante inquietud en el estudio de una gran diversidad de materiales
(alabastro, tapiz, cristal, resina, aluminio, bronce, hierro, cemento,
madera, hormigón…) e incluso el agua aparece como un elemento
escultórico más, protagonista de algunos de sus proyectos públicos que
son recogidos en la serie de vídeos que se exhibe bajo el título de
Guided Tours. La propuesta expositiva se completa con una panorámica de
sus serigrafías en cobre y tela.
Fernando Bellver (Madrid, 1954) estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid
y se especializó en técnicas del grabado. En 1980 se inicia en la
técnica litográfica, y un año más tarde fundará el Taller Mayor 28, que
a lo largo de los años ha ido adquiriendo gran prestigio. En todos los
trabajos de Bellver el espectador descubre un guiño. Tras una primera
impresión del observador se revela a la mirada atenta el verdadero
significado de la obra, en unos casos la ironía, en otros la reflexión, y
a veces, tras una envoltura cómica, la semioculta carga de denuncia.
Fernando Bellver ha recibido el Premio Nacional de Arte Gráfico 2008
Nació en Cornellá de Llobregat, Barcelona en 1954 y murió
prematuramente en 2001, a los 47 años de edad. Fue considerado como una
de las figuras más emblemáticas del panorama del arte catalán de los
años noventa. Estudió en Llotja asistiendo a las clases de
procedimientos pictóricos que Andreu Martó impartía.
En 1978 tomó parte en la formación del Taller Experimental de
Artes Plásticas, T.E.A.P., figurando entre sus componentes Pedro Mata
Saralegui y Jordi Guasch. Dos años más tarde constituyó, junto con otros
siete miembros de éste taller, el Grupo Usquam. Sus primeras
exposiciones públicas tuvieron lugar en 1976. Desde entonces expuso
individualmente en la Galería Cop d’Ull de Lleida, en la Sala Pepa de
Cadaqués y en la barcelonesa Galería Lleonart.
Escultor y dibujante, obtuvo el primer premio del concurso de dibujo del Círculo Artístico de Sant Lluc en 1980.
Paralelamente a la actividad creativa, Balmes desarrolló tareas de enseñanza.
Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la Universidad de Harvard de Cambridge (Massachusetts), funciones que desempeña simultáneamente con su colaboración con diversas publicaciones especializadas en imagen. En 1980 fue co-fundador de la revista PhotoVision, editada en formato bilingüe español e inglés, ocupando el cargo de redactor jefe.
Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía, en 1979, y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, fue el comisario de la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945, exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 exhibida en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arlés. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España. En 2011 obtuvo el Premio Nacional de Ensayo que concede el Ministerio de Cultura por su obra 'La cámara de Pandora'.
Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.
Nace en Chile, Santiago 1941. Pinta desde muy joven. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Santiago de Chile y en 1974 se traslada a España, donde residirá durante 25 años. En 1997 vuelve a Chile y expone en el Museo Nacional de Bellas Artes ese mismo año. Ha participado en numerosas exposiones colectivas tanto en América con en Europa. Ha expuesto en las principales Ferias de Arte Internacionales como Basilea, Colonia, París, Arco de Madrid y Bolonia
EL ARTE, SI ES ALGO, ES BUSCAR UNA RESPUESTA SIN PENSAR QUE LA VAS A ENCONTRAR. LAS RESPUESTAS LAS DA LA CIENCIA.
Nace en Valencia en 1941. Es uno de los artistas más veteranos de la abstracción española según la crítica especializada. Elvira Maluquer destaca que su proximidad al llamado grupo de Cuenca (Torner, Zobel y Rueda, entre otros) le hizo adoptar una abstracción geométrica de clara tendencia constructivista y conceptualmente proxima al minimalismo norteamericano. Según la autora, la aportación de Teixidor a la pintura radica en la plasmación de un elaborado empleo matérico de la misma, pudiendo situarla en un espacio limitrofe entre la geometría y el gesto, entre el orden y la sensibilidad personalizados en el color, la transparencia, la solidez y el equilibrio, que, junto con la geometría, son empleados por el artista a la hora de articular su discurso estético. Al contemplarla, su pintura cuestiona nuestros sentidos de sustancia, presencia y ausencia. Más allá de los rectangulos, barras y colores difusos, la obra nos enfrenta a las reflexiones de nuestra propia mente
HEMOS NACIDO EN UNA SOCIEDAD CON LA QUE NO ESTABAMOS DE ACUERDO, Y DE JÓVENES NOSOTROS ESTABAMOS FRENTE A LA SOCIEDAD, NO SOLAMENTE FRENTE AL FRANQUISMO, SINO YO DIRÍA QUE FRENTE A LO QUE SE NOS PLANTEABA COMO GRANDES VERDADES, Y ESO NOS HA MARCADO. SIEMPRE HEMOS ESTADO LLENOS DE SOSPECHAS Y BUSCANDO AL LADRÓN DEBAJO DE LA CAMA, PORQUE YO, POR EJEMPLO, UNA DE LAS SOSPECHAS QUE HE TENIDO TODA MI VIDA- Y QUE ALGO SIGO TENIENDO- ES ESA IDEA QUE YO TENÍA CUANDO EMPECÉ A PINTAR DE QUE LOS MAYORES SE VOLVÍAN UNOS CONSERVADORES Y ERAN UNOS MENTIROSOS. Y TODA MI VIDA HE VIVIDO CON EL FANTASMA DE QUE ALGÚN DÍA YO SERÍA UN MENTIROSO AL HACERME MAYOR, Y ES UN FANTASMA QUE ME HACE MUCHO DAÑO. POR ESO CREO QUE TENEMOS ESE SENTIDO CRÍTICO TAN EXAGERADO.
Luis Gordillo (Sevilla, 1934), pintor español.Es una de las
principales figuras del arte abstracto en España. De gran prestigio
internacional, sus obras se pueden contemplar en los principales museos
de arte contemporáneo de Norteamérica y Europa.
Nació en la ciudad
Sevilla, en 1934, hijo de un médico de clase media acomodada. Realizó
la carrera de Derecho, sin sentir una gran vocación jurídica, según
confiesa el propio pintor, acabado sus estudios de Derecho, comenzó los
estudios de Bellas Artes en la misma ciudad. A final de los años
cincuenta marchó a París, donde contactó con el arte de vanguardia.
Es
uno de los creadores más singulares de la escena artística española de
la segunda mitad del siglo XX. Su trabajo gira en torno a diferentes
líneas de investigación. Participó del informalismo, siguiendo los pasos
de Tàpies, Wols, Dubuffet y Jean Fautrier. También ha sido considerado
como uno de los artistas españoles que mejor interpretó el arte pop en
los años sesenta.
Hecho que le llevará a ser uno de los primeros
artistas españoles que experimente con la manipulación seriada de la
imagen realizando las series “Cabezas” de 1963-1966 o “Automovilistas”
de 1968. Si bien participó del grupo articulado por Juan Antonio Aguirre
“Nueva Figuración”, Gordillo siempre ha llevado su discurso pictórico a
un terreno muy personal cargado de ironía e incluso autocrítica.
Una
parte de su trabajo ha explorado la importancia de la serie y la
repetición como herramienta compositiva. Gordillo considera que una
imagen que está sometida a un continuo proceso de reproducción, y nunca
alcanza un estado definitivo. Por otro lado, tras el descubrimiento y la
práctica del psicoanálisis, Gordillo introdujo en su trabajo el interés
por los significados y por la vinculación entre el mundo del
pensamiento, el de la experiencia y el de la expresión estética.
Pero
una de las aportaciones más singulares de Gordillo al arte contemporáneo
ha sido la definición de estrategias cromáticas apropiadas de
fenomenologías urbanas actuales. En este sentido su trabajo se relaciona
con tradición de la fotografía documental y de culturas populares
vinculadas con el diseño gráfico. Su obra tuvo especial atracción para
pintores como Guillermo Pérez Villalta, Carlos Franco y Carlos Alcolea.
En
1973 escribe” Mis últimas obras de tipo satírico hacen claramente
referencia al hombre estándar de nuestra sociedad, atontado por el
confort, disminuido y, lo que mas me interesa, LIMITADO por espacios
culturales mas allá de los cuales no puede pensar”.
En 1981 recibe el premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura Español.
Entre
su larga trayectoria, se podría destacar una de sus últimas
exposiciones, "Luis Gordillo 1965/2006",organizada en el MUSEO DE ARTE
DE ZAPOPAN en México, y organizada por el Centro Andaluz de Arte
Contemporáneo de Sevilla y la retrospectiva de su obra pictórica y
fotográfica que le dedicó en 2007 el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía en Madrid; en la que el mismo Gordillo se hizo cargo del diseño
de la exposición.
(Información obtenida de Wikipedia)