Richard Hamilton, el padre británico de Andy Warhol
"Aunque me interesé por el fenómeno pop, nunca me sentí asociado a ese término, que utilizaba para describir a Elvis Presley y la imaginería vulgar estadounidense de cucuruchos de helados y hamburguesas", dijo en una ocasión a la cadena BBC.
Su obra es considerada como precursora de la producción ‘pop’ en EEUU, donde emergieron artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein o Robert Rauschenberg. Durante los 60, Hamilton retrató al cantante Mick Jagger detenido por posesión de drogas (SwingeingLondon, 1968-69). También diseñó la mítica portada en blanco del WhiteAlbum de los Beatles.
El compromiso político salpicó su obra como en El ciudadano, donde aborda el conflicto de Irlanda del Norte. Con el nuevo siglo, a tenor de la guerra de Irak, Tony Blair fue el blanco de sus críticas en Shock and Awe, 2007-08.
Inicia sus estudios en la Royal Academy y en la Slade School de Londres pero sus primeras actividades son como delineante técnico. En 1950 realiza su primera exposición en solitario, presentando aguafuertes. Dos años más tarde imparte clases de tipografía, diseño industrial y platería en la Escuela Central de Artes y Oficios. Ese mismo año funda con Paolozzi el Grupo Independiente, interesándose por el pop art, estilo en el que Hamilton destacará como uno de sus máximos representantes. Utiliza imágenes fotográficas y collages, interesándose por las "mitologías cotidianas", desde la admiración por los automóviles hasta el erotismo comercial o el confort doméstico, haciendo una mordaz crítica al consumismo y la cultura de masas. Marcel Duchamp será uno de sus autores favoritos y a él dedicó una gran retrospectiva en la Tate Gallery en 1966. Este mismo museo dedicará a Hamilton una exposición en 1979, retrospectiva que también se exhibirá en el Kunsthalle de Berna.
http://youtu.be/Nk1FS0Ch4AI English, click here Nació en 1976 en Saitama, Japón. Pionera del grupo post-posmoderno Superflat (superplano), que quería fundir la cultura mediática japonesa con el manga y el arte pop, Takano representa mejor que nadie el cruce generacional entre el manga y la cultura del comic con la tradición japonesa más elevada. Sobre su pintura: "Escenas orgiásticas con adolescentes medio desnudas que devoran tentáculos de pulpos o jabalíes bajo la luz festiva de los farolillos; visiones nocturnas de un Tokio bañado por una iluminación que le confiere un aspecto onírico; escenas de intimidad erótica entre dos muchachas en quimono, con las mejillas sonrojadas por una primera emoción amorosa: AyaTakano crea un mundo, que es el suyo, donde confluyen los aspectos más contradictorios y fascinantes del Japón contemporáneo".
ARTE | Gerhard Richter EL MUNDO.es CULTURA Viernes 10/02/2012
'¿15 millones por una obra mía? Es repugnante'
A Gerhard Richter le resulta 'irreal' y 'repugnante' que sus obras alcancen precios de 15 millones de euros en el mercado. Él mismo lo ha reconocido así con motivo de la exposición 'Richter Panorama', que presenta hoy la Neue National Galerie de Berlín y que cuenta con 150 obras de este artista, calificado como 'una mente de otra dimensión' por el presidente de la Fundación Cultural Prusiana, Hermann Parzinger. A sus 80 años, Richter se ha consagrado como uno de los mayores pintores alemanes del siglo XX a través de una coherente trayectoria que va desde los años formativos en Dresde, donde a los 13 años sobrevivió al terrible bombardeo de la ciudad, pasando el periodo de 1961 a 1964 en la Academia de Düsseldorf, su asentamiento como artista en los años siguientes y la exploración del abstracto a partir de los 70, apartado en el que es considerado el gran innovador europeo.
Esta trayectoria, que culmina sobreponiéndose al mandato del realismo socialista para ser figurativo antes de pasar al oeste y descubrir el constructivismo, impulsa sus obras en el mercado hasta la escala más alta de los precios, cuestión que a él parece molestar profundamente. 'Quienes pagan semejantes cantidades por los cuadros los tratan como casas, joyas o yates', protesta Richter, que asegura que tener que 'ver las casas donde han colgado su obra' le resultaría 'un calvario' . ¿Soberbia de un divo que se cree superior a los demás y desprecia a quienes le admiran? ¿Imprudencia de quién muerde la mano que le da de comer? "No, no es eso, Richter es un artista muy serio, lo que es raro en una época postmoderna. Y en su concepción de las cosas, el valor del dinero no puede ser comparado con el valor del arte", le defiende Parzinger. En palabras del propio Richter, con motivo de la presentación de la retrospectiva, el arte constituye "la forma más alta de esperanza", la "pura realización del sentido religioso". "Dibujarnos una impresión de las cosas es lo que nos hace humanos", dice.
Un paisaje nevado de Claude Monet acaba de ser vendido por 13 millones de dólares en Londres, en una subasta en la que la obra 'Peinture' (Pintura) de 1933 de Joan Miró, no encontró comprador. Sólo un día antes, una pintura-poema surrealista de Joan Miró (1893-1983), 'Le corps de ma brune...', stableció un récord mundial para el artista catalán en una subasta en una venta similar organizada por Christie's, al cambiar de manos por 16,8 millones de libras (26,5 millones de dólares). Esa misma noche, una obra recientemente redescubierta de Gustav Klimt, 'Seeufer mit Birken' (Orilla de un lago con abedules, 1901), estimada en al menos 6 millones de libras, tampoco encontró comprador durante la puja, pero se vendió justo después de forma privada por 8,9 millones de dólares. ¿Muestran estos precios algún indicio de racionalidad?La familia real del emirato árabe de Catar está dinamitando los precios del mundo del arte. En 2011 ha comprado la obra 'Los jugadores de cartas', del francés Paul Cézanne (1839-1906), al magnate griego Yorgos Embiricos por 192 millones de euros que alcanzan los 200 millones con tasas y comisiones, según ha desvelado 'Vanity Fair'.
Gerhard Richter adopta el papel de niño que grita lo que es evidente para todos, que el emperador está desnudo. Y lo hace en Berlín, la burbujeante capital creativa en la que los millones rusos elevan a la categoría de inversión las creaciones de incipientes artistas que exponen como máximo valor de su obra el carácter alternativo de su factura.
Varias obras del alemán Richter dominan la subasta de arte contemporáneo de 66 lotes que organiza Sotheby's en Londres para el próximo día 15 de febrero, mientras el autor se esfuerza por distanciarse de la figura de estrella postmoderna del arte cuya obra sea medida por la cantidad de millones que mueven sus cuadros.
Pintor y grabador americano reconocido interncionalmente. Su estilo esta basado en las relaciones espaciales y se ha asociado con el termino HARD EDGE. Se ha dicho de D'Arcangelo que "tiene la habilidad de definir, como si de un documento se tratara, las relaciones espaciales en un solo momento?.
Tras lograr un la licenciatura de Historia en la Universidad de Buffalo, se traslado a Nuevo Mexico, donde estudio arte, y en 1958 tuvo lugar su primera exposicion en solitario.
Ha recibido quince premios y encargos, y ha celebrado numerosas exposiciones individuales, muchas de las cuales han sido en museos importantes de Estados Unidos.
Su obra aparece en mas de treinta colecciones publicas, incluyendo el MoMA, el Museo Guggenheim, y el Brooklyn Museum de Nueva York, el Detroit Institute of Art, y el Walker Art Center en Minneapolis.
Artista multidisciplinar aleman. Ha trabajado con casi todos los materiales como vehiculo para traducir su gran capacidad creativa.
Nacio en Berlin, pero su niñez la paso en China, su familia viajo por Africa, Israel, Europa, y finalmente se establecieron en Estado Unidos. En Nueva York Max estudio en la Art Students League, el Pratt Institute, y la School of Visual Arts.
Tras completar sus estudios, abrio un estudio de diseño y comenzo a ganar premios, mas de 60, en el campo de la moda, alimentacion, diseño de posters y libros.... En 1964 cerro su estudio, fue entonces cuando comenzo a realizar sus obras mas coloristas, las serigrafias que tanto le caracterizan.
Desde 1972 y hasta 1976, estuvo en un periodo de retiro, para "reaparecer" con un libro de 50 pinturas, conmemorando cada Estado de Estados Unidos y dedicado al Bicentenario de dicho pais.
Max ha expuesto en aproximadamente 40 museos internacionales y mas de 50 galerias. Sus obras aparecen en numerosas colecciones permanentes de diversos museos, incluyendo el MoMA de Nueva York.
Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrero de 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010) Polke nació en la antigua Silesia pero con doce años se trasladó con su familia a Dusseldorf. Desde muy joven comenzó a realizar actividades artísticas con un marcado carácter corrosivo. Una de sus primeras exposiciones, realizada junto a su amigo Gerhard Richter y Konrad Lueg, quien luego pasaría a llamarse Konrad Fischer, llevaba el significativo título de "Capitalismo Socialista", una referencia al Socialismo Realista, estilo que imperaba en la época. Desde entonces, Polke ha mantenido siempre una relación especial con la media. Su obra ha de enmarcarse, en su primera época, en una suerte de versión alemana del Pop en la que construye una dialéctica a partir de la apropiación y de la asunción de temáticas relacionadas con el consumo. Siguiendo esta misma línea, Polke pronto comienza a investigar las posibilidades del soporte, flirteando con telas de naturaleza industrial con impresiones sobre las que trabaja sus iconografías populares. De este modo, el artista revitaliza y regenera todo su sistema de percepción de la imagen.
Robert Clark (n. New Castle, Indiana; 13 de septiembre de 1928), más conocido como Robert Indiana, es un artista estadounidense asociado con el movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.
Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país
Comenzó a estudiar arte en la Herron School of Art de Indianápolis y en el Munson-Williams-Proctor Institute de Útica, Nueva York. entre 1945 y 1948. De 1949 a 1953 lo haría en la School of the Art and Sculpture de Chicago y en Skohwgan School of Painting and Sculpture de Maine, y en ese mismo año se trasladaría al Reino Unido para estudiar en el College of Art de Edimburgo y en la Universidad de Londres hasta 1954.
Durante los primeros años 60 realizaría assemblages escultóricos, al mismo tiempo que comenzaría a desarrollar un estilo frío y multicolor utilizando letras, números o palabras cortas como EAT, HUG y LOVE, en el que jugaba con la simetría y con los elementos cromáticos.
Al margen de su actividad como artísta plástico, Indiana también apareció en 1964 en la película Eat de Andy Warhol y diseñó la escenografía y el vestuario de la obra teatral Santa Fe Opera en 1976.
En 1978 se trasladó a la isla de Vinalhaven en el estado de Maine y tras los ataques del 11-S realizó un conjunto de obras que tituló Peace Paintings que fueron expuestas en Nueva York en 2004.
A diferencia de otros representantes del pop art, Indiana ha estado más interesado en la identidad y cultura estadounidense que en los mass media y la cultura del consumo. La principal diferencia con sus coetáneos radicaba en su relación personal con Estados Unidos y con su estilo de vida. Sus obras se basaban en los factores que marcaron la cultura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX: la identidad nacional, la agitación política y social, el estancamiento frente a ella, el auge del consumismo, las presiones de la historia y en definitiva, el llamado sueño americano.
El sueño americano es la piedra angular de las obras de madurez de Indiana debido a que vivió su niñez durante la gran depresión de los años 30 y a que su etapa de formación como artista tuvo lugar durante las transformaciones sociales y políticas que vivió su país entre los años 40 y los años 60. El sueño americano fue la temática de su primer cuadro importante - vendido al MoMA en 1961 - y ha seguido representándolo hasta la actualidad, datando la obra Seventh American Dream de 1998. Indiana se ha acercado al sueño americano reconstuyéndolo y redefiniéndolo de diversas maneras: con sus obras políticas, como Alabama (1965), sus obras literarias, como The Calumet (1961), o sus autorretratos e investigaciones sobre fama e identidad, como The Metamorphosis of Norma Jean Mortenson (1963-1967) La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE han sido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen, consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinada hacia la derecha, fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el MoMA. En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulación un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos han definido a Indiana como «diseñador», «oportunista» o «one hit wonder» Tiene también una gran serie de esculturas hechas con extrusiones de números.
Indiana no pudo registrar los derechos de autor de LOVE y por ello ha encontrado muchas facilidades para introducirse en el mundo del arte. La imagen ha sido reproducida y parodiada en innumerables ocasiones en esculturas, carteles y adornos de escritorio en varios idiomas, entre ellos el español, el hebreo y el chino. La obra tuvo una fuerte influencia en la portada del libro Love Story de Erich Segal y se han utilizado variaciones sobre ella en portadas de discos de grupos musicales, como en la de Renegades de Rage Against the Machine y la del sencillo Little by Little de Oasis. Asimismo, otros artistas plásticos han realizado obras inspiradas en la imagen.
El emblema LOVE ha sido adoptado por los skaters, siendo habitual su aparición en revistas y vídeos sobre este deporte. Esta imagen comenzaron a utilizarla los colectivos que se opusieron a la prohibición del skateboarding en Filadelfia en 2002, ya que el LOVE Park, en el que se encuentra una escultura de Indiana, era el centro de reunión de los skaters de esa ciudad
