"El propósito de mis cuadros es mostrar el "estado de vida actual." Quiero expresar los sentimientos más profundos de la vida, en especial los sentimientos de los hombres, que es lo que más me importa."

 "A lo que aspiro con mi obra es a liberarme de cualquier carga o traba, sin criticas ni alabanzas. Tener o no tener, es un grave problema social de hoy en día, y el hombre es la causa de este problema."

"Me gusta dibujar los cuerpos de la gente, y el desnudo es el estado más natural y genuino de ser. Yo mismo me uso como modelo, pero las personas de mis cuadros no son yo. En mis pinturas, quiero hacer hincapié en la debilidad y la suavidad del hombre, no en la fuerza y dureza. Quiero mostrar alguna cosa que es más femenina, como la parte femenina del Yin y el Yang. Mis pinturas siempre muestran opuestos: luz y oscuridad, fuerza y debilidad, rígido y delicado, masculino y femenino, dinámico y estático, rojo y azul, frío y caliente. Presento estos contrastes en condiciones de igualdad y de manera imparcial. El mundo entero está lleno de opuestos y la unión de estos es armónica y completa."

WU MENGCHUN 

 

 Nació en Jinzhou, provincia de Liaoning, China.  Estudió en la universidad de Shenyang y pintura en la Academia Central de Bellas Artes en Beijing. 

Wu Mengchun es budista, y su obra esta fuertemene influenciada por sus creencias religiosas.  Pasa mucho tiempo solo, meditando o pintando. La pintura para el tambien es un tipo de meditación.  "Por lo tanto no es sorprendente que las figuras dentro de sus obras sean casi siempre el mismo" 

Wu Mengchun  dice que lo que pretende es retratar "un instante" en la realidad de la gente. En sus últimas series,  las figuras están a menudo duchandose o purificandose. Estan desnudas, la forma mas natural de una persona.  ¿No  sorprende  que los seres de  Wu Mengchun  estén en uno de los momentos más meditativos de nuestra vida moderna ... de tomar una ducha?   Ese es el momento cuando la gente puede realmente relajarse y liberarse de todas las presiones y preocupaciones.

  

Song Haizeng

 

 

 
 

 

 


Song Haizeng   nació en Tianjin, China en 1969.  Se graduón en  la Academia de Bellas Artes de Sichuan y completó un postgrado en la Academia Central de Bellas Artes de Peking.

Son Haizeng advierte la fragilidad de la vida, luego de la muerte de su joven hermano, y la costumbre del hombre de desaprovechar los escasos momentos placenteros. Así, en su obra más reciente, el artista produce una serie de autorretratos en la que pretende recrearse en un esperanzado mundo ideal de entretenimiento y alegría, contrapuesto a la no tan feliz realidad

Zhong Biao

 





Zhong  nació en China, en Chongqing, provincia de Sichuan, en 1968.  Estudió en la Academia de Bellas Artes de Hangzhou.  Se le considera el artista chino más famoso en el mundo,  en la actualidad-

 

Su obra es como una especie de auto-exploración sobre sus propias preguntas acerca de la historia y la modernidad. Pintar en una cultura que está asediada por el  consumismo y que muchos ciudadanos ahora consideran las tradiciones   anticuadas y conservadoras, Zhong Biao intenta resucitar  ante los ojos de sus contemporáneos la importancia de una propia identidad cultural china

 

Sus pinturas, aparte de la belleza evidente, tienen algo más.
 
El dice "No quiero forzar a los espectadores a que interpreten mi propio pensamiento. La mezcla de imágenes dentro de cada cuadro es como una combinación de elementos contradictorios en la vida. No tenemos que interpretar todo lo  que vemos en una pintura. Como la propia vida, no podemos comprender todo lo que hemos visto o experimentado.  En mis cuadros, oriente y occidente coexisten, reflejando  el estilo de vida actual"

xue jiye

Xue Jiye  (1965),Uno de los artistas contemporáneos más importantes de China, es un pintor y escultor surrealista, creativo y lleno de ideas.  "Tengo demasiadas cosas en mi mente, simplemente no tengo tiempo suficiente para expresar todas".  Pintor y escultor cautiva al espectador por su imaginación y poder visionario. 

No le gusta ser clasificado artísticamente, el opina que lo importante para un artista es representar las cosas con un lenguaje único y original que lo diferencie de los demás.  "Pinto porque tengo necesidad de pintar y los temas surgen por esa necesidad. Trabajo en un estilo surrealista porque me permite más libertad y me da más espacio, además la realidad se ha convertido en algo muy aburrido, la sociedad está adormecida"

 Xue representa la condición humana- la lucha constante por la existencia dentro de la sociedad. Representa  los cuerpos desnudos, indicando su indefensión y vulnerabilidad.

Los seres humanos durante toda la historia han participado en luchas, en las pinturas de Xue luchan desnudos, lo que indica que sin uniformes no se sabe quien es el contrincante asi que -esenciamente la gente que lucha son todos iguales. El artista lo que quiere hacernos ver  son las presiones  incesantes de la sociedad para que nos enfrentemos.

En su pintura tambien podemos apreciar la influencia de su propia escultura. Algunas veces  sus figuras nos parecen "como cinceladas"
 

En algunos de sus cuadros vemos figuras diminutas, desnudas, uniformes, rodeadas de estructuras gigantescas y esas pequeñas figuras pululan  por el lienzo como hormigas, subiendo y bajando escaleras gigantes, luchando, llevando material de construcción, excavando, construyendo enormes edificios que aparentan no llegar a ningún resultado práctico. El artista quiere reflejar como las sociedades, desde las pirámides de Egipto a los modernos edificios chinos, son los trabajadores dominados por la sociedad, a los que se les debe todo ese trabajo en conjunto de crear gigantescos monumentos. 
"La gente en mis cuadros son como herramientas que utilizan para construir una obra nueva y diferente" 

Las figuras masculinas de Xue Jiye se muestran desnudas, con cuerpos musculosos y manos y pies proporcionalmente grandes.  ¿quienes son esos personajes?  Es la forma básica del hombre,  alto o bajo, de piel claro u oscura, de oriente o de occidente, esencialmente todos los seres humanos somos iguales. El artista representa a los hombres en  espacios vacíos, de color marrón oscuro o negro.  Los cuerpos y los edificios en tonos rojos contrastando fuertemente con los fondos. Esto ayuda a evocar un mundo visionario, una mezcla entre la  Edad de Piedra y el futuro, los edificios parecen entre una reminiscencia de las antiguas culturas avanzadas y películas de ciencia ficción.



  Xue dice que la sociedad nos ha hecho más insensibles "las cosas que alguna vez fueron especiales se han convertido en ordinarias y aburridas".  En resumen, lo que el artista quiere hacer reflejar es el desencanto de la sociedad y la de su propia existencia. Nos quiere demostrar como la co-existencia nos conduce a la conformidad y como nos conducen a una uniformidad con la consecuente pérdida de ideas y valores.

y acabo con Magnífico artista, si señor!

DU XINJIAN

escenas surrealistas de gente volando y libre, inspiradas en los escritos del antiguo poeta chino Tao Yuan Ming.

"Cuando estoy pintando, las ideas salen de mi mente como sueños, y yo trato de capturarlas. Por ejemplo, imagino que las nubes pueden ser alas, que un ciego puede ver o que un burro puede entender poesía. Es un intento de romper con la realidad. Como pintor, tengo la libertad y la habilidad para expresar ese tipo de cosas." (Du Xinjian)

Nacido en 1962  Du Xinjian, graduado en la Academia Central de Bellas Artes de Beijing, es uno de los artistas chinos contemporáneos más capacitados técnicamente. El detalle dentro de sus cuadros es muy notable. Pero,  lo que lo diferencia de sus contemporáneos es su imaginación. Du Xinjian es un artista surrealista que lleva a la gente a una tierra imaginaria, que según él se basa en una historia del antiguo filósofo Tao Yuan Ming. A través de su obra, Du Xinjian elimina los límites de la vida cotidiana de la gente, las posibilidades parecen infinitas.

Du Xinjian admira a los antiguos filósofos chinos. Siendo él mismo un intelectual, Du Xinjian es muy consciente de las ideas y conceptos de las grandes mentes del pasado y de los conceptos históricos de los pensadores antiguos de China, como utopía, la justicia y el equilibrio entran en las pinturas del mundo imaginario de Du Xinjian.

  

Frans Koppelaar

Frans Thomas Koppelaar (23 de abril de 1943), Pintor holandés.  Estudió en la Academia Real de Artes Visuales en la Haya   (1963 - 1969) y despues se trasladó a Amsterdam.
 Sus paisajes recuerdan el estilo tradicional clásico de la Escula de la Haya de   George Hendrik Breitner, Isaac Israëls y Jacob Maris.
 Su estilo semejante al movimiento figurativo de la pintura contemporanea holandesa de la decada de 1990, con los años ha realizado un acercamiento, más simple, más vanguardista.  
Koppelaar también es reconocido por su trabajo como retratista.

Dan Attoe

Dan Attoe (Bremerton, Washington, 1975)

 Dan Attoe (Bremerton, Washington, 1975) Vive y trabaja en Portland, Oregon. Realizó estudios de arte en la University de Iowa y en Universidad de Wisconsin. Ha realizado
importantes exposiciones individuales tanto en EEUU como en Europa, entre las que destacan: You Have More Freedom than you’re using en Peres Projects, Berlin (2006) o You Get What You Deserve en Vilma Gold, London (2005), así como exposiciones colectivas entre ellas en el Contemporary Northwest Art Awards, Portland Art Museum, Portland (2007); There’s No Fooling You (The Classics), en Peres Projects, Los Angeles. "8th Northwest Biennial," Tacoma Art Museum, Tacoma, Washington, "The Zine
UnBound: Kults, Werewolves and Sarcastic Hippies," Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA
(2005) "Growing Up Absurd," Hebert Read Gallery, Kent, UK (2005) o Fictional Wonders / Real Hallucinations, Sioux City Art Center, Iowa (2004). Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas. Actualmente prepara una exposición individual en Peres Project Berlin y una colectiva en la Saatchi Gallery, London.

 El paisaje norteamericano es el tema predominante en toda la pintura de Dan Attoe. Estas imágenes, en las que predomina una pátina de irrealidad que bien podríamos identificar con lo onírico, pueden ser calificadas de surrealistas incluso de alucinaciones. Nativo de la costa oeste americana, sus paisajes pictóricos toman referentes de la Escuela del Río Hudson, incluso el uso de la luz y la minuciosidad de ciertos detalles aparece como metáforas románticas de nuestra contemporaneidad. La laboriosa ejecución de sus óleos evoca el preciosismo técnico de los maestros de la escuela de Barbizon o la pintura de tradición flamenca del siglo XV.

En muchas de sus obras plantea, incluso, una visión apocalíptica donde se mezclan la vida humana con la sublimidad del paisaje. La inclusión de esta naturaleza en muchas de sus pinturas se ha identificado con el hecho de que el artista pasó su infancia vinculado a ellos ya que su padre era empleado del United Status Forest Servicie, como revela en una de sus pinturas My dad used to fight fires and tranquilize bears for the Forest Servicie (mi padre solía luchar contra los incendios y tranquilizar a los osos para el Servicio Forestal). La mayoría de sus obras están concebidas con una perspectiva a vista de pájaro invitando, de este modo, al espectador a penetrar en ellas a través de esos diminutos detalles.

Sin embargo, en estos espacios unas veces reales, otras imaginarios, destaca la presencia del hombre. En la mayoría de ellos, deambulan distintos personajes, no sólo como hilo narrativo sino como planteamiento conceptual, fruto del interés que suscita en Dan Attoe la investigación de la identidad individual del ser humano. Influido por la cultura popular americana, los medios de comunicación y sobretodo la música de artistas como Neil Young, Tom Waits, Bruce Springsteen, Willie Nelson o Johnny Cash, el artista explora los rasgos identitarios de sus personajes, recreando escenas en las que estos llevan a cabo acciones que definen sus rasgos culturales, desde pasear a tomar cervezas en el bar, o escenas de conciertos de rock. De esta manera, mediante el paisaje explora algunas de las tensiones y ansiedades que subyacen en la cultura norteamericana.

Y es que Dan Attoe refleja en su obra muchos de los comportamientos sociales que, en principio, parecen ajenos al propio mundo del arte. Utilizando estrategias, que bien recuerdan al humor de muchos de los trabajos de Richard Prince, el artista pone en evidencia tópicos de la cultura norteamericana que en realidad, no dejan de ser parte de la suya y que él asume como tal. Del mismo modo que la iconografía visual que nos ofrece: desde latas de cerveza, bailarinas de strippers, carreteras entre bosques, pasando por cantantes de un grupo de música heavy metal o guiños a Nirvana y Metallica.

En sus obras el artista también impregna rasgos de su propia identidad. De hecho, durante años (de 1997 a 2004) Dan Attoe se impuso la tarea de realizar un cuadro de pequeñas dimensiones cada día, convirtiendo este acto cotidiano en un conjunto de cuadros que resultaban una especie de diario íntimo y personal, a los que, además, para que tomaran aún más, si cabe, este cariz, escribía en el reverso de cada uno diferentes poemas o simples relatos centrados en los últimos acontecimientos de su vida personal o historias sacadas de los medios de información. Textos que revelan la personalidad del creador, frases cargadas de ironía, sutiles declaraciones que reflejan sobre todo que Dan Attoe es un gran observador de su entorno. La incorporación de elementos textuales en sus obras revelan parte de sus pensamientos,– “Everything is more complicated than you think it is”(Todo es más complicado de lo que crees), “You are full of magic” (Estás lleno de magia) “Always wait for me” (siempre esperando por mí) o “Trying to control everything“ (Estoy intentando controlar todo).

Kees Van Dongen

 Holandés de nacimiento,  próximo a los círculos anarquistas rebeldes desde 1895, hábil y rápido caricaturista crítico y pionero del fauvismo, Kees Van Dongel (1977-1968) ocupa un lugar único en el arte de las vanguardias. Uno de sus protagonistas en el París de los locos años veinte, un período protagonizado por la nueva elite de escritores, estrellas de cine y del teatro.

Faive urbano, amante excéntrico del cuerpo femenio-  de la deformación de la luz eléctrica tomada por Degas y  Toulouse-Lautrec-, su viaje a Marruecos, España y Egipto realizado a principios de 1910 supone la reinvención de Oriente a través del uso del color. Aunque, sin duda,  París seguirá siendo el tema principal de su pintura:  el Montmartre dominado por la vida bohemia, alegre y popular, que había seducido ya a Picasso y Derain; o el corazón  de Montparnasse, todavía latente despues de la Gran Guerra.

 
A diferencia  de sus contemporáneos Derain, Braque o Dufy, su trabajo nunca ha entrado en el patrón de la evolución historico artística que va desde el Impresionismo al Cubismo. Deliberadamente, Van Dongen optó por seguir  una rutina original. Sus temas hacen de él un "pintor de la vida moderna" en el sentido de Baudelaire: esbozos de la vida nocturna, el baile, los cafés, el carnaval, el circo, retratos de celebridades y  figuras de la moda. Imágenes alegóricas del individuo, desnudos eróticos, fieles  pero hiper expresivos, que convierten al propio Van Dongen en objeto de fantasía.

Un ojo vigilante que recuerda a Degas y a Toulouse- Lautrec, pero tambien evoca los expresionistas  de Die Brücke .