martes, 27 de septiembre de 2011

Nikolái Roerich




Nicholas Roerich Konstantinovich nació en San Petersburgo, Rusia, el 9 de octubre de 1874, hijo primogénito del abogado y notario, Konstantin Roerich y su esposa María. Se crió en el ambiente confortable de una familia rusa de clase media alta, con sus ventajas del contacto con escritores, artistas y científicos, que muchas veces iban a visitar a los Roerich. A temprana edad mostró una curiosidad y talento para una variedad de actividades. Cuando tenía nueve años, un arqueólogo fue a realizar exploraciones en la región y llevó al joven Roerich a sus excavaciones de los túmulos locales. La aventura de la revelación de los misterios de las eras olvidadas con sus propias manos despertó en él un interés por la arqueología, que duraría toda su vida. A través de otros contactos desarrolló interes por la recolección de artefactos prehistóricos, monedas, y minerales, y construyó su propio jardín botánico para el estudio de plantas y árboles. Mientras era aún bastante joven, Roerich demostró una aptitud especial para el dibujo, y en el momento en que llegó a la edad de dieciséis años empezó a pensar en entrar en la Academia de Arte y seguir una carrera como artista. Su padre no consideraba la pintura como una vocación digna para un miembro responsable de la sociedad, así que insistió en que su hijo siguiera sus pasos en el estudio de leyes. Lograron un compromiso, y en el otoño de 1893 Nicholas se matriculó simultáneamente en la Academia de Arte y en la Universidad de San Petersburgo.



En 1895, Roerich conoció al destacado escritor, crítico e historiador, Vladimir Stasov. A través de él, fue presentado a muchos de los compositores y artistas de la época - Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Stravinski, y al bajo Fyodor Chaliapin. En los conciertos en el Conservatorio Superior escuchó las obras de Glazunov, Liadov, Arensky, Wagner, Scriabin y Prokofiev por primera vez se desarrolló en él un entusiasmo ávido por la música. Wagner, en particular, le encantó, y después, durante su carrera como diseñador teatral, creó diseños para la mayoría de las óperas del compositor. Términos y analogías musicales se pueden apreciar en la pintura de Roerich. Con frecuencia relacionados con la música utilizaba armonías de color, y aplicó esta sensación a sus diseños para la ópera. Nina Selivanova escribió en su libro, El mundo de Roerich: "La fuerza original de la obra de Roerich consiste en una simetría magistral y marcada, y un ritmo definido, como la melodía de una canción épica."



Los años finales de 1890 vieron un florecimiento en las artes rusas, particularmente en San Petersburgo, donde la vanguardia formaba grupos y alianzas, liderada por el joven Sergei Diaghilev, que iba un año o dos por delante de Roerich en la Facultad de Derecho y fue uno de los primeros en apreciar su talento como pintor y estudioso del pasado ruso.
Uno de los primeros logros de Diaghilev fue la fundación, con la princesa María Tenisheva y otros, de la revista El Mundo del Arte. Esta revista disfrutó de una vida relativamente corta, pero tuvo una importante influencia en los círculos artísticos rusos. La revista se declaró enemiga de los académicos, los sentimentalistas, y los realistas. Se presentó a sus lectores, compuestos en su mayoría por la intelectualidad, los elementos vitales de los círculos artísticos rusos, post-impresionismo europeo y el movimiento modernista. Roerich contribuyó en su consejo editorial. Otros pintores rusos involucrados fueron Alexandre Benois y Bakst Leon, que más tarde se convirtió en compañero de trabajo de Roerich en los primeros días de los Ballets Rusos de Diaghilev.




Después de terminar su tesis universitaria, Roerich planeó un viaje de un año por Europa para visitar los museos, exposiciones, talleres y salones de París y Berlín. Justo antes de salir conoció a Helena, hija del arquitecto Shaposhnikov y sobrina del compositor Mussorgsky. Parece que hubo una atracción mutua inmediata, y se comprometieron inmediatamente. A su regreso de Europa, su matrimonio se llevó a cabo.
Helena Roerich fue una mujer excepcionalmente dotada, un talentosa pianista y autora de numerosos libros, incluyendo las bases del budismo y una traducción al ruso de Doctrina Secreta de Helena Blavatsky. Su epistolario, en dos volúmenes, son un ejemplo de sabiduría, la visión espiritual, y consejos simples que compartía con una multitud de corresponsales - amigos, enemigos y compañeros de trabajo por igual.




Más tarde, en Nueva York, Nicholas y Helena Roerich fundaron la Sociedad Agni Yoga, que abrazaba una ética de vida que abarcaba la síntesis de las filosofías y enseñanzas religiosas de todas las edades.
Impulsado por la necesidad de disponer de unos ingresos por su nuevo hogar, Roerich solicitó y obtuvo el cargo de Secretario de la Escuela de la Sociedad para el Fomento del Arte, después se convirtió en director, el primero de los muchos puestos que ocuparía Roerich como profesor y vocero de las artes.
Roerich decidido reformar la Sociedad y rescatarla de la mediocridad académica que había fracasado en muchos años. Instituyó un sistema de formación en el arte que parece revolucionario incluso para los estándares de hoy: enseñar todas las artes - pintura, música, canto, danza, teatro, y el llamado "artes industriales", tales como cerámica, pintura sobre porcelana, cerámica y dibujo mecánico - bajo un mismo techo, y para dar rienda suelta a su libre facultad de diseñar su propio plan de estudios.
El cruce de las artes que promovió Roerich fue la evidencia de su inclinación para armonizar, unir, y encontrar correspondencias entre los conflictos aparentes u opuestos en todos los ámbitos de la vida. Esta era una característica de su pensamiento, y uno lo ve demostrado en todas las disciplinas que exploró. Constantemente pedía que no se desglosarase , y, de hecho, incluso en su propio arte desafió la categorización y creó un universo único y personal. En sus escritos sobre la ética también, se puede ver que buscaba constantemente conectar los problemas éticos con el conocimiento científico del mundo que nos rodea.




Fue el regalo de Roerich de que estas "conexiones" parecieran tan naturales en él y las presentaba en todas las manifestaciones de la vida. Y fue este talento para la síntesis, que admiraba en los demás y animó a los jóvenes, que correlacionaran lo subjetivo con lo objetivo, lo filosófico con el conocimiento científico, la sabiduría oriental con el conocimiento occidental, y construir puentes de entendimiento entre tales aparentes contradicciones. Nos recordó que estas contradicciones eran a menudo el resultado de la ignorancia del hombre, y que una conciencia en expansión, que todo individuo debería alcanzar, daría lugar al reconocimiento eventual de lo ilusorio, o la relatividad de las cosas. Como Garabed Paelian afirma en su libro Nicholas Roerich: ". ... aprendió cosas ignoradas por otros hombres, relaciones percibidas entre fenómenos aparentemente aislados, e inconscientemente sintió la presencia de un tesoro desconocido" Roerich Quizás en este «tesoro desconocido" que, en las pinturas de Roerich muestra al espectador está en sintonía con ese significado subyacente, y además explica los sentimientos transcendentales que algunos experimentan a través de sus lienzos.





En 1902, los Roerich celebraron el nacimiento de su primer hijo, George, y en los veranos de 1903 y 1904, se pusieron en marcha en un largo viaje por cuarenta ciudades de toda Rusia. El propósito de Roerich era contrastar los estilos y el contexto histórico de la arquitectura rusa. El viaje fue uno de los descubrimientos, por dondequiera que iban fue capaz de localizar los restos del pasado de Rusia - los antiguos monumentos, iglesias, murallas y castillos. Encontró que, en muchos casos, se habían descuidado durante siglos. Como historiador de arte y arqueólogo era consciente de que era una clave importante de la historia cultural de Rusia. Decidió llamar la atención sobre la situación y de que se buscara su protección y conservación, y con este objetivo en mente pintó una serie de setenta y cinco obras que representan las estructuras. La experiencia de este viaje tuvo un efecto duradero, a su regreso en 1904, Roerich promulgó el plan el plan para la protección en todas partes de tales tesoros culturales, un plan que se consumó treinta y un años más tarde con el Pacto Roerich. Este tipo de pensamiento no era común en esos días, y anticipó la importancia que hoy en día, la mayoría de los países del mundo prestan a la conservación de su patrimonio cultural.


En 1904, Roerich pintó la primera de sus pinturas de tema religioso. EstAs en su mayoría trataban de santos y leyendas rusas, e incluyó Mensaje a Tirón, horno de fuego, y al último ángel, temas que volvieron con numerosas variantes en los últimos años. El tesoro de los Ángeles fue descrito por un escritor: "Un ejército de ángeles con vestiduras blancas, de pie, en una fila silenciosa guardando un tesoro misterioso con el que están ligados a los destinos del mundo. Es una piedra azul oscura, con un crucifijo grabado, brillando con matices esmeralda. "Los ángeles son una representación temprana de los Maestros jerárquicos que poblaron el corazón de la creencia de Roerich en una gran hermandad, vigilar y guiar a la humanidad en su eterno viaje de evolución. La "piedra" representada por Roerich es la representación de una imagen que se repite en diferentes formas en sus pinturas y sus escritos. La palabra "tesoro" ocupa un lugar destacado en los títulos de muchas de las pinturas de Roerich, como, por ejemplo, en El tesoro de la montaña y el tesoro escondido. Es evidente que no es a la riqueza material a la que él se refiere, sino más bien a los tesoros espirituales que se encuentran enterrados, sin embargo, disponibles para aquellos con la voluntad para desenterrarlos.
Mientras tanto, la búsqueda de Roerich de tesoros arqueológicos continuó. La Edad de Piedra le intrigaba particularmente, y amasó una gran colección de artefactos de esa época. Sus cuadros frecuentemente reflejan este interés, como en Tres Glaives en el que el tema es de carácter arqueológico, y se refiere a una antigua leyenda. Roerich escribió sobre la similitud inusual de las técnicas de la Edad de Piedra y los métodos de ornamentación en el momento separados por las regiones del mundo. Al comparar estas correspondencias, llegó a conclusiones instructivas en cuanto a la similitud de expresión y la creatividad humana.



LOS AÑOS DE TEATRO

En 1906, en el primero de los muchos esfuerzos empresariales que se iban a llevar a cabo por el arte y la música rusa para atraer la atención de los europeos, Sergei Diaghilev organizó una exposición de pinturas rusas en París. Esta incluía dieciséis obras de Nicholas Roerich. Al año siguiente, Diaghilev presentó a Fyodor Chaliapin al público parisino, junto con la música de Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Borodin, Rachmaninov, Scriabin, Glazunov, Stravinsky, entre otros. En 1909 se presentó Chaliapin en Ivan Rimsky-Korsakov, el Terrible, con vestuario y decorados diseñados por Roerich. En las Danzas Polovtsianas del Príncipe Igor de Borodin, también diseñados por Roerich, y en otros ballets, Diaghilev introdujo un cuerpo de bailarines rusos que más tarde se hicieron famosos como los Ballets Rusos, que incluía Pavlova, Fokine y Nijinsky. Los Diseños de Roerich representaban elocuentemente de culturas antiguas y sus prácticas.
Diaghilev fue pionero en una forma de arte que contó con la colaboración del diseñador como "autor". De este modo Alexandre Benois influenció en la creación del ballet Petrouchka, y Nicholas Roerich fue el promotor y, con Igor Stravinsky, el co-creador del ballet Le Sacre du Printemps, o La Consagración de la Primavera.




Al principio, titulado El Gran Sacrificio: un cuadro de la Rusia pagana, motivo para el ballet surgió de la absorción de Roerich con la antigüedad y, como escribió en una carta a Diaghilev, "la cosmogonía hermosa de la tierra y el cielo." Roerich trataba de expresar los ritos primitivos del hombre antiguo al recibir la primavera, dadora de vida, haciendo sacrificios a Yarilo, el dios del sol. Era una historia diferente a la de cualquier ballet anterior. La Musica de Stravinsky y la coreografía de Nijinsky fueron igualmente inesperadas, y provocaron una polémica que iba a continuar durante muchos años.
En la apertura en París el 29 de mayo de 1913, uno de los asistentes, describió la escena: "Nada de lo que se ha escrito sobre la batalla de Le Sacre du Printemps le ha dado una ligera idea de lo que realmente ocurrió. El teatro pareció ser sacudido por un terremoto. Se estremeció. La gente gritaba insultos, gritó y silbó, ahogando la música. Hubo bofetadas y puñetazos ... pero el ballet era increíblemente hermoso. "





Interpretando lo que podría haber sido descrito como un comportamiento negativo y bárbaro, Roerich escribió más tarde: "Recuerdo como durante la primera actuación el público silbó y gritó tanto que no se podía oir nada. Quién sabe, quizás en ese momento estaban exultantes por dentro y expresaban este sentimiento como el más primitivo de los pueblos. Pero tengo que decir, este primitivismo salvaje no tenía nada en común con el primitivismo refinado de nuestros antepasados​​, para quienes el ritmo, el símbolo sagrado, y el refinamiento del gesto eran conceptos grandes y sagrados. "
Sacre representa la culminación de la colaboración de Roerich con Diaghilev. Reconoció en el empresario un verdadero campeón de arte ruso, y después de la muerte de Diaghilev en 1929, escribió: "Podemos considerar el comportamiento ... de Diaghilev como el de una gran persona, pero sería aún más exacto considerarlo como el verdadero representante de todo un movimiento de síntesis, un representante de lo eternamente joven del gran momento en que el arte moderno rompió tantas convenciones y superficialidades ".





NUBES DE GUERRA

En los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial, Roerich presintió un inminente cataclismo, y sus pinturas representan simbólicamente la escala terrible del conflicto que sentía descendiendo sobre el mundo. Estos trabajos marcaron el nacimiento de Roerich el "profeta".
En Batalla en el cielo Roerich usó el contraste violento de luz y oscuridad para sugerir los terribles sucesos que pronto superaría a Rusia y a toda Europa.
En este momento, en su descripción de los temas históricos y naturales, el simbolismo y el uso de la alegoría se había convertido en un ingrediente esencial en su trabajo. Un crítico escribió: "El pobló su mundo no con los participantes en dramas y comedias transitorias, sino con los portavoces de las ideas más firmes acerca de la verdad de la vida, la lucha milenaria del bien y del mal, la procesión triunfal de un futuro brillante para todos . "




VIAJE A OTRAS ORILLAS S

En 1915, Roerich enfermó de neumonía y fue enviado por su médico a recuperarse con su familia en Sortavala, Finlandia. Era un período de gran agitación en todo el mundo, y no menos en la vida de la familia Roerich. Enlos cuadros de Roerich de la época, como Karelia - Expectativa Eterna y la mujer que espera el campo frío y austero de las rocas y las costas deshabitadas del norte parece expresar un sentimiento de anhelo conmovedor. En la mujer que espera, su mirada se fija en el horizonte como si esperase alguna señal del regreso de viajeros, desaparecidos hacía tiempo.
En 1917 la revolución estaba en su apogeo en Rusia y volver allí habría sido peligroso. La familia comenzó a hacer planes para visitar India, cuya magnética apelación había sentido cada vez más durante estos años. Esto se convirtió en una posibilidad en 1918 cuando Roerich fue invitado por un empresario sueco para exhibir sus cuadros en Estocolmo. Desde allí, la familia se fue a Londres, donde Sir Thomas Beecham había invitado a Roerich a diseñar una nueva producción para El príncipe Igor de la ópera en el Covent Garden.




A M E R I C A

Mientras tanto, una invitación para venir a Estados Unidos le fue ofrecida por el Instituto de Arte de Chicago. La aceptó, y expuso con éxito en la Galería Kingore en Nueva York en 1920. Además de exhibir más de 400 cuadros allí y en muchas ciudades de los Estados Unidos, Roerich diseñó la escenografía y vestuario para producciones de La Doncella de Nieve, y Tristán e Isolda para la compañía de la Opera de Chicago. Durante sus viajes por América, Roerich pintó una serie en Nuevo México, y la serie Ocean en Monhegan, Maine, donde la familia pasó un verano. Respondió con el espíritu de empresa que se ​​encuentra en Estados Unidos y escribió con frecuencia sobre la influencia positiva que el desarrollo de su tecnología tendría en el mundo.




En 1921, en Nueva York, fundó the Master Institute of United Arts , en el que tenía previsto realizar los conceptos de educación que había incorporado en el plan de estudios en San Petersburgo. Atrajo a un talentoso grupo de instructores. Entre ellos Deems Taylor, enseñando teoría musical y composición, Robert Edmund Jones y Lee Simonson, en diseño de la enseñanza teatral, e instructores de alta calidad en cursos que incluían todos los instrumentos musicales, los aspectos de la pintura y el dibujo, el diseño y la ilustración, escultura, arquitectura, ballet, teatro, periodismo e idiomas - y las conferencias fueron presentadas por personas como George Bellows, Claude Bragdon, Norman Bel Geddes, y la joven Stark.
The Master Institute of United Arts floreció , pero no sobrevivió más allá de 1937. Mientras el país estaba en las garras de la Gran Depresión y la familia Roerich fue a la expedición por el Lejano Oriente, los fondos se agotaron y los acontecimientos provocaron un colapso total de la organización que Roerich y sus seguidores habían trabajado en construir.
No fue sino hasta 1949 que, bajo la dirección de Sina Fosdick, uno de los miembros fundadores y un miembro del cuerpo docente del Instituto, la institución renació como el Museo Nicholas Roerich, en una casa de piedra rojiza en West 107th Street, donde ha permanecido hasta la actualidad . Muchos cuadros de la colección original se pueden ver ahora allí, y en los años transcurridos otras importantes obras se han añadido, por lo que es una de las colecciones más completas de la obra del artista en el mundo.





Durante su estancia en Estados Unidos los Roerich continuaron el plan para el viaje a la India. Una orientación hacia los valores espirituales del Este se refleja en gran parte del trabajo creativo de Roerich de la época. Esto se ve en la serie Oceano - los tres cuadros,"El mismo vino"," el Puente de la Gloria", y "el Milagro· que demuestran el poder espiritual que empezaba a caracterizar su trabajo. En el Puente de la Gloria, San Sergio de Radonezh camina en contemplación ante un puente azul formado por la aurora boreal, la metáfora de Roerich para el futuro puente espiritual que conectará el cielo y la tierra.
Entre 1916 y 1919, Roerich había escrito una colección de sesenta y cuatro poemas en verso libre que fueron publicados en Berlín, en ruso, bajo el título de Flores de Morya, y posteriormente publicado en Inglés como la llama en el Cáliz. En ellos encontramos el viaje interno de Roerich y su compromiso con la búsqueda espiritual. Estos poemas evocan algunas de las imágenes que Roerich posteriormente utilizó en sus pinturas, y de una manera que nos ayudan a entender los símbolos y significados que están detrás de algunos de ellas.




En su ensayo Flores de Morya: el tema de la peregrinación espiritual en la poesía de Nicolás Roerich, Irina Corten escribe: "En el núcleo del sistema de creencias de Roerich es el concepto hindú de un universo sin comienzo ni fin, que se manifiesta en ciclos recurrentes de la creación y disolución de las formas materiales causados ​​por la pulsación de la energía divina. En el plano humano, esto significa el ascenso y la caída de las civilizaciones y, en términos de la vida individual, la reencarnación de un alma ... "Como Roerich, el poeta, escribe en el poema sobre lo Eterno:

Hermano, abandonemos
lo único que cambia rápidamente.
De lo contrario, no tendremos tiempo
para dirigir nuestros pensamientos a lo
que no cambia en absoluto.
Lo eterno.

En mayo de 1923, los Roerich por fin se dirigían a la India, donde, en esa tierra siempre joven, en medio de las nieves de la cordillera del Himalaya, buscaron dirigir sus pensamientos hacia lo Eterno.



I N D I A

Los Roerich llegaron a Bombay en diciembre de 1923, y comenzaron una gira por los centros culturales y lugares históricos y se reunieron con científicos, académicos, artistas y escritores a lo largo del camino. A finales de diciembre ya estaban en Sikkim, en la vertiente sur de los Himalayas, y es evidente por la rapidez con la que llegaron a las montañas que los Himalayas, eran lo les interesaba.





Iniciaron un viaje de exploración que los llevaría hasta el Turquestán chino, Altai, Mongolia y el Tíbet. Fue una expedición a las regiones sin explorar, donde planeaban estudiar las religiones, idiomas, costumbres y cultura de los habitantes.
Roerich escribió sobre esta primera Expedición al Asia Central en su libro Corazón de Asia, y crea para el lector un relato vívido de la maravilla de la tierra y su gente. Las imágenes no son en ningún sitio tan vivas como las mas o menos 500 pinturas resultantes del recorrido. En Kanchenjunga, Sikkim Pass, su país, el Gran Espíritu de los Himalayas, y la serie del Este, podemos apreciar los conceptos filosóficos y las ideas que dan a luz a las imágenes visuales, y el esplendor que proporciona el entorno físico
el norte de la India .


En la senda, la figura de Cristo muestra el camino a lo largo de un camino tortuoso a través de los riscos y cumbres de los Himalayas, una metáfora para los obstáculos peligrosos a que se enfrenta un viajero espiritual. Figuras de las religiones orientales y conceptos aparecen en las pinturas, de los cuales son importantes las imágenes del Dios Maitreya - el Mesías budista, el Kalki-Avatar de los Puranas, Rigden Jyepo de Mongolia, o la Burkhan Blanca de Altai - todos los cuales se describen en las leyendas que los vinculan con el Soberano de Shambhala, que está "destinado a aparecer en la tierra para la destrucción final de los impíos, la renovación de la creación y la restauración de la pureza." (citado de el Glosario Teosófico, de HP Blavatsky)




La caminata era a veces difícil. Roerich nos dice que cruzaron treinta y cinco puertos de montaña de hasta veintiún mil pies de altura. Pero estos son los retos para los que sentía haber nacido, creyendo que el rigor de las montañas ayudaba a un hombre a encontrar la valentía y a desarrollar la fuerza del espíritu. Y a pesar de los obstáculos, dondequiera que fueran, la creencia de los Roerich en la bondad esencial de la vida y la espiritualidad del hombre se reforzaba. Roerich Banners de la serie de diecinueve cuadros representan los maestros religiosos del mundo, Mahoma, Jesús, Moisés, Confucio y Buda, y los santos indios y cristianos y sabios, fue un testimonio para la unidad de esfuerzo espiritual y las raíces comunes del hombre en la fe.


En contrapunto a estos temas en la pintura de Roerich está la imagen de La Mujer y su destino en la próxima era, y podemos suponer que lo que Helena Roerich escribió a un amigo en 1937, refleja el propio punto de vista de Nicholas: "... la mujer debe darse cuenta de que ella misma contiene todas las fuerzas, y el momento en que se sacuda de esa hipnosis secular de su subyugación aparentemente y de la inferioridad mental y se ocupe de una educación variada, va a crear en colaboración con el hombre un mundo nuevo y mejor ... El Cosmos afirma la grandeza del principio creativo de la mujer. La mujer es una personificación de la naturaleza, y es la naturaleza la que enseña al hombre, no el hombre a la naturaleza. Por lo tanto, puede que las mujeres entiendan la grandeza de su origen, y ojalá que se esfuercen por el conocimiento. "(Publicado en Cartas de Helena Roerich 1935-1939, vol. II)



Nicholas Roerich representó las grandes deidades femeninas en pinturas como La que Guía, Madonna Laboris, y La Madre del Mundo. Este último concepto, equivalente a Lakshmi y Kali de la India, es una de las imágenes de Roerich de mayor inspiración, interpretada con majestuosidad en tonos profundos de azul y violeta. La contribución de Helena Roerich en la vida y obra de Nicolás no puede ser sobrestimada. Su unión podría describirse mejor como una colaboración de toda la vida en los campos del esfuerzo mutuo. Su filosofía, que comprende una ética de vida, era compartida por Nicholas y motivaba su trabajo y su vida. En algún momento de sus últimos años, cercano a un aniversario escribió en su diario: "Cuarenta años - no menos de cuarenta. En un viaje tan largo que reunió muchas tormentas y peligros, juntos hemos superado todos los obstáculos. Y los obstáculos se convirtieron en posibilidades. He dedicado mis libros a Helena, mi esposa, amiga, compañera de viaje, inspiradora! Cada uno de estos conceptos ha sido probado en el fuego de la vida. Y en San Petersburgo, Escandinavia, Inglaterra, Estados Unidos, y en toda Asia trabajamos, estudiamos, ampliamos nuestra conciencia. Juntos hemos creado, y no sin razón digo que mi trabajo debe tener dos nombres -. Una femenino y otro masculino "



Al final de su gran expedición, en 1928, la familia se asentó en el Valle Kullu a una altura de 6.500 pies de las estribaciones del Himalaya, con una magnífica vista del valle y las montañas circundantes. Aquí establecieron su hogar y la sede del Instituto de Investigación Urusvati del Himalaya, que fue organizado para estudiar los resultados de su expedición, y de las exploraciones que estaban por venir. Las actividades del Instituto incluyen estudios botánicos, etnológicos, lingüística, y la exploración de sitios arqueológicos. Bajo la dirección de su padre, los dos hijos Roerich, George y Svetoslav, establecieron una colección de hierbas medicinales, e hizo extensos estudios en botánica y antiguos conocimientos médicos, tanto tibetanos como de la farmacopea china.


Al año siguiente, en un viaje de regreso a Nueva York para la inauguración de la nueva sede del Museo de Roerich, Roerich planteó un tema que había estado cerca de su corazón durante muchos años. Usando la Cruz Roja como ejemplo, propuso un tratado para la protección de los tesoros culturales tanto en tiempos de guerra y la paz - una propuesta que él había tratado infructuosamente de promover en el año 1914. En consulta con abogados versados ​​en derecho internacional, redactó un Pacto, y sugirió que una bandera sería extendida sobre todos los lugares bajo su protección. Esta bandera se llama la Bandera de la Paz. El diseño de la bandera muestra tres esferas rodeadas por un círculo, en color magenta sobre un fondo blanco.




De las muchas interpretaciones nacionales e individuales de este símbolo, lo más usuales son quizás los de Religión, Arte y Ciencia como aspectos de la cultura, que es el círculo, o de los logros del pasado, presente y futuro de la humanidad custodiado dentro del círculo de la eternidad. El símbolo se puede ver en el sello de Tamerlán, en tibetano, el Cáucaso, y la joyería escandinava, y en artefactos bizantinos y romanos. La imagen de la Virgen de Estrasburgo lo adorna. Se puede ver en muchas de las pinturas de Roerich, sobre todo Oriflamma Madonna, en la que la mujer se representa como portadora y defensora de la Bandera. En este signo y la divisa, Pax Cultura, que lo acompaña, se simboliza la visión de Roerich para la humanidad. Y añadía: "Unámonos - se le pregunta de qué manera? Usted estará de acuerdo conmigo: en la forma más fácil, para crear un lenguaje común y sincero. . Quizás en la Belleza y el Conocimiento "como resultado de los esfuerzos de Roerich para promulgar tal tratado, dio resultado, al fin, el 15 de abril de 1935, con la firma por las naciones americanas - los miembros de la Unión Panamericana - del Pacto Roerich, en la Casa Blanca en Washington. Este es un tratado que sigue en vigor. Muchos individuos, grupos y asociaciones de todo el mundo continúan dando a conocer el Pacto, la bandera, y sus principios subyacentes.



Es en sus pinturas del Himalaya en las que más fácilmente se encuentra evidencia de la grandeza de espíritu y sentido de la misión que llevó a Roerich a intentar las tareas que se propuso. En ellas se puede ver el sentido del drama, la urgencia de un mensaje para enviar o recibir, un viajero a que dar la bienvenida, una misión que cumplir, un camino para viajar. Las imponentes montañas representan las metas espirituales que la humanidad debe establecer por sí misma. Roerich exhorta a las personas a su destino espiritual y les recuerda su deber de prepararse para la nueva era en la que Rigden Jyepo reunirá su ejército y bajo el signo de la Luz derrotará a los anfitriones de la oscuridad. Roerich el guerrero ya fue armado y montado busca reunir su ejército para la batalla con la oferta en sus corazas con la palabra "cultura".




La búsqueda del refinamiento y la belleza era sagrada para Roerich. Creía que aunque los templos y artefactos terrestres puedan perecer, la idea de que los trae a la vida no muere, sino que es parte de la corriente eterna de la conciencia - las aspiraciones del hombre alimentada por su voluntad dirigida y por la energía del pensamiento. Por último, creía que la paz en la Tierra era un prerrequisito para la supervivencia del planeta y el continuo proceso de evolución espiritual, y exhortó a sus semejantes para ayudar a lograr que la paz mediante la unión en el lenguaje común de la Belleza y el Conocimiento.
Nicholas Roerich murió en Kullu el 13 de diciembre de 1947. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas enterradas en una ladera frente a las montañas que tanto amó y retrató en muchas de sus casi siete mil obras.


[El Museo de Nicholas Roerich]

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