Modesto Ciruelos

Modesto Ciruelos González (Cuevas de San Clemente, provincia de Burgos, 2 de marzo de 1908 - Burgos, 24 de agosto de 2002) fue un pintor español, pionero del Expresionismo abstracto en España.

Modesto Ciruelos nació en Cuevas de San Clemente en 1908. Con apenas dos meses su familia se traslada a Madrid. En 1921 acudió a la Escuela de Artes y Oficios, al Casón del Buen Retiro y al Museo del Prado a realizar copias y prácticas. Asistió a clases en el Círculo de Bellas Artes y en la Escuela Nacional de Artes Gráficas.

Su ingreso oficial en la Escuela Superior de Bellas Artes data de 1926. Entre sus profesores estuvieron Julio Romero de Torres, Daniel Vázquez Díaz, Manuel Benedito, José Gutiérrez Solana, Moreno Carbonero o Steve Botey. Entre sus condiscípulos Salvador Dalí, Cristino Mallo, Rafael Zabaleta, Daniel Conejo, Pedro Bueno o Minguillón.

Fue miembro fundador del Grupo de Artistas de Acción o Salón de los Independientes de Madrid, 1931. Entre su círculo intelectual se encuentran figuras de la categoría de Rafael Alberti, Federico García Lorca, a quien retrató, o Antonio Machado. Frecuentó las tertulias del Café Gijón dónde establece amistad con Vicente Aleixandre, Gerardo Diego o Ramón Gómez de la Serna.

Se licenció en Bellas Artes en 1932, siendo propuesto para una beca de ampliación de estudios en el extranjero, por sus profesores Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana y Daniel Vázquez Díaz al año siguiente, en que expuso en el Salón de Otoño. En 1934 obtuvo la Cátedra de Bellas Artes. Desempeñó labores docentes en Villalba (Lugo).

Durante la Guerra civil, participó en la Exposición Internacional de París de 1937 en el Pabellón de la II República Española con dos obras de compromiso político : Fusilados y Descubierta, junto al Guernica de Picasso y las obras de Alberto Sánchez, Juan Gris, Horacio Ferrer, etc. Éste convulso período de tiempo lo vive en un principio en Madrid, para pasar posteriormente a residir en Valencia y Barcelona ,integrado en la Brigada Topográfica del Ejército Republicano. Al concluir la contienda fraticida y permanecer un tiempo de reclusión, marcha a París, donde conoce a Pablo Picasso y visita regularmente su estudio, mucha veces en compañía de Rufino Ceballos, otra de sus grandes amistades. Posteriormente, en 1950, en una nueva visita a Picasso, realiza un retrato neocubista del genio malagueño.

No obstante, vuelve a España en 1941, dedicándose a la docencia como catedrático en Palma de Mallorca. En 1948 abandonó la docencia. Fijó su residencia en Burgos, casándose con Digna Otero Campo. Tuvieron una sola hija, María de los Ángeles (nacida en 1950). Durante ésta década de los 40 y los primeros 50, es seleccionado en numerosas ocasiones para el Salón de los Once de la Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio D'Ors es el primero que acude con obra abstracta a dichas ,y míticas, muestras como destacan los críticos Juan Manuel Bonet y Manuel Campoy . Sus exposiciones individuales en ésta época ,se llevan a cabo en salas como: Biosca, Clan, Proel o Estilo.

Los años 50, suponen el definitivo despegue internacional de la obra de Ciruelos. Toma parte de la II y V Bienal de São Paulo en los años 1953 y 1959,de la II Bienal Hispanoamericana de Arte de la Habana de 1954 y de la XXVIII Bienal de Venecia de 1956. Asistió como invitado al Primer Curso de Arte Contemporáneo en la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo de Santander (1953), y participó en el decisivo Congreso y posterior Exposición Internacional de Arte Abstracto que el Museo de Arte Moderno de Madrid organiza en la capital cántabra.Su obra ha abandonado al final de ésta década cualquier tipo de formalismo para ir al encuentro de un pleno afán experimental y matérico que se contempla en sus "Composiciones" y " Pinturas ". Las muestras individuales, durante la década de los 50 se sitúan en espacios tan señeros para el arte del momento como los de las galerías madrileñas Biosca, Clan o Fernando Fé,la bilbaina Stvdio o la santanderinas Proel y la sala del Ateneo de Santander.

En los años 60 sus creaciones, instaladas ya en la más pura abstracción, se mostrarán en exposiciones individuales en salas como :Neblí, la Galería de Santa Catalina del Ateneo de Madrid, la Galería de la Academia de Bellas Artes de San Eloy en Salamanca o el Ateneo de Santander .Así mismo y a nivel internacional, toma parte en muestras como: Contrastes en la Pintura Española que recorre los museos de arte contemporáneo de Tokio, Osaka, Nagoya, Nueva York, San Francisco y Denver, la exposición Arte Español Contemporáneo que concurre a : Helsinki, Múnich, Bruselas y Bonn y Espacio y Color en la Pintura Española de Hoy que se expone en: Río de Janeiro, São Paulo, Quito, Caracas, Santiago de Chile, Bogotá, etc.

Los años 70 suponen un período de reflexión y estudio en la trayectoria de Modesto Ciruelos.En contraposición a las décadas anteriores la actividad expositiva de Ciruelos, se reduce a cuatro o cinco muestras :en la mítica sala Mikeldi de Bilbao ( muestra individual ), el Homenaje a Eugenio D´Ors en la Galería del Club Urbis de Madrid o la Exposición Internacional de Homenaje a Joan Miró ,en el Palau de Sollerich de Palma de Mallorca.



El comienzo de los años 80 supone el inicio de una nueva y fructífera etapa y la última evolución pictórica de Ciruelos ,culminada con la exposición en 1985 en la galería Novart de Madrid ,con obras coloristas y desectructuradas que recibe grandes elogios de la crítica especializada ( Javier Rubio y Miguel Logroño entre otros ). La actividad expositiva de los años 90 se circunscribe a importantes exposiciones colectivas como:Exposición Universal de Sevilla 1992,Las Edades del Hombre de Salamanca en 1993,El Duero que nos une en 1994,Arte 2000 en Castilla y León Madrid y París en la Sala del Instituto Cervantes y Oporto, Exposición Homenaje a Tomás Seral y Casas en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, ambas en 1998.Y de exposiciones antológicas en Burgos, Centro Cultural Casa del Cordón en 1993. Y en 1999 nuevamente en Burgos, León ,Salamanca ,Zamora, Valladolid, Palencia, Ávila y Soria, tras recibir el Premio Castilla y León de las Artes. La ronda expositiva del nuevo milenio se inicia con la exposición : Antología Abstracta ( 1952 - 1985 ) en el Burgo de Osma en 2000,la cual se puede considerar como la gran última exposición en vida, puesto que falleció el 24 de agosto de 2002, a los noventa y cuatro años de edad, en su casa de Burgos.

A lo largo de la primera década del nuevo siglo ,su obra se sigue mostrando en exposiciones como la gran Exposición Antológica : Ciruelos.Cien Años de Vanguardia celebrada en Madrid en 2007 o muestras como : XX Años de Premios de Castilla y León de las Artes ,en el Monasterio de Nuestra Señora de Prado de Valladolid en 2005 ,XXII Prémios Castilla y León das Artes , Jardins do Palacio do Cristal de Oporto y Sala Stvdio ( 1948 - 1952 ) .Una Aventura Artística en el Bilbao de la Posguerra ,en el Museo de Bellas Artes de Bilbao .Exposición homenaje a la Galería Stvdio fundada por Guillermo Wakonnig y que colgó, además de dos obras de Modesto Ciruelos, cuadros de artistas como : Pablo Picasso , Agustín Ibarrola, Oteiza ,Daniel Vázquez Díaz, etc .

Fue Catedrático de Bellas Artes desde 1934, Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1974,Consejero de Cultura de la Excma. Diputación Provincial de Burgos desde 1981, Premio Castilla y León de las Artes 1998, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1995,Candidato al Premio Príncipe de Asturias en 1996, Académico de Honor de la Academia Burgense de Historia y Bellas Artes (Institución Fernán González) desde 1996, Hijo Predilecto de la Provincia de Burgos desde 2000 e Hijo Adoptivo de la Capital Burgalesa desde 1993.

Su obra, desde los años treinta, se ha mostrado en los principales museos y certámenes artísticos mundiales, tanto en exposiciones individuales como en o colectivas. Ha expuesto en París, Nueva York, Tokio, Osaka, Montevideo, Caracas o Washington, así como en las bienales de Venecia, 1956, São Paulo 1952-53 y 1959 y La Habana, 1954; y en Exposiciones Universales, Mundiales o Internacionales (París, 1937; Tokio, 1960; Sevilla, 1992; Lisboa, 1998).

Cabe destacar, en lo relativo a sus muestras individuales las que desde los años 40 hasta el presente lleva a cabo en las principales galerías del país y del extranjero; las madrileñas: Biosca , Clan , Estilo , Fernando Fe, Seral, Novart, Sala de Santa Catalina del Ateneo de Madrid , Turner , Sala de la Dirección General de Bellas Artes , Galería del Club Urbis, la Challete Gallery y la National Art Galleries of Spain ,ambas en Nueva York, la Jhon Bolles ´ Gallery de San Francisco , las míticas santanderinas : Proel y Ateneo de Santander ,Ateneo de Salamanca y las bilbainas: Stvdio, Arte y Mikeldi .

Su obra ,también ha podido ser contemplada en exposiciones temporales( individuales y colectivas) ,en museos ,salas y galerías como : el MOMA y el Metropolitan Museum de Nueva York , el National Museum de Washington , el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Conde Duque y el Museo de la Ciudad , todos ellos en Madrid . El Museo de Bellas Artes de Bilbao, Palacio de las Bellas Artes de París ,Museu de Arte Moderna de São Paulo, Palau de la Virreina y Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona ,'Palau Solleric de Palma de Mallorca , National Museum of Modern Art de Tokio , City Art Museum de Nagoya ambos en Japón , el Moderne Kunst de Bruselas , el Kunst Museum de Bonn ,etc.

Su labor pictórica se desarrolló desde los tempranos años 30 hasta la década de los 90, recorriendo a lo largo de casi siete décadas de producción diversas tendencias: Academicismo, Cubismo, Neocubismo, Expresionismo Figurativo, Constructivismo, Expresionismo Abstracto,Collage, Abstracción Geométrica, Arte Pop, Action Painting o Abstracción Matérica.

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James Brooks

James Brooks (Saint Louis, 18 de octubre de 1906 – Brookhaven, 9 de marzo de 1992) fue un muralista, pintor abstracto y ganador de la Medalla Logan de las Artes estadounidense.

Brooks estudió, entre 1923 y 1926, en la Universidad Metodista del Sur; Instituto de Arte de Dallas y con Martha Simkins. Posteriormente, entre 1927 y 1930, en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York; clases nocturnas con Kimon Nicolaides y Boardman Robinson. Brooks trabajó como pintor comercial para mantenerse.

Brooks fue amigo de Jackson Pollock y Lee Krasner en Long Island oriental. Entre 1936 y 1942 participó en el Proyecto de Arte federal ([[WPA), ejecutando murales: Biblioteca Pública de Queens (demolida), Nueva York; Marine Art Terminal, Aeropuerto LaGuardia, Flight (restaurado en 1980), Nueva York y Oficina de Correos, Little Falls, Nueva Jersey.

En 1947 se casó con la artista Charlotte Park. Se considera que pertenece a la primera generación de pintores del expresionismo abstracto. Brooks estuvo entre los primeros expresionistas abstractos que usaron las manchas como una técnica importante. Según Carter Ratcliff¹ «Su preocupación siempre fue crear accidentes pictóricos, de la clase que permiten que significados personales enterrados se hagan visibles». En sus cuadros de finales de los cuarenta, Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para manchas lienzos prácticamente crudos. Estas obras a menudo combinaron caligrafía y formas abstractas. Brooks tuvo su primer exposición individual de pinturas expresionistas abstractas en 1949 en la Galería Peridot de Nueva York.

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Alberto Burri

El trabajo de Alberto Burri, contestatario frente a las formulaciones de la naturaleza decorativa de la abstracción que dominaba en la Europa de post-guerra, persiguió radicales intervenciones sobre la materia que le llevaron a una manera peculiar de elaborar el campo pictórico. El artista pensaba que el soporte del cuadro y su superficie deberían formar una unidad; para conseguirlo obviaba uno de esos dos elementos. Sus investigaciones en torno al “polimaterismo” le hicieron abandonar definitivamente las reglas academicistas de la pintura y a romper con el tradicional plano bidimensional.

Su trabajo se ha relacionado con los de artistas como Fautrier, Hartung, Dubufet, y Soulages. También se ha descrito su paralelismo con Antoni Tàpies por la similitud a la hora de negar la estructura formal en su trabajo y por el empleo de materiales en bruto, hasta ese momento ignorados por el arte y exentos de toda connotación estética o plástica.

Conocedor de los materiales, de su peso, su color, su intensidad de luz, sus profundas estructuras, cuánto pueden ser trabajados y su grado de resistencia, Burri trabaja con ellos realizando acciones en estado bruto, que van desde los collages de los primeros años con alquitrán, piedra pómez y arpillera, a la serie de los “Gobbi”, donde manosea la estructura del cuadro para introducir elementos rígidos entre el bastidor y la tela, pasando por su conocida serie de las “Combustione”, en la que manipula los materiales aplicándoles calor y fuego. En la obra de Burri, los materiales son siempre de desecho, conocidos como “dopo”, materiales que han sido usados ya anteriormente. Pero esa materia se da como lo que es, materia, y sólo en una segunda fase, en la adaptación que el observador hace de la obra, es cuando alcanza el valor que le ha sido asignado.

Su participación en la colectiva “Younger European Artists” del Solomon R. Guggenheim en 1953 genera una atención a nivel internacional, que se repetirá con el reconocimiento de su trabajo en la Bienal de São Paulo en 1959 y el Premio de la Crítica de la Bienal de Venecia de 1960. Desde entonces, Burri ha sido considerado como uno de los pilares del arte italiano del siglo XX, junto con otros artistas de italianos como Lucio Fontana o Piero Manzoni.

Alberto Burri nace en Città di Castello (Perugia, Italia) el 12 de marzo de 1915. Se licencia en Medicina en 1940 y, siendo oficial médico, cae en manos de los aliados en Túnez en 1943. Se le envía entonces al campo de Hereford, en Texas, donde comienza a pintar.

El artista regresa a Italia en 1946, se instala en Roma y se dedica a la pintura. De 1947 y 1948 datan sus primeras exposiciones personales en Roma. En 1951 participa en la fundación del grupo “Origine” con Ballocco, Capogrossi y Colla, y al año siguiente expone en la Galleria dell'Obelisco, Neri e Muffe (Negros y Mohos). A partir de 1950 adquieren relevancia los Sacchi (Sacos), que llegan a predominar en las exposiciones personales que, después de Roma, se suceden ya en otras ciudades americanas y europeas, como Chicago, Nueva York, Colorado Springs, Oakland, Seattle, São Paulo, París, Milán, Bolonia, Turín, Pittsburgh, Búfalo y San Francisco.

En los años cincuenta, en los sucesivos encuentros con el público (Venecia, Roma, Londres, Nueva York, Bruselas, Krefeld, Viena y Kassel) aparecen los Legni (Maderas), las Combustioni (Combustiones) y los Ferri (Hierros). A principios de los sesenta, a muy poca distancia, se suceden las primeras antológicas que, con la nueva aportación de las Plastiche (Plásticas), se convertirán en auténticas retrospectivas históricas en Darmstadt, Róterdam, Turín y París (1967-1972).

La obra del artista en la década de los setenta experimenta un progresivo enrarecimiento de medios técnicos y formales en pos de soluciones monumentales, desde los Cretti (Grietas) (tierras y cola Vinavil) a los Cellotex (aglomerados de uso industrial). En esta época se multiplican las retrospectivas históricas: Asís, Roma, Lisboa, Madrid, Los Ángeles, San Antonio, Milwaukee, Nueva York y Nápoles. Por aquellos años Burri realiza complejos organismos cíclicos de estructura polifónica. El primero fue “Il Viaggio” (El Viaje), presentado en Città di Castello en 1979 y trasladado al año siguiente a Múnich, luego “Orti” (Huertos) en Florencia también en 1980, “Sestante” (Sextante) en Venecia (1983) y “Annottarsi” (Anochecerse) (1985 y 1986), que empieza en Roma un viaje por varias ciudades europeas.

Desde 1981 se expone permanentemente en el Palazzo Albizzini (Città di Castello) una cuidada selección de obras, homenaje de Alberto Burri a su ciudad natal. En 1984, para inaugurar la actividad de la pinacoteca de Brera en el sector contemporáneo, Milán acoge una exposición exhaustiva del artista. La suerte del pintor con la crítica está estrechamente vinculada, por un lado, con las reacciones adversas relativas a la divulgación de su obra, siempre en relación con la desigual evolución del gusto según la cultura de fondo de los diferentes países europeos y americanos; por otro, con las aproximaciones y tentativas de la crítica de relacionar su significado y sus motivaciones con las pseudocategorías de uso internacional: art brut, informal, conceptual u otras.

Sacking and Red
1954

En 1989 la Fundación Palazzo Albizzini adquiere los Ex Seccatoi del Tabacco, un conjunto de naves industriales donde se secaba el tabaco hasta los años sesenta. Esas arquitecturas irrepetibles, verdaderas moles, completamente pintadas de negro por fuera por deseo de Burri, fueron transformadas en una gigantesca escultura, que albergaría como ningún otro lugar sus grandes ciclos pictóricos, como “Il Viaggio” (El Viaje), “Annottarsi” (Anochecerse), “Rosso e Nero” (Rojo y Negro), “Non Ama il Nero” (No Ama el Negro). Éstas y otras muchas obras, entre las cuales se cuentan “Grande Ferro Sestante” (Gran Hierro Sextante), “Grande Ferro K” (Gran Hierro K) y “Ferro U” (Hierro U), colocadas en la entrada a los secaderos, fueron donadas por el artista a Città di Castello para completar el primer núcleo expuesto en el Palazzo Albizzini.



Combustione
1964

En 1990 Burri expone en una galería privada de Nueva York (Salvatore Ala Gallery) el ciclo “Palm Springs”, once grandes cuadros de cellotex de 1982.

La Pinacoteca Nacional de Bolonia organiza en el Palazzo Pepoli Campogrande, en 1991, una gran retrospectiva en la que se exponen por primera vez las obras de formato muy pequeño, cellotex inéditos. Antes de finales de año, Burri expone en la Mixografia Gallery, en Los Ángeles. Un año después la Galleria Sapone di Nizza propone obras de Burri en la F.I.A.C. de París en el Grand Palais, esta vez con cuadros de 1949 a 1992. La Obalne Galerije de Piran y la Moderna Galerija de Liubliana exponen una retrospectiva de obra gráfica (de 1962 a 1981) entre 1992 y 1993. En 1993 en los Ex Seccatoi del Tabacco se abre al público un nuevo ciclo que lleva por título “Il Nero e l'Oro”(El Negro y el Oro) y que consta de diez obras sobre cellotex. En 1994 Burri participa en la exposición The Italian Metamorphosis 1943-1968 en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Del 11 de mayo a finales de junio de 1994 la Pinacoteca Nacional de Atenas presenta el ciclo “Burri il Polittico di Atene, Architetture con Cactus” (Burri el Políptico de Atenas, Arquitecturas con Cactus) que luego viaja a Madrid, al Istituto Italiano di Cultura (1995). Alberto Burri muere en Niza el 13 de febrero de 1995.

Ref-

Scottie Wilson

(1888-1972)

Scottie Wilson pasó gran parte de su infancia en Glasgow. Se escapó de la escuela a la edad de nueve años, incapaz de escribir nada más que su nombre. A los dieciséis años se unió a los rifles de Escocia y luchó en el frente occidental durante la primera guerra mundial. En 1931, Wilson se trasladó a Toronto, donde tuvo una tienda de chatarra y donde por primera vez comenzó a dibujar. "Un día estaba escuchando algo de música de Mendelssohn", recuerda, "y yo estaba mirando a una de mis plumas con aspecto de un bulldog, con una punta tan gruesa como mi dedo - la sumergí en un frasco de tinta e hice garabatos en la superficie de la mesa ". Lo hizo durante dos días hasta que la mesa estaba cubierta por completo con los dibujos. Sus cuadros se caracterizan por su complejidad, y están llenos de extrañas criaturas míticas. André Breton y Picasso fueron grandes admiradores. Wilson está representado en la mayoría de colecciones de los museos más importantes del mundo.

Adolf Wölfli

Adolf Wölfli (Berna, 29 de febrero de 1864 - Waldau, 6 de noviembre de 1930) fue un prolífico dibujante considerado como uno de los máximos exponentes del llamado arte marginal o art brut.



Wölfli tuvo una infancia turbulenta. Fue víctima de abusos sexuales y quedó huérfano a los diez años, tras lo cual pasaría años interno en distintos orfanatos. Posteriormente trabajó como peón agrícola y llegó a alistarse fugazmente en el ejército. Acusado de intento de abuso de menores, fue condenado a una pena de cárcel. Tras su liberación fue arrestado por una ofensa similar, lo que le llevó a ser ingresado en el hospital psiquiátrico Waldau, en Berna donde pasaría el resto de su vida. Siendo víctima de psicosis y alucinaciones, inicialmente su comportamiento se describía como violento y agitado, razón por la que durante una etapa se le mantuvo en régimen de aislamiento.




Algún tiempo después de su internamiento, Wölfli comenzó a dibujar. Por desgracia sus primeros dibujos no han sobrevivido, resultando por tanto difícil determinar el momento exacto en que emprendió su obra. Los dibujos más antiguos que se conservan (unos 50) fueron realizados entre 1904 y 1906.


Walter Morgenthaler, médico de la Clínica Waldau, se interesó especialmente por la condición y la labor de Wölfli, llegando a publicar en 1921 Ein Geisteskranker als Künstler (Un paciente psiquiátrico como artista) que sería la presentación de Wölfli ante el establishment artístico.




El libro de Morgenthaler era revolucionario en ciertos aspectos, al sostener que una persona con una enfermedad mental severa podía ser un artista serio y contribuir por tanto al desarrollo del arte.




Puede que retrospectivamente esto suene irónico, a la luz de los numerosos artistas que a lo largo de la historia han sufrido enfermedades o incapacidades mentales. Sin embargo, el libro de Morgenthaler muestra el caso de un paciente que no tenía un previo interés por el arte y que desarrolla su habilidad de forma independiente y tras ser internado por una grave dolencia. en este aspecto Wölfli era un iconoclasta que influenció el desarrollo y aceptación del arte marginal, o art brut, tal y como lo concibió Jean Dubuffet.


Wölfli produjo una impresionante cantidad de trabajos a lo largo de su vida, frecuentemente con los materiales más pobres e intercambiando obras menores por lapiceros y papel con los visitantes de la clínica.

Las imágenes creadas por Wölfli son complejas, intrincadas e intensas, extendiéndose hasta los mismos márgenes del papel. Como manifestación de su "horror vacui", cada espacio vacío estaba ocupado por dos pequeños agujeros. Wölfli llamaba a las formas que rodeaban estos agujeros, sus pájaros.

Sus imágenes también contenían una dimensión musical fuertemente idiosincrática. Esta dimensión fue desarrollándose hasta desembocar en auténticas composiciones que Wölfli interpretaba con una trompeta de papel.

En 1908 se lanzó a la redacción de una obra semi-autobiográfica que llegó a tener unas 25.000 páginas y 1.600 ilustraciones reunidas en 45 volúmenes. A lo largo de esta narración los episodios de su propia vida se mezclaban con otros inventados, de forma que Wölfli pasaba de ser un niño a ser el "Caballero Adolf", de ahí a "Emperador Adolf" hasta finalmente convertirse en "San Adolfo II"

Wölfli murió en 1930 tras lo cual se estableció una fundación para la conservación de su obra y sus trabajos fueron trasladados al Museo de Bellas Artes de Berna, donde siguen expuestos hoy día.

El trabajo de Wölfli ha inspirado a muchos compositores, seguramente el más importante de los cuales es el danés Per Norgard que modificó radicalmente su estilo tras contemplar la exposición de Wolfi, llegando a componer una ópera inspirada en la vida de este artista que tituló "El Circo Divino".

Bibliografía

• Walter Morgenthaler, Madness & Art, The Life and Works of Adolf Wölfli (Lincoln: University of Nebraska Press, 1992) (= traducción al inglés de Ein Geisteskranker als Künstler). ISBN 0-8032-3156-3
• John Maizels, Raw Creation: Outsider Art and Beyond (1996). ISBN 0-7148-3149-2
• Elka Spoerri, Daniel Baumann and E. M. Gomez, The Art of Adolf Wolfli (2003). ISBN 0-691-11498-6

Bradley Walker Tomlin

Bradley Walker Tomlin (Siracusa, Nueva York, 19 de agosto de 1899 - St. Vincent’s Hospital, Ciudad de Nueva York, 11 de mayo de 1955) fue un pintor estadounidense. Estudió pintura en Londres y en 1923 se trasladó a París, donde recibió la influencia del trabajo de los postimpresionistas, y sobre todo de Picasso y Braque. En 1936 su estilo se modificó en contacto con el dadaísmo y el surrealismo. Posteriormente se decantó por la pintura abstracta y recibió la influencia de Gottlieb y Pollock.

También realizó trabajos para la portada de revistas como Vogue y House and garden.

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