Frederick John Mulhaupt

Frederick Mulhaupt nació en Rockport, Missouri, 28 de marzo de 1871,  hijo de Jacob Mulhaupt de Baden y Margeret Liebig de Hesse-Darmstadt, Alemania. Se crió en la pequeña ciudad de Kiowa en la frontera sur de Kansas, un salvaje territorio indio. La mayor parte de su carrera profesional transcurrió en Nueva York, Boston y East Gloucester. Estudió pintura en la Escuela de Diseño de la ciudad de Kansas después de un intento fallido de convertirse en  reportero de un periódico de esa ciudad. Luego se convirtió en un estudiante en el Art Institute de Chicago, donde fue profesor de pintura  en 1902. En lugar de prepararse en Munich como otros pintores de origen aleman en  América, Mulhaupt estudió en París y expuso pinturas en la Academia Nacional de Moret, Francia y St. Ives (Cornwall), Inglaterra. Cuando regresó de Europa, pasó los inviernos  en el Club Salmagundi en Nueva York  y los veranos en Cape Ann.  En 1917 expuso  en Gloucester y en ese mismo año Mulhaupt se instaló en esa ciudad  y se centró en la pintura de sus puertos y el paisaje.

 
Conocido por tener una personalidad solitaria y poco sociable.  Se casó con  una profesora, Agnes Leona Kingsley en 1921 y tuvieron un hijo Frederick (1922). Su gran estudio estaba encima del océano, ya que estaba  construido  sobre pilotes en Gloucester Harbor en Rocky Neck.

 
Mulhaupt fue miembro de la North Shore Asociación de Arte desde 1923 hasta su muerte, en la que  expuso   y ocupó varios puestos.  Mulhaupt fue miembrode la  North Shore Art Association  desde 1923 hasta su muerte, donde hizo exposiciones y ocupó varios puestos.   Fue miembro  de la  Associate of the National Academy (1926)  y de National Arts Club, Salmagundi Club, Allied Artists, Palette & Chisel (co-founder, Chicago), Boston Arts Club, Rockport AA; American Art Association en Paris  y de la  Artists Fund Association. . Aunque se considera un " post impresionista " el trabajo de Mulhaupt es impresionista. El artista enseñó en Nueva York, Chicago y Gloucester y pintó en los EE.UU., Canadá, Inglaterra, Francia y España. Sus premios incluyen el Premio Evans en el Club Salmagundi (Nueva York, 1907) y el Porter prize (1921),      Minneapolis, MN Popular Prize  (1924), awards at the Allied Artists of America   (Nueva York, 1925, 1930), una medalla de paisaje de  Philadelphia Sesqui-Centennial (1925), el Premio Bunce Prize, CT Academy of F.A. (1927); premios en the Ogunquit AA (1931, 1932) etc. Está representado en colecciones públicas y privadas. Mulhaupt murió de un ataque al corazón mientras pintaba en su estudio en Gloucester en 1938.

References: Movalli, Charles, Frederick Mulhaupt: New England Classic, American Artist, (January 1977); "Frederick J. Mulhaupt," Kathleen Kienholz, American Art Review, vol. xi, #4, August 1999; Who Was Who in American Art, vol. II, pp. 2359-2360.

Ahmet Murat Karayilan

Nací en Turquía en 1972.
He estudiado matemáticas,  Ingeniería Industrial y Bellas Artes. He participado en  numerosas exposiciones individuales y de grupo en Turquía y  en  el Reino Unido.

"En mis pinturas, las figuras en solitario, representan al ser humano poniendose en la situación de otro, requisito indispensable para comprender el "tiempo como puro".  por sí solos el ser humano la 'situación de estar en ser de  alguien' es el requisito obligatorio para comprender el" tiempo "como puro. Sentir la continuidad  en cualquier momento, el rotor del reloj es en los cuadros como el símbolo de dicha continuidad.  Ademas, a veces hago hincapié  en las diferencias entre espacio y tiempo  que es conducido por la continuidad de  las paginas de las revistas del fondo-  Hay solo un ojo, izquierdo o derecho, en las caras, pero en un lado, el (ojo) retina es suficiente  para la identificacion.  Cada una de mis figuras en  "Dasein". Como usa    Heidegger;.... tiene conocimiento   de la existencia  temporal del tiempo y siente su existencia constante. Constantemente.. Mientras que de que "Dasein" como una referencia a la libre conciencia de la figura,  en las pinturas esto queda reflejado. "
karayilan72@hotmail.com

MI COMENTARIO- Bueno, traducir esto es muy complicado, para entenderlo pongo este enlace
 Aproximación al pensamiento de Heidegger
http://mercaba.org/Filosofia/heidegger/HEIDEGER_01.htm 
 

José Gutiérrez Solana

 
 

 

 

 





 Madrid 1886 - 1945
Nace en Madrid en 1886, estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde desarrolla un lenguaje propio alejado tanto el academicismo como de la vanguardia. En su periodo de formación (1900-1908) realiza copias de las obras de Goya, mostrando un recuerdo a las pinturas de Regoyos. Se mueve en los círculos intelectuales de la Generación del 98, con quien comparte la visión pesimista de España. Representa escenas populares del Madrid suburbial con un violento cromatismo y con una pincelada densa. Los temas, siempre los mismos, muestran escenas de carnaval, tauromaquia o prostitución, con una fuerte carga social. 

Ref- Arte Historia

Michael Bauer

Michael Bauer (nacido en 1973  en Erkelenz, Alemania, se acaba de trasladar de Berlin a Nueva York
 .
Bauer ha mostrado sus obras en numerosas exposiciones colectivas como "Das Kabinet" en la Galerie und Hammelehle Ahrens , Colonia, "Superschloss" de Städtische Galerie , Wolfsburg y "Brotherslasher" (con Jonathan Meese). Su trabajo se ha visto en ocho exposiciones individuales y en exposiciones colectivas en Europa y América desde 1999. Recientemente ha celebrado una exposicion individual en  Nueva York en Lisa Cooley Gallery

Clara Hastrup

Nací   en 1990 en Aarhus, Dinamarca.

En mi trabajo persigo captar la vulnerabilidad y  lejanía de  lugares que he visitado recientemente - Sitios hermosos  y  lugares que no sugieren  hogar  o humanización. Referencias de  fotos son una parte muy importante de mi proceso de trabajo. Puedo tomar muchas fotos en mis desplazamientos y siempre  me  sirven como una gran fuente de inspiración o como ayuda para recordar y describir ciertas experiencias o emociones que  se  pueden transferir al  lienzo. Detrás de cientos de pequeños cuadrados uno puede sentir los ríos, la selva y las montañas-a veces en un vago e  indefinible fondo.

KAI McCALL

Kai McCall nació en 1968 en Canadá.  Se licenció en  la Universidad de Western Ontario en 1991.
Influenciado por los Maestros holandeses del siglo 17, la literatura y el cine, le gusta imaginar sus figuras pintadas como personajes atrapados en una obra de ficción, enfrentados a  retos y conflictos.
  No hace bocetos antes de empezar a pintar, por lo que su pintura evoluciona gradualmente y directamente sobre el lienzo. Su estilo meticuloso de capas delgadas  de pintura,  técnica tomada de los pintores del Siglo de Oro, produce la ilusión de telas brillantes y  carne translúcida.
Su trabajo ha sido exhibido en Canadá y en Londres, Inglaterra.

Iba N'Diaye

Iba N'Diaye (San Luis de Senegal, 1928 - 2008) fue un pintor franco-senegalés.
Con 15 años, asistió al Lycée Faidherbe y pintaba los carteles de los cines y de la ciudad.

Se fue a París en 1948, donde frecuenta clubes de jazz y comienza arquitectura en la École des Beaux-Arts. El escultor Ossip Zadkine le descubre la escultura tradicional de África y viaja por Europa.
La independencia de Senegal le hace regresar en 1959 y participa en la creación de la École des Arts du Sénégal, donde realiza una exposición en 1962 y es docente hasta 1966.
Fue en el taller de la Ruche donde nace su serie de óleos sobre el sacrificio del cordero que expone en 1970 en Sarlat, y en 1974 en Amiens.
En 1981, expone en Nueva York, en 1987, en el Museum für Völkerkunde de Múnich, en 1989 en los Países Bajos, en 1990 en Tampere (Finlandia), en 1996 en el Museum Paleis Lange Voorhout de la Haya, en 2000 en su ciudad natal, etc.

 

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JUAN DIEGO CABALLERO OLIVER

 EL  MEJOR BLOG DE ARTE EN INTERNET

SÍ A LA HISTORIA DEL ARTE

Nacido en defensa de la Licenciatura en Historia del Arte y como medio para evitar su desaparición de las universidades públicas españolas, SÍ A LA HISTORIA DEL ARTE pretende ser un espacio para las noticias y la reflexión en torno a esta disciplina científica

ENSEÑ-ARTE

La Historia del Arte para todos.

Recordando a Juan Diego Caballero. Autor de ENSEÑ-ARTE.

Hoy, por casualidad me he enterado del fallecimiento de  JUAN DIEGO CABALLERO OLIVER, el  día 15 de julio de 2011, profesor y catedrático de Geografía e Historia del IES Néstor Almendros, de Tomares (Sevilla).  Juan Diego Caballero Oliver ha sido autor de diferentes libros, trabajos de investigación y blogs relativos a la Historia del Arte y su Didáctica, muy en particular del blog Enseñ-Arte, modelo de publicaciones electrónicas destinadas a la docencia en esta materia.

Según la breve reseña biográfica que consta en el citado blog, Juan Diego Caballero (Sevilla, 1957-2011) "ha sido profesor de Didáctica de las Ciencias Sociales en el ICE de la Universidad de Sevilla, tarea ésta de la didáctica y la formación inicial del profesorado en la que ha elaborado diversas publicaciones. Es autor de obras destinadas al alumnado de Educación Secundaria. Destaca entre ellas la serie constituida por libros de texto de educación de adultos: “El mundo en que vivimos”, “Nuestro Mundo” y “El Mundo Contemporáneo”. Ha sido Director, Vicedirector y Jefe de Estudios en varios IES de Cádiz y Sevilla. Durante algunos años trabajó en la administración educativa andaluza, como Jefe de los Servicios de Gestión de Personal y de Ordenación Educativa de la Delegación Provincial de Educación de Sevilla. Ha impartido cursos relacionados con la Didáctica de las Ciencias Sociales, la gestión y organización de centros docentes y el desarrollo del currículo."

El Silencio es tan acertado -Mark Rothko

¿Como llegué a esta trágica noticia?  Algo me impide entrar en mi FACEBOOK, así que abrí uno nuevo y al buscar contactos en mi correo para invitar me encontré con el suyo.  Me pregunté quien era y busqué en internet. ¿Por que lo tenía yo en mis contactos del correo?  Me acuerdo perfectamente ahora.  Un día me envió un mensaje, yo me sentí feliz pero enseguida me advirtió que no era DE AMISTAD, mas bien era para reñirme por copiarle una entrada y no poner la procedencia.  Publiqué toda la bronca,  por ahí están las conversaciones en COMENTARIOS. Le llamé "analítico"- lo siento.

Mi pésame, aunque tarde, a su familia. UNA GRAN PERDIDA, DE VERDAD

Albert Marquet

 Albert Marquet (27 de marzo de 1875 – 14 de junio de 1947) fue un pintor francés, relacionado con el fauvismo.

Ese golpe de luz, ese naranja encendido que resbala sobre la carne de la modelo bastaría para justificar la presencia de Albert Marquet (1875-1947) en una historia del arte del siglo XX. Entre 1898 y 1901, él y su amigo Matisse, trabajando codo con codo, tuvieron el primer vislumbre de lo que más tarde se llamaría “fauvismo”. Pero Marquet no fue sólo un precursor, ni su obra de madurez puede identificarse con la vehemencia expresionista del fauvismo. Como señaló hace tiempo el crítico Hilton Kramer, las sensaciones que provocan un bodegón de Morandi o un paisaje de Marquet no son fáciles de explicar, porque no encajan en los esquemas habituales sobre la evolución del arte moderno. Razón de más para desconfiar de los esquemas.

 Después de la aventura fauvista, donde estuvo cerca, más aún que de Matisse, de un pintor más moderado como Dufy, Marquet fue atenuando su gama de color y centrándose en el estudio de los efectos atmosféricos. Su pintura, cada vez más delgada, iba ganando en sutileza, acercándose a veces a la tradición del paisaje chino, con la extremada delicadeza de sus lejanías. Por ejemplo, en Naples, le voilier, donde la base de las montañas azules del fondo se esfuma, se desvanece. 

 La pintura de Marquet aparece siempre bajo el signo del agua. Su factura fluida, su color lavado, sus siluetas borrosas sugieren una música acuática. El agua es el tema explícito de la mayoría de los cuadros: de los paisajes donde el Sena aparece entre los árboles y de las escenas portuarias con los barcos que se mecen como invitándonos al viaje. El propio artista cedió a esa invitación y fue un viajero incesante, desde Noruega a Egipto, desde Rusia a España. De esos lugares se trajo una larga serie de impresiones poéticas, donde el mar retorna siempre idéntico y siempre diverso. El mar puede ser esa inmensidad serena, de color turquesa, que asoma entre los altos árboles en Jardin au Pyla, como una puerta al verano en esta mañana gris de enero. O puede confundirse con el cielo en una atmósfera turbia, como en una escena del puerto de Hamburgo, donde casi puede respirarse el gusto salado de la brisa y el aroma acre del humo de los barcos. 

 A lo largo de tantos años de viaje, Marquet regresaba siempre a su observatorio de París, a la ventana de su atelier. Desde allí pintaba el tráfago en torno al Sena con cierta distancia, como viendo pasar la vida sin dejarse arrastrar por ella. Pintaba los puentes y los quais de París, no con la alegría exultante de Monet y Renoir, sino envueltos en una espesa melancolía, como ese Pont Neuf de nieve y bruma, donde los transeúntes, mínimas siluetas, se apresuran por las aceras, pisando la dudosa luz del día.

 

Édouard Dermit

Jean Cocteu y  Edouard Dermit con Francine Weisweiller, 1956

Fue el hijo adoptivo, heredero universal y amante de Jean Cocteau. Igualmente pintor, fue responsable de terminar en 1965, de la Capilla Notre-Dame-de-Jérusalem de la localidad francesa de Fréjus, de diseñada por Cocteau y que dejó inacabada a su muerte en 1963. Experto comediante, Édouard Dermit fue un estrecho colaborador de Max Jacob y uno de los principales amigos del pintor.
Su hijo, Stéphane, ha vendido a Pierre Bergé, del que también era ahijado, la última casa de Jean Cocteau en Milly-la-Forêt convertida en la Maison Cocteau inaugurada el 23 junio de 2010.

Antoine (Edouard) Dermit, actor y pintor:  nació en 1925;  murió el 15 de mayo de 1995.

A principios de 1947, cuando   Cocteau empezó a vivir en  Milly-la-Foret, la casa donde iba a morir casi 20 años más tarde,  se lió con un joven jardinero, el sensacionalmente guapo   Edouard Dermit,  que estaba destinado a jugar una parte muy importante en su vida y obra.

Dermit  tenía 22 años cuando conoció a   Cocteau.   Era hijo de un minero de  Lorrain, y  Edouard trabajaba en las minas de hierro tambien. Mostrando el magnífico físico del rubio Cocteau reveló al mundo sus tres mejores películas
Les Enfants Terribles (1949), Orphee (1950) y Le Testament d'Orphée (1959). 

 Su nombre en esta última de las películas de Cocteau fue Segeste, pero había sido bautizado como Antoine, y Edouard era un nombre que le había dado su madre, popularmente abreviado Doudou. Segeste era el nombre de uno de los ángeles de Cocteau en su poema temprano "L'Ange Heurtebise".

 El poeta confió la dirección de Les Enfants Terribles a Jean-Pierre Melville, y en su ambiente  de  invernadero Dermit  hizo  una buena interpretación  como Paul,  junto a Nicole Stéphane interpretando a  su hermana Elizabeth. Esta memorable actuación de un actor desconocido, cuidadosamente entrenado por Cocteau y  la sensibilidad  en la direccion de  Melville, causó   sensación. La bella iluminación y la música inquietante de Georges Auric añadió encanto de la película.

 La belleza  de  Dermit se exhibió de nuevo para el efecto artístico de Cocteau en Orfeo, que también tenía música de Auric. Al igual que en Les Enfants Terribles, Dermit estaba rodeado por conocidos artistas - Jean Marais, María Casares y Francois Perier, con Juliette Greco en una pequeña parte. Pero era tal su dignidad natural, el encanto físico y personalidad magnética,  que  brilló con una magia especial entre todos los profesionales experimentados.

Edouard Dermit se destacó en la última película de Cocteau, el testamento de Orfeo. Interpreta a un joven poeta, Segeste, que dirige el poeta Cocteau lejos de las preguntas formuladas por el tribunal a finales de Orphee. Segeste había muerto en la película anterior, y regresa aquí como guardián del poeta mayor. La mayor parte de la película fue filmada en Les Baux-de-Provence, que está en lo alto de una colina. La entrada a Les Baux se llama le val d'enfer (Valle del Infierno) donde Dante vivió  y hay una creencia local que le inspiró varias escenas para el Inferno. Todo el elenco y el equipo se quedó en lo que hoy es un famoso hotel, La Baumaniere, y gran parte de la película se desarrolla en las grutas cercanas  de Les Baux. Cocteau tenía la esperanza de hacer una película allí   del británico Racine, protagonizada por Jean Marais, pero nunca llegó a realizarse.
Marais aparece en el papel de Edipo mientras que  Dermit interpreta dos partes vinculadas, como Segeste y como el mismo, el hijo adoptivo de Cocteau, quien también es pintor. Entre los muchos amigos de Cocteau que aparecieron en la película son Yul Brynner, Daniel Gelin, Pablo Picasso, Charles Aznavour, el torero Dominguín,  Francoise  Sagan, gitanos de Saintes-Maries-de-la-Mer y la señora Alec Weiswiller, en cuya villa en Cap-Ferrat Cocteau se quedó durante varios años. Dermit fácilmente se destaca entre ellos como una persona de autoridad grave y misteriosa fascinación.

Cocteau había descubierto pronto la habilidad de  Dermit como pintor, y le enseñó todo lo que el  sabía acerca de las técnicas de arte. Cuando murió en 1963, Cocteau dejó muchos dibujos y bocetos para los frescos de una pequeña capilla en Frejus, y   éstos  su hijo adoptivo  pudo  utilizar con el fin de completar la obra de su maestro en ese país. Cocteau también había dejado a su cargo el manuscrito de una obra póstuma, Passe defini, que Dermit vio a través de la prensa.

 Edouard Dermit se casó y tuvo dos hijos, Jean y Stephane. Jacqueline Picasso y Jean Marais apadrinó  a la primera, mientras Francine Weissweiler y Pierre Berge cumplieron  estas obligaciones con  el segundo. Junto con Jean Marais, Dermit se hizo cargo del patrimonio artístico de Cocteau, y continuó desarrollando sus propios dones como artista.

 EL TESTAMENTO DE ORFEO
Testament of Orpheus (French: Le testament d'Orphée) is a 1960 film directed by and starring Jean Cocteau. It is considered the final part of the Orphic Trilogy, following The Blood of a Poet (1930) and Orphée (1950). In the cast are Charles Aznavour, Lucia Bosé, Maria Casarès, Nicole Courcel, Luis Miguel Dominguín, Daniel Gélin, Jean-Pierre Léaud, Serge Lifar, Jean Marais, François Périer and Françoise Sagan. It also includes cameo appearances by Pablo Picasso and Yul Brynner. The film is in black-and-white, with just a few seconds of color film spliced in.

Directed by:

• Jean Cocteau

Produced by:

• Jean Thuillier

Cast:

• Edouard Dermit
• Henri Cremieux
• Jean Cocteau
• María Casares
• Pablo Picasso
• Yul Brynner